daily recommended exhibitions

posted 16. Jul 2018

Sarah Sze

08. Jun 201828. Jul 2018
Sarah Sze 08.06.2018 - 28.07.2018 An exhibition featuring two new site-specific works: Images in Debris, an installation of images, light, sound, film, and objects, that seeks to transform the visitor's perception and experience of the first-floor gallery; and Afterimage, an environment of wall-based works in the ground-floor gallery that replicates aspects of the artist’s studio and includes elements made in situ as well as images collected, gathered and discarded in the process of making the work. In both works Sze continues her decades-long exploration of the ways in which the proliferation of images – printed in magazines and newspapers, gleaned from the Web and television, intercepted from outer space, and ultimately imprinted on our conscious and unconscious selves – fundamentally changes our relationship to physical objects, memories and time. Constellatory, monumental, intimate and immersive, Images in Debris, 2018, is the latest iteration of a major series of sculptures that study the image in motion. Begun in 2015, this series includes Timekeeper, first shown at Rose Art Museum, Massachusetts, in 2016 and subsequently at Copenhagen Contemporary in 2017, and Centrifuge, Sze’s site-specific installation for the Middle Hall of Haus der Kunst, Munich (on view until 12 August 2018). In these expansive works, Sze explores our sense of time, place and distance, and the construction of memory, through the never-ending stream of images – personal, searched, researched and found ­– that we negotiate daily. While Sze has worked with moving image since the late-1990s, these installations represent an evolution in her practice, where light, movement, images and architecture coalesce into a single, precarious equilibrium. Simultaneously a sculptural installation and a functional projection tool, Images in Debris lends equal weight to images and objects, breaking out of the flat screen into the space of architecture, and experimenting with the edges between the two. At its centre is an L-shaped desk, inspired by the artist’s own studio desk, which, acting like a projector at the centre of a planetarium, casts images on to torn sheets of paper attached to an intricate structure built on the desktop, and across the gallery walls. Moving and scanning the architecture at different speeds, the work unfolds like a series of experiments that seem to alter our sense of gravity, scale and time. Sze’s work has often referred to instruments of measure and mapping as well as the worlds they strive to evaluate. Part constellation, part debris field – a place of both networked and fractured relationships – Images in Debris is analytic of the ways in which we experience the image-saturated contemporary world. Poised at the intersection of the material and the virtual, it offers multiple screens or windows on to moments by turns public and private. The imagery itself – much of it shot on the artist’s iPhone – often points to its own materiality or changes in material state. A forest burns. Water spills or splashes – a reference to Harold Edgerton’s famous 1936 photograph Milk-Drop Coronet and to the earlier experiments of Muybridge and Marey. Edits, meanwhile, draw attention to processes of decay or transformation in a virtual sense – succumbing to pixilation, becoming ghostly like digital ‘snow’. In tandem, altered states of consciousness are suggested by imagery such as the motif of a child asleep. Within the slow loop of the imagery – so long that repeats take days rather than hours – beginnings and endings are willfully suspended. Here, Sze applies to sculpture the filmic idea of the edit, where meaning occurs in the splice, and the viewer, moving through the space, creates their own narrative arc. In the ground floor gallery Sze debuts the first iteration of her ongoing project, Afterimage, which explores how images function as tools to make sense of the world. Comprised of multiple layers of paint, ink, paper, pencil, prints, objects, and wood, this new body of work, like Images in Debris, both re-frames and refracts the collision of images we are confronted with daily. The title, referring to the effect where an image continues to appear in our vision after exposure to the original image has ceased, also alludes to the filmic idea of the persistence of vision, where the afterimage fills in the gaps between film frames, setting still images into motion in our perception and memory. Sze will complete much of this work on site, using the gallery walls as an active location to map, dissect, and construct images, laying bare the generative narrative of the studio as a live event. The process of how images are generated, collected, appropriated and developed to create other images is evident in the range of materials and paraphernalia on the walls. The wall becomes a place of experimentation where ideas in their conception are mapped out to create images. Traces of multiple image-making mediums are layered in the work, such as the ghost images of etching, the skidding surface of silkscreen printing, the layering cuts of collage, the dripping and brushing of paint, the exposure by light of photographs, the digital disturbance of computer processing, and the flickering movement of film. Circling the circumference of the gallery, the constellations of images shift in scale, fade, disappear, re-emerge, creating a storyboard of how an image is burned into memory and persists over time. Sarah Sze represented the United States at the Venice Biennale in 2013 and was awarded a MacArthur Fellowship in 2003. The artist has exhibited in museums worldwide, and her works are held in the permanent collections of prominent institutions, including The Museum of Modern Art, the Guggenheim Museum, and the Whitney Museum of American Art, New York; The Fondation Cartier, Paris; The Museum of Contemporary Art, Chicago; The San Francisco Museum of Modern Art; and the Museum of Modern Art, Los Angeles. Sze’s work has been featured in The Whitney Biennial (2000), the Carnegie International (1999) and several international biennials, including Berlin (1998), Guangzhou (2015), Liverpool (2008), Lyon (2009), São Paulo (2002), and Venice (1999, 2013, and 2015). Sze has also created public works for the High Line in New York, and subsequently the city’s Second Avenue Subway Station; the Massachusetts Institute of Technology; and the Walker Art Center in Minneapolis. Centrifuge, a major commission by Haus der Kunst, Munich, occupies the museum’s Middle Hall until 12 August 2018. Sze was born in Boston, Massachusetts and lives and works in New York.

artist

Sarah Sze 
Victoria Miro, London

16 Wharf Road
N1 7RW London

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posted 15. Jul 2018

Bernd und Hilla Becher. Bergwerke

04. May 201816. Sep 2018
Bernd und Hilla Becher. Bergwerke Kunst & Kohle Ein Ausstellungsprojekt der RuhrKunstMuseen 04.05.2018 - 16.09.2018 Die Ausstellung ist Teil des Projekts Kunst & Kohle der RuhrKunstMuseen, an dem sich 17 Museen der Region beteiligen. Mit der Schließung der Bottroper Zeche Prosper Haniel in diesem Jahr kommt die 250-jährige Geschichte des Kohlebergbaus in Deutschland an ihr Ende. Zu diesem historisch bedeutsamen Anlass zeigt das Josef Albers Museum Quadrat eine breit angelegte Ausstellung der Fotografen Bernd und Hilla Becher, die sich ihren Bildern von Zechenanlagen in Deutschland, Europa und den USA widmet. Bernd und Hilla Becher (1931 – 2007 / 1934 – 2015) begannen bereits Anfang der 60er Jahre, Bergwerks- und Hüttenanlagen, deren Großgeräte und Funktionsbauten, zu fotografieren. Viele dieser Anlagen fielen schon bald dem Abriss anheim. Legendär ist etwa das Engagement der Bechers für die Zeche Zollern in Dortmund. In einer gemeinsamen Kampagne mit Denkmalschützern konnte die Zeche Anfang der 70er Jahre vor dem Untergang bewahrt werden. Das Datum markierte den Beginn eines neuen Bewusstseins für den historischen und künstlerischen Wert von Industriearchitektur. Gleichwohl ist die Arbeit der Bechers nicht von einer dokumentarischen Perspektive allein bestimmt. Ihre Bilder eröffnen zugleich einen ästhetischen Horizont, der das Sichtbare verwandelt. Das Zweckmäßige der Dinge scheint ihnen eine eigene Authentizität zu verleihen, Schönheit wird zu einer Funktion des Nützlichen. Es geht in diesen Bildern auch um eine formale Pointierung: um Licht, Ausschnitt und den Standpunkt der Kamera. So gewinnt das Gespräch der Dinge miteinander ein Eigenleben, das sie fast surreal erscheinen lassen kann. In den Worten der Künstler: „Es sind im wesentlichen Bauten, bei denen Anonymität als Stilprinzip erkennbar wird. Ihre Eigentümlichkeiten sind nicht trotz, sondern wegen des Mangels an Gestaltung entstanden.“ (1970) Gerade angesichts der besonderen Verbundenheit von Bernd und Hilla Becher mit dem Ruhrgebiet und seiner Schwerindustrie, wo sie seit Beginn ihrer Arbeit tätig waren, ist diese Ausstellung ein würdiger Beitrag zum Thema Kunst & Kohle. Die Ausstellung wird gefördert durch den Sparkassen-Kulturfonds des Deutschen Sparkassen- und Giroverbandes und den Sparkassenverband Westfalen-Lippe. Kunst & Kohle – Ein Ausstellungsprojekt der RuhrKunstMuseen Wenn im Jahre 2018 die Steinkohleförderung in Deutschland ausläuft, endet damit mehr als ein bedeutender Industriezweig: Das Kapitel einer über 250 Jahre andauernden Geschichte, die insbesondere das Gesicht des Ruhrgebiets, das Selbstverständnis seiner Bewohner und die Entstehung seiner einmaligen Kunst- und Kulturlandschaft geprägt hat, schließt. Die RuhrKunstMuseen widmen sich mit einem gemeinsamen Ausstellungsprojekt diesem bedeutsamen Einschnitt. Sie werfen damit nicht nur die Frage nach der kulturellen Dimension dieses Ereignisses auf, sondern reflektieren mitunter auch die mit der Industrialisierung der Region so eng verwobenen Entstehungsgeschichten ihrer Häuser. 17 RuhrKunstMuseen nehmen den Kohleausstieg zum Anlass für das größte städteübergreifende Ausstellungsprojekt, das je zu diesem Thema umgesetzt wurde. In 13 Städten werden von Mai bis September 2018 zeitgleich über die gesamte Region hinweg künstlerische Positionen gezeigt, die sich auf unterschiedliche Art und Weise mit dem Thema „Kohle“ auseinandersetzen. Die Einbindung kulturhistorischer Exponate wird dabei ebenso eine Rolle spielen, wie die Präsentation künstlerischer Tendenzen und neuer Werke, die sich mit Zukunftsvisionen und Utopien befassen. Die von der Industrie geprägte Landschaft, die Beförderung der Kohle an die Erdoberfläche unter härtesten körperlichen Bedingungen, das Material Kohle an sich, der unprätentiöse und solidarische Menschenschlag, der Strukturwandel – all diese Facetten des Ruhrgebiets inspirieren und faszinieren Künstlerinnen und Künstler seit jeher. Nun sollen wiederkehrende inhaltliche und formale Elemente der Kunstwerke die einzelnen Ausstellungsorte zu einem großen Ganzen verbinden. Ein umfangreiches Vermittlungsprogramm und Begleitveranstaltungen rahmen das Projekt, das dank der großzügigen Unterstützung der RAG Stiftung, der Brost-Stiftung, dem Ministerium für Wirtschaft, Innovation, Digitalisierung und Energie sowie dem Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen und der Kunststiftung NRW realisiert werden kann.
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posted 14. Jul 2018

Pacha, Llaqta, Wasichay: Indigenous Space, Modern Architecture, New Art

13. Jul 201830. Sep 2018
Pacha, Llaqta, Wasichay: Indigenous Space, Modern Architecture, New Art 13.07.2018 - 30.09.2018 Pacha, Llaqta, Wasichay: Indigenous Space, Modern Architecture, New Art investigates contemporary art practices that preserve and foreground Indigenous American notions of the built environment and natural world. The three words in the exhibition’s title are Quechua, the Indigenous language most spoken in the Americas. Each holds more than one meaning: pacha denotes universe, time, space, nature, or world; llaqta signifies place, country, community, or town; and wasichay means to build or to construct a house. Influenced by the richness of these concepts, the artworks explore the conceptual frameworks inherited from, and also still alive in, Indigenous groups in Mexico and South America that include the Quechua, Aymara, Maya, Aztec, and Taíno, among others. The show features the work of seven emerging Latinx artists based in the United States and Puerto Rico: william cordova, Livia Corona Benjamín, Jorge González, Guadalupe Maravilla, Claudia Peña Salinas, Ronny Quevedo, and Clarissa Tossin. Their works investigate the complex relationship that indigenous and vernacular notions of construction, land, space, and cosmology have had in the history of modern and contemporary art and architecture in the Americas. This exhibition is organized by Marcela Guerrero, assistant curator, with Alana Hernandez, curatorial project assistant.
Whitney Museum of American Art, New York °

99 Gansevoort Street
NY 10014 New York

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posted 13. Jul 2018

Riga International Biennial Of Contemporary Art 2018

02. Jun 201828. Oct 2018
Riga International Biennial Of Contemporary Art (RIBOCA1) "Everything Was Forever, Until It Was No More" 02.06.2018 - 28.10.2018 The 1st Riga Biennial (RIBOCA1) is pleased to announce the appointment of Kolektivs (Zane Zajančkauska & Ilze Kalnbērziņa Praz) as curators of its public programme, and Solvej Helweg Ovesen as associate curator. Entitled Everything Was Forever Until It Was No More, RIBOCA1 will open to the public on the June 2, 2018. The chief curator of the biennial is Katerina Gregos. Zane Zajančkauska is a curator, based in Riga. Recently, she co-curated You’ve Got 1243 Unread Messages, at the Latvian National Museum of Art (2017–18), she has also been developing the exhibition programme for the National Library of Latvia and public programme events for the Latvian Center for Contemporary arts and ABLV Charitable Foundation. Previously she collaborated with the director Christine Umpfenbach on the performance Lost Gardens and on the project KAFIČ with artist and architect Apolonija Šusteršič. Zajančkauska obtained her MA in Arts at the Latvian Academy of Culture after completing studies in Political Science; she has also completed the Robert Bosch Stiftung qualification programme in culture management, including one year curatorial praxis at the Galerie für Zeitgenössische Kunst, Leipzig. Ilze Kalnbērziņa Praz studied product design at the University of art and design ECAL (École Cantonale d'Art de Lausanne), as well as anthropology and philosophy at the University of Lausanne and at Saint-Louis University, Brussels. She worked as a designer for H2E design bureau in Riga as well as heading the visual communication and exhibition design department at the National Library of Latvia. She also created and curated Aristids, a cultural space in Riga. Last year she received the National Design Award of Latvia. The RIBOCA public programme, which will run until November this year, encompasses performances, talks, debates, symposia, workshops, film screenings and other events. It will establish relationships in the city, inviting international guests to connect with local communities, testing what knowledge can be shared and what interactions set in motion. A series of discussions and debates by leading cultural practitioners and intellectuals as well as a film programme will further explore the themes of Biennial: the speed of change and our ability to adapt to it; the boundaries of the human and the non-human; accelerationism and the impact of new technologies and flows of information. Solvej Helweg Ovesen obtained her MA in Arts and Cultural Studies from Copenhagen University and also completed De Appel Curatorial Training Program in Amsterdam in 2003. Since 2015 she is artistic director of Galerie Wedding - Raum für Zeitgenössiche Kunst in Berlin where she curated solo exhibitions with, among others, Henrike Nauman, Sol Calero, Stine Marie Jacobsen, Viron Erol Vert, Emeka Ogboh, Ahmet Ögut, Mariana Castillo Deball, Dafna Maimon, and Simon Fujiwara as part of the projects Post-Otherness Wedding (2015–16) and Unsustainable Privileges (2017–18) in collaboration with Bonaventure Soh Bejeng Ndikung. In 2017, she was a member of the consortium of curators behind the exhibition of Kirstine Roepstorff Influenza - Theatre of Glowing Darkness for the Danish Pavilion at the 57th Venice Biennale. She was also curator-in-chief of the Arctic-African performance festival “Songs of a Melting Iceberg - Displaced without Moving,” Nordwind 2017, Berlin. In 2015/2016 she curated the IMAGES 2016 art project An Age of our Own Making with Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, in Denmark. Ovesen is the founding director of Grosses Treffen, a yearly professional networking event for Nordic artists and curators and online archive with 800 Nordic artists’ profiles realized in collaboration with and at the Nordic Embassies, Berlin (2013–17). In 2011, Solvej Helweg Ovesen and Katerina Gregos co-curated the 4th Fotofestival Mannheim Heidelberg Ludwigshafen, The Eye is a Lonely Hunter. For the biennial, Ovesen is curating one of the eight venues, Dubulti Art Station, among other things. The exhibition, the Sensorium, will focus on the sum of the human organism’s perceptive tools—creating moments that trigger the senses (other than vision) that have been marginalized, allowing for a much-needed deceleration of perception. * The 1st Riga Biennial, Everything Was Forever Until It Was No More, will open to the public on the June 2, 2018. Chief curator: Katerina Gregos. Change is a constant and imperceptible process. Nothing remains the same yet it often feels as if things are fixed, solid certainties. Change operates in strange ways. Until recently—and excluding those more rare radical moments of personal, social or political transformation—change appeared to creep up on us slowly. But then, one day we wake up and experience a sudden break in consciousness. It abruptly dawns on us that our world has changed beyond recognition. We have been thrust into the future, unwittingly. In recent years, since the advent of the technological revolution, our world seems to be ever accelerating and transforming. The 1st Riga Biennial biennial will reflect on the phenomenon of change—how it is anticipated, experienced, grasped, assimilated and dealt with at this time of momentous transitions. The title, Everything Was Forever, Until it Was No More, is borrowed from Alexei Yurchak’s book of the same name. Yurchak discusses the collapse of the Soviet Union and one particular characteristic that defined it: the sense that although the Soviet system felt permanent and immutable, its demise was at the same time perceived as completely natural. The shock of being thrust into a new order came only later. The title of his book suggests the slippery nature of change; the fact that what might seem eternal can suddenly come to an end. It resonates in the entire post-Soviet sphere, but can also be seen as a potent metaphor for our own era. "Ta panta rhei" (everything flows) the ancient Greek philosopher Heraclitus pointed out, meaning that everything is constantly changing, from the smallest organic particle to the whole universe. He asserted that only change itself is real, constant and in eternal flux, like the continuous flow of the river, which always renews itself and only appears to be staying the same over time. Humanity seems to be at a watershed, propelled forward at great speed by technological change, new practices of daily life that seem to occur in a flash and radical ideas that are becoming mainstream. Yet more and more of us—old and young—have trouble keeping up with incessant, overwhelming flows of information and the increasing acceleration of our lives and work. Though this condition has become normalised in most areas of life, and differs from place to place, few seem to question it or are able to resist it. We often tend to forget that evolution, which allows for adaptation to new conditions, has been an extremely slow process. Nevertheless, within 300 years we’ve had to adapt to habitats, practices and amenities that bear no resemblance to what our ancestors experienced for thousands of years. In this time, the world has been dominated by humanism. The seeming mastery of man over the planet means that the world is likely to change beyond recognition in this century. The present is defined by epochal shifts and changes, which are at once both exciting and frightening. The Baltic region itself has become the locus of political and economic restructuring, identity renegotiation and global reintegration and Riga thus forms a perfect backdrop from which to consider these issues. From the personal to the political, the social to the ecological, and the philosophical to the existential, the exhibition will probe how contemporary artists are responding to some of the major challenges of the day, how they register change, and how they imagine the future. Many of these changes have radically altered the way we experience the world as well as time and have undermined—or overridden—all of our senses except vision. A part of the exhibition will also thus refocus on the sensorium—the sum of the human organism’s perceptive tools—creating moments that trigger the senses that have been marginalised, allowing for a much-needed deceleration of perception. Summoning ghosts from the future and recalling prophets from the past, the biennial will reflect on our anxious present and pinpoint the tectonic shifts that are taking place in the public as well as private realm today. Participating artists ASI* (The Agency of Singular Investigations), Russia (founded 2014) / Alexis Blake, USA/Netherlands (b. 1981) / Alexis Destoop, Belgium/Australia (b. 1971) / Adrián Villar Rojas, Argentina (b. 1980) / Andrejs Strokins*, Latvia (b. 1984) / Andris Eglītis*, Latvia (b. 1981) / Annaïk-Lou Pitteloud, Switzerland/Belgium (b. 1980) / Anne Duk Hee Jordan, Korea/Germany (b. 1978) / Ariane Loze*, Belgium (b. 1988) / Aslan Gaisumov, Chechnya, Russia (b. 1991) / Augustas Serapinas*, Lithuania (b. 1990) / Clemens von Wedemeyer*, Germany (b. 1974) / Danilo Correale, Italy/USA (b. 1982) / Diana Lelonek, Poland (b. 1988) / Diāna Tamane*, Latvia/Belgium (b. 1986) / Emilija Škarnulytė, Lithuania/Germany (b. 1987) / Erik Kessels*, Netherlands (b. 1966) / Ēriks Apaļais, Latvia (b. 1981) / Eve Kiiler, Estonia, (b. 1960) / Femke Herregraven*, Netherlands (b. 1982) / Fernando Sánchez Castillo, Spain (b. 1970) / Han Hoogerbrugge, Netherlands (b. 1963) / Hannah Anbert*, Denmark (b. 1984) / Hans Rosenström*, Finland (b. 1978) / Henrike Naumann*, Germany (b. 1984) / IC-98, Finland (founded 1998) / Ieva Balode, Latvia (b. 1987) / Ieva Epnere*, Latvia (b. 1977) / Indrė Šerpytytė*, Lithuania/UK (b. 1983) / Ivar Veermäe, Estonia/Germany (b. 1982) / Jacob Kirkegaard, Denmark (b. 1975) / James Beckett, Zimbabwe/Netherlands (b. 1977) / Jani Ruscica, Finland (b. 1978) / Johanna Gustafsson-Fürst, Sweden (b. 1973) / Johannes Heldén, Sweden (b. 1978) & Håkan Jonson, Sweden (b. 1978) / Jonas Mekas, Lithuania/USA (b. 1922) / Julian Charrière, Switzerland/Germany (b. 1987) / Julian Rosefeldt, Germany (b. 1965) / Julijonas Urbonas, Lithuania (b. 1981) / Karel Koplimets*, Estonia (b. 1986) / Katarzyna Przezwańska, Poland (b. 1984) / Katrīna Neiburga*, Latvia (b. 1978) / Kerstin Hamilton*, Sweden (b. 1978) / Kristaps Epners*, Latvia (b. 1976) / Kustaa Saksi, Netherlands (b. 1975) / Liina Siib*, Estonia (b. 1963) / Lynn Hershman-Leeson, USA (b. 1941) / Maarten Vanden Eynde*, Belgium (b. 1977) / Marco Montiel-Soto, Venezuela/Germany (b. 1976) / Marge Monko*, Estonia (b. 1976) / Marina Pinsky*, Russia/Belgium (b. 1986) / Marisa Benjamim, Portugal/Germany (b. 1981) / Mark Dion*, USA (b. 1961) / Maryam Jafri, Pakistan/USA (b. 1972) / Melanie Bonajo, Netherlands, (b. 1978) / Michael Landy*, UK (b. 1963) / Michael Sailstorfer*, Germany (b. 1979) / Minna Rainio & Mark Roberts, Finland/UK (b. 1974, b. 1970) / Nabil Boutros, Egypt/France (1954) / Nedko Solakov*, Bulgaria (b. 1957) / Nicolas Kozakis, Greece/Belgium (b. 1967) & Raoul Vaneigem, Belgium (b. 1934) / Nikos Navridis*, Greece (b. 1958) / Oswaldo Maciá*, Colombia/UK (b. 1960) / Orbita, Latvia (founded 1999) / Paulis Liepa*, Latvia (b. 1978) / Petra Bauer, Sweden (b. 1970) & Rebecka Katz-Thor*, Sweden (b. 1982) / Robert Kuśmirowski*, Poland (b. 1973) / Sandra Kosorotova*, Estonia (b. 1984) / Sasha Huber, Switzerland/Finland (b. 1975) & Petri Saarikko*, Finland (b. 1973) / Saskia Holmkvist*, Sweden (b. 1971) / Sissel Tolaas*, Norway/Germany (b. 1963) / Sputnik photos*, Poland/Slovakia/Belarus (founded 2006 in Poland) / Stelios Faitakis*, Greece (b. 1976) / Stine-Marie Jacobsen*, Denmark (b. 1977) / Sven Johne, Germany (b. 1976) / Taus Makhacheva*, Dagestan, Russia (b. 1983) / Teemu Korpela*, Finland (b. 1980) / Tilman Wendland*, Germany (b. 1969) / Tobias Zielony*, Germany (b. 1973) / Trevor Paglen, USA (b. 1974) / Valio Tchenkov*, Bulgaria/Germany (b. 1966) / Vladimir Svetlov, Latvia (b. 1973) / Viron Erol Vert*, Turkey/Germany (b. 1975) / Jevgeni Zolotko*, Estonia (b. 1983) / Žilvinas Landzbergas*, Lithuania (b. 1979) *An asterisk denotes a new commission
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posted 12. Jul 2018

Based on True Events. Roman Ondak. Lovis-Corinth-Preis 2018

19. May 201809. Sep 2018
opening: 18. May 2018 19:00
Based on True Events. Roman Ondak. Lovis-Corinth-Preis 2018 19.05.2018 - 09.09.2018 Eröffnung: Freitag, 18.05.2018 19:00 Uhr "Based on True Events" nennt der Slowakische Konzeptkünstler Roman Ondak seine Ausstellung, die am 18. Mai im Kunstforum Ostdeutsche Galerie Regensburg eröffnet. Roman Ondak (*1966) setzt sich hier mit den aktuellen gesellschaftlichen und politischen Unwägbarkeiten auseinander. "Nach wahren Begebenheiten", verheißt der Titel der Schau, doch in unserer Welt der Fake News, alternativen und Post-Fakten ist dieses Versprechen verstörend geworden. Was ist denn wahr und wer bestimmt, was Wahrheit ist? Und welchen Abstand zur Realität umschreibt das Wort "nach"? Roman Ondaks Konzeptkunst stellte schon immer solch unbequeme Fragen, nun ist sie aktueller denn je. In den Mittelpunkt der Präsentation in Regensburg stellt Ondak zwei bedeutende Werke der letzten Jahre. Mit "New Observations" (1995/2018), die er erstmals zeigt, knüpft er an seinen documenta-Beitrag "Observations" (1995/2011) an. Beides sind Serien von Fotografien, die er einem sechzig Jahre alten Lehrbuch menschlicher Kommunikation entnommen hat. Ihrem ursprünglichen Kontext entzogen entpuppen sich die Fotos und Bildunterschriften als pseudowissenschaftlich und ungewollt komisch. Die Rauminstallation "Signature" (2014) zeigt die geschätzte Schreibmaschine aus Ondaks Kindertagen - zerlegt in fünfzig Einzeltteile. Der Künstler seziert seine Vergangenheit und fügt sie in neuer Form zusammen. Neben bekannten Arbeiten wie dem Film "Lucky Day" (2006) zeigt die Ausstellung auch neue Meisterwerke wie "Perfect Society" (2018) und "Planets I-X" (2016-18). Ausgehend von sehr persönlichen Eindrücken - Objekten wie Erlebnissen - erschafft Roman Ondak Arbeiten, die klug und zugleich universell verständlich und zugänglich sind. Für seine humanistischen Idealen verpflichtete, global gültige Kunst erhält er den Lovis-Corinth-Preis 2018. Der Kunst-Preis, benannt nach dem Maler Lovis Corinth, wurde 1974 von der KünstlerGilde e.V. begründet und ist an das Kunstforum Ostdeutsche Galerie gebunden. Seit 2006 erfolgt die Preisvergabe im Zweijahresrhythmus, seit 2016 ist das KOG der alleinige Auslober. Sie richtet sich an Bildende Künstlerinnen und Künstler (Malerei, Grafik, Skulptur, Installation, Fotografie, Neue Medien), deren Werk in der Zugehörigkeit zur Gegenwartskunst im östlichen Europa sowie in der Auseinandersetzung mit dieser entstanden ist oder die deutsche Kunst in den historischen deutschen Kulturlandschaften reflektiert. Die Verleihung erfolgt in Würdigung eines international bedeutenden Gesamtwerks, das für die Entwicklung zeitgenössischer Ausdrucksformen einen relevanten Beitrag leistet.

artist

Roman Ondak 
Kunstforum Ostdeutsche Galerie, Regensburg

Dr.-Johann-Maier-Straße 5
93049 Regensburg

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posted 11. Jul 2018

Willkommen im Labyrinth. Künstlerische Irreführungen

23. Jun 201823. Sep 2018
Willkommen im Labyrinth. Künstlerische Irreführungen 23.06.2018 – 23.09.2018 Das Verborgene und Rätselhafte befremdet und fasziniert zugleich. Obwohl es oft nicht leicht scheint, Irritationen und visuelle Irreführungen auszuhalten, kann es durchaus Genuss und Offenbarung sein, sich in unerwarteten Strukturen zu verlieren. Mit sechs großformatigen Rauminstallationen, die das Museumsgebäude zum Teil tiefgreifend verändern, eröffnet diese Ausstellung ein sinnliches Erlebnis ganz eigener Prägung. Vom Ornament über den Barockgarten bis zum Spiegelkabinett – als bewusste räumliche Irreführungen dienen Labyrinthe oftmals der Unterhaltung. Obwohl sie die Orientierung nehmen, beruhen sie auf einer geheimen Ordnung, die sich vielfach erst aus der Vogelperspektive offenbart. Der Verlust von Übersichtlichkeit scheint in einer globalisierten Welt ein allgegenwärtiges, existentielles Thema. Das Labyrinthische beschäftigt daher verstärkt auch zeitgenössische KünstlerInnen – ganz gleich ob als Symbol für einen Lebensweg, als Abbild städtebaulicher Strukturen oder als Metapher für den hoch dynamischen Datenverkehr. Für die Ausstellung verwandeln sie kritisch und lustvoll das Innere des Museums in einen inspirierenden Parcours, der das Labyrinthische als meditative Denkfigur präsentiert und sich zugleich als die Sinne herausfordernde Körpererfahrung darstellt. KünstlerInnen Anne Hardy, Peter Kogler, Christian Odzuck, Royden Rabinowitch, Chiharu Shiota, Song Dong
MARTa Herford

Goebenstr. 4-10
32052 Herford

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posted 10. Jul 2018

UnSeen: Our Past in a New Light, Ken Gonzales-Day and Titus Kaphar

23. Mar 201806. Jan 2019
UnSeen: Our Past in a New Light, Ken Gonzales-Day and Titus Kaphar 23.03.2018 - 06.01.2019 The exhibition highlights the work of two leading contemporary artists who grapple with the under- and misrepresentation of certain minorities in portraiture and American history. Gonzales-Day and Kaphar illuminate the contributions and sacrifices people of color made during the country’s founding. Kaphar defaces, cuts, and peels back his paintings to show how portraits of American historical figures, such as Thomas Jefferson and Andrew Jackson, have traditionally coded racial difference, hid systemic prejudices, and omitted the presence of African Americans. Gonzales-Day photographs portrait busts, sculptures, and ethnographic casts in European and American museums to create installations that reveal how scientific studies, artistic conventions, and collecting tendencies have reinforced inappropriate notions of race and “Otherness.” Together, the work of these two artists will demonstrate how the absence of certain figures and communities in art has preempted their recognition in national history, and, in the process, will reclaim a space for them in the art historical context. The Portrait Gallery curators for this exhibition are Curator of Painting and Sculpture and Latino Art and History, Taína Caragol, and Curator of Prints, Drawings and Media Arts, Asma Naeem.

artists & participants

Ken Gonzales-Day,  Titus Kaphar 
Smithsonian National Portrait Gallery, Washington

Victor Building / Suite 4100 MRC 973
Washington

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posted 09. Jul 2018

APICHATPONG WEERASETAHKUL. Fiction

26. Jun 201831. Jul 2018
opening: 26. Jun 2018
APICHATPONG WEERASETHAKUL. Fiction 26.06.2018 - 31.07.2018 Opening: 26.06.2018 The Galería Elba Benítez is pleased to announce the coming exhibition of work by Apichatpong Weerasethakul, the highly-acclaimed Thai film-maker and visual artista, opening June 26th. Entitled Fiction the exhibition will present works in various media that will offer an overview of the artist’s nuanced and multifaceted practice. Works on view will include a series of collage-based prints and sketches that explore a porously liminal zone between fact and fiction; a new video installation, created specifically for the gallery, that overlays human and photographic perceptions of reality; and a set of short videos that display the artist’s oneiric artistic vision. Apichatpong Weerasethakul (Thailand, 1970) has developed a lyrical and innovative cinematic technique that is rooted in the cultural traditions and social issues of his native Thailand and yet fully inscribed in the ongoing history of avant-garde film. While fundamentally a story-teller, Apichatpong’s narratives are often fractured and non-linear, moving freely within a realm of memories, dreams, spirits and time-travel. In addition to his films, Apichatpong has developed a parallel practice as a visual artist, with installations, photographs, performances and mixed-media works having been exhibited at museums and contemporary art events around the world. San Lorenzo, 11 - 28004 Madrid +34 91 308 0468 info@elbabenitez.com elbabenitez.com Apichatpong has had solo exhibitions at the Oklahoma City Museum of Art (2018), the Contemporary Art Centre (CAC) (Vilnius, 2018); the Museum of Contemporary Art and Design (MCAD) (Manila, 2017); Volksbühne (Berlin, 2017); the Sullivan Galleries of the Art, Institute of Chicago (2017); Tate Modern (London, 2016); Para Site (Hong Kong, 2016); Top Museum (Tokyo, 2016); Asian Arts Theatre (Gwangju, 2015); HangarBicocca (Milan, 2013); the Stenersen Museum (Oslo, 2012); the Irish Museum of Modern Art (Dublin, 2011); the New Museum (New York, 2011); Haus der Kunst (Munich, 2009) and the Musée d'art moderne de la Ville de Paris (2009). His work has been included in numerous biennials and art events, including the 11th Sharjah Biennial (2013), where it received the Sharjah Biennial Prize; dOCUMENTA 13 (2012); the 3rd Guangzhou Triennial (2008); the 5th Asia Pacific Triennial of Contemporary Art (APT5) (2006); and the Taipei Biennial 2004. His films have achieved widespread recognition and critical acclaim, and have twice been awarded prizes at the Cannes Film Festival, including the Palme d’Or in 2010. He has also been awarded the Fukuoka Prize (2013) and the Yanghyun Art Prize (2014.) His work forms part of collections at museums such as the Tate Modern (London), MoMA (New York), Busan Museum of Art or the Musée d'art moderne de la Ville de Paris. Fiction is organized in conjunction with the Anthony Reynolds Gallery of London.
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posted 08. Jul 2018

NASCA. IM ZEICHEN DER GÖTTER

10. May 201816. Sep 2018
NASCA. IM ZEICHEN DER GÖTTER Archäologische Entdeckungen aus der Wüste Perus 10.05.2018 - 16.09.2018 Neuste archäologische Funde erzählen von der faszinierenden, untergegangenen südamerikanischen Kultur der Nasca, die geprägt war von Ritualen, Kunst, hochentwickeltem Handwerk, Musik und dem Leben in einer der extremsten Klimaregionen unseres Planeten. Für Archäologinnen und Archäologen ist die Nasca-Kultur ein ganz besonderes Abenteuer. Seit der Einwanderung des Menschen in Amerika – wahrscheinlich zwischen 18000 und 14000 v. Chr., als bei der Beringstraße aufgrund eines tief liegenden Meeresspiegels eine Landbrücke bestand (das Wasser war während der Eiszeit in den Gletschern gebunden) – entstanden in Amerika Kulturen, die nicht mit den eurasischen Zivilisationen in Verbindung standen. Die Nasca hinterließen keine Schriftzeugnisse, jedoch eine Bildsprache auf Textilien, Keramiken und dem Wüstenboden – die geheimnisvollen Nasca-Linien, die zum UNESCO-Weltkulturerbe gehören. Sie entwickelten eine höchst komplexe Lebensweise mit fremdartig erscheinenden Ritualen und Kunstwerken, die zum großartigsten und qualitätvollsten archäologischen Erbe der Welt gehören. Es gibt wohl keine prähispanische Kultur, die farbenprächtigere Keramiken und Textilien hinterließ.
BUNDESKUNSTHALLE Bonn °

Friedrich-Ebert-Allee 4
53113 Bonn

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posted 07. Jul 2018

STILL MOVING: THE FILMS AND PHOTOGRAPHS OF ULRIKE OTTINGER

20. Apr 201829. Jul 2018
STILL MOVING: THE FILMS AND PHOTOGRAPHS OF ULRIKE OTTINGER 20.04.2018 - 29.07.2018 Hunterian Art Gallery Admission free This solo exhibition profiles the influential filmmaker and artist Ulrike Ottinger, whose work has rarely been exhibited in the UK. Still Moving features a range of Ottinger’s photographic prints and some short film works. This is the first solo exhibition of Ulrike Ottinger’s films and photographs to take place in a UK art gallery and is part of Glasgow International Festival of Visual Art 2018. A special programme of screenings of her feature-length work accompanies the exhibition during the Festival (20 April – 8 May).
Hunterian, Glasgow

University Avenue
G12 8QQ Glasgow

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posted 06. Jul 2018

Joncquil und Warffemius

24. Jun 201812. Aug 2018
opening: 24. Jun 2018 17:00
Joncquil und Warffemius Aktuelle Positionen aus den Niederlanden 24.06.2018 - 12.08.2018 Eröffnung der Ausstellung ist am Sonntag, den 24. Juni 2018, um 17 Uhr. Es sprechen: Hubertus von der Goltz, Vorstand Kunstverein KunstHaus Potsdam e.V., Einführung durch Frau Dr. habil. Rosa von der Schulenburg, Leiterin der Kunstsammlung der Akademie der Künste, Berlin. Die Künstler sind anwesend. In Kooperation mit der Galerie Helga Hofman, Alphen aan den Rijn, Niederlande. Reduktionen, Abstraktionen von Alltäglichem und Natürlichem, Kombinationen und Dopplungen, Aufspüren von Parallelen und deren Sichtbarmachung als formale Essenzen – das sind nur einige Parameter der künstlerischen Arbeit von Joncquil und Piet Warffemius. Zwei Künstler, zwei Generationen und mindestens zwei künstlerische Medien: Malerei/Zeichnung und Skulptur. Beide Künstler sind in den Niederlanden geboren und leben in Den Haag. Zum ersten Mal zeigen sie im Kunstverein KunstHaus Potsdam ihre Werke gemeinsam und schaffen einen frischen wie subtilen Blick auf unsere profane Welt.

artists & participants

Joncquil,  Piet Warffemius 
Kunstverein Kunsthaus Potsdam

KUNSTVEREIN KUNSTHAUS POTSDAM | Ulanenweg 9
14469 Potsdam

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posted 05. Jul 2018

Nicholas Bussmann____Amelica

01. Jul 201816. Sep 2018
opening: 30. Jun 2018 18:00
Nicholas Bussmann____Amelica 01.07.2018 - 16.09.2018 Eröffnung: Sa, 30.06.2018 18:00 Uhr Kuratiert von Nina Tabassomi Zwei Videos stellen sich im Foyer in den Weg. Sie zeigen, wie ein Schaffner einen Kol­legen anlernt: die Verkörperung von Gesten des Handelns und des Zuschauens und ihre wechselseitige Übertragung von einer Person zur anderen (Video No. 2, 2007). Die Eingangssituation zur Ausstellung ist so verwandelt, dass sie in eine Weggabelung mündet: auf der einen Seite eine Spielstätte mit Sandkästen, Requisiten und dem grellen Aufruf, eine Welt zu bauen, wie dessen anagrammatischen Varianten (Wanderdünen, 2018). Auf der anderen Seite ein verwaister Tanzraum, durch den die „besten House-Riffs für Klavier“ im Nebel geistern (Amelica, 2018). Im Video Etüde in bürgerlichen Gefühlen (2009) arbeitet sich Nicholas Bussmann an Stimmungen, am Stimmen und an seiner eigenen Stimme ab. Ein Wikipedia-Eintrag zu Dialekten wird in einem YouTube-Video von einer computer­generierten Stimme für Sehbehinderte verlesen, für Gehörlose wird das Gesprochene wiederum in geschriebenen Text umgewandelt. Wir sehen eine abgefilmte Dokumentation davon (A language is a dialect with an army, 2017). Ein automatisierter Flügel spielt Revolutionslieder – ohne Hände, ohne Stimmen. Es leuch­ten dazu die Lyrics auf Karaoke-LEDs (Revolution Songs in an AI Environment, 2017). Welcher Spielraum entsteht beim wiederholten Wiederholen einer Wiederholung, im Adaptieren von Adaptionen, welche wirksame Energie beim Zusammenklingen und Zu­sammenprallen von nicht zur Deckung kommenden Systemen, Formationen und Subjek­ten? Was passiert beim Versuch, Algorithmen zu rhythmisieren? Welche Form hat ein Koordinatensystem ohne Ursprung? Nicholas Bussmann spielt im TAXISPALAIS mit dem Hier und Jetzt. In jedem Augenblick figuriert etwas Vorgängiges. Zwangsläufig und lustvoll stellt sich die Frage, ob es mög­lich ist, diese Figuration im Moment zu gestalten. In der ersten Einzelausstellung von Nicholas Bussmann begegnen wir mimetischen Über­nahmen in Musik, Installation, Video und Gesellschaftsspiel. Die Bezugsrahmen ab­ge­steck­ter Gebiete werden dabei angetastet. Abarbeiten, Abfeiern und Abgesang akkordieren in einer improvisierten Allianz. * Eigens für die Ausstellung entsteht unter anderem die Installation und das Gesell­schaftsspiel WANDERDÜNEN. Am Eröffnungswochenende wird diese Arbeit von 14 Spielleiter_innen und Musiker_innen aktiviert: WANDERDÜNEN Sa, 30. Juni, durchgängig 18–20.30 Uhr So, 1. Juli, durchgängig 15–18 Uhr Gesellschaftsspiel mit Nicholas Bussmann, Philippe Cerf, Lucile Desamory, Yusuf Ergün, Michael Guggenheim, Margareth Kammerer, Rudi Katholnig, Rico Lee, Laura Mello, Eduard Mont de Palol, Konstantin Schimanowski, Simone Schönett, Aaron Snyder und Helga Utz I LIKE MARINA ABRAMOVIC AND MARINA ABRAMOVIC LIKES ME (Nicholas Bussmann) + KAPITAL BAND 1 (Nicholas Bussmann & Martin Brandlmayr) Do, 13. September, 19 Uhr Performance und Konzert

curator

Nina Tabassomi 
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posted 04. Jul 2018

Raphaela Vogel. Gipsy King Kong

30. Jun 201809. Sep 2018
opening: 29. Jun 2018
Raphaela Vogel. Gipsy King Kong 30.06.2018 - 09.09.2018 Kuratoren: Milena Mercer, Jolanda Bozzetti Laute, verzerrte Musik, im Rhythmus pulsierende Videomontagen, Bilder in Bildern, riesige Metallgerüste mit ornamentalen Bordüren und bemaltes Leder an der Wand. Raphaela Vogel (*1988) ist eine Virtuosin der Inszenierung, eine kühne Träumerin mit radikaler Ästhetik – und gebürtige Fränkin. Für ihre Videos lässt sie an Drohnen montierte Actionkameras wie lebendige Wesen in schwindelerregenden Höhen über karge Landschaften, weidende Schafherden oder in ihrem Atelier herumkreisen. Sie selbst steht häufig als Protagonistin im Fokus ihrer Geschichten. Die Interaktion zwischen ihr und der Technik wirkt einmal spielerisch wie ein Tanz, einmal bedrohlich wie ein Kampf. Sie inszeniert sich ungeniert, scheint zuweilen verzweifelt, zerbrechlich, anmutig oder aggressiv. Die energiegeladenen Videos sind von ungewöhnlichen Perspektiven, Spiegelungen, Verzerrungen und Wiederholungen geprägt. Der durchdringende Sound wechselt von ohrenbetäubendem Heavy Metal zum rhythmischen Schlagen eines Herzens hin zu den spanischen Gitarrensounds der Gipsy Kings. Die Videos werden Teil von raumgreifenden Installationen. Mit feinem Gespür für die umgebende Architektur inszeniert Vogel ihre Arbeiten. Hightech trifft auf archaisch anmutende Artefakte und banale Alltagsgegenstände. Beamer, Melkzeug und bemalte Ziegenfelle kombiniert sie mit Pissoirs und Aschenbechern. Die Vieldeutigkeit und überwältigende Ästhetik machen einen Besuch einer Raphaela-Vogel-Ausstellung immer zu einem Abenteuer. Erstmals kehrt die Künstlerin nun mit einer Einzelausstellung in ihre Heimatregion zurück und lädt zum Eintauchen in ihren Kosmos ein. Zur Ausstellung erscheint im Herbst 2018 ein umfangreicher Katalog mit Texten von Patrizia Dander, Hans Christian Dany, Elena Filipovic, Michael Hakimi, Milena Mercer, sowie einem Interview von Tenzing Barshee mit Raphaela Vogel, Verlag Walter König, Preis ca. 35 Euro. Die Künstlerin: 1988 in Nürnberg geboren lebt und arbeitet in Berlin 2009-2012 Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg, Meisterstudium bei Prof. Michael Hakimi 2011-2014 Staatliche Hochschule für Bildende Künste–Städelschule, Frankfurt am Main, Meisterstudium bei Prof. Peter Fischli Ausstellungen (Auswahl): 2018 Kunsthalle Basel (E), TARS Gallery, Bangkok, Leopold-Hoesch-Museum Düren (E) 2017 Volksbühne Berlin (E), Art Chapel, Amsterdam, Kunstverein Hannover 2016 Westfälischer Kunstverein Münster (E), Motorenhalle, riesa efau, Dresden (E), BQ Galerie, Berlin (E) 2015 Bonner Kunstverein (E) (E) Einzelausstellung Preise und Auszeichnungen (Auswahl): 2016-2018 Förderstipendium der Günter-Peill-Stiftung, Leopold-Hoesch-Museum, Düren 2015 Columbus-Förderpreis für aktuelle Kunst in Kooperation mit der ADKV 2014-2016 Atelierstipendium de Ateliers, Amsterdam Kuratorinnen: Milena Mercer, Kommissarische Leitung Kunstpalais &Städtische Sammlung Erlangen Jolanda Bozzetti, Kuratorische Sammlungsbetreung Kunstpalais & Städtische Sammlung Erlangen
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posted 03. Jul 2018

VON FREMDEN LÄNDERN IN EIGENEN STÄDTEN 2018

02. Jun 201819. Aug 2018
opening: 02. Jun 2018 14:00
VON FREMDEN LÄNDERN IN EIGENEN STÄDTEN 02.06.2018 - 19.08.2018 ERÖFFNUNG : 02.06.2018 14:00 mit Katharina Sieverding, Neïl Beloufa, Ines Doujak, Natascha Sadr Haghighian, Andreas Siekmann, Manuel Graf, Paloma Varga Weisz, Christine & Irene Hohenbüchler, John Miller, Christian Odzuck, Pola Sieverding, Fari Shams, Maximiliane Baumgartner, Alex Wissel, Palina Vetter, Mira Mann, Sean Mullan, Isabella Fürnkäs, Jan Hoeft, Tor des Orients Rund um den Düsseldorfer Hauptbahnhof realisiert sich ein letzter Moment urbanen Lebens in seiner ganzen Härte, Heterogenität und Schönheit. Das Viertel gilt als letzter unerforschter urbaner Raum der Stadt, der aktuell nach seiner Zukunft sucht. Als zentraler Empfangsort und virulente Schnittstelle zwischen Welt, Ort und Eigenem ist das Quartier geprägt durch dysfunktionale Stadträume, passantenfeindliche Verkehrskonzepte und eine Architektur der 80er Jahre, der jedes menschliche Maß zu fehlen scheint. Gerade hier haben sich zahllose verborgene kulturelle und subkulturelle Qualitäten widerwillig, subversiv und widerständig eingerichtet. Das Projekt „Von fremden Ländern in eigenen Städten“ geht als großes interdisziplinäres Kunst- und Kulturprojekt mit Akteuren aus Bildender Kunst, Theater, Tanz, Film und Musik, besonders aber mit den Anwohnern und Aktiven vor Ort auf die Suche nach dieser Zukunft, die aktuell durch große stadtplanerische Transformationsprozesse bestimmt wird. Nach einem umfangreichen Programm im Jahr 2017 zeigt das Projekt 2018 in einer groß angelegten Ausstellung im öffentlichen Raum neue Perspektiven auf diesen heterogenen Stadtraum. Unter der Leitung von MAP entstehen zahlreiche kontextbezogene Kunstprojekte sowie ein umfangreiches Veranstaltungsprogramm mit Theater,- Tanz-, und Medienprojekten in Kooperation mit verschiedenen Partnern und den Anliegern des Quartiers. Markus Ambach * ERÖFFNUNG 2. Juni ab 14 Uhr 14 UHR BEGRÜSSUNG UND EINFÜHRUNG, Platz vor dem Central, Worringer Straße 140 Thomas Geisel, Oberbürgermeister der Landeshauptstadt Düsseldorf und Schirmherr des Projekts Dr. Ursula Sinnreich, Generalsekretärin, Kunststiftung NRW Wilfried Schulz, Generalintendant, Düsseldorfer Schauspielhaus EINFÜHRUNG: Markus Ambach, Projektleiter und Kurator der Ausstellung 15 UHR GEFÜHRTE TOUR DURCH DIE AUSSTELLUNG Treffpunkt: Platz vor dem Central, Worringer Straße 140 14–18 UHR OFFENER RUNDGANG MIT VERSCHIEDENEN PROGRAMMPUNKTEN 16–18 UHR KULINARISCHES AUS DER GULASCHKANONE bei „Ultra ex Orbit“, vor Immermannstraße 65 16 UHR TRANSLOKALE, geführter Rundgang mit Jan Wagner / Filmwerkstatt Düsseldorf, Treffpunkt: Kafaii Kopie, Friedrich-Ebert-Straße 19 17 UHR JAN LEMITZ, „ensembles + Pflanzbestände“ / FFT Düsseldorf, Preview, Botschaft, Worringer Platz 4 17 UHR WUNDERKAMMERN DES QUARTIERS, Bahnhofsmission Düsseldorf / Quartiersprojekt Stadtmitte / Christine und Irene Hohenbüchler, Eröffnungsempfang, Immermannhof 68, Karlstraße / Ecke Friedrich-Ebert-Straße 17 UHR KAI RHEINECK, „Befund Relax“, Gasthof am Worringer Platz, Worringer Platz 1 18–23 UHR ERÖFFNUNG AUSSTELLUNGSZENTRUM, Bertha-von-Suttner-Platz 1 18 UHR „WIE WAR’S?“, Gesprächsrunde mit Künstlerinnen und Künstlern der Ausstellung, Get-together, Drinks, Musik 19 UHR MAKI MASAMOTO, Arien und Lieder aus Europa und Japan, Begleitung: Prof. Klaus Michael Leifeld 23 UHR MANUEL GRAF, „AY SHAY“, Bertha-von-Suttner-Platz, Situation 23:00

curator

Markus Ambach 
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posted 02. Jul 2018

LAND OF LADS. LAND OF LASHES

25. Jun 201811. Aug 2018
opening: 25. Jun 2018 18:00
LAND OF LADS. LAND OF LASHES ROSEMARIE CASTORO, WANDA CZELKOWSKA, LYDIA OKUMURA 25.06.2018 - 11.08.2018 Opening Monday 25.06.2018 18:00-20:00 CURATED BY ANKE KEMPKES Land of Lads, Land of Lashes presents, for the first time in the UK, seminal sculptures and paintings of three female artists of 1960s and 1970s Minimal and Post-Minimal art who broke the artistic boundaries of the period: Rosemarie Castoro introduced surreal and sexual connotations to the cool, mathematical rigour of Minimalism; Lydia Okumura expanded the tradition of the Brazilian geometric avant-garde with her multi-dimensional abstract environments; and Wanda Czelkowska challenged artistic traditions by fusing anthropomorphic sculpture with brutalist, industrial structures. All three artists created an avant-garde inside the avant-garde, transcending the idea of one style in favour of radical experimentation. Guest curated by Anke Kempkes, a leading expert in the field of female avant-garde art, this landmark London exhibition spanning Ropac's entire gallery marks a further turning point at which female artists pioneered new art movements and subverted the avant-garde language of the time. While their male contemporaries – including Carl Andre, Donald Judd and Sol LeWitt – rose to international prominence, these revolutionary female artists were not afforded the same visibility and institutional support. Only now, in today’s shifting political and cultural landscape, is their ground-breaking work receiving widespread critical acclaim and greater recognition. All three artists have received their first major retrospectives within the last two years. The Museum of Contemporary Art, Barcelona, staged Rosemarie Castoro. Focus at Infinity in 2017, Okumura received her first touring US retrospective in 2016, starting at UB Art Galleries, Buffalo, and Czelkowska’s first museum retrospective took place at the National Museum in Warsaw, also in 2016. Each of the three artists emerged from distinct cultural geographies: Castoro was one of the few female protagonists of the 1960s Minimal art scene in New York; Okumura, born to Japanese parents in São Paulo, challenged the 1960s Brazilian movement of Concretism; Czelkowska created her first sculptures as a student in 1950s Communist Poland during the last days of Stalinism. The exhibition focuses on works that break through geographic and stylistic boundaries, setting into motion a cultural dialogue between New York, São Paulo and Warsaw. Expanding the traditional understanding of the history of Minimalist and Post Minimalist art, their work shares a visionary engagement with scale and the experimental use of raw industrial materials, creating radical interventions in the gallery space. The show’s title references two pivotal sculptures created by Rosemarie Castoro in the 1970s: Land of Lads and Land of Lashes - the latter presenting a parade of giant epoxy eyelashes. The exhibition also prominently includes Lydia Okumura’s optical walk-in sculpture Labyrinth - a two-metre high installation of woven wire mesh - first realised at the Museu de Arte Moderna, São Paulo in 1984, and Wanda Czelkowska’s drawing in a space Ellipse, comprising a five-metre-wide aluminium structure that arcs through the gallery. “Modern sculpture’s use of industrial materials evokes a decidedly romantic notion of masculine middle class labor, one that artists like Jackson Pollock and Carl Andre used to posit themselves as the artistic “everyman.” This is why, perhaps more so than any other artistic medium, sculpture is wrought with gendered nuances and contradictions.” Between Force and Fragility: Lydia Okumura and the gendered nuances of Minimalist sculpture by Scotti Hill, 2017 ROSEMARIE CASTORO (1939-2015) A central figure of New York’s 1960s Minimal and Conceptual Art scene, Castoro worked side-by-side with her then partner and fellow artist Carl Andre in their shared Soho studio. She became involved in dance while at the Pratt Institute and, although she subsequently turned to painting, her work exhibits a dancer’s understanding of space. Her early paintings explored sophisticated colour compositions and structural innovations and later developed into freestanding, multi-panel monochromatic works that occupy the space between painting and sculpture. Her imposing Free-Standing Walls and Giant Brushstrokes were first exhibited at Tibor de Nagy Gallery in New York in 1970. With a broom she began to paint the grey-scale surfaces of these sculptures with an impasto of graphite and gesso, creating intensely dynamic gestural paintings protruding from the walls. Among her wall reliefs are those based on short-hand symbols for the initials of artist friends and peers, including the diptych Guinnes Martin, 1972, dedicated to Agnes Martin. LYDIA OKUMURA (b. 1948) Born in São Paulo in 1948 to a Japanese family, Okumura’s interest in art was awakened by her father, a prominent calligrapher. In the 1970s, influenced by the new art movements in Japan and America, she initiated the first Conceptual Art show in Brazil with fellow students at the Museum of Contemporary Art, São Paulo. In 1973, she had an international break-through at the São Paulo Biennial with Points of View, an abstract environment created collectively with her artist peers from Equipe3. Following the show, American art critic Gregory Battock encouraged Okumura to move to New York, where she still lives and works. In New York, Okumura began developing her “Situations”, site-specific geometric installations composed from colour fields and string that project into space from the walls and floor, exploring the optical interplay between two- and three-dimensional structures. Okumura collaborated with Sol LeWitt during her early years in New York, and her work can be seen as an intriguing parallel to that of the American Minimalist Fred Sandback. “With minimum intervention, I tested beyond the realms of physical limitation and discovered that geometric language was an intelligent way to express simple, clean, concise, truthful, harmonious, conceptual ideas. I understood it was okay to make art in a spontaneous way, using the minimum necessary in order to express an idea.” Lydia Okumura in “Geometric Language, an Interview with Lydia Okumura About Her Not-So-Straight-Line to Artistic Prominence”, by Cynthia Garcia in Newcity Brazil, 2017 WANDA CZELKOWSKA (b. 1930) Wanda Czelkowska created her first sculptures and industrial constructions in 1950s Communist Poland, as a student in Krakow during the last days of Stalinism. She began her career by collaborating with the renowned modernist sculptor Xawery Dunikowski on monumental Socialist sculpture commissions, but rebelled against the strictures of Socialist aesthetics. Her early sculptural ‘Heads’ show the influence of neo-primitivism and reappear throughout her oeuvre, sometimes abstracted, deconstructed, bisected or veiled. When asked if they are male or female, Czełkowska responded: “My Heads are a Third Gender.’” Czelkowska did not see any contradiction in shifting from expressionist figuration to the use of raw industrial material in her large-scale installations. Since the late 1970s Czelkowska has focused her work on monumental minimalist sculptures developed in reaction to a given space. Today Czelkowska lives and works surrounded by her life’s work in her 1970s factory studio in Warsaw, continually revisiting different aspects of her remarkable production of the last 50 years.

curator

Anke Kempkes 
Thaddaeus Ropac, London

Ely House | 37 Dover Street
W1S 4NJ London

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posted 01. Jul 2018

Francisco Tropa. Le Grand Café, the Moustache Hidden in the Beard

02. Jun 201823. Sep 2018
opening: 01. Jun 2018 18:30
Francisco Tropa. Le Grand Café, the Moustache Hidden in the Beard 02.06.2018 - 23.09.2018 Opening 01.06.2018 18:30 The Art of Answering As part of the cycle “The Moustache Hidden in the Beard” Francisco Tropa has been producing exhibitions that include drawings (in the broad sense of the word), photo-typographically based silkscreens, sculptural pieces, elements and sets imbued with a didactic or archaeological tone, devices that evoke experiments or demonstrations, constructions, assemblages, etc. Future chapters of this cycle, which are already planed for, will be more performative in nature. At each presentation, there is a disconcerting mix of the incongruent and the deliberate, of compositional meticulousness and nonchalance, which inscribes FT’s work somewhere within the Duchampian family and awakens detective-like instincts in the viewer. Hoping that the collection of scattered facts will explain cryptic motivations and oblique procedures, the viewer could be tempted to look for minute clues and cast a sweeping, inquisitive gaze at the totality of the crime scene, relating each piece, by contrast or affinity, to another piece (or pieces) within the same space, the same exhibition; within the same “series”, or in a previous one. But this is not a crime narrative. Everything in the untouched scene seems emphatically inconclusive, like in a test that has been interrupted at an advanced stage, but is still far from completed. To resume the “investigations” entails accepting the difference between solving a crime and facing an enigma. While the former requires a retrospective chain of pertinent facts, in the latter the narrative is a power unto itself, which draws us in and projects us on the abyss-surface of language, which is, simultaneously, its depth. FT knows that art today is an ambiguous, somewhat suspicious, category and that there are strong reasons for this. But that does not mean that art might not be, to begin with for its more committed practitioners, an area where answers emerge, which in their peculiar condition are in fact “a matter of life or death”. Answer or die! – such is the challenge of the Sphinx to Oedipus. The variety and abundance of answers that we now have certainly did not bring us any closer to the answer that will save us from a deadly fate. Which is why the devices, mechanisms, pieces and sets appear in this cycle not merely as instances of a constant practice – an art of answering –, but of a specific modality of that practice: the creation of material situations capable of preserving within themselves open narrative intersections, which remain empirically credible without a hierarchy of mutual annulation. Gestures that are disparate, clear, obscure, precise and vague cast veil upon veil over the figures of fate, leading language into an involvement with that which is unanswerable. THEM-OUS-TACHE-HID_DENIN_THEB_EARD. Manuel Castro Caldas Traduction: Rui Cascais
Le Grand Café, Saint-Nazaire

Place des Quatre z'horloges
F 44 600 Saint-Nazaire

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posted 30. Jun 2018

The Conditions of Being Art: Pat Hearn Gallery and American Fine Arts, Co. (1983 - 2004)

23. Jun 201814. Dec 2018
The Conditions of Being Art: Pat Hearn Gallery and American Fine Arts, Co. (1983 - 2004) 23.06.2018 - 14.12.2018 Co-curated by Jeannine Tang, Lia Gangitano, and Ann Butler, The Conditions of Being Art: Pat Hearn Gallery and American Fine Art, Co. (1983-2004), shown in the Hessel Museum of Art, will be the first in the United States to examine the shared histories, art, and programming activities of Pat Hearn Gallery (PHG) and American Fine Arts, Co., Colin de Land Fine Art. (AFA), whose archives are held at CCS Bard, and which have been the focus of an ongoing research program within the curatorial graduate program, that has included three semester-long courses on the histories of both galleries and involved visits from artists, friends and colleagues of Pat Hearn and Colin de Land. The exhibition will include works of art shown at or associated with these galleries by over 40 artists including: Roy Arden, Alex Bag, Art Club 2000, Lutz Bacher, Dennis Balk, Bernadette Corporation, J. St. Bernard, Tom Burr, Moyra Davey, Jimmy De Sana, Jessica Diamond, Stephan Dillemuth, Mark Dion, John Dogg, Andrea Fraser, Peter Fend, Renée Green, Pat de Groot, Mary Heilmann, Susan Hiller, Joan Jonas, John Knight, Jutta Koether, Silvia Kolbowski, John Miller, Simon Leung, Ana Mendieta, Marlene McCarty, Mariko Mori, Mark Morrisroe, Claire Pentecost with the Critical Art Ensemble, Christian Philipp-Müller, Kembra Pfahler, Jack Pierson, Julia Scher, Pieter Schoolwerth, Peter Schuyff, Jason Simon, Jessica Stockholder, Spencer Sweeney, Philip Taaffe, Tishan Hsu, Lincoln Tobier, John Waters, among others. The exhibition draws upon the archives of each gallery to illuminate their distinctive curatorial practices, significant exhibitions, daily business activities, social worlds, and relationships of artists to art dealers and gallery founders Pat Hearn (1955-2000) and Colin de Land (1955-2003). A fully-illustrated scholarly publication accompanies the exhibition, and features ten new essays by an intergenerational group of writers, critics, curators, and art historians. In the investigative spirit of encouraging new research into PHG and AFA’s histories, the following authors were commissioned to write: Johanna Burton, Jill Casid, Lauren Cornell, Diedrich Diederichsen, Jennifer King, Mason Leaver-Yap, and Kobena Mercer. The book will include reproductions of archival material from a variety of lenders, images of exhibitions at the galleries and updated exhibition timelines for both galleries. It is edited and co-published by Dancing Foxes Press, designed by xSITE and distributed by D.A.P. Similar to an addendum or appendix in a publication, the exhibition will also be accompanied by Postscript: a selection of archival material from the Center for Curatorial Studies Archives in the Center’s Collection Teaching Gallery (on view June 23-September 16). The exhibition will present a selection of archival documents related to Pat Hearn and Colin de Land which reflect their professional lives as art dealers and gallerists, but do not fall neatly within the scope of gallery records. All of the archival materials presented are part of the holdings of the Center for Curatorial Studies Archives.
CCS Bard Hessel Museum

Center for Curatorial Studies, Bard College | 33 Garden Road
NY-12504 Annandale-on-Hudson

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posted 29. Jun 2018

HARSH ASTRAL. THE RADIANTS II

26. May 201822. Jul 2018
opening: 25. May 2018 19:00
**RAHMENPROGRAMM** Sonntag, 01. Juli 2018, ab 16 Uhr Ort: Halle fuer Kunst Lueneburg, Reichenbachstr. 2, 21335 Lueneburg Eintritt frei Im Rahmen von »Kunst und Kuchen« Spezial fuehren Henning Bohl und Stefanie Kleefeld durch die Ausstellung »Harsh Astral. The Radiants II«, die sie gemeinsam mit UNITED BROTHERS kuratiert haben. Im Anschluss oeffnet erneut die »Mutant Autopilot Brushes« Open Karaoke Stage. Zudem gibt es Drinks, Gegrilltes und fuer die, die es moegen, Fußball. »Kunst und Kuchen« Spezial findet im Rahmen der Ausstellung »Harsh Astral. The Radiants II« mit Arbeiten von Norimizu Ameya/Iwaki Sogo High School, Ei Arakawa, Nobuyoshi Araki, Henning Bohl, Kerstin Braetsch, Kerstin Braetsch/UNITED BROTHERS/Sergei Tcherepnin/Stefan Tcherepnin, Chaos* Lounge, Jay Chung & Q Takeki Maeda, Bontaro Dokuyama, Wenzel August Hablik, Oriza Hirata/Seinendan, Ryan Holmberg, Susumu Katsumata, Erika Kobayashi, Jutta Koether, Kitty Kraus, Anita Leisz, Mutant Autopilot Brushes, Ariane Mueller, Yuki Okumura, Pratchaya Phinthong, Terry Riley, Lucie Stahl und Alivia Zivich statt, die noch bis zum 22. Juli 2018 in der Halle fuer Kunst Lueneburg zu sehen ist. * **AUSSTELLUNG** HARSH ASTRAL – THE RADIANTS 3 26.05.2018 - 22.07.2018 Eröffnung am 25.05.2018 19:00 Uhr HARSH ASTRAL. The Radiants 26.05.2018 - 22.07.2018 Eröffnung am: 25.05.2018 19:00 Künstler: Norimizu Ameya/Iwaki Sogo High School, Ei Arakawa, Nobuyoshi Araki, Henning Bohl, Kerstin Brätsch, Kerstin Brätsch/UNITED BROTHERS/Sergei Tcherepnin/Stefan Tcherepnin, Chaos* Lounge, Jay Chung & Q Takeki Maeda, Bontaro Dokuyama, Wenzel August Hablik, Oriza Hirata/Seinendan, Ryan Holmberg, Susumu Katsumata, Erika Kobayashi, Jutta Koether, Kitty Kraus, Anita Leisz, Mutant Autopilot Brushes, Ariane Müller, Yuki Okumura, Pratchaya Phinthong, Terry Riley, Lucie Stahl, Alivia Zivich »HARSH ASTRAL. The Radiants« ist eine Ausstellung über das Erdbeben und die daraus resultierende Krise im japanischen Kernkraftwerk Fukushima Daiichi im März 2011 wie auch über Radioaktivität im breiteren Sinne. So werden in der Ausstellung Arbeiten zu sehen sein, die den, mit dem Motiv verbundenen losen und assoziativen Fäden folgend nicht nur um Radioaktivität, sondern auch um Strahlung, Transformation und Energie im Allgemeinem kreisen. Interessant ist dabei, dass Radioaktivität von einem grundsätzlichen Moment der Ambivalenz durchzogen ist, was jedoch weniger in dem Phänomen selbst, als vielmehr in seinem potentiellen Gebrauch gründet. Wohnt doch jeder Wissenschaft und Technik ein zugleich utopisches wie dystopisches Moment inne. Dass es hier auch nach dem - zumindest in westlich geprägten Ländern - Ende einer regelrechten atomaren Euphorie in den 1950er Jahren und ihrer damit beginnenden kritischen Infragestellung dennoch kein Entkommen gibt, zeigt sich nicht zuletzt in dem, drei Jahrzehnte nach Ende des kalten Krieges erneuert drohendem, nuklearen Aufrüsten; womit Radioaktivität jenseits ihrer ohnehin immerwährenden bedrohlichen zivilen Nutzung als Energiequelle erneut an politischer Sprengkraft gewinnt. Die Ausstellung wird zusammen mit der Green Tea Gallery und Henning Bohl realisiert.
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posted 28. Jun 2018

ROMAN SIGNER. SPUREN

26. May 201812. Aug 2018
ROMAN SIGNER. SPUREN 26.05.2018 - 12.08.2018 Kunstmuseum St. Gallen Roman Signer (*1938 Appenzell), Künstler von Weltrang, der zufällig in St.Gallen wohnen geblieben ist, muss kaum mehr vorgestellt werden. Seine Aktionen sind Legende, seine internationalen Ausstellungen füllen inzwischen Bände. Signer hat die Skulptur revolutioniert und einen singulären Skulpturbegriff geschaffen, für den sein Werk heute steht: das Sichtbarmachen von Prozessen und die Entmaterialisierung der Form. Trotz seiner Weltläufigkeit hat er die Verbindung zur Ostschweiz nie gekappt, und er hat Spuren hinterlassen, auch hier. Diese Spuren sind das Thema der Ausstellung, nutzte Roman Signer doch in der Zeit der Schliessung des Kunstmuseums 1970–1987 das prominente Gebäude von Christoph Kunkler im Stadtpark als Atelier. Es entstanden phantastische Super-8-Filme und Fotoserien, und zur Eröffnung des umgebauten Natur- und Kunstmuseums 1987 realisierte er dann eine umfassende Aktion. Nach einer ersten Retrospektive 1993, einer grossen Präsentation 2014, in deren Zentrum verstärkt politische und wirklichkeitsbezogene Querbezüge aufschienen, ist nun eine umfangreiche Schenkung von Ursula Hauser – einer der frühen Förderinnen auch von Roman Signer – der Anlass für die Erstpräsentation einer grossartigen Werkreihe von Zeichnungen sowie der Installation, die 1999 für die Biennale di Venezia entstand. Neue Interventionen des Künstlers werden der Präsentation jene unverwechselbare Dynamik und unmittelbare Zeitgenossenschaft geben, die man von Roman Signer jeden Augenblick erwarten darf. Kurator: Roland Wäspe

artist

Roman Signer 

curator

Roland Wäspe 
Kunstmuseum St. Gallen

Museumstraße 32
CH-9000 Saint Gallen

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posted 27. Jun 2018

KATINKA BOCK. SMOG

27. Apr 201802. Sep 2018
opening: 17. May 2018 18:00
KATINKA BOCK. SMOG TOMORROW’S SCULPTURE 27.04.2018 - 02.09.2018 Vernissage 17.05.2018 18:00 Curator: Christophe Gallois Folding, wrapping, moulding, rubbing, balancing, falling... Katinka Bock's sculptures are made from materials such as clay, stone, wood, copper, bronze or fabric and result from simple gestures that are directly legible in the form of the artwork. Employing physical processes such as heat, evaporation, energy flows and the alteration of materials in the external environment, they often manifest themselves in intermediate, transient or precarious states. Tomorrow's Sculpture is Katinka Bock's first project to be devised for several institutions. It will give rise to three consecutive exhibitions in the Kunst Museum Winterthur, Mudam Luxembourg and the Institut d'art contemporain, Villeurbanne / Rhône-Alpes. Co-production The exhibitions Katinka Bock . Tomorrow’s Sculpture are co-produced by the Kunst Museum Winterthur, Mudam Luxembourg, and the Institut d’art contemporain, Villeurbanne/Rhône-Alpes. Publications Katinka Bock . Tomorrow’s Sculpture is accompanied by two books published in collaboration with Roma Publications, Amsterdam. An artist’s book, entitled Intenso, has been released in January 2018 as a prelude to the exhibitions. A monograph of the artist will be published in Autumn 2018.

artist

Katinka Bock 
MUDAM Musée d´Art Moderne Grand-Duc Jean, Luxemburg °

MUDAM | 3, Park Dräi Eechelen
L-1499 Luxemburg City

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