daily recommended exhibitions

posted 21. Nov 2019

Slavs and Tatars: Pickle Politics

17. Oct 201931. Jan 2020
A new contemporary art space at the site of Sugar Beach in Toronto SUGAR opens within Toronto’s emerging East Bayfront neighborhood at the Daniels City of the Arts. The area’s historic Redpath Sugar Refinery provides the conceptual framework for SUGAR: a 3-year curatorial project directed by Ala Roushan and Xenia Benivolski. Between 2019–22, SUGAR will feature exhibitions, performances, publications and new commissions from local and international artists with a focus that challenges the related notions of site specificity and public art. * Slavs and Tatars: Pickle Politics 17.10.2019 - 31.01.2020 Opening: October 17, 6–10pm Pickle Politics is the inaugural exhibition at SUGAR by the artist collective Slavs and Tatars. In the context of our site, the artists activate a cycle of work that uses fermentation to consider the transformative conditions of politics and culture. Ogórek Trocki posters, repeating the image of a lost pickle-cucumber specimen, desired for its high sugar content, set the stage for a lecture marathon by Slavs and Tatars. Six consecutive lectures punctuate the exhibition, connecting the subject of fermentation with transliteration, language, cultural transference, and colonialism. Hamdami loops to illustrate the coincidences of language as simultaneously political and metaphysical. And the Pickle Juice Bar provides an opportunity to consume other life as microbiomes: Pickle Politics looks to the practices and symbolism of fermentation, constructing a political argument using notions of the rotten, the spoiled, and the soured. (Slavs and Tatars, 2016). Slavs and Tatars’ practice has been devoted to the area east of the former Berlin Wall and west of the Great Wall of China, known as Eurasia. Fermentation is emblematic of our current times, as political forces in Russia, Asia and the Middle East challenge traditional axes of power: this cosmo-political balancing act continues to shape, reflect and drive forward ideologies that square the East and the West with contingent processes of life and death. The notion of fermentation offers another space between cultural and geographical territories, shifting beyond the Levi-Strauss trichotomy of the “raw,” the “cooked” and the “rotted.” Fermentation is that life-giving, death-driven process that takes place outside of what we think of as progress: a problematic historical approach that conflates the raw/cooked with the primitive/advanced. Activating the microbiomes that comprise a critical mass within the human body, fermentation affects our biological, ecological and political boundaries with generative potential. SUGAR is a city-based project that tracks urban transformation through diaspora, public intervention and political potential. The city is changing; its public spaces, expressions and attitudes have an opportunity to transform. Pickle Politics is a project about fermentation, about the forming of culture anew, through engaged transformation, conversation, and the inclusion of other forms of life. * Slavs and Tatars is an internationally-renowned art collective devoted to an area east of the former Berlin Wall and west of the Great Wall of China known as Eurasia. Their work has been the subject of solo exhibitions at the Museum of Modern Art, NY; Salt, Istanbul; Vienna Secession; Kunsthalle Zurich; Albertinum Dresden; and Ujazdowski Centre for Contemporary Art Warsaw, among others. The collective’s practice is based on three activities: exhibitions, publications and lecture-performances. In addition to their translation of the legendary Azerbaijani satirical periodical Molla Nasreddin (currently in its 2nd edition with I.B. Tauris), Slavs and Tatars have published ten books to date, most recently Wripped Scripped (Hatje Cantz, 2018) on the politics of alphabets and transliteration. Their work is currently on view at the 58th Venice Biennale: May You Live in Interesting Times.
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posted 20. Nov 2019

Wangechi Mutu. The NewOnes

09. Sep 201908. Jun 2020
Exhibition Location: The Met Fifth Avenue Facade Wangechi Mutu. The NewOnes The Met to Extend Display of Wangechi Mutu Sculptures Through June 2020 09.09.2019 - 08.06.2020 (New York, November 6, 2019)—The Met announced today that The Facade Commission: Wangechi Mutu, The NewOnes, will free Us has been extended by five months; Wangechi Mutu's four sculptures will remain on view in the niches of The Met Fifth Avenue facade through June 8, 2020. The installation went on view on September 9, 2019, inaugurating The Met's new annual commission for the Museum's facade. "Wangechi Mutu's deeply powerful sculptures fuse the art of the past with perspectives from the present into these entirely original works of art that have been inspiring conversations and reactions from visitors and passersby since they were unveiled," said Max Hollein, Director of The Met. "We are thrilled to announce that The NewOnes, will free Us will remain on view through the spring, and honored to have these striking figures preside over the Museum as we usher in The Met's 150th anniversary in 2020." Originally scheduled to close on January 12, Wangechi's four bronze sculptures—known individually as The Seated I, II, III, and IV and as a group they bear the title The NewOnes, will free Us—are as poetic as they are fantastic and engage in a pointed critique of gender and racial politics. With The NewOnes, will free Us, the artist has reimagined a motif common to the history of both African and Western art: the caryatid, a sculpted female figure meant to serve as a means of either structural or metaphorical support. Whether carved out of wood for the prestige stool of a West African king or chiseled out of marble for a building on the Athenian Acropolis, the caryatid has always been confined to her role as a load-bearer. For her part, Wangechi stages a feminist intervention, liberating the caryatid from her traditional duties and her subservient status. Wangechi does so, moreover, in the context of a neo-classical facade whose original architects sought to convey a far more conservative set of values.

artist

Wangechi Mutu 
Metropolitan Museum of Art, New York

1000 Fifth Avenue at 82nd Street
NY-10028 New York

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posted 19. Nov 2019

Sang Huoyao

27. Oct 201926. Nov 2019
Long Museum West Bund Sang Huoyao 27.10.2019 - 26.11.2019 Curator Gregor Jansen Organizer Long Museum West Bund Long Museum West Bund will hold Affective-Imagoism Art: Sang Huoyao’s Solo Exhibition ·Shanghai on October 27th to November 26th, 2019 which will be curated by international well-known curator Gregor Jansen. This exhibition is a systematic display and sorting of the achievements of the art exploration of Affective-Imagoism Art made by Sang Huoyao, an ink painting artist of significant influence in China in the recent twenty years. According to the combination of the rhythmic exhibition space in Long Museum and the unique artistic style of Sang Huoyao’s works, curator creates the whole exhibition as a spring-greeting blossom time-space tunnel from the earth to the heaven and eventually back to the earth, which bringing the audience a metaphysical immersive spiritual experience and a brand-new aesthetic experience in the vision. Today, the era is bound by technology and desire under the process of globalization. With the rapid pace, covering, refreshing and shielding have become what everyday concerns. From the perspective of Oriental philosophy, Sang Huoyao focused on the issues of existence and disappearance, rationality and sensibility, space and non-space, etc. The accumulation of ink in his works not only dispels the reality or thematic content, but also implies the shielding of the existing reality and the elimination of the material society. Through the method of overlapping and shielding, the pattern appears to be nothing in the plane, the imago in Sang Huoyao’s works actually contains the reality of metaphysical speculation. The glory of the human and divine which coming from the self-witness realizes the individual consciousness in speculative free-access. That is also a kind of annotation of artistic conception of Affective-Imagoism Art. This exhibition is divided into four parts: “the world opens up on a secluded spot”, “the universe leads to an enchanting view”, “the unity of heaven and human” and “the perfection in everyone’s own free will”. There is a total of 52 works that mainly easel paintings, as well as installations, collages and new media. Most of them are created in the past ten years. Into those works Sang Huoyao poured his real feelings and integrated into the contemporary aesthetic context. Single pieces or series display which inspires the connection between individuals and groups of works and constructs the visual effect of Affective-Imagoism Art aesthetics: mysterious, lofty, pure, quiet and profound. Several of the large pieces are closely integrated with 12-meter-high exhibition hall in the museum. Among them, the work “Deeply Believe” (538 cm x 660cm) resides audiences into black hole in the universe and raise audiences’ awareness of the space and time. And the work “The Ideal World” (398 cm x 1090cm) is to reflect on the uncertainty of the reality and the future. Other groups (size 538 cm x 218cm) are combinations of large size colorful ink paintings. They are a kind of transcendent thinking and record for the natural and life. At the same time, 12-meter-high silk scroll of ink painting installation “Love Songs on the Mountain” will rise straight up in the middle of the space. Its gentleness is singing for our era and life. Sang huoyao has been engaged in the creation of Chinese literati art for quite a long time. He is deeply familiar with the tradition of painting art in Song and Yuan Dynasty, especially Mi Fu’s and Ni Zan’s painting art. With the transformation of social modernization, he has been adhering to the contemporary of Chinese ink painting and the exploration of the internationalization of ink painting since 1998. Sorted out from his own creative practice, he combines the eastern philosophy and aesthetics with an artist’s unique comprehension to the present. Then his continuous pursuit of metaphysical spiritual purport gradually formed a methodology of squares overlapping and his own theory of Affective-Imagoism Art, then they eventually become his own unique art language and symbols. He successively held his solo exhibitions in the National Art Museum of China, Today Art Museum, China Arts Museum and Guangdong Museum of Art. The symbol of those squares is inspired by the symbols of hexagrams in the Book of Changes and Chinese characters. The form of square is rational and a kind of control, while the infiltration of ink is uncertain and a kind of anti-control natural force, just like the natural taste of cracked ice pattern in some Chinese porcelain. Through continuous applying colors to paintings by a single stroke of squares, Sang Huoyao makes all of concrete objects and images in the space appear one by one. Here reason and sensibility interweave with each other to form a spiritual universe space that can be magical. The process of accumulating ink is also the process of time and energy accumulation. The touch of “jade” and the form of cracked ice pattern of porcelain by continual accumulating in a way of meditation show the slice of time and space of life and the chaotic universe. It also obtains the time thickness and space dimension, reopens the plane of painting, dissolves the existing existence, and conveys the emptiness, peace and tranquility. The barely visible sense of light in the middle of the work emerges from the cracks overlapped by squares through the special infiltration effect of Chinese ink, which forming the shock and penetrating power of “the fusion of light and Chi”. Light, which originates from the conduction of cosmic particles, has the form of movement through time and space. In the consciousness of human life, light has divine power. Everything has a crack, and the light always shines where there is the most spiritual value. About the artist Sang Huoyao who is born in 1963. He graduated from the department of traditional Chinese painting in China Academy of Art with a master’s degree. Now he is a member of the Artistic Creation Steering Committee in Chinese National Academy of Arts. He is also the vice-president of China National Academy of Painting. He is the creator of Affective-Imagoism Art. Adding to his multi-varied background is also his experience as a researcher in the “Wu Guanzhong Research Center” in Tsinghua University and a member of Chinese Artists Association. His works have been collected by National Art Museum of China, China Arts Museum, Zhejiang Art Museum, Guangdong Museum of Art, as well as the Today Art Museum in Beijing. They can also be found at the venue of the G20 Hangzhou Summit and China International Import & Export Expo under long term display. Now he lives and works in Beijing. About the curator Gregor Jansen, an internationally well-known curator, art critic and free-lancer author. Now he is the director of Kunsthalle Düsseldorf. From 2005 to the end of 2009, he headed the ZKM | Museum of Contemporary Art in Karlsruhe. At Kunsthalle Duesseldorf exhibitions amongst others with Hans-Peter Feldmann, KRIWET, Tomma Abts, Chris Martin, Koo Jeong A, Tal R, Yin Xiuzhen, Michael Kunze, André Thomkins, Marijke van Warmerdam, Song Dong, Liu Xiaodong as well as Joseph Beuys at How Art Museum, Shanghai.Now he lives and works in Germany.

artist

Sang Huoyao 

curator

Gregor Jansen 
Long Museum, Shanghai

LONG MUSEUM, No.210, Lane 2255, Luoshan Road
Shanghai

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posted 18. Nov 2019

LEÓN FERRARI. TOASTED ANGELS, SOUNDS OF STEEL

23. Nov 201903. Feb 2020
opening: 22. Nov 2019 06:00 pm
LEÓN FERRARI. TOASTED ANGELS, SOUNDS OF STEEL Nov 23—Feb 3 Opening Friday, Nov 22, 6—10pm „The only thing I ask of art is that it helps me to invent visual and critical signs that let me condemn more efficiently the barbarism of the West.“ León Ferrari, 1965 Das Weiße Haus ist besiedelt von Regenwürmern. Sie kriechen durchs Oval Office, in die privaten Gemächer, hängen von dem Fahnenmast auf dem Dach, schmieren ihren Schleim auf die amerikanische Flagge. Eklig. Sweet. Das Video Casa Blanca von 2005 ist der Auftakt unserer Ausstellung. Wird hier ein stolzes Symbol geschändet? Eine Ikone beschmiert? Was hatte León Ferrari im Sinn? Blasphemie? Ferrari tat, was er konnte. Was er nicht konnte, tat er nicht. Das klingt banaler, als es ist. Denn was Ferrari tat, war eng verbunden mit den politischen Entwicklungen seit den 1950er Jahren, für die er zum je gegebenen Zeitpunkt seine Sprache fand, mit den Mitteln, die er hatte. Eine Sprache – mehrere Sprachen –, die vom Privaten ins Öffentliche drangen, um von Krieg und Diktatur, von Drangsalierung, und von Freiheit zu erzählen. Ferraris künstlerische Laufbahn begann 1955, im ersten Jahr des Vietnamkriegs. Sechs Dekaden lang zeichnete er fortan die Geschichte der westlichen Zivilisation als eine Geschichte der globalisierten institutionellen Gewalt nach. Als er 2013 in seiner Heimatstadt Buenos Aires im Alter von 93 Jahren starb, war León Ferrari längst zu einer der großen internationalen Stimmen des lateinamerikanischen Kontinents geworden. KOW zeigt einen Blick in sein einflussreiches Werk, das in Deutschland noch immer zu wenig bekannt ist. Schnell fällt auf, wie der Argentinier sein Hühnchen mit der katholischen Kirche rupft. Seine berühmteste und sicher kontroverseste Arbeit, La Civilización Occidental y Cristiana von 1965, zeigt eine Jesusfigur aus bemaltem Holz, gekreuzigt an den Nachbau eines amerikanischen Kampfjets aus dem Vietnamkrieg. Das gab Ärger mit Museen, mit der Regierung, und mit dem Vatikan. Wir zeigen bislang unveröffentlichte Collagen aus den Achtzigerjahren, die an La Civilización … anschließen. Die Blätter aus dem Zyklus Relecturas de la Biblia mögen auch heute noch Gemüter erhitzen: Naziterror trifft auf katholische Propaganda, Engel beschützen amerikanische Panzer und Langstreckenraketen, in der Sixtinischen Kapelle schaut der Klerus auf den Holocaust, als sei er das Jüngste Gericht von Gottes Gnaden. Regime militärischer und religiöser Herrschaft Hand in Hand in einem Bild. Die Hölle auf Erden – geschmiedet aus Stahlrohen, Zyankali und Heiligenscheinen. Objekte aus den späten 2000er Jahren schreiben diese antiklerikale Ikonografie der Gewalt fast komödiantisch fort. Heiligenfiguren in Küchenmixern, Toastern und Einweckgläsern nebst mit bunten Federn geschmücktem Kriegsgerät gelingt eine populäre Bildlichkeit wider den allzu menschlichen Ernst. Ferrari unterstreicht, wie sehr die Geschichte des Abendlandes, und zumal die seines Heimatlandes Argentinien, geprägt wurde durch die missionarischen Übergriffe der Kirche, durch den hegemonialen Kanon westlicher Glaubensgrundsätze, der mit Kanonenfeuer kam, mit Dollars verteidigt wurde, und der heute dringend in den Mixer gehört. Rückblick. März 1976. Mit einem Putsch beginnt die argentinische Diktatur. Die Militärjunta übernimmt das Land, sie verschleppt, foltert und tötet bis 1983 geschätzt 30.000 Menschen, toleriert von den USA und zum Teil auch von der Bundesrepublik. Auch Ferraris Sohn verschwindet spurlos. Er sucht ihn, geht ins brasilianische Exil, nach São Paulo, wo er zunächst stiller wird, sich sammelt, um weiterzumachen. Auch die Megalopole stellt er bald als strukturelle Nötigung in eine ameisenhaften Gleichschaltung dar, findet moderne Formen für die Übergriffigkeit der modernen Stadt – und er beginnt, seine Arbeiten billig zu reproduzieren, bringt unlimitierte Editionen in Umlauf, sucht nach einer Demokratisierung der künstlerischen Produktion. Ende der Achtzigerjahre kehrt er allmählich nach Buenos Aires zurück. Neben den ikonoklastischen und offensichtlich politischeren Arbeiten stehen in Ferraris Werk Skulpturen, Lithographien, Zeichnungen und Gemälde, die im Laufe mehrerer Jahrzehnte entstanden und eine abstraktere, konzeptuelle Formensprache sprechen. Wir zeigen zwei seiner minimalistischen Stahlplastiken, die er in den späten Siebzigerjahren entwickelte. Dutzende senkrechter Metallstangen lassen sich von Besucherinnen in Bewegung versetzen und zum Klingen bringen. Die Plastik wird zum Musikinstrument, das sich mit mehreren Händen gemeinsam spielen lässt. Frühe Zeichnungen und späte Drucke greifen diese filigranen Bewegungen auf, übersetzen sie in eine Sprache aus Linien und Knotenpunkten, die der Hypertextualität des Internetzeitalter bereits in den frühen Sechzigerjahren vorzugreifen scheinen, aber auch als konkrete Poesie den Raum zwischen Wort, Schrift und Geste vermessen. Bisweilen sind sie anarchischer Ausdruck ohne Wortsinn, dann wieder als Pamphlete lesbar. Nicht zuletzt war Ferrari bis zu seinem Tod auch eine moralische Instanz und ein Mentor für viele Künstlerkolleginnen und -kollegen. Geht man in Buenos Aires in eine Bar oder ein alternatives Kulturzentrum, kann es sein, dass man am Tresen einer seiner Skulpturen begegnet, die er vor Jahren dort abgestellt hat. Sein künstlerisches Werk endete nicht an der Ateliertür, und sein politisches Engagement beschränkte sich nicht auf die eigene Produktion. Er gestaltete Titelbilder für gesellschaftskritische Zeitungen und Magazine, inszenierte für das Theater, schrieb Artikel, gab Interviews. Heute betreut León Ferraris Familie seinen Nachlass mit dem Ziel, den sozialen Kern seiner künstlerischen Haltung zu würdigen und für die Zukunft lebendig zu halten. Text: Alexander Koch

artist

Leon Ferrari 
KOW Berlin

KOW | Brunnenstrasse 9
10119 Berlin

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posted 17. Nov 2019

Toronto Biennial of Art 2019

21. Sep 201901. Dec 2019
Toronto Biennial of Art 2019 21.09.2019 - 01.12.2019 The inaugural Toronto Biennial of Art announces the participation of 44 Canadian, Indigenous, and international artists and collectives. Curated by Candice Hopkins and Tairone Bastien, the 72-day event will include 20 new commissions and over 100 works installed across 10 sites on or near Toronto’s waterfront. Further participants will be announced in August, along with details regarding extensive public programs and creative partnerships. The Biennial takes its cues from Lake Ontario, which is part of the largest freshwater system on Earth, and the multi-layered history of Toronto’s ever-changing waterfront. The latter is a site of migration, colonization, and commerce that includes relics of heavy industry, dense condominium developments, active and decommissioned military sites, lost rivers, manufactured parks, and human-made spits. Contingencies among people, nature, and economies inform the Biennial’s central question: “What does it mean to be in relation?” Relations, both human and non-human, can reaffirm communion and generate ecosystems, but also breed anxieties, glitches, anomie, and alienation. Artists have responded with works that explore the effects of connection and disjunction to project alternative futures: sculptures formed by the shape of soundwaves; multi-channel videos that bridge Indigenous and migrant storytellers; an ice core archive; installations that address our unsettled landscape; a massive diorama made from the city’s rubble; a public apology for Indigenous genocide. The works in the Biennial represent many voices, a reflection of Toronto’s status as the most diverse city in the world, where inhabitants speak over 170 languages and dialects. Programs recurring throughout the Biennial include The Drowned World, a film series presented by guest curator Charles Stankievech at the Ontario Place Cinesphere, and two dynamic structures by Adrian Blackwell that act as gathering places for performance and other programming at two Biennial sites. Confirmed Biennial participants Maria Thereza Alves / Abbas Akhavan / AA Bronson / Adrian Blackwell / Hera Büyüktaşçıyan / Judy Chicago / Dana Claxton / Moyra Davey / Shezad Dawood / Naufus Ramírez Figueroa / Laurent Grasso / Embassy of Imagination + PA System / Ramin Haerizadeh, Rokni Haerizadeh, and Hesam Rahmanian / Luis Jacob / Jae Jarrell / Jumblies Theatre & Arts + Ange Loft / Kapwani Kiwanga / Jumana Manna / Qavavau Manumie / Caroline Monnet / New Mineral Collective (Emilija Škarnulytė and Tanya Busse) / The New Red Order: Adam Khalil, Zack Khalil, and Jackson Polys / Fernando Palma Rodríguez / Napachie Pootoogook / Elder Duke Redbird / Lisa Reihana / ReMatriate Collective / Abel Rodríguez / Wilson Rodríguez / Arin Rungjang / Susan Schuppli / Lou Sheppard / Nick Sikkuark / Lisa Steele & Kim Tomczak / Adrian Stimson / Curtis Talwst Santiago / Althea Thauberger + Suzanne Kite / Caecilia Tripp / Bárbara Wagner and Benjamin de Burca / Hajra Waheed / Syrus Marcus Ware About the Toronto Biennial of Art Launching in fall 2019, the Toronto Biennial of Art is a new international contemporary visual arts event as culturally connected and diverse as the city itself. Every two years, Toronto and surrounding areas will be transformed by free exhibitions, talks, and performances that reflect our local context while engaging with the most pressing issues of our time. The Toronto Biennial of Art Team Executive Director: Patrizia Libralato Exhibitions: Susannah Rosenstock, Deputy Director & Director of Exhibitions; Candice Hopkins, Senior Curator; Tairone Bastien, Curator; Katie Lawson, Assistant Curator; Kelly Tsipni-Kolaza, Manager; Ben Renzella, Production Programs: Ilana Shamoon, Deputy Director & Director of Programs; Clare Butcher, Curator; Myung-Sun Kim, Associate Curator; Chiedza Pasipanodya, Curatorial Assistant; Keiko Hart, Programming Coordinator Editorial & Creative Content: Nicola Spunt, Director; Gill Harris, Manager Marketing & Communications: Sue Holland, Director; Megan Irwin, Coordinator Development: Sabrina Maher, Manager; Jill Thorp-Shepherd, Coordinator Finance: Mark Hirowatari, Manager; Alessandra Montefiore, Office and Finance Coordinator
Toronto Biennial of Art

MOCA building, 158 Sterling Road
ON M6R 2B2 Toronto

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posted 16. Nov 2019

Art Düsseldorf 2019

15. Nov 201917. Nov 2019
Art Düsseldorf 2019 15.11.2019 - 17.11.2019 * **Öffnungszeiten 2019** Donnerstag 14.11.2019 12-16 Uhr VIP-Preview Donnerstag 14.11.2019 16-20 Uhr Opening Freitag 15.11.2019 12-19 Uhr Samstag 16.11.2019 11-19 Uhr Sonntag 17.11.2019 11-19 Uhr * **Art Düsseldorf** Aktuelles und Pressemeldungen “Für uns ist die Art Düsseldorf ein super Termin im Herbst. Das Rheinland hat das Potential zwei Messen zu positionieren. Köln im Frühjahr und Düsseldorf im Herbst. Wir kommen nächstes Jahr wieder.“ (Johann König, König Galerie, Berlin) “Unser Fazit: sehr gut informierte Besucher und intellektuell anregende Gespräche. Eine internationale Messe mit einer interessanten Mischung von Sammlern aus Belgien, Skandinavien und Deutschland. Wir haben neue Kontakte geknüpft und Verkäufe getätigt.“ (Axel Vervoordt Gallery, Antwerpen) “Für die Mutigen, für die Jungen, für die Unverbesserlichen: 91 Aussteller gehen auf der Messe Art Düsseldorf in die Offensive.“ (Monopol) “Die Art Düsseldorf ist eine sehr schöne Messe. Unser Standkonzept mit dem Fokus auf jüngere Künstler ist sehr gut aufgegangen. Wir haben Werke von allen Künstlern an bekannte und neue Sammler verkauft und einige neue getroffen.“ (Gerd Harry Lybke, Eigen + Art, Berlin) “Eine sehr gute Messe. Die Location ist toll und die Leute fühlen sich wohl. Daher war die Messe durchweg gut besucht. Es gab viel Interesse, viele neue Kontakte und wir haben gut verkauft.“ (Beck & Eggeling, Düsseldorf) “Die Messe war sehr dynamisch mit vielen ausländischen Kuratoren und Kunstberatern. Ich habe den Stand mit der Düsseldorfer Galeristin Linn Lühn geteilt, um Synergien in diesem ansonsten sehr kompetitiven Markt zu kreieren. Die Art Düsseldorf hat mir ermöglicht, Kunst, Design und tribal art in Dialog zu setzen. Für mich daher eine rundum positive Erfahrung.“ (Olivier Vrankenne, OV Project, Brüssel) “Wir haben an neue Kunden und an Bestandskunden verkauft. Die Messe hat sich qualitativ weiterentwickelt, wir kommen nächstes Jahr wieder.“ (Michael Werner Kunsthandel, Köln) “Wir waren zum ersten Mal dabei und haben sehr positive Erfahrungen gemacht. Interessierte Besucher und viele neue Kontakte. Das Interesse für zeitgenössische Fotografie ist groß.“ (Bernheimer Fine Arts, Luzern) “Ich bin begeistert, welchen Zuspruch die zweite Ausgabe der Art Düsseldorf findet. Viele Kunstliebhaber sind nach Düsseldorf gekommen, um großartige Kunst von regionalen und internationalen Galerien in der tollen Atmosphäre der Böhler Hallen zu genießen und zu erwerben. Ein grandioses Ereignis, das zu der Strahlkraft der Kunstmetropole Düsseldorf wesentlich beiträgt.“ (Thomas Geisel, Oberbürgermeister Düsseldorf) “Die Art Düsseldorf boomt.“ (Süddeutsche Zeitung) “Wir haben eine überaus positive Resonanz auf unser Standkonzept erhalten, indem wir in der Galerie vertretene Künstler mit einer Auswahl von Künstlern aus Tel Aviv kombiniert haben. Dieser Dialog war erfolgreich, um weitere Kontakte zu Kuratoren zu knüpfen, aber auch attraktiv für Sammler und so konnten wir einige Werke in anspruchsvollen Sammlungen platzieren.“ (André Schlechtriem, DITTRICH & SCHLECHTRIEM, Berlin) “Die Qualität der Messe ist gut. Richtung Benelux Sammler noch weiter ausbaufähig.“ (Marlborough Contemporary, New York) “Die Art Düsseldorf hat ein klares Profil gefunden, das von der Nachkriegsmoderne ausgeht und in die Gegenwartskunst führt. Der Erfolg der zweiten Ausgabe beruht darauf, moderne und zeitgenössische Kunst auf hohem Niveau zusammenzuführen.“ (Aeneas Bastian, Galerie Bastian, Berlin) “Unsere erste Messebeteiligung in Düsseldorf war eine gute Erfahrung, wir haben sowohl an bestehende Kunden verkauft als auch neue dazu gewonnen. Die Offenheit und der positive Dialog mit den Besuchern hat auch mit dem Ort zu tun. Dank des Tageslichts erlebt man die Kunst intensiver als auf anderen Messen.“ (Parisa Kind, Frankfurt am Main) “Ich habe neue Künstler entdeckt und viele interessante Begegnungen gemacht. Zwei Tage im Rheinland waren zu kurz, um die Vitalität der Region für zeitgenössische Kunst voll zu erleben. Die Museen, Stiftungen und Galerien boten ihr Bestes für uns alle, die wir den Kurzurlaub von Brüssel aus machten.“ (Frédéric de Goldschmidt, Privatsammler mit Sitz in Brüssel) “Die zweite Ausgabe der Art Düsseldorf macht sich bestens.“ (FAZ) “Die zweite Ausgabe der Art Düsseldorf war eine konsequente Weiterentwicklung einer jungen, frischen Messe mit großem Potential.“ (Gil Bronner, Sammlung Philara) “Die gut besuchte Messe ähnelt mit ihren hohen, lichtdurchfluteten Hallen dem Grand Palais. Außerdem finden viele interessante Ausstellungen statt, wie Harald Szeemann in der Kunsthalle oder Cao Fei im K21. Das zeigt, dass Düsseldorf eine Kunstmetropole ist.“ (Hans Ulrich Obrist, Chefkurator der Serpentine Gallery, London) “Die Kunstmesse im Böhler Areal hat an Qualität zugelegt.“ (Handelsblatt) “Kunst-Vergnügen im ehemaligen Stahlwerk.“ (Rheinische Post) “Die Art Düsseldorf ist im zweiten Jahr auf Erfolgskurs.“ (Westdeutsche Zeitung) “Sicht- und spürbar war das Interesse an der Art Düsseldorf auch in den Institutionen Kunsthalle und Kunstverein, denn wir hatten ein sehr gut frequentiertes Haus an allen Tagen der Messe aus allen Teilen der Republik, aber auch aus Benelux, USA oder aus Korea.“ (Gregor Jansen, Direktor, Kunsthalle Düsseldorf) “Zur Eröffnung (…) sind die bekannten Sammler der Region geschlossen angetreten, ebenso wie mancher Globetrotter.“ (Tagesspiegel) “Ich kenne keine Messe, die eine so schöne Atmosphäre hat. In den tageslichtdurchfluteten Hallen des Areal Böhler kommen die Kunstwerke wunderbar zur Geltung. Die Qualität der gezeigten Arbeiten ist hoch; zudem gibt es einen guten Überblick über die Szene. Die Messe ist ein wertvoller Beitrag für die Kunst-Stadt Düsseldorf, den man nicht missen möchte.“ (Felix Krämer, Generaldirektor, Kunstpalast Düsseldorf) “Stark auch ohne Schweizer Hilfe.“ (Tagesspiegel) * **Konzept** “Die Art Düsseldorf ist am richtigen Ort zur richtigen Zeit. Sie vereint die herausragenden Eigenschaften des Kunststandort Rheinland und trifft auf die Neugier der angrenzenden Regionen. Düsseldorf hat eine einzigartige Lage für viele Sammler aus Belgien, den Niederlanden und Luxemburg. Wir werden mit der dritten Edition inhaltlich und strukturell eine stärkere Internationalisierung vorantreiben.” Walter Gehlen, Messedirektor * ART DÜSSELDORF 2019 Auf der Art Düsseldorf 2019 zeigen rund 100 etablierte und junge, regionale und internationale Galerien zeitgenössische Kunst in den großzügigen und lichtdurchfluteten Hallen des Areal Böhler, Düsseldorf. EINE ERFOLGREICHE ERSTE UND ZWEITE EDITION Mit über 40.000 Besuchern und exzellentem Feedback von Galeristen und Sammlern zum Messeerlebnis hat die Art Düsseldorf 2018 das starke Profil ihrer Premiere erfolgreich konsolidiert. EIN AUSSERGEWÖHNLICHER ORT Mit dem Areal Böhler in Düsseldorf, einem ehemaligen Stahlwerk in erstklassiger Lage, hat die Messe einen außergewöhnlichen und unkonventionellen, für die Präsentation von Kunst idealen Ausstellungsort gewählt. HOCHKARÄTIGE GALERIEN Die Art Düsseldorf zeigt hochkarätige zeitgenössische Kunst von Galerien aus dem Rheinland, Deutschland und den Benelux-Ländern sowie international etablierte Künstler. Die Messe positioniert sich in der Region als Kunstmesse mit internationaler Ausstrahlung. Die Art Düsseldorf entscheidet sich für Galerien, die in ihrem Programm Kunst sowohl für Sammler in der Region präsentieren, als auch für internationale Sammler, die von der Geschichte der Düsseldorfer Kunstszene und der regionalen “DNA” fasziniert sind. Die Galerien werden jedes Jahr erneut sorgfältig ausgewählt. Die Hälfte der teilnehmenden Galerien der dritten Ausgabe stammt aus der Region (Deutschland und den Benelux-Ländern). Die meisten internationalen Galerien sind europäischen Ursprungs. Darüber hinaus kommen in diesem Jahr jeweils rund 10% der Galerien aus den USA und Asien. EIN EINZIGARTIGES ERLEBNIS Die Art Düsseldorf ist ein Treffpunkt für Experten und Kunstinteressierte gleichermaßen. Mit einer klaren Ausrichtung auf zeitgenössische Kunst gibt die Messe einen Überblick der wichtigsten aktuellen Tendenzen, gepaart mit bedeutenden Positionen der jüngsten Kunstgeschichte. Wer will, kann sich über die Messe führen lassen, um in 60 Minuten einen aufschlussreichen und anregenden Dialog mit der Kunst einzugehen. Das Messeerlebnis ermöglicht viele Entdeckungen. BLICK IN RICHTUNG NEUER GENERATION Die Art Düsseldorf versteht sich auch als Messe für nachfolgende Generationen von Künstlern, Galeristen und Sammlern. Rsvp ist eine Plattform für Galerien, die in den letzten zehn Jahren gegründet wurden und aktuelle Arbeiten junger Künstler zeigen. Die Präsentationen rücken die Next Generation künstlerischer Talente in einem anspruchsvollen und klaren Rahmen in den Mittelpunkt. Eine Jury aus folgenden Kuratoren lädt die Galerien ein: Devrim Bayar (WIELS | Brüssel, Belgien), Elisa Linn und Lennart Wolff (km temporär | Berlin, Germany), Marianne Dobner (mumok | Wien, Österreich). Mit der dritten Messeausgabe startet das neue Format Collector’s Private Tour: Erfahrene Sammler teilen ihre Expertise in speziellen Führungen mit interessierten jungen Sammlern. DIE ROLLE DER STADT FÜR DIE ART DÜSSELDORF Die Stadt Düsseldorf verfügt mit ihrer Kunstakademie, ihren Ausstellungsorten, Museen und Privatsammlungen über eine stark entwickelte und international renommierte Kunstszene. Mit Düsseldorf als Standort positioniert sich die Messe im Herzen einer Metropolregion mit zehn Millionen Einwohnern im Zentrum einer der kunst- und kulturpolitisch dynamischsten Regionen Westeuropas. Die Art Düsseldorf ist damit eingebettet in eine dichte urbane Kulturlandschaft – mit wichtigen Kunstinstitutionen an Rhein und Ruhr, in Köln und Bonn, mit Essen und Bochum in unmittelbarer Nachbarschaft. DIE ROLLE DER ART DÜSSELDORF FÜR DIE STADT Die Art Düsseldorf hat sich als qualitativ hochwertige Plattform für Sammler, Galeristen und Kuratoren bewiesen und wird mit ihrer Präsenz die bestehende Kunstszene der Kulturmetropole in der Herbstsaison weiter stärken. Die Art Düsseldorf widmet sich zudem langfristigen neuen und bereits bestehenden Beziehungen in der Kunstszene, die auch außerhalb der Messe Früchte tragen. Die enge Zusammenarbeit zwischen Messeleitung und Galerien sowie regionaler Kunstinstitutionen ist das Erfolgsrezept der Art Düsseldorf.
Art Düsseldorf

Areal Böhler | Hansaallee 321
40549 Düsseldorf

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posted 15. Nov 2019

Raphaela Vogel. Bellend bin ich aufgewacht

19. Oct 201906. Jan 2020
opening: 18. Oct 2019 07:00 pm
Raphaela Vogel Bellend bin ich aufgewacht Mit Raphaela Vogel (*1988, Nürnberg) präsentiert das Kunsthaus Bregenz vom 19. Oktober 2019 bis zum 6. Januar 2020 eine der jüngsten Künstler/innen der KUB Geschichte. Müde hängen an ihren Enden befestigte Häute von den Wänden. Raphaela Vogel hat Ziegen- und Elchhäute vernäht, bemalt und mit Polyurethan beschwert. Sie zeigen verwilderte gestische Spuren, Gewaltszenen oder flüchtige Gesichter, die wie stumpfe Spiegel von den fast dreieckigen Lederstücken blicken. Raphaela Vogel stellt diese großformatigen Bilder neben raumgreifende Videoskulpturen. Zierliche Gestänge, Plastikplanen und technische Gerätschaften gehören als fixe Bestandteile zu ihren Arrangements. Die Stangen wirken wie Zeichnungen im Raum, die Planen wie amorphe Kulissen und die Apparate wie flackernde Scheinwerfer. Manches scheint beweglich, anderes wird in eine labile Lage oder in heftige Spannung versetzt. Die Teile sind durch Seile verbunden, sie erinnern an Vorgänge physikalischer Transformation. Alu-Traversen schieben sich in den Raum oder bauen sich als Riesenkandelaber zu totalitären Statuen auf. Diese Elemente der technischen Welt stehen im Kontrast zu den Videobildern, die Vogel aus Versatzstücken, Selbstporträts und Drohnenaufnahmen schneidet. Diese Ansichten kreisen, werden gedreht oder gespiegelt. Kaleidoskopische Wirkungen und Schwindel sind die Folge. Eine andere Werkgruppe der jungen Künstlerin umfasst Abgüsse aus Acryl. Es sind meist lebensgroße Skulpturen von Tieren oder einzelne Plastiken, die überdimensionale Ausmaße annehmen. Raphaela Vogel verbindet Skulptur und Video, Raum und Readymade. Ihre Kunst besteht in der physisch erlebbaren Spannung sowie in einem kontrastreichen Spiel aus Imagination und Dimension. Es entwickeln sich kraftvolle und energische Räume, die Fragen zur menschlichen, im Besonderen weiblichen Subjektivität schärfen. Das Kunsthaus Bregenz mit seinen ruhigen, industriell anmutenden Hallen ist für diese Art der raumgreifenden Skulptur nicht nur geeignet, sondern allein schon durch seine Dimension die beste Vorgabe für Vogels künstlerische Experimente. **Helke Sander** Als Teil der Ausstellung wird ein Film der deutschen Feministin und Aktivistin Helke Sander (*1937) zu sehen sein. Der etwa zehnminütige Schwarzweißfilm zeigt eine junge Frau, die in Hamburg mit zwei Kleinkindern einen Baukran erklimmt. Auf den Flugblättern, die sie von dem Kran herunterwirft, fordert sie eine für sich und ihre Kinder leistbare Wohnung. Sander drehte den Film Nr. 1 – Aus Berichten der Wach- und Patrouillendienste 1984 vor dem Hintergrund einer wahren Geschichte. Im Februar 2019 waren Helke Sanders Filme ein Schwerpunkt der Retrospektive der 69. Berlinale. Unter dem Titel Selbstbestimmt. Perspektiven von Filmemacherinnen, kuratiert von der Deutschen Kinemathek, wurde das Filmschaffen von Regisseurinnen in der Zeit von 1968 bis 1999 beleuchtet. **Raphaela Vogel** (*1988, Nürnberg) studierte an der Akademie der Bildenden Künste Nürnberg bei Michael Hakimi und an der Städelschule in Frankfurt am Main bei Peter Fischli. Mit Einzelausstellungen war sie u. a. in der Kunsthalle Basel (2018), in der Berlinischen Galerie (2018), an der Volksbühne Berlin (2017), in der BQ Galerie, Berlin (2016), und im Bonner Kunstverein (2015) vertreten. Im Format Kapsel 09 waren in Frühjahr 2019 Arbeiten von Raphaela Vogel im Haus der Kunst in München zu sehen. Vogel lebt und arbeitet in Berlin. Partner und Sponsoren Das Kunsthaus Bregenz bedankt sich bei seinen Partnern für die großzügige finanzielle Unterstützung und das damit verbundene kulturelle Engagement.

artists & participants

Helke Sander,  Raphaela Vogel 
Kunsthaus Bregenz

Karl Tizian Platz
A-6900 Bregenz

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posted 14. Nov 2019

STAN DOUGLAS. SPLICING BLOCK

02. Nov 201901. Mar 2020
opening: 30. Oct 2019 07:00 pm
STAN DOUGLAS. SPLICING BLOCK 02.11.2019 - 01.03.2020 ERÖFFNUNG 30. Oktober 2019, 19 Uhr KÜNSTLERGESPRÄCH 1. November 2019, 18 Uhr Die JULIA STOSCHEK COLLECTION freut sich, eine Ausstellung des renommierten kanadischen Künstlers Stan Douglas (*1960, Vancouver) in Berlin zu präsentieren. Seit den späten 1980er Jahren arbeitet Stan Douglas in den Bereichen Film, Fotografie und Installation und lotet die Parameter der jeweiligen Medien aus. Der Künstler befragt in seinen Werken die Vergangenheit, durchbricht traditionelle Erzählstrukturen und verwischt Fakt und Fiktion. Die Ausstellung SPLICING BLOCK widmet sich der Beziehung zwischen Musik und Gesellschaft und ist zugleich eine Reflexion über die Medien Film und Fotografie. Die Werke rekonstruieren und imaginieren die 1960er und 70er Jahre – eine Zeit zwischen (De-)Kolonisierung und Migration, eine Zeit, in der Jazz, Underground Disco und Afrobeat musikalisch prägend waren. Zu sehen sind die frühe Zwei-Kanal Videoinstallation Hors-champs (1992), das sechsstündige Video Luanda-Kinshasa (2013) sowie großformatige Fotografien aus der Serie Disco Angola (2012). Luanda-Kinshasa hat der Künstler in einem dem legendären New Yorker Musikstudio „The Church“ nachempfundenen Raum aufgezeichnet; Hors-champs in einem Pariser Fernsehstudio. Die Fotografien der Serie Disco Angola zeigen inszenierte „Kostüm-Dramen in Fragmenten“ (Stan Douglas) aus dem postindustriellen New York und dem postkolonialen Angola – aufgenommen in Kalifornien. Ein „splicing block“ ist ein Werkzeug zum Schneiden und wieder Zusammensetzen von analogem Bild- und Tonmaterial. Die Präzision des Vorgangs hängt von den Fähigkeiten des Cutters ab – einmal geschnitten, kann der Vorgang nicht rückgängig gemacht werden. Stan Douglas beherrscht das Handwerk, verschiedene Orte und Zeiten spurlos zu verbinden. Es ist nicht nur die minutiöse Inszenierung beim Filmen bzw. Fotografieren, sondern vor allem die akribische Konstruktion im Schneideraum, welche die Betrachter*innen mühelos durch Raum und Zeit transportiert. Der Titel SPLICING BLOCK steht somit sinnbildlich für Stan Douglas’ Arbeitsmethode. Stan Douglas gilt als einer der bedeutendsten Vertreter zeitbasierter Medienkunst. Seine Werke sind erstmals seit 2001 wieder in einer Einzelausstellung in Berlin zu sehen. Kuratiert von Paola Malavassi, Leitung JSC Berlin. Die Ausstellung STAN DOUGLAS / SPLICING BLOCK ist Teil des Kulturprogramms im Rahmen von Kanadas Gastauftritt bei der Frankfurter Buchmesse 2020. Sie wird unterstützt durch das Canada Council for the Arts und die kanadische Regierung, vertreten durch die Botschaft von Kanada, Berlin.

artist

Stan Douglas 

curator

Paola Malavassi 
JULIA STOSCHEK COLLECTION BERLIN

JULIA STOSCHEK COLLECTION | Leipziger Strasse 60
10117 Berlin

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posted 13. Nov 2019

MICHAEL KIENZER

04. Oct 201911. Jan 2020
opening: 03. Oct 2019 07:00 pm
MICHAEL KIENZER 04.10.2019 - 11.01.2020 Eröffnung: Do 03.10.2019 19:00 Uhr
Elisabeth & Klaus Thoman, Innsbruck

GALERIE ELISABETH & KLAUS THOMAN | Maria-Theresien-Straße 34
6020 Innsbruck

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posted 12. Nov 2019

Marina Abramović, The Cleaner

21. Sep 201920. Jan 2020
Marina Abramović, The Cleaner The Museum of Contemporary Art, Belgrade 21.09.2019 - 20.01.2020 Conceived in close collaboration with the artist herself, the exhibition The Cleaner is the first major European retrospective of Marina Abramović. The exhibition made its debut in 2017 at the Moderna Museet (Stockholm, Sweden), and has subsequently travelled to the Louisiana Museum of Modern Art (Humlebæk, Denmark), Henie Onstad Kunstsenter (Oslo, Norway), Bundeskunsthalle (Bonn, Germany), Fondazione Palazzo Strozzi (Florence, Italy) and the Centre of Contemporary Art “Znaki Czasu” (Toruń, Poland). The Belgrade exhibition is the last stop on this tour, and it holds unique significance as it represents theartist’s return to her place of birth, where her career began, and where she last had a solo exhibition in 1975, at the Salon of the Museum of Contemporary Art. The exhibition chronologically reviews all of the phases of the artist’s multifaceted fifty-year long career. This begins with her early paintings (1960-1969) and conceptual works (1970-1972), followed by her solo performances (1973-1975) and works created with former professional and personal partner Ulay (1976-1988), a period in which she gained international acclaim. Finally, the artist’s solo career from 1991 to 2017, marks her establishment as one of the greatest artists of today. The exhibition showcases over 120 artworks, including paintings, drawings, objects, photographs, audio works, video installations, films, scenography, re-performances and archival materials. Among the works exhibited are anthological works of performance art (Rhythms, 1973-1974; Lips of Thomas, 1975; Relatonal works, 1976-1977; Nightsea Crossing, 1982-1986), as well as representative works from Abramović’s recent body of work (Balkan Baroque, 1997; The Artist is Present, 2010). The live segment of the exhibition is presented through the re-performances of Marina Abramović’s historical performances, which will be performed daily by local and international performers. In addition, the exhibition will include works that call for the active participation of the audience. As part of the exhibition, Marina Abramović will hold a public lecture, and a Master Class for young artists. The accompanying programme of The Cleaner includes film screenings, lectures about performance art and guided tours through the exhibition. Marina Abramović (Belgrade, 1946) is one of the greatest performing artists and is the only representative of the 1970s generation of radical performers that is still active in the field of performance art. Throughout her career, Abramović has constantly challenged the boundaries of performance art, experimenting with different forms and genres like body art, relational performance, long-durational performance, autobiographical performance, participatory performance and re-performance. Her performances have relentlessly tested the limits of the body’s physical and psychological endurance, social stereotypes and taboos, cultural and gender identity, all while producing a strong affective impact on audiences. These performances are complex structures of meaning, formed on the intertwining between the literal and the symbolic, the material and the spiritual, the physical and the mental, the intimate and the public, the repetitive and the changing, the actual and the virtual. For Abramović, performance art is the art of transformation that develops through the exchange of energy between the performer and the audience. It is the art of “cleaning” that has the capacity to fundamentally change how one experiences the self, others and of the collective, as well as how one relates to life itself. The artist’s oeuvre indicates a constant search for methods and techniques that release the energy of humans, objects and actions. The exhibition is locally organized by the Museum of Contemporary Art, Belgrade The exhibition is produced by Moderna Museet, Stockholm, in collaboration with Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk and Bundeskunsthalle, Bonn Curator in Belgrade: Dejan Sretenović (MoCAB) Curated by Lena Essling (Moderna Museet), with Tine Colstrup (Louisiana Museum of Modern Art) and Susanne Kleine (Bundeskunsthalle).
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posted 11. Nov 2019

Tatiana Trouvé. On the Eve of Never Leaving

01. Nov 201911. Jan 2020
opening: 01. Nov 2019 06:00 pm
Tatiana Trouvé. On the Eve of Never Leaving 01.11.2019 - 11.01.2020 Beverly Hills Opening reception: Friday, November 1, 6–8pm In disquieting, entropic mise-en-scènes, Tatiana Trouvé limns the boundaries between the mental and the physical, where material space and form converge with immaterial time and memory. Her situations combine intricate scenographic drawings, sculptures both linear and three-dimensional, and spaces that hint at invisible dimensions. Whether found or created, Trouvé’s “environmental dramas” are melancholy yet highly charged, palimpsests containing echoes of other lived spaces and realities, which oscillate between the real, the imaginary, and the phantasmic. Trouvé was born in 1968 in Cosenza, Italy, and lives and works in Paris. Recent solo museum exhibitions include Villa Arson, Nice, France (1997); Polders, Palais de Tokyo, Paris (2002); Aujourd’hui, hier, ou il y a longtemps . . . , CAPC musée d’art contemporain de Bordeaux, France (2003); Tatiana Trouvé, juste assez coupable pour être heureuse, Musée d’Art Moderne et Contemporain, Geneva (2004); Extraits d’une société confidentielle, Frac Provence-Alpes-Côte d’Azur, Marseille, France (2005); Djinns, Centre national edition art image, Chatou, France (2005); Villa Arson, Nice (2007); Double Bind, Palais de Tokyo, Paris (2007); 4 between 3 and 2, Centre Pompidou, Paris (2008); Frac des Pays de la Loire, Carquefou, France (2008); A Stay Between Enclosure and Space, Migros Museum für Gegenwartskunst, Zurich (2009–10); Bureau of Implicit Activities: Archives and Projects, Kunstverein Hamburg, Germany (2009); Il Grande Ritratto, Kunsthaus Graz, Austria (2010); Somewhere, 18–12–95, An Unknown, 1981, Schinkel Pavillon, Berlin (2014); I tempi doppi, Kunstmuseum Bonn, Germany (2014, traveled to Museion, Bolzano, Italy; and Kunsthalle Nürnberg, Nuremberg, Germany); Desire Lines, Doris C. Freedman Plaza, Central Park, New York (2015); L'Éclat de L'Absence, Red Brick Museum, Beijing (2016); Le Numerose Irregolaritá, Villa Medici, Rome (2018); and The Great Atlas of Disorientation, Petach Tikva Museum of Art, Israel (2018).
Gagosian Gallery Beverly Hills

456 North Camden Drive
CA-90210 Beverly Hills

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posted 10. Nov 2019

Cordula Güdemann. Bilder aus der Farbe

10. Nov 201907. Dec 2019
opening: 10. Nov 2019 11:30 am
Cordula Güdemann. Bilder aus der Farbe 10.11.2019 - 07.12.2019 Eröffnung: Sonntag, 10. November 2019, 11.30 Uhr Ort: Schloss Dätzingen Die Künstlerin ist anwesend. Es spricht Dr. Günter Baumann. Zur Eröffnung wird auch der Katalog vorgestellt, der anlässlich der Verleihung des 15. Kunstpreises der VR-Bank Ostalb erschienen ist. Öffnungszeiten Mittwoch bis Freitag 11–18.30 Uhr Samstag 11–16 Uhr und nach Vereinbarung Sonn- und Feiertag geschlossen * Im Bilde sein »Nun zum Traum: Ich saß an einem Sumpf und dachte an die Hure Kunst. Da fiel vom Himmel Blitz, zischte tief. – Schön! sagte ich. – ... Plötzlich drehte sich irgendwo in meinem Gehirnkino eine Kurbel. Ich sah anders. Schuppen fielen: durch Jahrtausende sah ich frei: Kunst ist, wenn schon nicht ein Vorurteil, so doch immer eine Privatansicht ...« (Melchior Vischer, »Sekunde durch Hirn«, 1920) Als Cordula Güdemann feststellte, dass die gegenwärtige Welt kaum noch rein figurativ zu erfassen sei, gab sie ihrer Bildsprache eine völlig neue, nahezu gegenstandsfreie Färbung. Dazu musste sie freilich ihre Malerei nicht gleich in eine andere Sprache übersetzen. Schon früher sah sie die Unterscheidung von gegenständlicher und ungegenständlicher Kunst als obsolet an und zwang beide Darstellungsweisen in einen Dialog, den sie durch die Kraft der Farbe bestritt. Wenn sich ihre jüngeren Arbeiten auf den ersten Blick weiter vom Gegenstand entfernen denn je, bedeutet das keine Abkehr, sondern eine konsequente Fortführung ihres Anliegens mit anderen Mitteln. Die Künstlerin braucht selbst noch immer den Gegenstand, um eine Antwort auf die visions- und phantasielose sowie gewalttätige, verrohte Wirklichkeit unserer Zeit zu geben. Im gestisch ›wil-den‹ Pinselduktus entwickelt Güdemann greifbar nahe Räume, die logisch nicht nachvollziehbar, sondern erlebbar sind – ein freies Spiel. Das Werk Güdemanns macht es uns nicht leicht, folgt keinem gefälligen Trend. Vielmehr löckt sie wider den Stachel, weil sie engagiert und streitbar etwas zu sagen hat und doch zugleich die Malerei selbst zum Thema wählt. Die Gemälde treten hier nicht an, um Figuren agieren zu lassen oder Szenen zu beschreiben – das kann Cordula Güdemann übrigens durchaus auch mit einer faszinierend suggestiven Kraft, immerhin hat sie der narrativen Kunst zu neuem Ansehen verholfen –: Nein, sie macht die Malerei zur Protagonistin ihrer Kunst, der man sich nicht entziehen kann. Als Vertreterin der figurativen Malerei hat sie sich die Welt einer abstrakten Kunst erobert, die dem Betrachter zum Greifen nah kommt, teils als landschaftsanmutung, teils als urbane Fiktion oder als negative Utopie – immer mit Witz und Esprit, was mitunter in doppelbödigen Titeln aufscheint. Dass sie diese indifferenten Szenerien auszuformulieren vermag, ist ihrer malerischen Technik, der Ehrlichkeit einer reinen Peinture zu verdanken und dem Interesse für »die Verfallszeiten der Dinge, mit denen wir leben« (C.G.). Die aktuellen Monumentalgemälde, die großformatigen Farbrauschbilder und mittel- sowie kleinformatigen Gouachen bestechen durch ihre drastische, mal splittrig explosive, mal nervös eruptive Farbigkeit und lassen einen Furor erkennen, den die Künstlerin als engagierte Kulturbürgerin auszeichnet: Sie versteht auch das Sujet des Naturbilds als Reaktion auf gesellschaftliche und weltpolitische Entwicklungen. Was man hier sieht, ist der gegenständlichen Welt verpflichtet, gesehen mit den Mitteln einer gestischen Malerei, die der Realität nicht entflieht, sondern sie auf eine gleichsam reflektierte und sinnliche Weise als Empfindung erfahrbar, erlebbar macht. Cordula Güdemann stellt unsere Sehgewohnheiten auf den Kopf: Ihre Palette ist selbst im dominierenden Rot unendlich nuancenreich, und wo wir vermeintlich auf ein schwarz-weißes Bild schauen, wird uns bewusst, wie farbig unser Denken ist. Die Titel in Güdemanns Werk sind gleichsam ehrliche Beschreibungen, wie sie den Betrachter irreführen oder auch in seiner Gutgläubigkeit wachrütteln. Semantisch ist es ein himmelweiter Unterschied zwischen einem vorgeblich »Blauen See« (war er je wirklich blau?) und der Formulierung »Ins Blaue«, die changiert zwischen einer bloßen Feststellung des Farbwechsels und dem gedanklichen Vagabundieren ins Blaue hinein. Mit dem Hinweis auf die Farbe als Grundlage der Malerei macht sich Cordula Güdemann lustig über die leichtfertige Akzeptanz des Gewohnten oder über die Absurdität von Klischees. »Ohne Titel mit Augen« macht in der Negation eines Titels aus einer in Rottönen schwelgenden Farbsinfonie ein bedrängendes Szenarium – mit Augen eben. Und das sogar lesbare und auf den ersten Blick lautmalerische »Gottogo« könnte, vom Englischen her, auf den Vorsatz hinweisen, dann eben mal weg zu sein – oder es ist eine Verballhor-nung den »to-go«-Wahns, der vor Gott nicht Halt macht. Während einer China-Reise entdeckte Cordula Güdemann im Museum von Macao eine altertümliche Jademaske, die sie in einer Reihe von Bildverarbeitungen mit den (De-)Maskierungen in unserer Gesellschaft in Verbindung brachte ("Masterplan"). So wundert es nicht, dass Bilder wie »Traum« oder »Kleiner Traum« trügerisch sind und möglicherweise auf traumatische Verstörungen hinweisen. Verweilen wir länger vor den Bildern Cordula Güdemanns, spürt man den Bildraum, der allein durch die Farbe erzeugt wird, ohne die Vorgabe eines vom Verstand gebilligten Naturraums. Die Wirklichkeit ist eine gemeinschaftliche »Kopf-an-Kopf«-Geburt. Cordula Güdemann zeigt Malerei mit malerischen Mitteln, das Medium ist ihr Thema. Hier begreifen wir, dass Farben nicht allein eine ästhetische, sondern auch eine ethische Qualität haben. Es gibt Arbeiten, bei denen die aufgeladene Stimmung, nicht selten auch Wut und das Gefühl der Ohnmacht, zu greifen ist – wenn auch nur während einer »Sekunde durch Hirn«. Das Resultat sind irritierend schöne, seismographisch überwältigende, geheimnisvoll formwerdende Chiffren einer undurchdringbar gewordenen Welt, die sich anschickt, wieder in ein vorzivi-lisatorisches Chaos zu stürzen. Dagegen malt Cordula Güdemann an. Günter Baumann
Schlichtenmaier, Grafenau

GALERIE SCHLICHTENMAIER / SCHLOSS DÄTZINGEN | Schlossstr. 1
71120 Grafenau

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posted 09. Nov 2019

TAMARA K.E. '5 minutes of random love'

09. Nov 201921. Dec 2019
opening: 08. Nov 2019 07:00 pm
TAMARA K.E. '5 minutes of random love' 09.11.2019 — 21.12.2019 Vernissage: Freitag, den 8.11.2019 um 19 Uhr Bilker Str. 4-6, Düsseldorf Wir freuen uns sehr, mit ›5 Minutes of Random Love‹ die erste Ausstellung von Tamara K.E. bei Beck & Eggeling zu zeigen. Es ist die erste Einzelausstellung der Künstlerin in Deutschland seit 2007. Die Ausstellung verbindet in einer mehrschichtigen Inszenierung zum Großteil Arbeiten aus der Serie ›Farewelling Junkyard‹ und eine kleine Auswahl Papierarbeiten der Serie ›Smart Mascara‹, die K.E. 2014 in New York begonnen hat. * Five Minutes of Random Love Gregor Jansen Die Ausstellung von Tamara K.E. provoziert bereits im Titel: Fünf Minuten zufälliger Liebe! Ist hiermit ein Quickie gemeint, etwas, was laut Duden schnell, in verkürzter Form erledigt, abgehandelt oder ähnliches wird, oder gar, umgangssprachlich und mit Random Love sicher treffender, ein rasch vollzogener Geschlechtsakt? Liebe mag ein Zufall sein, aber fünf Minuten eines allgemein als höchstes der Gefühle angesehenen Glücks im Leben, sind dann doch eher die nicht so tiefgehende, schmachtenden Anhimmelung und Innigkeit. In der Ausstellung selber ist es jedoch ebenfalls keineswegs so, dass diese schnell, in verkürzter Form erledigt, abgehandelt werden kann. Die Bildwerke wie auch das gesamte Setting sind etwas verstörend, holen einen ab im Abgrund der Psyche, schildern von Trauma. Ein Stück ist mit Vogelaugenahorn gerahmt, einige Arbeiten auf Papier mit figurativen Elementen, Körperteilen oder Köpfen, ihr Erscheinen und Ihre Handlungen erinnern an Wunden und Folterszenen, andere Arbeiten sind auf Diafilm ausgeführt. Ebenso verstörend die Bronzeschaukel à la afrikanischer Maske, mit Juteseilen von der Decke hängend, ist der für die Nutzung geeignet (guests are welcome to swing). Maskierungen, Rüstungen, Harnische, Kammerspiele und offensichtliche Gewaltanwendung. Das Grauen ist keine Illusion, aber gleichwohl vorgestellt. Eine 3D-Video-Animation lässt sich einbinden, die weibliche Handgelenke zeigt, die sich zufällig aneinander reiben und 90 Sekunden lang eine Schleife bilden. Was ist da los? Körperliches Leiden als Sinnbild seelischer Pein und die Suche nach adäquaten Formen und Farben? Eine Sinnsuche inmitten der Sinnentwendung unseres Daseins? Die Hauptgruppe der Arbeiten stammt aus der Serie »Farewelling Junkyard« – soviel wie »Lebewohl Schrottplatz«. Die Halbtransparenz und das glänzende und leichte Erscheinungsbild der Bilder von Tamara K.E. werden durch schwere Bronzesubstanz und glitzernden blauen Bildschirm hervorgehoben. Die heutige Welt als soziale Fabrik voller Lärm, Eskalation und Beschleunigung fordert uns auf, neuere und weniger neuere traumatische gesellschaftspolitische Themen zu reflektieren, neu vorzustellen, neu zu konzipieren, um uns zu bewegen. Tamara K.E. geht diese Wege nicht nur vorwärts, sondern schlicht und geradlinig auf das bestimmte ES zu, lenkt ihren und unseren Blick auf das, was bereits als »unbekannte Zukunft« des ICH vorgeschlagen wurde, eine extrem lustvoll giftige Mischung aus menschlichen Inkompatiblen; dem ÜBER-ICH womöglich? Das Exponat im Einzelnen wie die Ausstellung als Inszenierung führt den letzten Abschiedsaufschrei des Schrottplatzes Leben auf, der an die Komplexität der Hysterie erinnert (eine Krankheit, die einst ausschließlich für Frauen geprägt war und heute nicht mehr als medizinische Störung, sondern als Sprache angewendet wird). In den 1980er-Jahren als erste Untergangszenarien wie Overkill oder Waldsterben das Denken prägte, erschienen viele kritische Auseinandersetzungen mit dem aus dem 18. Jahrhundert stammenden Konzept der Hysterie, mit der Folge, dass der Begriff aus der medizinischen Terminologie gestrichen wurde. Stavros Mentzos (1930–2015) leitete eine Abkehr von der Symptombeschreibung hin zu einem (zunächst noch hysterisch genannten) Modus einer neurotischen Konfliktverarbeitung ein und spannte einen Bogen auf zwischen Menschen, die ihre Sexualität sehr herausstellen, zu anderen, die ihr möglichst wenig Aufmerksamkeit schenken. Umgangssprachlich lebt der Begriff fort und meint meist Menschen oder ein Verhalten, das durch Theatralik und einen übertriebenen Ausdruck von Gefühlen – teils mit sexuellem Anstrich – gekennzeichnet ist. Die Komponenten in der Ausstellung von Tamara K.E. spiegeln diese psychologisch enorm spannungsgeladenen Dynamiken unserer kulturellen Erinnerungen sowie den permanent anhaltenden Übergangsprozess wider. Es vereint eine Vielzahl von Konfigurationen, die mehrere Entitäten – digital gegen analog, handgemacht gegen hergestellt, Werte gegen Ideologien, irgendwo seitlich auch ein weibliches Subjekt – zu einem diskreten Körper im räumlichen wie seelischen Sinne zur Anschauung bringt; und letztlich im Sound der Mütter zusammenführt. Kurz zu Wort- und Sinnspiel. »Verhaltenslehren der Kälte« und „Sound der Väter“ über Gottfried Benn sind zwei der wichtigsten und hochkomplexen Bücher von Helmuth Lethen, in denen die Ichpanzerung gepriesen wird – sozusagen als Maßnahme gegen die »Schläge« und »Wunden«, die Zeit und Welt und Geschichte uns versetzen. Somit: Hornhaut ums Herz! Auch Schwielen ums Hirn? Gibt es gar keine Haltung mehr, die Geschichte vorwegnimmt, sie aufgreift und weiterzutreiben sucht? Dass die Bindung an den Körper diesen Verdacht nur bestärkt und bestätigt, ist absolut kein Trost. Fünf Minuten zufälliger Liebe somit? Tamara K.E. spielt an auf das nicht eingelöste Versprechen illusionärer Identität, in dem der/das Andere außen vor bleiben, aber unabdingbar sind, und insofern die Konstruktionen einer heilen und heilenden Welt fragwürdiger denn je geworden ist; Phantasmen und Phantome allerorten, virtuell und imaginär an vorderster Front; ihre verstörende Macht ist als Gewalt dechiffrierbar. Die Symptome des Schautriebs – die Macht des Blicks – und die Lücken der Wahrnehmung zwischen Kunst und menschlicher Psyche sind haargenau die Dimension des unheimlichen, zeitgenössischen Bilderrätsels von und in »Five Minutes of Random Love«, einem wunderbaren, neuen alten Schauerroman. Die Liebe ist ein seltsames Spiel, sang Connie Francis 1960: Sie kommt und geht von einem zum andern. Sie nimmt uns alles. Doch sie gibt auch viel zu viel. Die Liebe ist ein seltsames Spiel. Und da waren Tamara K.E. und ich zwar noch nicht geboren, aber die Phantasmen bereits mitten unter uns. »Es ist das Phantom unseres eigenen Ichs, dessen innige Verwandschaft und dessen tiefe Einwirkung auf unser Gemüt uns in die Hölle wirft, oder in den Himmel verzückt.« (E.T.A Hoffmann, Der Sandmann, 1816) *

artist

Tamara K.E. 
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posted 08. Nov 2019

Patrick Staff: On Venus

08. Nov 201909. Feb 2020
Serpentine Sackler Gallery Patrick Staff: On Venus 08.11.2019 - 09.02.2020 For their newly commissioned exhibition at the Serpentine Galleries, Patrick Staff presents their most ambitious work to date: On Venus is a site-specific installation exploring structural violence, registers of harm and the corrosive effects of acid, blood and hormones through architectural intervention, video and print. Through a varied and interdisciplinary body of work, Patrick Staff interrogates notions of discipline, dissent, labour and the queer identity. Drawing from a wide range of sources, Staff’s work cites the ways in which history, technology, capitalism and the law have fundamentally transformed the social constitution of our bodies today, with a particular focus on gender, debility and biopolitics. Staff created an ambitious environment, which includes architectural interventions to the gallery building. Altered lighting and flooring create a space that feels at once chemically modified and sensationally charged. A piping network suspended from the ceiling of the gallery slowly leaks natural and synthetic liquids into steel barrels, suggestive of sharing intimate fluids or the trafficking of viruses and data, transforming the gallery into a leaking, rudimentary body. A single gargoyle, weathered by acidic rain, is positioned as a gatekeeper at its entrance. A series of etchings are stacked and leant against oversized boxes in the first powder room gallery. The works depict a news story that gained traction in British tabloid newspapers throughout 2017 and 2018, claiming convicted murderer Ian Huntley was seeking to undergo sexual reassignment surgery while serving his life sentence. Rumours of Huntley dressing in women’s clothing and requesting to be identified under a new name were incited by these stories. The articles were found to be fabricated some months later and the newspapers that had printed them subsequently ran meagre clarifications, edited pre-existing articles or deleted the reports from their websites. These newspaper headlines, retractions and clarifications are reproduced and etched by Staff onto steel plates. The works highlight the ways in which the media uses cultural anxieties around the lives of incarcerated people, transgender identity and the uses of public spending, to mobilise sexual panic and reinforce social and sexual norms. A new video work, in the second powder room, consists of two parts: the first is of scratched, warped and overlapping footage connected to the industrial farming of hormonal, reproductive and carnal animal commodities, including urine, semen, meats, skins and furs. Rather than reducing the lived struggles of animals to make anthropocentric claims, Staff displaces this human-centric view and questions the norms, subjectivity and standards by which all ‘others’ are read, measured and controlled, and asks what lives are deemed visible in institutional spaces. The video’s second half describes in text life ‘on venus’, a state imbued with the violence of pressure and heat, destructive winds or the disorientating lapse of day into night. This poem suggests an alternate state of non-life or near-death, a queer state of being that is volatile and in constant metamorphosis. Together, the works in the exhibition continue Staff’s ongoing examination of the exchange between bodies, ecosystems and institutions, understood radically from a queer and trans perspective. This commission continues the Serpentine’s ongoing dialogue with Patrick Staff, following their participation in the Serpentine’s Work Marathon (2018), Transformation Marathon (2015) and Serpentine Cinema (2015).

artist

Patrick Staff 
Serpentine Galleries, London

Kensington Gardens
W2 3XA London

United Kingdom of Great Britain and Northern Irelandshow map
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posted 07. Nov 2019

Assaf Evron - Chicago Works

23. Jul 201915. Feb 2020
The Museum of Contemporary Art Chicago presents the first solo museum exhibition of Israeli-born, Chicago-based artist Assaf Evron in Chicago Works: Assaf Evron. Evron's works center on the 'meander' design, a popular decorative pattern based on the natural curves of rivers and streams found since ancient times. Evron shows how the meander motif runs across continents, cultures, and styles of design, connecting famous landmarks in Israel to the ornamental facades of Chicago's iconic buildings. Presented in partnership with the 2019 Chicago Architecture Biennial, Chicago Works: Assaf Evron is on view from July 23, 2019 to February 16, 2020. A former photojournalist, Evron is fascinated by architecture and the spread of decorative elements across cultures and locations. In his 2018 work, Untitled (Zedekiah's Cave), Evron creates a geometric collage of the organic meandering textures and colors of Zedekiah's Cave, an ancient manmade limestone quarry that runs underneath the Muslim quarter of the Old City in Jerusalem. Evron captured the meander design in nature in Untitled (Sodom and Gomorrah), a vivid print of the weathered sedimentation lines on Mount Sodom, a mountain in the Judaean Desert along the Dead Sea. For his installation Untitled (Kikar Rabin, American Accents), Evron re-creates the linear pattern of the meander in the geometric 'Greek key' design used on the stone pavement of Rabin Square, a popular public gathering space and common venue for parades, protests, and public events in Tel Aviv. A meandering symbol, the significance of the 'Greek key' design depends on the times and contexts in which it appears. Other works, such as Untitled (The Monadnock Building South, 1893, Holabird & Roche, Dearborn and Jackson), trace the meander design from natural landscapes in his native Israel to modern architecture in Chicago. The photo, cut into the shape of an ancient Greek wine vessel, captures a detail of the lines and textures of the famous Monadnock Building on Jackson Boulevard in downtown Chicago, creating the illusion of two worlds colliding. Another work features the Marquette Building on Adams Street in the bustling Chicago Loop, bearing a likeness to the peaceful ancient landscapes of Israel. While both buildings were constructed in the 'Chicago School' style, Evron explores the buildings' visual attributes and their similarities to sites in Israel.Chicago Works: Assaf Evron was organized by former MCA Postdoctoral Curatorial Fellow Charlotte Ickes. ABOUT THE ARTIST Assaf Evron was born in Israel in 1977, and earned a MA from the Cohn Institute at Tel Aviv University and a MFA from the School of the Art Institute of Chicago (SAIC). He previously worked as a photojournalist at a daily newspaper in Israel and as a scuba instructor in Zanzibar. He has received numerous awards and grants including the Gerard Levy Prize from the Israel Museum, Jerusalem; the James Weinstein Fellowship from SAIC; the Israeli Ministry of Culture and Education Prize for Young Artists; and honorable mention for the Snyder Prize at the Museum of Contemporary Photography, Chicago. Evron has completed architectural photographic commissions for the Chicago Architecture Biennial and the 12th Venice Biennial for Architecture. He lives and works in Tel Aviv and Chicago.

artist

Assaf Evron 

curator

Charlotte Ickes 
MCA Museum of Contemporary Art, Chicago

220 East Chicago Avenue
Chicago

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posted 06. Nov 2019

LEE KRASNER

11. Oct 201912. Jan 2020
LEE KRASNER 11.10.2019 - 12.01.2020 Eine Pionie­rin des abstrak­ten Expres­sio­nis­mus ist nach mehr als 50 Jahren in einer großen Retro­spek­tive wieder in Europa zu sehen: Lee Kras­ner. Die Ausstel­lung der SCHIRN erzählt die Geschichte einer der unbe­irr­bars­ten Künst­le­rin­nen des 20. Jahr­hun­derts. Präsen­tiert wird das Gesamt­werk der US-Ameri­ka­ne­rin, darun­ter Selbst­por­träts, Aktdar­stel­lun­gen in Kohle, die streng geome­tri­schen Little Images oder wegwei­sende Gemälde der Prophecy-Reihe, expe­ri­men­telle Haupt­werke der Umber- und Primary-Serie und späte Colla­gen. Lee Kras­ner war Mitglied der Ameri­can Abstract Artists und pflegte Freund­schaf­ten zu Ray Eames, Willem de Koon­ing und Franz Kline. Lange Zeit stand sie als Künst­le­rin im Schat­ten ihres Ehemanns Jack­son Pollock. Nach dessen frühem Tod bei einem Auto­un­fall 1956 entschied sie sich, Pollocks Atelier zu nutzen, und leitete damit eine neue Phase ihrer künst­le­ri­schen Karriere ein. Erst­mals konnte sie auf monu­men­ta­len, nicht aufge­zo­ge­nen Lein­wän­den arbei­ten. Es entstan­den einige ihrer bedeu­tends­ten Arbei­ten, u. a. „The Guar­dian“, „Happy Lady“, „Combat“ oder „Siren“. Anders als andere Künst­le­rin­nen und Künst­ler ihrer Zeit, die eben­falls unge­gen­ständ­lich malten, entwi­ckelte Kras­ner nie einen „signa­ture style“, sondern reflek­tierte ihre Praxis mit dem Anspruch, ihre Bild­spra­che stets neu zu erfin­den. Die Ausstel­lung wird kura­tiert und orga­ni­siert vom Barbi­can Centre, London in Koope­ra­tion mit der SCHIRN, dem Zentrum Paul Klee, Bern und dem Guggen­heim, Bilbao. KURATORINNEN Elea­nor Nairne, Barbi­can Art Gallery, London und Dr. Ilka Voer­mann, Schirn Kunst­halle Frank­furt

artist

Lee Krasner 
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posted 05. Nov 2019

ALICE PERAGINE. I AM HERE TO PROTECT YOU

07. Sep 201923. Nov 2019
opening: 06. Sep 2019 06:00 pm
ALICE PERAGINE. I AM HERE TO PROTECT YOU 07.09.2019 — 23.11.2019 Eröffnung: 06.09.2019, 18 Uhr, mit Ausstellungsrundgang, 19 Uhr Kuratorin: Sophie Goltz Mit der Einzelausstellung I Am Here to Protect You zeigt die deutsch-amerikanische Künstlerin Alice Peragine und Villa-Romana-Stipendiatin 2020 neue Forschungs-ergebnisse ihrer Zusammenarbeit mit dem Institut für Leichtbau und Kunststoff-technik (ILK) an der Technischen Universität Dresden (TU Dresden). In Performances, Installationen und Fotografien untersucht sie, inwieweit Technik Machtstrukturen und Kontrollmechanismen, aber auch Freiheit und Schutz individueller und gesellschaftlicher Handlungsspielräume bedingt. ​ Seit 2018 forscht Peragine an der TU Dresden in Zusammenarbeit mit dem ILK zur Wirkung von Leichtbaumaterialien in der Mobilitätsindustrie. Sie verfolgt dort ihr künstlerisches Interesse an dem Verhältnis von menschlichen Körpern und schützender Technologie. Technoide Machstrukturen in Bezug auf die ihnen zu Grunde liegenden materiellen und technologischen Verfahren sind Untersuchungsgegenstand in Peragines Werk – und damit auch Möglichkeiten, in denen Körper und Technik einander ähnlich werden und sich wechselseitig ergänzen. Erste Ergebnisse stellte sie im Frühjahr 2019 in einer performativen Versuchsanordnung im Rahmen des Projekts „Dear Humans, ...“ der Kustodie der TU Dresden vor. Lag der Fokus in der Performance auf der Interaktion mit nicht-humanen technologischen Akteuren, geht es in der Einzelausstellung im Kunstverein Dresden um utopische Fragen: Wie kann der menschliche Körper im 21. Jahrhundert geschützt werden angesichts eines systemischen Ausfalls, sei es der planetarische Klimakollaps oder die Kontrollgesellschaft und im Kleinen etwa das Versagen von Materialien im Crash? Was bleibt von Körper, Technik und Material? Ausgehend von diesen Überlegungen zeigt die Künstlerin neue Fotografien und Skulpturen in einer poetisch-fragilen Rauminstallation. Alice Peragine (geb. 1986 in München) lebt und arbeitet in Hamburg. Ihre Werke und Performances wurden in einer Reihe von Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, unter anderem im Ausstellungsraum VIS, Hamburg (2018), der Bangkok Art Biennial, Bangkok (2018), und der Sammlung Falckenberg, Hamburg (2018).

curator

Sophie Goltz 
Kunstverein Dresden

Neustädter Markt 8
01097 Dresden

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posted 04. Nov 2019

Sin título. Michael E. Smith

13. Sep 201929. Nov 2019
Sin título. Michael E. Smith 13.09.2019 - 29.11.2019 Opening Thursday, Sep 12, 6—10pm
KOW Madrid

Calle Ribera de Curtidores 26
28005 Madrid

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posted 03. Nov 2019

Ian Kiaer. Endnote, ping

21. Sep 201922. Dec 2019
opening: 20. Sep 2019 07:00 pm
Ian Kiaer. Endnote, ping 21.09.2019 - 22.12.2019 Eröffnung: 20.09.2019 19:00 Ian Kiaer (geb. 1971 in London) absolvierte sein Studium der freien Kunst am Royal College of Art und an der Slade School of Art in London und lebt heute dort und in Oxford. Sein künstlerisches Werk wurde präsentiert in Einzelausstellungen u.a. im Aspen Art Museum, im Kunstverein München, in der Galleria d‘Arte Moderna e Contemporanea, Turin und im Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris. Darüber hinaus nahm der Künstler an Gruppenausstellungen teil, u.a. im Mudam Luxembourg, in der Tate Modern und Tate Britain in London, im Hammer Museum in Los Angeles, in der Hayward Gallery in London, an der Mainfesta 3 in Ljubljana, der Biennale d‘Art contemporain, Rennes, der Biennale de Lyon, der Istanbul Biennale und der Berlin Biennale. Die Ausstellung in der Kunsthalle Lingen trägt den Titel „Endnote, ping“. Diese beiden Wörter stellen zwei Figuren vor, an denen Ian Kiaer seit einiger Zeit arbeitet. Der Begriff „Endnote“ gibt etwas an, das außerhalb des Textkörpers liegt, etwas Zusätzliches und Randständiges. Die Endnote ist von Natur aus fragmentarisch, wobei sich jede autonom auf einen bestimmten Aspekt der Hauptschrift bezieht. Jede Endnote wird, obwohl sie unterschiedlich ist, in gleichem Verhältnis zu den vorhergehenden und nachfolgenden platziert. „Ping“ lautet der Titel eines Textes von Samuel Beckett. Das Wort selbst ist ein Laut und suggeriert den Übergang einer Form in eine andere, etwas, das in etwas Gehörtes geschrieben ist. Es ist ein kurzes Wort, das eine einzelne Note suggeriert, die von einer Stimmgabel oder einer Art Sonar stammt und möglicherweise für kurze Zeit anhält. Der Text beschreibt einen Körper und einen Raum, aber die Unterscheidung zwischen den beiden ist nicht so klar und wird weniger klar, wie die Erfahrung, in einem weißen Würfel zu sein, in dem das intensive Licht den Körper fast auflöst. Diese Auflösung von Figur und Boden, von Raum und Körper erfordert eine andere Aufmerksamkeit. Die Ausstellung mit dem Titel „Endnote, ping“ vereint im Großen und Ganzen drei Werke, zu denen Ian Kiaer regelmäßig zurückgekehrt ist: Tooth House; Endnote, Tooth; und Endnote, Ping (Marder). Das Tooth House ist vor allem einem fiktiven Gebäude zu verdanken, das in Friedrich Kieslers ‚Magic Architecture‘ erschienen ist. Es schlug einen biomorphen Schutzraum als konkrete Höhle vor, den der Architekt als Kritik rationalistischer Manifestationen der internationalen Moderne ansah. Die verschiedenen aufgeblasenen Elemente in der Ausstellung, einschließlich einer eigens für sie entstehenden Betonkonstruktion, können so verstanden werden, dass sie Kieslers Motiv auf verschiedene Weise aufgreifen und weiterentwickeln. Endnote, ping (Marder) ist eine Auseinandersetzung mit der Arbeit des Philosophen Michael Marder, einem Befürworter des „Umweltdenkens“, der Pflanzen als Lebewesen betrachtet, die ihre eigenen Formen der Subjektivität besitzen. Marders Arbeit entwickelt eine Kritik der anthropozentrischen Empathie gegenüber Pflanzen und hat die jüngste Arbeit von Ian Kiaer beeinflusst. Die Ausstellung wird großzügig unterstützt durch die Niedersächsische Sparkassenstiftung und die Sparkasse Emsland. Weitere großzügige Förderer sind das Niedersächsische Ministerium für Wissenschaft und Kultur, der Landkreis Emsland, die Stadt Lingen (Ems) und die Kulturstiftung Heinrich Kampmann.

artist

Ian Kiaer 
Kunsthalle Lingen

Kunstverein Lingen e. V. Kunsthalle, Kaiserstraße 10A
49809 Lingen / Ems

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posted 02. Nov 2019

MARTIN KIPPENBERGER. Bitteschön Dankeschön

01. Nov 201916. Feb 2020
MARTIN KIPPENBERGER. Bitteschön Dankeschön Eine Retrospektive 01.11.2019 bis 16.02.2020 Martin Kippenberger (1953–1997) war einer der vielseitigsten, produktivsten und einflussreichsten deutschen Künstler seiner Generation. Wie kein anderer verkörpert er das Bild des ‚typischen Künstlers‘. Wie kein anderer lebte er eine untrennbare Symbiose von Leben und Kunstproduktion – intensiv und exzessiv mit allen persönlichen Konsequenzen. Alle seine Arbeiten sind im weitesten Sinne Selbstporträts, sagen etwas über ihn und sein Umfeld aus – auch die, die ihn nicht zeigen. Sein Werk ist komplex und gründet in einer permanenten Befragung seines Selbst, er scheut dabei nicht vor Brüchen oder einem gänzlichen Scheitern zurück. "«Ich will Einfluß nehmen, darauf, wie über diese Zeit debattiert wird.»" Martin Kippenberger Kippenbergers Aktivitäten umfassten auch Schauspielern, Performen, Ausstellungsmachen, Organisieren und Schreiben. Zu seinem reichen Œuvre gehören Musik, Fotografien, Zeichnungen, Plakate, Collagen, Multiples, Editionen, Künstlerbücher, Gemälde, Skulpturen und raumgreifende Installationen. Sein Gefühl für den öffentlichen Auftritt war ebenso eine wichtige Werkstrategie wie sein gut funktionierendes Netzwerk.

curator

Susanne Kleine 
BUNDESKUNSTHALLE Bonn °

Friedrich-Ebert-Allee 4
53113 Bonn

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