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posted 22. Jul 2017

Cinema Olanda: Platform. Wendelien van Oldenborgh

17. Jun 201720. Aug 2017
opening: 16. Jun 2017 17:00
Cinema Olanda: Platform Wendelien van Oldenborgh Saturday 17 June – Sunday 20 August 2017 Opening: Friday 16 June 2017, 5 pm - Participants Amsterdam School for Cultural Analysis (ASCA) , Tessa Boerman, Lucy Cotter, Quinsy Gario, Charl Landvreugd, Wayne Modest, New Urban Collective, Wendelien van Oldenborgh, First Things First - Curators Lucy Cotter, Natasha Hoare, Defne Ayas, Wendelien van Oldenborgh Witte de With transforms into an adaptable platform for groups and individuals who have informed Cinema Olanda, artist Wendelien van Oldenborgh and curator Lucy Cotter’s presentation in the Dutch pavilion of the 57th Venice Biennale 2017. A series of changing presentations and six weeks of public events will be programmed by Quinsy Gario (Artist, Poet), Charl Landvreugd (Artist, Curator, Writer), Patricia Pisters and Esther Peeren (ASCA, University of Amsterdam), New Urban Collective (Jessica de Abreu, Mitchell Esajas), and First Things First (Katayoun Arian; Curator, Researcher, Writer, Louise Autar; Activist, Organiser, Max de Ploeg, Activist, Cultural & Political Programmer). Cinema Olanda: Platform is an ever-evolving exhibition incorporating a six-week long dedicated program of live events that extends Wendelien van Oldenborgh and curator Lucy Cotter’s presentation at the 57th Venice Biennale. It forms the most extensive manifestation of their wider collaborative project that ‘brings home’ the exhibition’s questions surrounding the Netherlands’ (inter)national image vis-à-vis current transformations in the Dutch cultural and political landscape. Cinema Olanda: Platform at Witte de With not only brings Van Oldenborgh and Cotter’s presentation in Venice to a full circle, it is also a homecoming for the Rotterdam-based artist. Artists and activists who appear in Van Oldenborgh’s new films for Venice are among those invited to guest-program a six weeks series of events at Witte de With. Cinema Olanda: Platform includes special live broadcasts of ‘Roet in Het Eten’, Quinsy Gario’s talk show, film screenings and talks curated by the Amsterdam School for Cultural Analysis (ASCA), and an ongoing archive-making endeavor for The Black Archives by New Urban Collective, alongside contributions from Tessa Boerman (Film Director), and Wayne Modest (Head of the Research Center for Material Culture, Nationaal Museum van Wereldculturen). Participating groups and individuals are invited to use the institution as a further site of production for existing projects, which are presented together with film installations by Van Oldenborgh in an exhibition scenography designed to adapt and mutate dependent on the needs of each activity. Timeline: Opening Weekend (16th – 18th June) Talks, performances, and a screening of Wendelien van Oldenborgh’s Prologue: Squat / Anti-Squat (2016). Participants include: EC Feiss (Critic and Writer), Charl Landvreugd (Artist, Curator, Writer), Wayne Modest (Head of the Research Center for Material Culture, Nationaal Museum van Wereldculturen), a performance by the band Addiction, and an architectural bike tour of Pendrecht by OMI. The Black Archives on Tour: Hidden Stories of Black Resistance in the Netherlands (19th – 25th June) A week of talks, screenings and dialogues programmed by New Urban Collective (Jessica de Abreu, Mitchell Esajas) including a sessions on the ‘Zwarte Piet’ issue (20 June), and hidden histories of black resistance and radical black intellectuals (24 June) with a talk by Dr Kehinde Andrews (Associate Professor in Sociology, Birmingham University), and exploration of Surinamese black emancipation movements such as LOSON/SAWO by Andre Reeder (Film Maker) and Ernestine Comvalius (Director, Bijlmerparktheater and Theater Crater). A live archiving of a major new acqui- sition will be included in the exhibition. Roet in het Eten (26th June – 2nd July) Through the format of the talkshow, Quinsy Gario (Artist, Poet) aims to provide insights and perspectives with which to enrich the public debate in the Netherlands. The talkshow has been recorded at the Hugo Olijfveldhuis, which is owned by the Society Our Suriname. For Cinema Olanda: Platform, Gario will record two new episodes of Roet in het Eten on Tuesday 27th June and Saturday 1st July. Previous episodes will be screened in the exhibition spaces throughout the week. Black Film Matters (3rd – 9th July) Programmed by participants at the Amsterdam School for Cultural Analysis (ASCA), University of Amsterdam, chaired by Patricia Pisters and Esther Peeren. The first session (4 July) focuses on the documentary Zwart Belicht (2008) by Tessa Boerman, which zooms in on black figures in (pre) 17th century Dutch and Flemish paintings. In response to Zwart Belicht, Valika Smeulders (researcher at KITLV/Royal Netherlands Institute of Southeast Asian and Caribbean Studies) will discuss with Boerman issues of representation, colonial history and art historical canons. Performer Naomi Veldwijk will read from Robin Coste Lewis’ collection of poems, Voyage of the Sable Venus (2017). A second session (6 July) will focus on the work of the Surinam-Dutch poet and author Edgar Cairo, with a discussion led by Charl Landvreugd (Artist, Curator, Writer) on the importance of Cairo’s work, alongside the screening of parts of Cindy Kerseborn’s documentary Edgar Cairo: Ik ga dood om jullie hoofd (2011). Decolonial Options; The futurity of decolonial practice with First Things First (10th – 16th July) A week-long program by First Things First that aims to critically investigate and discuss the coloniality of Dutch Society and beyond. During this week, we will approach this vast subject through five stages of awareness, as formulated by the artists and writer Grada Kilomba in her book Plantation Memories (2008). Through her art and writing, Kilomba uses the concepts of Denial, Guilt, Shame, Recognition and Reparation as tools to understand and overcome the different, and simultaneously existing, dimensions of colonial power structures. By adopting these stages of awareness in our community-led program, we aspire to bridge the gap between different groups and communities for building solidarity, strength, empowerment and raising consciousness and awareness. Decolonial Options: The Futurity of Decolonial Practice operates as an invitation to consider the ways in which we can break out of the colonial mould of being, knowledge and power. The program will be concluded with the performance ILLUSIONS, by Grada Kilomba herself. First Things First consists of Katayoun Arian (independent curator and writer), Louise Autar (activist and organizer) and Max de Ploeg (political and cultural programmer). Holland Mijn Mars (17th – 23rd July) An audiovisual installation based on four stories from Suriname, Haïti, Quebec and the Netherlands, along with a performance to review migration across the axis of sexuality, by Charl Landvreugd (Artist, Curator, Writer). The first story that makes up the basis for this installation and performance is Kon Hesi Baka (1976) by Henk Barnard, which deals with migra- tion from the perspective of a young girl in Suriname around the time of the country’s independence. The second is Koewatra Djodjo (1979) by Edgar Cairo, which gives an insight into a young man’s arrival in the city. How to make love to a negro without getting tired (1987) by Dany Laferrière speaks about trying to settle in the metropolis. Wan Pipel (1976) by Pim de la Parra delves into disillu- sionment, loyalty and belonging. The com- bined texts create a narrative of migration, and show the timelessness of the subject. Exhibition The exhibition also features previous filmic works by Van Oldenborgh, including The Basis for a Song (2005), Maurits Script (2006), Instruction (2009), and Supposing I love you. And you also love me (2011). Each variously explores the clashes, confrontations and histories of legitimated forms of social control such as colonialism and nationalism, and the interpersonal relationships between those grappling with and contesting these edifices. The Black Archives Cinema Olanda: Platform will temporarily house part of The Black Archives, sharing its process of archiving of a major new acquisition with a wider public. The Black Archives contains several collections of books, manuscripts and ephemera that collectively document black history and culture in and beyond the Netherlands. This archive formed a source of inspiration for Van Oldenborgh’s two new films for the pavilion: Cinema Olanda (2017), which was shot on location in the Rotterdam district of Pendrecht, and interweaves the story of Suriname-born political activist Otto Huiswoud, regarded as one of the first black members of the American Communist Movement, and Prologue: Squat/Anti-Squat (2016), which centers around a large squatting action in Amsterdam in the 1970s by a Dutch Caribbean group, and features people from various squatting movements ranging from the 1960s until now. Prologue: Squat/Anti-Squat (2016) will have a special screening at Witte de With during the course of the exhibition. About Cinema Olanda Cinema Olanda: Platform is conceived and co-organized by artist Wendelien van Oldenborgh and curator Lucy Cotter, together with Witte de With Director Defne Ayas, and Curator Natasha Hoare, as well as the Amsterdam School for Cultural Analysis (ASCA), University of Amsterdam. Cinema Olanda is the Dutch representation at the 57th Venice Biennale, commissioned and financed by the Mondriaan Fund, a publicly financed foundation for visual arts and cultural heritage. Cinema Olanda is partnered by the Amsterdam School for Cultural Analysis (ASCA), University of Amsterdam; Akademie van Kunsten (KNAW); Wilfried Lentz Gallery, Rotterdam; and Nuova Icona, Venice. De Groene Amsterdammer is the media partner for the Cinema Olanda public program. For further information about the Dutch entry please visit: www.venicebiennale.nl
Witte de With, Rotterdam

NL-3012BR Rotterdam

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posted 21. Jul 2017

17. Art Bodensee 2017

21. Jul 201723. Jul 2017
17. Art Bodensee in Dornbirn Messe für zeitgenössische Kunst Dornbirn Messe Dornbirn, Messeplatz 1, 6850 Dornbirn (Vorarlberg, AT) 21. bis 23. Juli 2017 Eröffnung: 20. Juli 2017: Performance "Roundabout" von Hubert Dobler Öffnungszeiten: täglich von 11 bis 19 Uhr * **17. Art Bodensee wartet mit zwei Sonderschauen, Installationen, Performances und „Featured Artist“ Hannes Ludescher auf ** Der Kunstsalon bringt von 21. - 23. Juli über 70 Galerien ins Dornbirner Messequartier und lockt mit zusätzlichem Kunstprogramm Dornbirn, 3. Juli 2017 – Die Art Bodensee ist als Format für moderne und zeitgenössische Kunst etabliert. Sie steht für entspannten Kunstgenuss gekoppelt mit persönlicher Vermittlung. 2017 sind über 70 nationale und internationale Galerien vor Ort. Zum ersten Mal findet die Messe in den neuen Messehallen statt, geplant vom Vorarlberger Architekturbüro Marte.Marte. Mit den Installationen und Performances von Roland Adlassnigg und Paul Renner, Steinbrener / Dempf & Huber sowie Hubert Dobler ist das künstlerische Begleitprogramm so breit wie nie. Zeitgenössische Kunst abseits des Mainstream zu zeigen und zu vermitteln ist das Anliegen der Salonmesse Art Bodensee, die vom 21. bis zum 23. Juli bereits zum 17. Mal in Dornbirn stattfindet. „Diese Zusammensetzung wissen sowohl Aussteller, als auch Besucher zu schätzen. Kunstgenuss und Kunstvermittlung erhalten bei uns den Raum, den sie benötigen. Die Hektik bleibt draußen“, betont Projektleiterin Isabella Marte. Auf rund 5.000 Quadratmetern präsentieren dieses Jahr über 70 Galerien ihre Künstler und deren Werke. **Sonderschau „In Search of the Unexpected“** 2016 war „In Search of the Unexpected“ der Beitrag des Architekturbüros Marte.Marte bei der Biennale Archittetura in Venedig. 2017 wird die eindrucksvolle Ausstellung im Rahmen der Sonderschau der Art Bodensee in der Halle 12 re-inszeniert. Das Architekten-Brüderpaar Stefan und Bernhard Marte wählte für jenes Projekt fünf Bauten, die sich in Funktion und Gestalt auf das Wesentliche beschränken – als Beispiel eine Schutzhütte in Laterns. Mittels 3D-Verfahren wurden die Konstruktionen verkleinert in Beton gegossen und vom Bildhauer Gregor Weder bearbeitet. In den tonnenschweren Blöcken verschmelzen Architekturobjekte mit dem Material Beton und geben Unerwartetes preis. Die beiden Künstler Andreas Waldschütz und Stefan Hoffmeister erarbeiteten für das Projekt fünf Filme, die die Architekturen von Marte.Marte audiovisuell in Szene setzen. Installationen und Performances: „Tower of Madness”, „Kritische Masse”, „Roundabout” Mehrere Höhepunkte bietet die Art Bodensee mit Installationen und Performances. Roland Adlassnigg und Paul Renner zeigen im Roten Foyer 10 mit dem „Tower of Madness“ eine Skulptur, die Fäulnis und Destillation zusammenbringt. Die dazugehörige Performance „Spontane Vergärung“ ist bereits ausgebucht. „Kritische Masse“ nennt sich die Installation von Steinbrener / Dempf & Huber, die in Zusammenarbeit mit dem Kunstraum Dornbirn auf der Art Bodensee gezeigt wird. An ausgewählten Gebäuden und Orten in Dornbirn bringen die Künstler Kunststoff-Nachbildungen von Specht-Schwärmen an: eine Auseinandersetzung mit dem Thema der kollektiven Intelligenz. Zur Eröffnung der Art Bodensee präsentiert Hubert Dobler seine Performance „Roundabout“ in der erst im Frühjahr eröffneten Ellipse des Messequartiers. **Hannes Ludescher ist der „Featured Artist“ 2017** Der gebürtige Feldkircher Hannes Ludescher wurde dieses Jahr von Kurator Harald Gfader als „Featured Artist“ ausgewählt. Bereits zum elften Mal bietet das Land Vorarlberg in Zusammenarbeit mit der Art Bodensee einem Künstler aus der Region die Gelegenheit, seine Kunst bei der Art Bodensee im eigenen Messestand zu präsentieren. Ludescher studierte Malerei und Bildhauerei an der Akademie der bildenden Künste bei den Professoren Josef Mikl und Fritz Wotruba. „Hannes Ludescher ist ein Erkunder der Orte, ein Landschaftsreisender vor Ort. Er erzählt vom Ort ohne aber jemals die Poesie zu übersehen. Denn Malen ist Kunst“, so Gfader über Ludeschers Arbeit. * **Kostenlose Messe-Führungen** Wer sich von Kunst-Expertinnen durch die Messe führen lassen möchte, um profunde Einblicke in die künstlerischen Arbeiten auf der Art Bodensee zu erhalten, hat vier Mal täglich dazu die Gelegenheit. Beginn ist jeweils um 12, 14, 16 und 18 Uhr. Treffpunkt im Foyer.
art bodensee, Dornbirn °

Dornbirner Messegesellschaft mbH | Messestraße 4
A-6854 Dornbirn

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posted 20. Jul 2017


20. Jul 201730. Jul 2017
opening: 20. Jul 2017 19:00
Odyssee 20–30 Juli 2017 Möhnesee Eröffnung am Möhnesee: 20. Juli, 19 Uhr Eröffnung im Kunstverein Arnsberg: 28. Juli, 19 Uhr Øystein Aasan, Aram Bartholl, Kerstin Brätsch, Julian Breuer, Marco Bruzzone, Nine Budde, Burghard, Eric Ellingsen, Andreas Greiner, Knut Henrik Henriksen, Theresa Kampmeier, Daewha Kang, Fabian Knecht, Daniel Knorr, Tanaz Modabber, Swantje La Moutte, Ulrike Mohr, Reto Pulfer, Anton Quiring, Yorgos Sapountzis, Mirjam Thomann, Alvaro Urbano, Raul Walch, Tilman Wendland, Ella Ziegler, in Zusammenarbeit mit Vlado Velkov Die Ausstellung „Odyssee“ findet im Wasser statt. Alle Kunstwerke werden für das Wasser konzipiert, so dass die Besucher eingeladen sind, von Werk zu Werk zu schwimmen, zu rudern oder zu segeln. Der Ausstellung fehlen Grundelemente wie Wände, Decke und Boden; stattdessen haben die Künstler mit Wasser, Wetter und Tieren zu tun. Sie können sich auch auf das Wasser nicht verlassen, da der Wasserspiegel je nach Regenfall und Industriebedarf variiert. Diese Unsicherheit fordert, dass die Künstler ihre Methoden und Techniken überdenken und für das Projekt ausschließlich neue Werke produzieren. Die Dynamik des Umfelds und Spontanität der Besucher öffnen die Ausstellung für weitere Entwicklungen jenseits des künstlerischen Vorhabens. Der Möhnesee ist der größte See in NRW und liegt zwischen Kassel und Münster. Besucher der documenta und der Skulptur Projekte Münster können am Möhnesee ihren Triathlon abschließen. Die Ausstellung ist am besten vom Nordufer in der Gemeinde Körbecke zu erreichen, im wilden Uferbereich westlich der Fußgängerbrücke. Der zweite Teil der Ausstellung findet in Arnsberg statt: vom 28. Juli bis zum 10. September 2017 im Kunstverein Arnsberg, sowie im August auf der Ruhr. Workshops mit Studierenden vor Ort werden das Projekt zusätzlich erweitern. Es wird ein umfangreiches Vermittlungsprogramm mit Führungen am Ufer und im Wasser angeboten. Eintritt, Führungen und Performances sind frei. „Odyssee“ ist ein Projekt des Kunstvereins Arnsberg, realisiert mit der freundlichen Unterstützung der Kunststiftung NRW, des Ministeriums für Familie, Kinder, Jugend, Kultur und Sport des Landes Nordrhein-Westfalen, der Brauerei C. & A. Veltins, der Sparkasse Soest, der Gemeinde Möhnesee, der Stadt Arnsberg, des Hochsauerlandkreises und des Yachtclubs Westfalia Arnsberg. www.odyssey.to www.kunstverein-arnsberg.de info@odyssey.to


Vlado Velkov 
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posted 19. Jul 2017

Rosa Barba - From Source to Poem to Rhythm to Reader

05. May 201708. Oct 2017
From May 5 to October 8, 2017, Pirelli HangarBicocca presents Rosa Barba’s solo exhibition From Source to Poem to Rhythm to Reader, curated by Roberta Tenconi: a project that brings together 14 works made since 2009, including 35mm and 16mm films, kinetic sculptures, and site-specific interventions. Barba’s exhibition From Source to Poem to Rhythm to Reader, hosted in the Shed space, weaves an intense dialogue between the works on view and the industrial setting that houses them. The five films in the show, seen here for the first time in Italy, include The Empirical Effect(2009), a film set around Vesuvius—for Rosa Barba a metaphor for the complex relationships between society and politics in Italy—and the artist's two most recent works: Enigmatic Whisper (2017), shot in the studio of artist Alexander Calder, and From Source to Poem (2016), a densely layered audio-visual narration, increasingly overlapping and condensing, analogous to white noise, filmed in the Audio-Visual Conservation Center of the Library of Congress in Culpeper, Virginia, the world’s largest multimedia archive—a film specifically co-produced for the exhibition. Rosa Barba (b. 1972 in Agrigento, Italy, based in Berlin), whose work has won many awards and been featured at international exhibitions and festivals, has chosen film as her primary tool of expression. For years, Barba has experimented with the language of cinema and sculpture, reflecting on the poetic qualities of the natural and human landscape, exploring the idea of place as a vessel of memory, and dismantling the notion of linear time. Powerfully striking images, portraits of obsolete architecture and natural landscapes, and visions of remote deserts turn up throughout her works, combined with fragments of text and scenarios where past and present intertwine. “What I try to express in my films is that time is based on individual and smaller collective histories and is a very malleable and flexible phenomenon. In my films there are usually different time scales running parallel. My perspective as an observer is non-judgmental. I assume reality is a fiction that is based on individual interpretations of real events. My movies mostly play with the idea that they could happen in the future as well as in the past and are trying to manifest as a utopian solution.” (Rosa Barba in conversation with Mirjam Varadinis and Solveig Øvstebø, in Time as Perspective, Ostfildern: Hatje Cantz, 2013) On the occasion of the exhibition “From Source to Poem to Rhythm to Reader,” from summer 2017 a catalog titled From Source to Poem will be available with contributions by Rosa Barba, Manuel Borja-Villel, Giuliana Bruno, Joan Jonas, Élisabeth Lebovici and Roberta Tenconi. The publication is bilingual, Italian and English, and published by Hatje Canz and Pirelli HangarBicocca. The exhibition program at Pirelli HangarBicocca From Source to Poem to Rhythm to Reader is part of the exhibition program conceived by Artistic Director Vicente Todolí for Pirelli HangarBicocca. The show by Rosa Barba is presented in the Shed space, where programming will continue with the group exhibition Take Me (I’m Yours) (November 2017–January 2018). Parallel to this, the Navate space houses CROSSOVER/S by Miroslaw Balka (March–July 2017), while future exhibitions include a solo show by Lucio Fontana focused on his environments (September 2017–February 2018) and first retrospective in Italy by Matt Mullican (April–September 2018).


Rosa Barba 

20126 Milan

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posted 18. Jul 2017

ARoS Triennial 2017 "The Garden"

08. Apr 201722. Oct 2017
**The Garden** consist of three parts: **The Past** at ARoS, 8 April until 22 October 2017 **The Present**, various loacations in Aarhus City, 3 June until 30. July 2017 **The Future**, coastal site 3 June until 30 july 2017 * The first ARoS Triennial will feature major new commissions and large-scale installations across the city of Aarhus, Denmark. Focusing on depictions of nature throughout history, the Triennial will be split into three sections: The Past, The Present and The Future. The launch of the Triennial will coincide with Aarhus’ year as European Capital of Culture. The Past, which opens April 8, will span 400 years and will illustrate man’s relationship with nature: from the powerful orchestration of the baroque garden, the mathematically constructed landscapes of neo-classicism, and the sensuous gardens of the rococo to the monumental use of nature in land art projects and modern man’s impact on nature portrayed in contemporary art. The Past will provide the historical context for the Triennial theme and will be spread across several levels of the ARoS Aarhus Art Museum, comprising more than 100 works (paintings, installations, video art, and sculptures) by artists including Nicolas Poussin, Paul Gauguin, Edvard Munch, Robert Smithson, and Meg Webster. The Present, which opens with The Future on June 3, will look at nature in the context of the modern city and will be based in an industrial site near the coast, as well as other sites across the city. Fujiko Nakaya will create an immersive fog installation which will appear from the roof of the ARoS Aarhus Art Museum. Danish artists’ group Superflex will present new work Investment Bank Flowerpot / Deutsche Bank Marijuana, 3D models of the corporate headquarters of 20 of the world’s largest investment banks, which will serve as flower pots for hallucinogenic plants. Cyprien Gaillard will re-lay the floor of a bar in Aarhus using traditional terrazzo with mother-of-pearl from locally caught oysters, linking the space to natural life existing in Danish waters. Multidisciplinary designer Oscar Lhermitte will present Urban Stargazing, a project which brings the stars to city skies using illuminated light installations. Elmgreen & Dragset’s Cruising Pavilion will stage the social conflict both between public and private spaces and between what is considered normal and deviating behaviour. The Future will examine artistic responses to ecological change and will feature large-scale installations in the forest, on beaches and along the coast of Aarhus. Katharina Grosse will work with sprayed acrylic colours, creating a sculptural environment along the Aarhus coastline, her largest work to date spanning 4000 square metres covering breakwaters, grass, trees and the road. Doug Aitken will present a live artwork which embraces the dichotomy between natural and man-made environments. The piece will be based on therapeutic "Anger Rooms," in which participants are invited to destroy their surroundings. Simon Starling will work with the prehistoric material Urushi, a Japanese lacquer produced from tree sap. Bjarke Ingels Group (BIG) will present SKUM, a cloud-like pavilion made of inflatable material, illuminated by LED lights and blown up in only 7 minutes. Meg Webster will present Concave Room for Bees, constructed using 300 cubic yards of fertile soil and covered with robust plantings of native grasses, flowers, and herbs. The Past will feature works by Nicolas Poussin, Claude Lorrain, Antoine Watteau, Jacob Isaacksz. van Ruisdael, John Constable, Caspar David Friedrich, Edvard Munch, Paul Gauguin, Pierre-Auguste Renoir, Maurice de Vlaminck, Emil Nolde, Max Liebermann, Ernst Ludwig Kirchner, Paul Klee, Max Ernst, Jean Arp, René Magritte, Giorgio de Chirico, Robert Smithson, Joan Jonas, Richard Long, Diana Thater, Meg Webster, Olafur Eliasson, Damián Ortega, Darren Almond, and Pamela Rosenkranz. The Present will feature new commissions by Superflex, Cyprien Gaillard, Fujiko Nakaya, E. B. ITSO, Pia Sirén, Rune Bosse, and existing works by Ackroyd & Harvey, Elmgreen & Dragset, Ismar Cirkinagic, Mark Dion, and Oscar Lhermitte. The Future will feature new commissions by Doug Aitken, Sarah Sze, Max Hooper Schneider, Katharina Grosse, Hans Rosenstrøm, Tomas Saraceno, Anssi Pulkkinen & Taneli Rautiainen, Simon Starling, Alicia Kwade, Henrik Menné, Tue Greenfort, and existing works by Bjarke Ingels (BIG), Meg Webster, and Rirkrit Tiravanija & Nikolaus Hirsch.
ARoS Triennial, Aarhus °

DK-8000 Aarhus

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posted 17. Jul 2017

Milton Avery

07. Jun 201729. Jul 2017
Victoria Miro Mayfair Milton Avery 7 June - 29 July 2017 One of the most influential artists of the twentieth century, Milton Avery is celebrated for his luminous paintings of landscapes, figures and still lifes Victoria Miro’s first exhibition by the twentieth century master Milton Avery (1885 – 1965) since announcing the gallery’s representation of his work in Europe, and also the first exhibition of the artist’s work in London for ten years, features paintings and works on paper from throughout his career. Many of the works on display have never been exhibited outside of the US. One of the most influential artists of the twentieth century, and a pivotal figure linking American Impressionism and Abstract Expressionism, Milton Avery is celebrated for his luminous paintings of landscapes, figures and still lifes, which balance distillation of form with free, vigorous brushwork and lyrical colour. Drawn from across his career, the exhibition foregrounds Avery’s singularity of vision, in particular his sensitivity to his environment and his achievements as a subtle and inventive colourist. A focus of the exhibition is provided by important paintings created as a result of Avery’s sole trip to Europe in 1952, when he visited London, Paris and the South of France. Avery’s only painting of London, Excursion on the Thames, 1953, is derived from a sketch made by the artist on the steps of the Tate Gallery (now Tate Britain) at Millbank. Completed on his return to New York, the oil and an associated work on paper (Excursion on the Thames, 1952), reveal Avery’s increasing tendency to simplify and condense, and also to lighten experience, finding fitting subject matter in a scene of urban recreation: a passing pleasure boat moving through the dark ribbon of the Thames. The work anticipates the formal and chromatic distinctions of Avery’s final paintings, its arrangement of horizontal bands – those of the river and its embankments echoed in the schematised boat itself – and contrasts of colour revealing the “gripping lyricism” so admired by Mark Rothko, for whom Avery was a decisive influence and a guiding light. French Landscape, 1953, a scheme of trees and interlocking rocks in blues, lavender-mauves, greys and browns grounded by a crescent of light gold-green, reveals a singular treatment of landscape – its hilly outcrops appearing simultaneously vast and somehow also intimate and accessible, a feat achieved through close colour harmony as much as Avery’s distinct foreshortening of space. We know from one of Avery’s sketchbooks, also on display, that the view is based on Les Baux-de-Provence, located in the foothills of the Alpilles mountains in Provence. In Seven White Cows, 1953, another of Avery’s European works, the artist corrals his subject matter within a scheme of broadly horizontal bands that denote rolling countryside. The painting is a sophisticatedorchestration of positive and negative space, with the depicted herd appearing as bright negatives, and the groups of trees, their trunks and foliage rendered as a series of scraffito-like marks (perhaps made with the end of a paint brush) to reveal lighter hues beneath the final, glowing earth tones. Avery’s lifelong commitment to painting the people and places he loved can be seen in Young Couple (Husband and Wife), 1963, a painting of the artist’s daughter, March, and her husband Philip G. Cavanaugh. One of Avery’s last large-scale canvases, the painting is imbued with harmony and intimacy – Philip reading aloud to March at the Averys’ Central Park West home and studio. Wader, completed in the same year, and painted following a visit to the Catskill Mountains the preceding summer, reveals how Avery continued to push forward with an increasingly radical and loose painterliness in his late work. The palette is poignantly vivid, its complementary hues evoking a haze of summer heat. By this stage of his life, Avery was in a fragile state of health and the work has the air of a warm recollection. Avery sketched directly from the human figure throughout his career, and the monumental Grey Nude, 1943-44, was likely developed from one of the informal sketch classes attended by Avery and his artist-friends, including Adolph Gottlieb and Rothko, which began in the 1930s. As Gottlieb recalled, “Avery was a wonderful draughtsman. It was realism of a sort, with distortion accentuating what was characteristic in the model or giving play to the humour that was characteristic of Avery. Heads grew small; figures were elongated, thighs swelled.” Still life, too, was a considerable part of Avery’s practice from the 1920s onwards. It was a genre he approached seriously but often also with tenderness and humour. While many of his still lifes are formally, even traditionally, posed, it was not unique for Avery to depict a disembodied object, floating ambiguously against the merest hint of a window or tabletop. Vine, 1955, is almost musical in the dance of its leaf forms. Avery marries rhythmic form and chromatic harmony, the play of blue against grey creating a sense of movement on the surface of the painting that is further enhanced by the repeated leaf forms. Simplification – a reduction of form and palette – in Avery’s art of the 1950s has been attributed in part to his deteriorating health. Avery suffered a major heart attack in 1949. When he was able to return to painting, his wife Sally Michel Avery recalled: “Life became much more important because he had almost lost it. I think the very simple things he did were the result of having experienced such a dramatic event in his life. It scared him. It quickened the direction of his work – the colours became more sparse, his forms were more simplified.” A view of Provincetown, Massachusetts, the highly abstracted Morning Sky, 1962, reveals the rich, ongoing dialogue between Avery and artists such as Rothko and Gottlieb. From the 1930s, Avery spent numerous summers in the company of these younger artists and, during the summers of 1957 to 1961, when Avery, Rothko and Gottlieb vacationed together in the popular artists’ colony of Provincetown, on Cape Cod, there was a significant coda to their reciprocal artistic dialogue, with Avery pushing his images towards the very edges of abstraction. However, while seeking to express an idea in its simplest form, Avery never sought pure abstraction for himself. Above all, he is an artist who resists categorisation. “I never have any rules to follow,” he stated in 1952, “I follow myself.” A solo presentation of Avery's work will take place at Art Basel (15 – 18 June 2017). Two new books on Milton Avery will be published by Victoria Miro in June Extensively illustrated, a new 116-page hardback publication includes an essay by Edith Devaney, Contemporary Curator at the Royal Academy of Arts and co-curator of the recent Abstract Expressionism exhibition, examining the development of Milton Avery’s career and his influence within the canon of American art. Additional commentary examines Avery’s only visit to Europe, in 1952, and pairings of Avery’s oils and related works on paper. A window into the working life of Milton Avery, a special edition, two volume publication includes a facsimile of a 200-page sketchbook completed by Avery in the South of France in 1952, and a picture essay of the artist’s New York home and studio, photographed by Gautier Deblonde. About the artist Born in Altmar, New York, in 1885, Milton Avery moved with his family to Hartford, Connecticut in 1905. After studying at the Connecticut League of Art Students, he worked in a succession of night jobs in order to paint during the daytime. Avery moved to New York in 1925 and in 1926 married Sally Michel, whose earnings as an illustrator enabled him to concentrate more fully on painting. His first exhibition in New York was in 1927, though it was not until 1935 that he had his first one-man exhibition, at the Valentine Gallery, New York. In 1944, his first solo museum exhibition opened at the Phillips Memorial Gallery, Washington, DC. In 1952, he visited Europe for the first time, travelling to London, Paris and the French Riviera. In the same year, a retrospective exhibition of Avery's work opened at the Baltimore Museum of Art. In 1960, the Whitney Museum of American Art, New York, presented a retrospective exhibition; a second retrospective was held at the Whitney in 1982. In 1962, Milton Avery: Paintings 1930-1960 by Hilton Kramer, the first monograph on Avery, was published. Milton Avery died on 3 January 1965 in New York, aged 79. Avery’s work is represented in museums and private collections worldwide, including: Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY; Art Institute of Chicago, IL; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC; Los Angeles County Museum of Art, CA; Metropolitan Museum of Art, NY; Museum of Fine Arts, Boston, MA; Museum of Modern Art, NY; National Gallery of Art, Washington, DC; National Gallery of Australia, Canberra; Philadelphia Museum of Art, PA; The Phillips Collection, Washington, DC; San Francisco Museum of Modern Art, CA; Smithsonian American Art Museum, Washington, DC; Tate, London; Thyssen-Bornemisza Museum of Art, Madrid, Spain; Walker Art Center, Minneapolis, MN; Whitney Museum of American Art, NY; Yale University Art Gallery, New Haven, CT.


Milton Avery 
Victoria Miro, London

16 Wharf Road
N1 7RW London

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posted 16. Jul 2017

Raymond Pettibon. A Pen of All Work

02. Jun 201729. Oct 2017
The Bonnefantenmuseum is presenting the extensive retrospective A Pen of All Work by the American artist Raymond Pettibon. The exhibition includes over 600 works dating from the 1960s up to the present. Pettibon’s whole oeuvre is characterised by the inextricable link between text and image. A Pen of All Work is currently on view in the New Museum in New York and will travel on to the Bonnefantenmuseum in Maastricht, where the exhibition will be held from June 2 to October 29, 2017. It is the first time in 15 years that Pettibon is giving a solo exhibition in the Netherlands. Raymond Pettibon: A Pen of All Work Pettibon (1957, Tucson, US) is undoubtedly one of the central figures in American contemporary art. His extensive oeuvre is difficult to pigeon-hole, and it forms a separate artistic category in itself, as it were. Since the late 70s, the American artist has created over 20,000 works, ranging from drawings, artist’s books and album cover designs to large-scale installations. In the 80s, he held cult hero status in the punk rock circuit in L.A. His designs were used for the LPs and flyers of such legendary bands as Sonic Youth and Black Flag. Pettibon developed a distinctively figurative style of slightly awkward black-and-white drawings inspired by cartoons and caricatures, combined with humorous and often morbid texts. The artist’s world is populated by a variety of characters from the American history of last century, such as sect leader Charles Manson, animation figure Gumby, Superman and several former presidents. In his interplay of text and image, and his great diversity of themes, Pettibon oscillates between historical reflection, poetic humour and sharp criticism. A Pen of All Work shows his exceptional and influential oeuvre, giving emphasis to the literary and intellectual qualities of his work.
Bonnefantenmuseum, Maastricht

Avenue Céramique 250
NL-6201 BS Maastricht

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posted 15. Jul 2017

Conditions of Political Choreography

16. Jun 201716. Jul 2017
Conditions of Political Choreography 16. Juni – 16. Juli 2017 Conditions of Political Choreography ist ein Rechercheprojekt und eine Performance-Ausstellung initiiert durch den Neuen Berliner Kunstverein (n.b.k.) in Zusammenarbeit mit dem Center for Contemporary Art (CCA) in Tel Aviv, gefördert von der Kulturstiftung des Bundes. Internationale KünstlerInnen, die mit vielfältigen performativen Strategien arbeiten – aus der bildenden Kunst ebenso wie aus den Bereichen Tanz, Theater und Film – wurden eingeladen, neue Arbeiten zu konzipieren. Über einen Zeitraum von vier Wochen präsentieren die KünstlerInnen ihr Werk; jede Woche steht unter einem anderen thematischen Schwerpunkt. Eine räumliche Intervention nach einem Konzept des New Yorker Künstlers und Architekten Ohad Meromi strukturiert den Ausstellungsraum, der zu einem eigenen Territorium und mit jeder Performance neu interpretiert wird. 2016 verband der Architekt und Ausstellungsdesigner Markus Miessen in Tel Aviv die beiden Etagen des CCA-Gebäudes durch eine Quarterpipe-Bühne und ein Bücherdisplay. In Berlin bieten die diskursiven Formate „Space of Debate“ und „Moving Thoughts“ eine Lesbarkeit über den Projekthorizont hinaus. Während die Frage, wie sich der geteilte Erinnerungsraum zwischen Deutschland und Israel im 21. Jahrhundert vor dem Hintergrund des Holocaust – und nicht nur diesem – darstellt, ein Ausgangspunkt des Projektes ist, versucht Conditions of Political Choreography angesichts eines zunehmenden Rassismus und Populismus in demokratischen Gesellschaften ein Gespür für die Aktualitat von Geschichte herzustellen. Angesichts globaler Migration und lokaler Oppression reflektiert das Projekt mannigfaltige Perspektiven und die Bildung eines transnationalen Gedächtnisses entgegen der Tendenz der Memorialisierung. Das Medium Performance erlaubt hier, ein Territorium gleichzeitig zu markieren und zu verlassen. Experimentell angelegt in Struktur und Prozess, ist die Performance-Ausstellung Conditions of Political Choreography geprägt durch gemeinsame Recherchen der KünstlerInnen in Tel Aviv und Berlin. Indem sie sich auf verschiedene kulturelle Ansätze von Erinnerungspolitik konzentrieren, finden die KünstlerInnen komplexe Antworten und vielfältige Perspektiven auf die politische Choreographie von heute. Manche beleuchten Geschichtsschreibung, etwa Noa Zuk und Ohad Fishof oder Michal Helfman, sowie historische Verantwortung, wie etwa Noam Enbar und Yonatan Levy. Andere, wie Yochai Avrahami und Antje Majewski, untersuchen die Bildung von territorialen Narrativen über Naturlandschaften und Landwirtschaft, während Yael Bartana, Adam Linder und Susanne M. Winterling Reinigungsrituale und die Neuausrichtung der individuellen Handlungsfähigkeit angesichts von kollektiver Unterdrückung erforschen. Breitgefächert in ihren Themen und Ansätzen, werfen die künstlerischen Beiträge und begleitenden Diskussionen von Conditions of Political Choreography Fragen über die Grenzen von Zugehörigkeit, künstlerische Disziplinen und auferzwungene Strukturen auf. Das Projekt fordert die KünstlerInnen auf, den vorgegebenen Rahmen zu nutzen, um gegen die Beschränkungen von Architektur und Performance als Medium anzugehen. Was ist der Unterschied zwischen Beherbergt- und Eingehegt-Sein (in einem bestimmten Territorium, durch Geo-Politik)? Kann Zusammenarbeit zum Selbstzweck werden? Wie soll aus eigener Kraft Widerstand entstehen? Yochai Avrahami, Yael Bartana, Noam Enbar / Yonatan Levy, Christian Falsnaes, Ohad Fishof / Noa Zuk, Michal Helfman, Leon Kahane, Adam Linder, Antje Majewski, Ohad Meromi, Markus Miessen, Susanne M. Winterling KuratorInnen: Marius Babias, Sergio Edelsztein, Sophie Goltz, Chen Tamir
nbk Neuer Berliner Kunstverein

nbk & Artothek | Chausseestr. 128/129
10115 Berlin

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posted 14. Jul 2017

Singular / Plural. Kollaborationen in der Post-Pop-Polit-Arena

08. Jul 201701. Oct 2017
Singular / Plural. Kollaborationen in der Post-Pop-Polit-Arena 8. Juli bis 1. Oktober 2017 Eine Ausstellung zum 50-jährigen Jubiläum der Kunsthalle Düsseldorf am Grabbeplatz Der Fokus dieser Ausstellung liegt auf Künstler*innen, die in den 1970er Jahren in Düsseldorf lebten und gemeinsam arbeiteten: Michael Deistler, Bruno Demattio, Achim Duchow, Astrid Heibach, Candida Höfer, Christof Kohlhöfer, Ingrid Kohlhöfer, Lutz Mommartz, Tony Morgan, Angelika Oehms, Sigmar Polke, Ulrike Rosenbach, Stefan Runge, Conrad Schnitzler, Emil Schult, Memphis Schulze, Katharina Sieverding, Klaus vom Bruch, Ilona & Wolfgang Weber. Wir werfen mit diesen Protagonist*innen einen frischen Blick auf die Ausdifferenzierung der Künste der Nachkriegszeit sowie subkulturelle Impulse im deutschsprachigen sowie europäischen Raum; die meisten der in Singular / Plural vertretenen Werke wurden noch nie in einer Ausstellung gezeigt. Es ist dabei zentral, dass diese lose wie kosmopolitisch orientierte Gruppe ihre Interessen und Strategien in Auseinandersetzung mit und in Abgrenzung vom Nachleben des deutschen Faschismus entwickelte. Von Interesse waren Malerei nach der Malerei, Musik, Fotografie, Diaprojektionen, Film und Intermedia, Performances, Alltag, die Riten des Rheinlandes, Comics, Popkultur, Rockabilly, Hippie- und Rockertum, Punk und New Wave: In dieser von uns als Post-Pop-Polit-Arena definierten Konstellation ging es um politische Haltungen und die Neuanordnung der Mythen des Populären, um das Aneignen, Wiederholen, Sampeln, Umdeuten, Kopieren und Fälschen von visuellem Material jenseits des Mainstreams. Neben dem Versuch, innerhalb den engen Grenzen des Westens – und vor der Globalisierung des Kunstsystems – der Ordnung des Kalten Kriegs zu entkommen, formulierten die ausgestellten Künstler*innen wichtige Fragen zur Funktion von Bildlichkeit in der sich formierenden Spaß- und Informationsgesellschaft. Die Gruppen- und Themenausstellung Singular / Plural wird durch Fragenkomplexe wie Zusammenarbeit, Kolonialgeschichten, Musik, Comics, Ökonomien oder Gender strukturiert; sie präsentiert die entsprechenden Werke – sowie dokumentarisches Material, Drucksachen oder Schallplatten – nicht chronologisch, sondern so labyrinthisch, wie die prozessualen Kollaborationen und Debatten der Künstler*innen abliefen. Die entsprechenden Kunstwerke stellen politisches Sendungsbewusstsein und Selbstironie zur Schau; sie bilden Resonanzen mit gegenwärtigen Interessen. Christof Kohlhöfer und Emil Schult fertigten psychedelische Comicstrips, Bruno Demattio oder Stephan Runge erkundeten individuelle Mythologien und Gegenkulturen. Memphis Schulze, Achim Duchow und Sigmar Polke nahmen durch den Einsatz von Spraydosen das Interesse der Street Art an diesen Verfahren vorweg. Lutz Mommartz oder Astrid Heibach setzten sich zu einem für den deutschsprachigen Raum frühen Zeitpunkt mit den ehemaligen deutschen Kolonien auseinander und Michael Deistler reiste auf den Spuren des nationalsozialistischen Afrikafeldzugs nach Ägypten, während Candida Höfer einen ethnographischen Blick auf die eigene Gesellschaft wirft und Ingrid Kohlhöfer klischeehafte Vorstellungen von Freaks befragt. Tony Morgan, Ulrike Rosenbach oder Katharina Sieverding untersuchen genderkritische Positionen und die Rockposen der Popkultur und Conrad Schnitzler transformiert das Erbe der Pop Art durch neue Formen der elektronischen Musik. Viele der multimedialen Arbeiten konnten für die Ausstellung rekonstruiert werden und sind erstmals wieder zugänglich. So fertigte etwa Achim Duchow vertonte Diaprojektionen, die sich mit der Situation rund um die RAF, der Boulevardpresse oder dem Kunstmarkt in diesem „roten Jahrzehnt“ auseinandersetzen. Es ist dabei für das kuratorische Konzept zentral, dass innerhalb dieser Gruppe alternative Lebensmodelle erprobt und gleichzeitig eine singuläre Autorschaft aufgelöst wurde. Etwa Klaus vom Bruch oder Ilona und Wolfgang Weber porträtieren in Diashows oder Fotosammlungen die Düsseldorfer Gruppe, andere tauschten ihr Material untereinander oder erstellen, wie Sigmar Polke und Memphis Schulze oder Achim Duchow und Angelika Oehms, gemeinschaftliche Werke. Wie es der Philosoph Jean-Luc Nancy formuliert: „Mit-Sein“, eben „singulär Plural sein“ setzt immer voraus, mit anderen im Austausch zu stehen, wobei die Frage entsteht, wie innerhalb konkreter Kunstprojekte Gruppen ausgebildet werden können, die zwar als Pluralität funktionieren, in denen jedoch das „wir“ nicht zur Totalität gerät. Innerhalb der Düsseldorfer Szene wurden die Prozesse des Austausches, Wandels und der Diskussion innerhalb von öffentlichen Foren aufrechterhalten; die Kunsthalle fungierte als zentrale Bühne für diese Aktivitäten. Die in Singular / Plural vertretenen Künstler*innen bestimmten das historische Programm dieser Institution aktiv mit, etwa durch die alternativen Reihen between oder Prospekt, während die Großausstellungen meist der Vorkriegsgeneration vorbehalten waren. Deshalb bestimmen Referenzen auf drei historische Ausstellungen, Yes Sir, That’s My Baby im Rahmen der between-Reihe 1973, die Sigmar Polke-Retrospektive Bilder, Tücher, Objekte 1976 – eigentlich eine Gruppenausstellung in Form einer Totalinstallation – sowie Nachbarschaft, ebenfalls 1976, die Präsentation dieser Jubiläumsausstellung. Die Künstler*innen Michael Deistler, Bruno Demattio, Achim Duchow, Astrid Heibach, Candida Höfer, Christof Kohlhöfer, Ingrid Kohlhöfer, Lutz Mommartz, Tony Morgan, Angelika Oehms, Sigmar Polke, Ulrike Rosenbach, Stefan Runge, Conrad Schnitzler, Emil Schult, Memphis Schulze, Katharina Sieverding, Klaus vom Bruch, Ilona & Wolfgang Weber. Kuratiert von Petra Lange-Berndt, Dietmar Rübel, Max Schulze und Gregor Jansen
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posted 13. Jul 2017

JUDITH FEGERL. in charge

02. Jul 201727. Aug 2017
opening: 01. Jul 2017 18:00
Judith Fegerl in charge 2. Juli – 27. August 2017 Pressetermin: Fr, 30. Juni, 10 Uhr Eröffnung: Sa, 1. Juli, 18 Uhr Judith Fegerl fordert das Vorgegebene heraus. Ihre Skulpturen schalten sich ein in die Texturen und Strukturen des Materials, aus dem sie gemacht sind, und in die Räume, in denen sie gezeigt werden. Mit feinem Gespür für die unterschwelligen Spannungen in vermeintlichen Einheiten – wie in Me­tall­stangen, dem Ausstellungsraum oder dem institutionellen Körper – lässt sie diese die Leitung über­nehmen. Eine Stahlplatte schwebt knapp über dem Boden, an der Decke befestigte Stäbe halten sie. Dabei bilden an den Strom angeschlossene Kupferdrähte als Elektromagnete den flüchtigen Kitt. Die Spannung verbindet nicht nur Stahlstäbe und -platte, sondern versetzt auch Decke und Boden in ein Verhältnis von Anziehung, zumindest für einen unbestimmt langen „moment“, so der Titel der Arbeit. Die Künstlerin sucht nicht nach einfachen Lösungen, sondern schmiedet Komplikationen. Eine semipermeable Wand wird aus einem Ausstellungsraum extrahiert, so dass sie den Blick auf den Innenhof der Kunsthalle freigibt. Ein Glasdach wird zugleich semipermeabel geschlossen und die gefallene und gefaltete Wand stellt sich woanders in Positur. Judith Fegerls Arbeitsprozesse bringen Brüche und Risse hervor, um Anlass zu neuen Konfigurationen zu geben. Zarte Aluminiumstäbe werden zersägt, wieder aneinandergeschweißt, mittels Klebeband in einen größeren Verband eingefügt und aufgerichtet. Glän­zende Prothesen und räumliche Zeichnungen durchqueren und durchdringen verletzlich, elegant und brutal das Taxispalais. Kuratiert von Nina Tabassomi


Judith Fegerl 


Nina Tabassomi 
TAXISPALAIS Kunsthalle Tirol, Innsbruck °

TAXISPALAIS Kunsthalle Tirol | Maria-Theresien-Str. 45
A-6020 Innsbruck

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posted 12. Jul 2017

Melanie Bonajo: Single Mother Songs from the End of Nature

01. Jun 201727. Aug 2017
Der Frankfurter Kunstverein präsentiert die erste große institutionelle Einzelausstellung der niederländischen Künstlerin Melanie Bonajo in Deutschland. Die Künstlerin ist unter den Nominierten des niederländischen Prix de Rome 2017, der am höchsten dotierte Preis für Visual Arts in den Niederlanden. Eine kritische Haltung gegenüber dem kapitalistischen Wertesystem und dem modernen Fortschrittsglauben, die Überzeugung, dass der Dualismus zwischen Mensch und Natur aufgebrochen und ein radikales Umdenken stattfinden muss – all dies sind Ausgangspunkte für das künstlerische Schaffen von Melanie Bonajo. Die Künstlerin fragt danach, wie technologischer Fortschritt und auf Waren und Konsum ausgerichtete Lebensvorstellungen Gefühle von Entfremdung erzeugen und so zum Verlust eines Sinns von Zugehörigkeit führen. Die künstlerische Praxis von Melanie Bonajo (*1978) ist geprägt von einem kritischen Blick auf den Zustand der Welt. Ihre Werke entstehen vor dem Hintergrund einer explizit kapitalismuskritischen Haltung und einem ambivalenten Verhältnis gegenüber der modernen Fortschrittseuphorie. Sie ist eine Reisende auf der Suche nach Individuen und Gemeinschaften, die andere Wege des Mensch-Seins in der Welt beschreiten und ein ganzheitliches, holistisches Verständnis vom gesellschaftlichen Miteinander und dem Umgang mit Mitlebewesen verfolgen. Sie legt ihr Augenmerk insbesondere auf weibliche Protagonistinnen, die sie in ihren Videos zu Wort kommen und über ihre individuelle Weltanschauung sprechen lässt. Sie haben sich für teils illegale Lebenspraktiken außerhalb üblicher Gesellschaftsmodelle entschieden und suchen in neuen Ritualen ein verändertes Verhältnis zu Natur und Gemeinschaft, nach einem alternativen Umgang mit Körperlichkeit sowie gesellschaftlich definierten Geschlechterrollen. Die Frauen stehen für ein radikal ethisches Andersdenken und eine Haltung des Widerstands gegen den allgemeinen Lebensstil im Zeitalter einer globalisierten, digitalisierten und vernetzten Welt. Die Ausstellung im Frankfurter Kunstverein präsentiert mehrere neuere Werkkomplexe der Künstlerin. Im Mittelpunkt steht dabei die experimentelle, semifiktionale Dokumentarfilm-Trilogie „Night Soil“ (2014-16), bestehend aus den drei eigenständigen Filmen „Fake Paradise“ (2014), „Economy of Love“ (2015) und „Nocturnal Gardening“ (2016). In „Progress vs. Regress“ (2016) untersucht Melanie Bonajo die Auswirkungen moderner Erfindungen auf soziale Beziehungen. Als Ausgangspunkt wählt sie die Perspektive älterer Menschen, die Zeugen extremster industrieller, technologischer und digitaler Umwälzungen geworden sind. In Zusammenarbeit mit dem Frankfurter Kunstverein entsteht eine neue Arbeit für die Ausstellung, „Progress vs. Sunsets“ (2017, work in progress) die erste räumliche Umsetzung ihres komplexen Werkes „Matrix Botanica – Non Human Persons“. Die Arbeiten von Melanie Bonajo sind eklektisch und anarchisch in der visuellen Bildsprache, politisch und aktivistisch in ihrer Haltung und gleichzeitig poetisch und humorvoll in ihrer Wahrhaftigkeit. Bonajos experimentelle, semifiktionale Dokumentarfilme basieren auf der Begegnung mit dem Gegenüber. Die Künstlerin schafft die Möglichkeit zur Entfaltung und so sehen wir Menschen, die sich vor ihrer Kamera spielerisch inszenieren und ihre Geschichten und Gedanken offenbaren. Bonajo untersucht und ist gleichzeitig mitfühlend, sie lebt und erlebt mit den Menschen, die sie zeigt. Die Körperlichkeit spielt in der Arbeit der Künstlerin eine zentrale Rolle, sowohl in Bezug auf die Protagonistinnen ihrer Filme, als auch im Hinblick auf die Rezipienten. Eine distanzierte Betrachterperspektive soll aufgebrochen werden. Gemeinsam mit Théo Demans und Clemence Seilles hat Bonajo speziell für den Frankfurter Kunstverein immersive Räume geschaffen: spielerische Bühnenwelten, artifizielle Landschaften, die zum Liegen, zum Entschleunigen einladen und gleichzeitig als Erweiterung der filmischen Bildwelten den Betrachter physisch einnehmen und in einen Rausch von Farbe, Licht und Material überführen. Die Ausstellung wird kuratiert von Franziska Nori, Direktorin des Frankfurter Kunstvereins.
Frankfurter Kunstverein

Steinernes Haus am Römerberg | Markt 44
60311 Frankfurt

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posted 11. Jul 2017


13. Apr 201715. Oct 2017
"Art must become part of life, but as life is alienated, we also need to commit to liberating and disalienating life" –Piero Gilardi Piero Gilardi has recreated portions of nature in the form of carpets, reproduced the faces of politicians and industrialists in satirical masks, persuaded protest marchers to push a giant rock together and constructed stones that beat to the rhythm of our heart. He believes in a militant, democratic art free from the market, a positive generator of social transformation. MAXXI is dedicating a major monographic exhibition to Gilardi, NATURE FOREVER, curated by Hou Hanru, Bartolomeo Pietromarchi and Marco Scotini, from April 13 to October 15, 2017. As the curators explain: “With over 60 works—from the famous Nature-carpets to the interactive installations and through to the Living Art Park of Turin, along with important pieces exhibited for the first time in years or reconstructed for the occasion—the exhibition reviews the career of a master for whom art and life are identified with and become militant commitment, starting out from that as an ecologist. An artist who is also a critic, researcher and political and social activist. For Gilardi, the artistic object goes beyond the purely aesthetic dimension: it is not made to be contemplated but experienced, shared and participated. And it is this interactivity that runs throughout the show.” NATURE FOREVER presents Gilardi’s 50-year career in which art, criticism and politics are intertwined. From the complex relationship between man and nature, it investigates the era of consumerism and the use of new technologies in a presentation tackling and exploring themes such as ecology, the relational nature of art and social and political commitment. It is divided into four sections, each of which includes both works and archive materials (sketches, texts, original photographs, small works) allowing a comprehensive overview of the artists thinking and poetic. The first section is devoted to work from the 1960s and includes the Nature-carpets that have made him famous, sculptures in expanded polyurethane, hyper-realistic but artificial representations of natural scenes, a kind of “disguise,” a ritual exorcising the death of nature. The second one focuses on New Media Art: these works are part of that strand of research that from the 1980s led the artist to adopt technology allowing the spectator to actively participate by interacting with the art. The third section features Gilardi’s political animations, from the 60s to the present, some of which are on show in a museum for the first time. When, in the late-60s, he realised that militancy did not enjoy the space in the world of art he had hoped for, Gilardi lost interest in the production of “works of art” and devoted himself to creating “useful” works in the political and social ambit, working in psychiatric institutions, factories and working class areas and collaborating with the student movement. The fourth and final section presents Gilardi the curator and critic: this extremely intensive period is illustrated through archive materials recounting Gilardi’s abandoning of the “art system” in favour of more direct action “within life,” as shown in his political and social work and the project for PAV Parco Arte Vivente, Turin’s Living Sculpture Park, a Contemporary Art Centre, a “museum beyond the museum” opened in 2008 and conceived as single living organism that rather than possessing traditional works is a naturalistic area studded with installations to be constantly tended to through cultural animation and gardening. The exhibition is accompanied by a catalogue published by Quodlibet, edited by Anne Palopoli, with critical texts by Hou Hanru, Bartolomeo Pietromarchi, Marco Scotini and Valérie Da Costa and a new text by Piero Gilardi.


Piero Gilardi 
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posted 10. Jul 2017

CONDO New York: Deborah Schamoni at Queer Thoughts

29. Jun 201728. Jul 2017
CONDO New York: Deborah Schamoni at Queer Thoughts 29 June - 28 July Preview Days: Thursday 29 June - 12-8pm Friday 30 June - 12-6pm
Queer Thoughts, New York

373 Broadway, #C9
IL 60608 New York

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posted 09. Jul 2017

Peter Wächtler. Kein Morgen kann so schön sein

03. Jun 201730. Jul 2017
opening: 02. Jun 2017 19:00
Schinkel Klause Peter Wächtler Kein Morgen kann so schön sein 3. June – 30. July 2017 Opening: 2. June 19:00 Peter Wächtler (*1979) works with animation, video, sound, sculpture, drawing and text, that often, in the form of prose or poetry, narratively encompasses his (animated) images and pictorial objects. Language in his installations becomes an element of transfer, through which the artist creates temporal overlays from history, contemporary modes of life and fictions of being. Wächtler generates – in the exhibition space as well as within his own works – scenarios of a subjective realism, in the context of which he handles social structures with a critical-grotesque directness. Profile, situation and space descriptions are, through their plasticity, graphical depiction, or narrative account, interlinked and intertwined as in hypertext. It is above all the abstraction of the real via the clarity of the respective form or the specificity of the material, which often by means of repetition and variation enquires from within Peter Wächtler’s works about a standpoint in life: how something was, how it is, or how it should be. For his exhibition ‘Kein Morgen kann so schön sein’, presented in the vaulted cellar of the Schinkel Pavillon, Peter Wächtler has produced six new ceramic pieces as well as a new stop-motion animation film. The film shows the moon with a pointed hat and pipe, above a fortress at night, subtitled with a poem about closed value systems and their validities. The six ceramic sculptures, their exaggerated body shapes alternating between real animal and animated character, attend this setting – as reading, sleeping and dozing moles on a throne-like armchair – like silent, blind custodians. Christina Irrgang * Credits Kein Morgen kann so schön sein, 09:50 mins., HD Video, 2017 Camera Adam Milburn Assistence Animation Albrecht Hegge, Ida Michel Drums and Recording: Alexander Hoetzinger, sound & song Studio Berlin Flute: Ed Atkins Saxophone: Rainer Theobald curated by Nina Pohl


Nina Pohl 
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posted 08. Jul 2017

Cécile B. Evans. Sprung a Leak

10. Jun 201719. Nov 2017
opening: 10. Jun 2017 19:00
Cécile B. Evans. Sprung a Leak Opening: June 10, 7:30pm June 10–November 19, 2017 In her installations, videos, online platforms and performances, Cécile B. Evans (1983, Belgium-United States) explores technology’s impact on our behaviour. How do contemporary technologies influence the way people feel and act? Sprung a Leak at M - Museum Leuven focuses on cracks in the relationship between human and machine – which expose vulnerabilities between public and private as feelings are moved through time and space. Sprung a Leak is an automated play in three parts, in which two humanoid robots and a robot dog perform the leading roles. The conversations between the robots moving through the gallery and the animated and human performers on screens, are reactions to how information is circulated and navigated through machines. In this way, Sprung a Leak lays bare human emotions, but also the sensitivities of a digital world that is constantly changing. The exhibition is a coproduction with Tate Liverpool and is curated by Valerie Verhack.


Valerie Verhack 
M - Museum Leuven

Leopold Vanderkelenstraat 28
B-3000 Leuven

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posted 07. Jul 2017


06. Jul 201715. Jul 2017
opening: 05. Jul 2017 18:00
VLASTA DELIMAR | ...A WOMAN IS A WOMAN IS A WOMAN... 06.07.2017 – 15.07.2017 ERÖFFNUNG: 5. Juni, 18 Uhr mit Vlasta Delimar und Marko Stamenković galerie michaela stock, Schleifmühlgasse 18, 1040 Wien Die Ausstellung ...A Woman Is A Woman Is A Woman... ist eigentlich die Präsentation der limitierten Kunstpublikation Put Your Faith in Women der kroatischen Konzept- und Performancekünstlerin Vlasta Delimar. Der Katalog erschien aus Anlass der gleichnamigen Ausstellung, die 2016 in der galerie michaela stock zu sehen war. Der Katalog deterritorialisiert den konventionellen Ausstellungsraum und ist zentral, auch körperlich anwesend. Der eigentliche Katalog ist in der originalen Verpackung für halterlose Strümpfe der Firma BIPA eingebettet. Das Cover wurde neu gestaltet und in jedem Strumpf befinden sich kleinformatige Fotografien, welche Einblicke in das künstlerische Schaffen von Vlasta Delimar geben. Unter den Fotografien befinden sich sowohl ältere Werke aus ihrem Oeuvre, Ausstellungsansichten sowie aktueller Performances die im Katalog abgebildet sind und in der Ausstellung in Wien zu sehen waren. Die halterlosen Strümpfe werden an Schnüren hängend in dem Galerieraum gezeigt. Inmitten dieser bewusst unprätentiösen Installation kann man den Kunstkatalog anschauen, anfassen oder ganz einfach hindurch schreiten und die Publikation wird lebendig. Mit der Präsentation wird die informative und dokumentarische Funktion des Kataloges entlastet. Diese Arbeit zeigt eine starke Referenz auf das Kunstwerk von Vlasta Delimar aus dem Jahre 1996 mit dem Titel ...woman is a woman is a woman.... Auch hier wurden halterlose Strümpfe einer kroatischen Produktionsfirma mit Erinnerungsfotos der Künstlerin versehen und hängend installiert. * VLASTA DELIMAR [...] Geboren in einer proletarischen Familie, erschien Vlasta Delimar in den späten 1970er-Jahren in der Kunstszene des ehemaligen Jugoslawien und verfolgte ihren Weg international über fast vier Jahrzehnte. Zwischen 1978 und 2016 entstanden zahlreiche Arbeiten, die Performances, Actions, Happenings, Videodokumente, Fotografien, Fotocollagen und Installationen umfassten. So hinterließ sie eine unauslöschliche Spur in der Evolution von visueller Kultur und Körperpolitik in Zentralosteuropa, die im Jahr 2014 durch die Retrospektive This is Me im Museum of Contemporary Art Zagreb gekrönt wurde. [...] Entgegen normativen Konzepten von Verhaltensregulation, die die Achse des politischen, kulturellen und religiösen Mainstream in sozialistischen, postsozialistischen und kapitalistischen Gesellschaften darstellt, beschäftigen Delimars vielfältige Auftritte im öffentlichen Raum, persönlich oder durch Bilder, die Menschen, weil sie – oft sehr intensiv – berühren, was nicht berührt werden „soll": ihr Bewusstsein und ihre Gewissenhaftigkeit, ohne jemanden gleichgültig zu lassen. Ihre „Ikonen" treffen Betrachter genau dort, wo (erlernter) moralischer und (ebenfalls erlernter) intellektueller Narzissmus eine vermeintlich sichere Zuflucht gefunden hat: wo sie glauben zu wissen, wer sie sind, während sie vor den anderen ihre Rolle spielen – immer hinter goldenen Masken. Put Your Faith in Women untersucht, wie unablässig körperliche Kommunikation von vorgefassten Meinungen über Sexualität und Nacktheit dominiert und von sozialen Tabus genährt wird. Marko Stamenković / Kurator (Textauszug, Put Your Faith in Women, 2016)
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posted 06. Jul 2017

The Third Mediterranean Biennale. Out of Place

30. Jun 201716. Dec 2017
opening: 29. Jun 2017
The Third Mediterranean Biennale. Out of Place June 30–December 16, 2017 Opening: June 29, 2017 "Some men see things as they are and they ask why Others dream things that never were and ask why not." –Bernard Shaw The Mediterranean Biennale vision is to promote peace through art activities for building a mutual trust in the area by strengthening co-operation based on equality and reciprocity. The idea of the Mediterranean Biennale is to bring a new approach in the area through artistic activity hoping to create a base for human dialogue and coexistence between communities that live in conflict promoting peace education, tolerance and non-violence. The Biennale's aim is to bridge gaps in the perception of the other and encourage diversity in order to create an environment where individuals and groups of diverse religion and ethnicity share common values and coexist peacefully. Through art we hope to overpass regional politics and disputes by emphasizing artistic creation and universal human feelings based on vision, human respect with the hope of coexistence in peace for a better future for life. The Third Mediterranean Biennale offers an alternative platform which emphasizes the local processes being created in the region and enhances their cultural impact by means of art directed toward the community, art that bridges cultures, emerges from the museum walls, integrates into the city and turns the city into a museum. The Mediterranean Biennale will serve as a venue for raising issues such as: How to restore art to the public; what is the relevance of art in today's consumer society; and art as a bridge between cultures. The Mediterranean Biennale is held in the Sakhnin Valley, in Israel in the communities of Misgav, Sakhnin, Arraba and Deir-Hanna creating a course of various places, people and congregations that are exposed to the general public by means of art while instigating a platform for dialogue. Widening the Biennale creates a channel for cooperation between communities living in the area under the concept of a face-to-face rather than a back-to-back situation. The Mediterranean Biennale will take place under the title Out of Place. Out of Place relates to issues of identity, place, time and individualty in an era of global culture while critically addressing the topics of place, local identity and culture in view of the changes occurring today. The exhibition Out of Place aims to establish a dialogue between people and create a place where everyone can have their say in a discussion where there are no winners or losers. The exhibition reminds us that we are not independent of the manner in which the present refugee crisis is developing: we are part of the crisis but we are also part of its possible solution. The nature of the exhibition Out of Place can be one that highlights disillusionment and hopelessness, or on the contrary one that opens up possibilities of acting against current incitement by means of solidarity, common ideals and sense of community. The Mediterranean Biennale is organized by AMOCA The Arab Museum Of Contemporary Art, Sakhnin, Israel. List of artists: Hamra Abbas, Adel Abdessemed, Rashid Al-Khalifa, Lela Ahmadzai, Hazem Alzoubi, Carlos Amorales, Samar Awadieh, Mahmoud Badarny, Yto Barrada, Avital Bar-shay, Nathalie Bikoro, Daniele Buetti, Jordi Colomer, Abdulla Dehabra, Burak Delier, Elmgreen & Dragset, Belu-Simion Fainaru, Günther Förg, Thomas Galler, Moshe Gershuni, Tal Granit&Sharon Maimon, Majooda Halabi, Damien Hirst, Jenny Holzer, Pierre Huyghe, Muhammad Kallash, Bouchra Khalili, Lisbeth Kovacic, Jannis Kounellis, Moshe Kupferman, Sigalit Landau, Mohsen Makhmalbaf, Shahar Marcus, Olivia Mihălţianu, Nardina Mugaizel, Sener Ozmen, Walid Raad, Pipilotti Rist, Şerban Savu, Meinrad Schade, Zineb Sedira, Angelika Sher, Sudarshan Shetty, Fiona Tan, Sérgio Téfaut, Cengiz Tekin, Isam Telhami, Lisa Trutman, Yigal Tumarkin, Samira Wahabi, Jola Wieczorek, Kai Wiedenhöfer, Tomasz Wendland, Rui Xavier, Akram Zaatari Director & curator: Belu-Simion Fainaru Co-director & curator: Avital Bar-shay Belu-Simion Fainaru artist, curator and initiator of the Mediterranean Biennale since 2008. In 2015 he initiated AMOCA, the Arab museum of contemporary art in Sakhnin. Belu-Simion Fainaru‘s works were exhibited at the Documenta in Kassel, the Venice Biennale, the Sonsbeek Biennale in Holland and the Biennale in Havana, Cuba. Previous solo exhibitions include Israel Museum in Jerusalem, S.M.A.K. Museum in Ghent, M HKA in Antwerpen, Lehmbruck Museum in Germany and Saitama Museum in Japan. He is a guest lecturer at universities in Belgium and Japan, and is teaching at the Wizo Art Academy, Haifa, Israel. Avital Bar-shay artist, curator and initiator of the Mediterranean Biennale since 2008. In 2015 she initiated AMOCA, the Arab museum of contemporary art in Sakhnin. Avital Bar-shay exhibited in Israel and abroad. She has vast experience in public space projects and works as a cultural entrepreneur. She is teaching at the Technion – Israel Institute of Technology .
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posted 05. Jul 2017


20. May 201716. Jul 2017
opening: 19. May 2017 02:00
HUNGER Marcel Hiller, Clémence de la Tour du Pin, Mélanie Matranga, Tobias Spichtig 20. Mai bis 16. Juli 2017 Eröffnung: 19. Mai 2017, 19:00 Uhr Sowohl durch unsere digitale Gesellschaft als auch durch Bauspekulationen, wird der Wohnraum als Ort der Sicherheit, Intimität und Beständigkeit in Frage gestellt. In den sozialen Medien verlagern YouTuber ihren privaten Raum in eine mehr oder weniger natürliche Bühne für ihre täglichen Video Posts. Und Dank überall online verfügbarer Fotos, hat jeder Einblick in eine im Grunde intime Welt. Die Ausstellung Hunger nimmt diese Entwicklungen zum Anlass und konzentriert sich insbesondere auf das Thema des Zerfalls des Interieurs und der Intimität. Als wesentliches körperliches Bedürfnis steht der Begriff Hunger hier als Sinnbild für Mangel und Begehren: Gehäutete Möbelstücke von Mélanie Matranga (*1985 in Marseille, lebt in Paris), besetzte Stühle von Tobias Spichtig (*1982 in Sempach, lebt in Berlin und Zürich), Marcel Hillers in gitterähnliche Regale gepresste Plastikflaschen (*1982 in Potsdam, lebt in Köln) oder Raumteiler von Clémence de la Tour du Pin (*1986 in Frankreich, lebt in Berlin). Mal mehr mal weniger abstrakt, spielen diese fetischartigen Arbeiten auf die Ausstattung eines Innenraums an. Ursprünglich bezeichnet Fetischismus die Verehrung von Kultgegenständen. Er wird in Hunger jedoch als Anziehungskraft und Zwangsvorstellung der Projektion von Emotionen auf Oberflächen und Materialien verstanden. Darüber hinaus ist er Ausdruck von Frustration, Ausgrenzung und Verlust. Die Kreation digitaler Parallelwelten des Privatlebens auf Facebook oder anderen sozialen Medien, führt zu einer Gesellschaft, in der das Intime Bestandteil des Öffentlichen wird. In diesem Prozess der Vereinheitlichung wird der Fetischismus zum Widerstand und politischen Vehikel, zu einem Differenzierungsmanöver. In Hunger formuliert sich das Politische in den Oberflächen und den Gegenständen, die über ihren Mangel, ihre Risse bzw. über die auslösende Verwirrung sprechen.


Oriane Durand 
Dortmunder Kunstverein °

Park der Partnerstädte 2 / Brinkhoffstraße 2
44137 Dortmund

Germanyshow map
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posted 04. Jul 2017

Claudia Zweifel I Before and after

10. Jun 201721. Jul 2017
Claudia Zweifel I Before and after 10. Juni – 21. Juli 2017 Vernissage: 9. Juni um 19 Uhr Mi-Sa / Wed-Sat 13-18h und nach Vereinbarung / and by appointment Galerie Gilla Lörcher | Contemporary Art freut sich, die zweite Einzelausstellung der Schweizer Künstlerin Claudia Zweifel zu präsentieren. Die Ausstellung „Before and after“ zeigt ausgewählte Arbeiten der Künstlerin aus den Genres Malerei und Zeichnung. Sei es Malerei, Zeichnung oder Objekt – ob digital oder analog – was immer Claudia Zweifel in ihrer Ausstellung (...) zeigt, malt, zeichnet oder formt, alles ist Realität und Illusion zugleich. Die Werke umspannen visuelle Möglichkeiten und Wahrnehmungsreize in der Fläche und im Raum und hinterfragen Farbe als umfassenden Ausdrucksträger, als konstituierendes wie virtuelles Element, dessen Wirkung vom sublimen Farbraum über individuell gesetzte Strukturen bis zum konstruktiven Verlauf und weit darüber hinaus reicht. Im Sublimationsdruck werden Bilddaten mit einem feinen synthetischen Trägerstoff verwoben und auf Dauer gleichsam materialisiert. Alles fließt in ein Bild, seien es Daten, Farben, Farbverläufe oder graphische Strukturen. Nichts wird dem Zufall überlassen. Alles ist da, in Gedanken, als Konzept, bevor das Transferverfahren beginnt. (Text: Birgit Möckel) Wenn digitale und handgemachte Malerei in einem Bild nicht zu unterscheiden sind, werden eine Menge an Kontroversen und medienideologischer Debatten sehr entspannt mit einem Mal hinfällig. Claudia Zweifel zeigt mit ihren digitalen Malereien, die final mit der Hand komplettiert/vollendet werden, dass sich diese beiden Macharten synergetisch ergänzen können, sich also alle Diskussionen über Ausschließlichkeiten von digital und nichtdigital auch einfach erübrigen. Relevant ist vielmehr, wie sich die unterschiedlichen Ressourcen nutzen lassen. In diesen Bildern wird eindrucksvoll vorgeführt, wie sich zarteste transparente Überlagerungen inzwischen mit aktueller Malerei-Software besser realisieren lassen als mit traditioneller Pinselkraft. Der Duktus echter Ölkreidentextur in Ergänzung dazu verleiht den eigentlich digitalen Bildanteilen überraschenderweise wiederum eine fast analoge Anmutung. (Text: Gunter Reski) Bei der Zeichnung „La Promenade“ greift Claudia Zweifel die ornamentale Gestaltung der „Carrés“, der klassischen Seidentücher von Hermés auf, bei denen sich das Luxuslabel an allegorischen und symbolischen Bildern der europäischen Kulturgeschichte bedient. In ihrem Text über die Bleistiftzeichnungen der Künstlerin schreibt Tatjana Turanskyj: „Claudia Zweifel dekonstruiert in ihren Bleistiftzeichnungen nicht nur den Gegenstand – das Seidentuch – sondern auch seine Materialität. Es sind optische Täuschungen und wie bei allen anderen Werken von Claudia Zweifel spielt auch hier die Oberflächengestaltung eine große Rolle. Jedes gezeichnete Tuch hat seine Vergangenheit und trägt auf der Zeichnung sichtbar die Spuren seiner Besitzerin. Sorgsam sind die Falten gezeichnet und durch Ausradierung und Auslassung verblasst nicht der Gegenstand sondern die Vergänglichkeit seines Motivs. Sie spielen auf den Luxus an und spielen mit seinem Schein und entfalten gerade wegen ihrer Detailtreue und Genauigkeit in Faltenwurf, Ornament und Muster eine eigenartige Wirkung. Es ist eine sorgsam durchdachte Rezeption und Dekonstruktion eines Klassikers und einer Luxusmarke samt seiner eigentümlichen Ikonografie. Trotz dieser radikalen Aneignung wirken sowohl der Gegenstand als auch sein Abbild entrückt und zart. Die Zeichen der Vergangenheit werden mit größter Zärtlichkeit bedacht.“ Claudia Zweifel, geb. 1981 in Zürich, Schweiz. Sie lebt und arbeitet in Berlin. Studium der Bildenden Künste an der Hochschule für Gestaltung und Kunst Luzern und der Universität der Künste Berlin (BA). Ihre Arbeiten wurden ausgestellt u.a. in: KW Institute for Contemporary Art (Berlin); Kunstmuseum Luzern (Schweiz); Kunstverein Schwäbisch Hall; Kunsthalle CCA Andratx (Mallorca); Sammlung Falckenberg/Deichtorhallen (Hamburg); Kunstverein Schaufenster (Düsseldorf); Galerie Bereznitsky (Kiew, Ukraine) und Galerie Gilla Lörcher I Contemporary Art (Berlin).
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posted 03. Jul 2017

Minoru Onoda. MARU

09. Jun 201714. Jul 2017
ANNE MOSSERI-MARLIO GALERIE, BASEL, PRESENTS MARU BY GUTAI’S MINORU ONODA (1937-2008) 9th June–14th July 2017 Three decades of paintings from the estate of the Japanese artist Minoru Onoda, who featured in The Guggenheim Museum’s important recent survey of post-war Japanese art, ‘Gutai: Splendid Playground’, are to be exhibited at the Anne Mosseri-Marlio Galerie in Basel. Minoru Onoda is recognised as an important figure in the second wave of the Gutai Group. In 1965, after his participation in the 3rd International Exhibition for Young Artists in Paris in 1964, he joined the group as one of its youngest members, and remained faithful thereafter to the dictum of the group’s founder, Jiro Yoshihara: “Do what has never been done before”. Onoda exhibited consistently in Japan throughout his life, rarely travelling abroad. His work has only occasionally been exhibited in the West, and never before as a solo exhibition. This will also be the first time that work from his estate, represented by the Anne Mosseri-Marlio Galerie, will be available for public and private collections to acquire. The title of the exhibition, ‘MARU’, which means circle, derives from the artist’s continuous engagement with the most cosmic of geometric shapes. From the early 1960s, after he had left The Osaka School of Art, and in reaction to the type of ‘Art Informel’ where ‘all paintings looked like walls’, Onoda began covering his paintings with arrangements of blue and black dots to create optical illusions and movement. These blossom into meticulous, multicoloured, biomorphic dot paintings which he called ‘sky dreams’. With these swirling, almost psychedelic paintings he explored the ideas of multiplication and mass production which he described in his manifesto, ‘Paintings of Proliferation’ (1961). Onoda exhibited in all the Gutai Group exhibitions that took place in Japan between 1965 and 1972. In the 1970s he came closer to ‘Op art’, painting larger, radiating planetary circles which float weightlessly, alone or in ordered groups, within seemingly monochrome, but teeming, detailed canvases. These compositions are less biomorphic, more simplified and mechanistic. As the 1980s progressed, Onoda focused more on the flat surface of the painting and its edges; it appears as if the paint oozed another colour at its perimeter. Significant holdings of his work are in numerous museum collections, including Ashiya City Museum of Art & History, Japan; The Miyagi Museum of Art, Japan; Himeji City Museum of Art, Japan; Hyogo Prefectural Museum of Art, Japan. The catalogue for this exhibition will include a short text by Koichi Kawasaki, the former Director of Ashiya City Museum of Art & History, Japan, and Hyogo Prefectural Museum of Art, Kobe, Japan. The Gutai Group (1954-1972) was the first radical artistic movement after World War II in Japan. Formed against a background of social and political release after years of autocratic rule in Japan, its basic tenets were experimentation and the abandonment of rules. This influential group was involved in large-scale multimedia environments, performances, and theatrical events and emphasized the relationship between body and matter in pursuit of originality.

artists & participants

Gutai group,  Minoru Onoda 
Anne Mosseri-Marlio Galerie, Basel

CH-4052 Basel

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