daily recommended exhibitions

posted 24. May 2018

Olav Christopher Jenssen. Estragon

13. Mar 201817. Jun 2018
opening: 13. Mar 2018 18:30
Olav Christopher Jenssen. Estragon 13.03.2018 - 17.06.2018 Olav Christopher Jenssen beschäftigt sich in seinen abstrakten Bildern mit Fragen der Malerei, mit der Wirkung und dem Zusammenspiel von Farben, Linien und Flächen bzw. Oberflächen. Dabei interessiert ihn auch die Geschichte von abstrakten und informellen malerischen Ansätzen. Der Ausstellungstitel Estragon lässt sich dabei wie eine Metapher für verschiedene Assoziationsfelder verstehen. Die Gewürzpflanze verweist unmittelbar auf die Natur, öffnet die Sinne für Geruch und Geschmack und nicht zuletzt auch den Sinn für Farbe. Am Ende geht es um die Möglichkeiten der Malerei, all diese Sinne zu aktivieren und einen Wahrnehmungsraum zu öffnen, der sich umso offener gestaltet, je weniger etwas konkret erzählt oder abgebildet wird. Diese von Dr. Reinhard Spieler kuratierte Ausstellung begleitet einen neuen Band in der Monografienreihe „Kunst der Gegenwart aus Niedersachsen“ über Olav Christopher Jenssen, herausgegeben von der Stiftung Niedersachsen. Olav Christopher Jenssen ist 1954 in Sortland, Vesterålen, in Norwegen geboren. Er lebt und arbeitet in Berlin, Lya/Schweden und Braunschweig, wo er seit 2007 Professor an der Hochschule für Bildende Künste ist.
Sprengel Museum, Hannover °

30169 Hanover

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posted 23. May 2018

Mark Leckey: Nobodaddy

20. Apr 201801. Jul 2018
Mark Leckey: Nobodaddy 20.04.2018 - 01.07.2018 For his solo exhibition at Tramway, Turner Prize-winning artist Mark Leckey has taken inspiration from a small statuette of the biblical figure of Job on display in the Wellcome Collection in London. In the galleries, Leckey scales up the statue to human proportions and converts the figure into a 7.1 surround sound audio system. For the artist “All Sci-Fi begins with archaeology and from the various speakers embedded in the figures open wounds, the limbs form a chorus that sings the tale of the now emptied out body. Part Dalek, part Abandoned House, now merely a Thing amongst Things. The Spirit has departed the Flesh.” This exhibition is co-commissioned and co-curated by Glasgow International and Tramway. It has been made possible due to the generous support of the Wellcome Collection, London, and the Henry Moore Foundation.


Mark Leckey 
Tramway Glasgow °

TRAMWAY | 25 Albert Drive
G41 2PE Glasgow

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posted 22. May 2018


20. Apr 201817. Jun 2018
Alex Da Corte THE SUPƎRMAN April 20–June 17, 2018 Curated by Moritz Wesseler Alex Da Corte (*1980 Camden, New Jersey, USA) uses painting, sculpture, installation, and film to explore the conditions and intricacies of human perception and the reactions associated with it. Special attention is paid to the complexity of today’s consumer world and how it intertwines with social, cultural, and political spheres. And thus, concepts like desire, hope, and longing account for just as much of his work as the examination of terms like dependence, alienation, and a sense of being lost. The starting point for his artistic works is mostly found in objects and scenarios from his personal and more general social environment which he then transforms into works of art through modifications, changes of perspective, or contrasting juxtapositions that appeal powerfully to all the senses. Four cinematic works come together at the center of Alex Da Corte’s presentation to form a haunting installation in the large hall of the Kölnischer Kunstverein. These works include TRUƎ LIFƎ, which was made in 2013, as well as the three-part work BAD LAND, which was created in 2017. Despite being created at different times, both pieces share a point of origin that is closely connected to a personal experience of the artist. A friend sent him a photograph a few years ago that seemed to show him in front of Leonardo da Vinci’s Mona Lisa in the Musee du Louvre in Paris, although the photograph was actually of the American rapper Eminem. This confusion was based on a certain similarity between the two and prompted Alex Da Corte to begin working with the idea of the world-famous musician, who had been repeatedly criticized in the past for glorifying violence and being hostile towards homosexuals and women, and his Slim Shady alter ego. He was interested in the question of what makes up Eminem as a person, what psychology is involved, and how he would behave in a private environment. His interest finally culminated in the work TRUƎ LIFƎ, for which he took on the role of the rapper by dyeing his hair blond, putting on the appropriate clothing, and adopting his persona. In reference to the documentary 66 Scenes from America by Danish filmmaker Jørgen Leth in which Pop Art artist Andy Warhol eats a hamburger, TRUƎ LIFƎ depicts Eminem as played by Alex Da Corte eating a North American breakfast cereal called Life. Despite a compositional sophistication that recalls the simple actions of artists like Bas Jan Ader, Gilbert & George, and Bruce Nauman, the plainness of the scene forms a contrast to the glamor and fame—not to mention the drive and drastic behavior—that the rapper embodies. Eminem is portrayed by Alex Da Corte more as a human being than as an inaccessible and invincible celebrity. The three Bad Land films, the title of which refers to an underprivileged district of Philadelphia where the artist’s studio is located known as the “Badlands,” were conceived by Alex Da Corte as a cohesive work and are a continuation of the ideas addressed in TRUƎ LIFƎ. The first film shows the musician in a setting divided into two areas: Its clear-cut, uniformly red and yellow tones is reminiscent of a pop version of Ellsworth Kelly or Blinky Palermo. In the almost eleven-minute sequence, the protagonist is busy untangling a chaotic bunch of old Playstation controllers and then arranging them neatly on a table-like base. For Alex Da Corte, the action functions as an allegory of fear, power, and control, whereby the banality of the scene once again breaks away from the general image of Eminem. In contrast, the second film in the BAD LAND series makes significantly clearer reference to the practices of some rappers. Accompanied by atmospheric sounds, the film shows how the musician smokes cannabis with homemade pipes and bongs. It is surprising how perfectly, artistically, and humorously the smoking devices are made from various everyday objects, and without losing their functionality. In the course of the consumption, the smoker appears to fall into a trance-like state that is accompanied by a deep laugh and intense cough that seems to trace back to a lack of routine. Finally, the third and last film in the BAD LAND series shows the rapper performing probably the most unusual action. Eminem, as depicted by Da Corte, stands in front of a grey background and is busy coloring his hair by rubbing yellow mustard into it while accompanied by ambiguous sounds and tones. As the film progresses, he puts on a paper crown from a fast-food restaurant, which is then repeatedly rubbed with the condiment although it already shows clear traces of the treatment. This symbol of power, which is particularly popular in hip hop culture, is thus not only associated with the excesses of consumer society, but is also questioned with palpable humor. It can hardly come as a surprise in this context that the rapper seems to increasingly lose his mind towards the end of the sequence. After all, a symbol of power like a crown is always associated with the fear of losing power, while fast-food chains often stand for seductive illusions. The examination of psychological parameters as they are revealed both in the BAD LAND films as well as in TRUƎ LIFƎ represents a significant driving force for Alex Da Corte’s work in which the traditional boundaries between the different genres seem to dissolve. It can also be seen in the exhibition THE SUPƎRMAN, in which the films are embedded in a complex architecture that plays with the viewer’s perception and emotions with remarkable intensity. It is not just the sculptural presence of the films that becomes overwhelming, but also the picturesque installation that melts somewhere between Pop Art and Surrealism into an intoxicating gesamtkunstwerk that evokes memories of nightmares just as much as those of Disneyland. Alex Da Corte has had solo exhibitions at the New Museum in New York (2017), the Secession in Vienna (2017), the Massachusetts Museum of Contemporary Art, North Adams (2017), the Boijmans Van Beuningen in Rotterdam (2015), and the Institute for Contemporary Art in Philadelphia (2015). He has also participated in group exhibitions at the Whitney Museum of American Art in New York (2017), the Louisiana Museum of Modern Art in Humlebæk (2016), and the Biennale in Lyon (2015). With the kind support of Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen, Stadt Köln and Lempertz.


Alex Da Corte 


Moritz Wesseler 
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posted 21. May 2018

55und30 | Mirko Reisser (DAIM)

16. Apr 201802. Jun 2018
opening: 15. Apr 2018
55und30 | Mirko Reisser (DAIM) 16.04.2018 - 02.06.2018 Eröffnung am: 15.04.2018 Der Titel der Ausstellung bezieht sich auf das 30jährige Jubiläum als Graffiti-Künstler von DAIM und das 55jährige Bestehen der Galerie, die Six Friedrich 1963 mit ihrem damaligen Mann Heiner Friedrich gegründet hat. Nach 2010 ist 55und30 die zweite Einzelausstellung von Mirko Reisser (DAIM) in der Galerie MaxWeberSixFriedrich. War es das Lebensgefühl der 80er Jahre oder auch die Erfahrung der Minimal Art, die uns Mirko Reisser in seinen analytisch-konstruktivistischen Kompositionen so vertraut macht? Mirko Reisser ist mit seinen explosiven Graffiti-Werken weltberühmt geworden, gleichzeitig hat er sich auch eine eher kontemplative Welt mit Atelierarbeiten geschaffen. Mit seinen dreidimensional wirkenden Arbeiten aus der Sprühdose, mit ihren weichen Konturen und einem großartigen Farbspektrum, hat er sich ein eigenes Formvokabular geschaffen. Neben einer großen Wandarbeit im Galerieraum werden aktuelle Werke gezeigt, die im Atelier entstanden sind.
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posted 20. May 2018


28. Apr 201812. Aug 2018
ART ET LIBERTÉ RUPTURE, WAR AND SURREALISM IN EGYPT 1938–1948 28.04.2018 – 12.08.2018 See the first comprehensive museum exhibition about Art et Liberté, a surrealist collective of artists and writers working in Cairo. The group provided a restless generation of young artists, intellectuals and political activists with a heterogeneous platform for cultural and political reform. The exhibition gives a comprehensive presentation of Art et Liberté (jama’at al-fann wal hurriyyah). Founded on December 22, 1938, upon the publication of their manifesto “Long Live Degenerate Art”, the group provided a restless generation of artists, intellectuals and political activists with a heterogeneous platform for cultural and political reform. At the dawn of the Second World War and during Egypt’s colonial rule by the British Empire, Art et Liberté was globally engaged in resistance against fascism, nationalism and colonialism. International network of surrealists Art et Liberté played an active role within an international network of surrealist writers and artists. With their own definition of surrealism, they achieved a contemporary literary and pictorial language that was as globally engaged as it was rooted in local artistic and political concerns. The exhibition broadens our understanding of modernism at large by shedding new light on this largely unknown chapter of the surrealist movement. It features more than 200 artworks and archival documents. Curators: Sam Bardaouil, Till Fellrath The exhibition was shown previously at the Musée national d’art moderne – Centre Pompidou, Paris, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen K20, Düsseldorf and Tate Liverpool, Liverpool.
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posted 19. May 2018

Kerstin Brätsch. Ruine / KAYA KOVO

04. May 201811. Nov 2018
Kerstin Brätsch. Ruine / KAYA KOVO 04.05.2018 - 11.11.2018 Vernissage: 04.05.2018 18:30 Curated by Francesco Stocchi Fondazione Memmo presents: Kerstin Brätsch_Ruine / KAYA_KOVO in the Scuderie at Palazzo Ruspoli. The exhibition curated by Francesco Stocchi will be open to the public from 4 May to 11 November 2018. As suggested by the split title, the exhibition consists of two distinct parts: the Casa and the Stalla. In the Casa, the main gallery space, _Ruine showcases the artist’s solo practice. _KOVO occupies the smaller Stalla space and is comprised of offerings by KAYA – the sustained collaborative project of Brätsch and artist Debo Eilers. Titled with the German word Ruine - ruin in English, rovina in Italian - this exhibition continues Brätsch’s longstanding interest in destabilizing and expanding the language of painting. One tactic of this methodology involves ongoing collaborations with artisans to interrogate and provoke the notions of subjectivity historically ascribed to the figure of the Painter. A new group of marbling paintings [Psychopompo] from the ongoing series Unstable Talismanic Rendering, made with German master marbler Dirk Lange, will be shown alongside new stuccomarmo works, created in collaboration with the Roman artisan Walter Cipriani. Seen together, the installation suggests an ancient site – a ruin – caught between decay and reconstruction, a liminal and visionary place of transitions. To create Brätsch’s marbling paintings, inks and solvents are dripped onto a liquid surface to create a pattern, which is then pulled from the surface with a sheet of paper. The work is the result of a collaboration involving four hands - the two of the artist and two of the artisan - but also employs and necessitates the universal forces of gravity, repulsion, and adhesion. Non-human elements work with and against the artist’s choices, obscuring the instincts of subjective decisions. Each marbling on view in _Ruine functions as a talisman, a macro-projection of micro-initiatives onto the mechanics of the unknown. Brätsch’s other new body of work on view is made using stucco, a form of plaster originally brought from Bavaria since XVII century, in order to imitate marble and other rare stones. The material unifies and extends the logic of matter established in two previous series: the artist’s antique glassworks, which contain slices of agate stones, and the marblings, which imitate miasmic geological phenomena. Brätsch’s imitation stone–slabs appear as the very physical objects upon which they are modelled (stone mimicry). This time inversion - or future past - suits the interconnected cosmos of Brätsch’s investigations into how painting’s subjectivity is composite and non-linear. The production of the stuccos, however, is in stark opposition to the marblings’ defining actions of dropping, chance and watery flow; it is instead a resistant, sculptural process, in which hand-modeling does the work of fluid brush marks. The stucco, therefore, could be read as a materialized, flattened marbling drop. The artist’s signature figures here as subtext: nicknamed Brätschwurst (after a German Bratwurst sausage) the distortion and materialization of her name provides a clue towards her manipulations of material - creating “sausage” shapes, which are then pressed into flat layers. Titled Fossil Psychic, the stuccos’ bright colors induce prescient monsters, fragments from past and future series; they break apart into bones, body parts, and ritualistic amulets - even as they resist erosion and exist stone-like, as paintings trapped within petrological time. As works, they comprise the “wurst–case” scenario, the wounded but magical emergence of energy from the least of living materials, speaking an alphabet of pre–verbal gestures, a language encrusted below the surface. As part of the residency offered by the foundation, KAYA will spend a month working on site at the Fondazione Memmo to create a place-specific intervention: _KOVO. For this iteration, the ongoing KAYA collaboration - which can be imagined as a violent collision between painting and sculpture - presents a series of KAYA lamps and KAYA skins. KOVO - covo in Italian, cave in English - is also a term for a hybrid man-cow. This hybridity sets the tone for Brätsch and Eilers’s working process: KAYA's paintings are semi-human, conjuring the specters of animism and science fiction. In the darkness of the cave, under the glow of the lamps, KAYA celebrates a rite of evocation. Yet KAYA's paintings flee their humanity, refusing their determining destiny: they overflow into savagery, the realm of animality, where ritual and transgression are at home. For _KOVO, Brätsch and Eilers are joined by Naples-based sound artist and musician An, who is currently investigating preverbal states of consciousness and matter in its simultaneous stages of composition / decomposition. A limited edition record The Year Of The Dog will be produced alongside the exhibition; the album’s release will inaugurate the new label VS. This project takes advantage of the Fondazione Memmo’s unique position and mission, which allowed the artists to create works in situ and employ materials and techniques previously unfamiliar to them, communing with the city of Rome’s historical and artisanal fabrics.
Fondazione Memmo, Rome °

FONDAZIONE MEMMO | Via Fontanella Borghese 56b
00186 Rome

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posted 18. May 2018

Jeremy Shaw. Quickeners

17. May 201830. Jun 2018
opening: 17. May 2018 19:00
Jeremy Shaw. Quickeners 17.05.2018 - 30.06.2018 Opening Thursday, 17.05.2018 19:00 - 21:00 Quickeners: They live about 500 years after us and belong to the entirely rational- thinking species of Quantum Human, who are immortal and connected to each other through an abstract entity called “The Hive”. However, Quickeners have a developed a rare disorder named “Human Atavism Syndrome” - or H.A.S.- that prompts them to unexplainably desire to engage in long-forgotten behavioural patterns of humans. Detached from Hive, the Quickeners fall into an ecstatic state in which they sing, clap, cry, scream, dance and handle poisonous snakes. The video work “Quickeners” (2014) by the Canadian artist Jeremy Shaw is a kind of sci-fi pseudo-documentary. It’s source material comes from the 1967 film “Holy Ghost People”; a cinema verité film that depicts the worship service of a Pentecostal church in a small American town. In these churches that emerged in America at the start of the 20th century, speaking in “tongues”, laughing out loud, bursting into tears, or experiencing twitching fits was commonplace. Shaw’s re-worked video is presented by a BBC-like narrator who details the story of the Quickeners in a deadpan tone. It is accompanied by subtitles that translate the Quickeners scrambled language and a soundtrack that embellishes the events until the film itself falls into a state of ecstasy. Jeremy Shaw's work revolves around altered states of consciousness—whether triggered by religion, drugs, dance or technology. For the istallation “DMT” (2004) he documented subjects under the influence of the ultra-psychedelic drug, dimethyltryptamine, and translated their immediate recollections of the experience into subtitles. In “Best Minds Part One” (2007), he shot footage of straight-edge hardcore dancers who consciously abstain from alcohol and drugs in order to go into a kind of puritanical ecstasy through music and dance alone. Shaw then slowed down the footage and added an ambient soundtrack, drawing parallels to shamanic and balletic dances. Ethnographic studies, neuroscience and belief systems play a recurring role in Shaw’s work. “Quickeners” fits snuggly into this universe by fusing many of Shaw’s interests into a succinct, alchemical whole. „Quickeners“ is the predecessor to “Liminals”, which was shown at the 2017 Venice Biennale, and is followed by „I Can See Forever“, that will premiere at the Kunstverein Hamburg in May 2018 and complete the „Quantification Trilogy“. Jeremy Shaw was born in 1977 in North Vancouver, Canada and lives and works in Berlin. He currently has a residency at the Hammer Museum, Los Angeles. His solo exhibition at the Kunstverein Hamburg opens May 25. He exhibited at the 57th Venice Biennale and Manifesta 11, and has had solo exhibitions at the Schinkel Pavilion Berlin (2013) and the MoMA PS1 (2011). Text: Gesine Borcherdt, Curator of CAPRI


Jeremy Shaw 
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posted 17. May 2018

Julia Phillips: Failure Detection

15. Apr 201803. Sep 2018
Julia Phillips: Failure Detection 15.04.2018 - 03.09.2018 MoMA PS1 will present the first solo museum exhibition of New York-based artist Julia Phillips (German and American, b. 1985), featuring six newly commissioned major works alongside existing sculptures, on view from April 15 to September 3, 2018. Primarily working with ceramics, Phillips creates objects and scenes that are intimately connected to the body. Her sculptures mostly avoid direct figuration, instead proposing various support structures for the body and emphasizing its absence. Impressions of the human form are visible through casts of orifices, handprints, and other corporeal traces. While suggestive of particular functions and purposes that are overtly physical, these works also produce social and psychological resonances. For Phillips, the body is entangled in both the real and abstract spaces of politics, made evident through indications given in her arrangements as well as the works’ titles, which are often directives for specific actions. Julia Phillips (b. 1985, Hamburg, Germany) lives and works in New York City. She has been included in group exhibitions at The Studio Museum in Harlem, New York; The Kitchen, New York; and Kunsthaus, Hamburg. Julia Phillips: Failure Detection is organized by Ruba Katrib, Curator, MoMA PS1, with Josephine Graf, Curatorial Assistant, MoMA PS1.
MoMA PS1, Long Island City °

MoMA PS1 | 22-25 Jackson Ave. at 46 Ave., Queens
NY 11101 Long Island City

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posted 16. May 2018

THE KÖLN SHOW - Netzwerke der Avantgardegalerien in den Neunziger Jahren

04. May 201828. Sep 2018
"THE KÖLN SHOW" - Netzwerke der Avantgardegalerien in den Neunziger Jahren 19.-22.04.2018 auf der ART COLOGNE 2018, Passage 11/3, 04.05.2018-28.09.2018 im ZADIK 1989. Die Mauer war gefallen und damit auch Kölns Status als Kunstmetropole, Berlin sollte wieder Hauptstadt werden, der Kunstmarkt stürzte aus dem Goldrausch in eine Finanzkrise, die Kunst in eine Sinnkrise, die Neunziger hatten begonnen. Trotzdem und gerade deshalb: Köln in den Neunzigern "was the best place to be", so der Künstler Josef Strau in seinem Essay 'The Non-Productive Attitude' (2006). In der Wochenendbeilage der ‚New York Times‘ vom 6. September 1992 proklamierte Deborah Solomon gar "The Cologne Challenge" und fragte "Is New York‘s Art Monopoly Kaput?" Für seine diesjährige, opulent bebilderte Zeitreise hat das ZADIK die Koordinaten auf den heute besonders in Amerika tradierten Mythos der Kölner Kunstszene der 1990er Jahre gesetzt. Es besucht dort die Menschen und Ereignisse, die transeuropäische und transatlantische Brücken bauten und kunstprogrammatische Weichen stellten für unsere Gegenwart und lässt die Zeit der zum Teil in harter Kneipenarbeit erwirtschafteten künstlerischen Selbstreflexivität, der Kontextkunst und Institutionskritik wieder lebendig werden. Erste Station ist das von der Galeristin Monika Sprüth und Ihren Kollegen Max Hetzler und Jörg Johnen auf der ART COLOGNE installierte 'Sonderprogramm junge Galerien', das es unter anderen dem New Yorker Galeristen Colin de Land ermöglicht hatte, mit seinen Künstlern nach Köln zu kommen. Die Fanfare, mit der das neue Jahrzehnt hinausposaunt wurde, war 'The Köln Show' (27.4.-26.5.1990), eine Ausstellung mit Werken von 66 Künstlerinnen und Künstlern aus Europa, den USA und Japan, kuratiert von den Kölner Galeristinnen Monika Sprüth, Esther Schipper, Isabella Kacprzak, Tanja Grunert, Gisela Capitain und Sophia Ungers und den Galeristen Rafael Jablonka, Max Hetzler und Daniel Buchholz, koordiniert von Monica Beer, mit dem von Isabelle Graw redigierten und herausgegebenen Begleitbuch ‚Nachschub - Supply‘. Im selben Jahr 1990 gründete Isabelle Graw zusammen mit dem Kunsthistoriker Stefan Germer in Köln die Zeitschrift 'Texte zur Kunst', eine für die damals in Köln ausstellenden Künstlerinnen und Künstler ebenso wichtige Partnerinstitution wie die Galerien. Ebenfalls im Jahr 1990 eröffnete Christian Nagel seine Galerie (mit der ersten Einzelausstellung von Cosima von Bonin), und die Künstler Stephan Dillemuth, Josef Strau, Nils Norman, Merlin Carpenter und Kiron Khosla präsentierten den Raum 'Friesenwall 120', den sie bis 1994 betrieben. Christian Nagel, der seine Zulassungsverweigerung zur ART COLOGNE eher als Auszeichnung betrachtete, provozierte 1992 zusammen mit Tanja Grunert, Michael Janssen und Heike Kempken die ART COLOGNE und ihre Ausrichter mit der Alternativmesse 'Unfair - The Real Art Fair', in den Ehrenfelder 'Balloni-Hallen', mit 28 internationalen Avantgardegalerien, darunter die New Yorkerin Pat Hearn. Eröffnet wurde die 'richtige Kunstmesse' - auch das ein statement - mit einer Pressekonferenz am 11.11. um 11.11 Uhr, und sie dauerte bis zum 15. November. Im nächsten Jahr, 1993, fand die 'Unfair', nun mit 42 internationalen Galerien - darunter Newcomer David Zwirner, im leer stehenden ehemaligen Haupthaus der Stadtsparkasse Köln am Rudolfplatz statt (10. - 15.11.). Im folgenden Jahr hatte sich der Protest erübrigt, denn 35 Galerien der ehemaligen 'Unfair' wurden nun in die ART COLOGNE integriert und trugen dazu bei, die Messe zu verjüngen. Wie die 'Unfair' und die 1994 von der Kölner Galeristin Gabriele Rivet gegründete erstmals in einem Hotel stattfindende Messe für zeitgenössische Kunst ('Art Hotel', Hilton Amsterdam) Vorbild waren für die New Yorker 'Gramercy International Contemporary Art Fair' (1994-1995) und die 1999 aus ihr hervorgegangene 'Armory Show', davon erzählt Christian Nagel in der parallel zur Ausstellung erscheinenden Publikation 'sediment'. Im Doppelheft 'sediment' 28/29 gibt es weitere Interviews mit Daniel Buchholz, Gisela Capitain, Isabelle Graw, Esther Schipper, Monika Sprüth und Markus Schneider, der zusammen mit Nicolaus Schafhausen von Berlin nach Köln (!) gekommen war, um die Galerie Lukas & Hoffmann zu eröffnen. Auch sie wurde Teil jener Szene, die sich, so zuletzt Dominikus Müller im 'frieze-magazin' vor allem durch eines ausgezeichnet hat: "Netzwerke, Zusammenschlüsse von Menschen, die zusammen Kunst gemacht, oder nicht gemacht, aber sie zumindest abends am Tresen in der Kneipe diskutiert haben. Geschlossene, lokale Netzwerke also, die dicht und intensiv waren im Gegensatz zu den offenen, versprengten Netzwerken der heutigen Facebook-Kultur."

Im Mediapark 7 - KOMED-Haus
50670 Cologne

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posted 15. May 2018

DYSTOPIA. Zum 200. Geburtstag von Karl Marx

05. May 201812. Aug 2018
opening: 04. May 2018 18:00
DYSTOPIA. Zum 200. Geburtstag von Karl Marx Installationen, Zeichnungen, Skulpturen, Videos 05.05.2018 - 12.08.2018 Presserundgang: Freitag, 4. Mai 2018, 11 Uhr Vernissage: Freitag, 4. Mai 2018, 18 Uhr (Rathaus) Am 15. April 1841 wurde Karl Marx an der Universität Jena mit einer Arbeit zur Differenz der demokritischen und epikureischen Naturphilosophie zum Doktor der Philosophie promoviert. Dieses wissenschaftshistorische Ereignis ist uns Anlass, um mit zwölf künstlerischen Positionen an den 200. Geburtstag von Karl Marx zu erinnern. Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen jedoch keine faktischen, historischen Verortungen, sondern künstlerische Interventionen, die sich am Zustand unserer Gesellschaft reiben und auf diesen reagieren. Anhand verschiedener künstlerischer Interventionen zeigt die Ausstellung Arbeiten von KünstlerInnen, die sich kritisch mit unserer ökonomischen und sozialen Gegenwart und deren ideellen Hintergründen auseinandersetzen. Dabei koexistieren Optimismus und Pessimismus in einem ähnlich fragilen Zusammenhang, wie das für das Gleichgewicht zwischen Utopie und Dystopie der Fall ist. Krisen und Kriege, Armut und Migration, technologische Entwicklungen und ökologische Veränderungen sind nur einige jener Faktoren, die das Gleichgewicht vergangener Jahrzehnte, die Verheißungen der Moderne bedrohen und Veränderungen ankündigen, die uns alle betreffen werden. Utopische und dystopische Erzählungen sind typisch für Zeiten des Umbruchs, und die Reflexionen der KünstlerInnen dieser Ausstellung können dazu beitragen, Widersprüche aufzuzeigen und Wege zu neuen Sichtweisen zu öffnen. In diesem Jahr wäre Karl Marx 200 Jahre alt geworden und – anders als noch vor einigen Jahren – wird wieder viel über den bedeutenden Ökonomen und Philosophen und seine Ideen gesprochen. Es scheint, dass die Analyse von Marx’ Hauptwerk „Das Kapital“ keineswegs abgeschlossen ist, beschreibt Marx doch die Ungleichheit zwischen arm und reich als ein von Menschen gemachtes Verhältnis, welches in den letzten Jahrzehnten – im Zeitalter der Globalisierung – dramatisch zugenommen hat. Dabei bestimmt das „Kapital“ nicht nur die Wege in Wirtschaft und Politik, sondern beeinflusst auch soziale, kulturelle, wissenschaftliche und ökologische Entwicklungen. Die Möglichkeiten, sich diesem grenzüberschreitenden Modus zu entziehen, scheinen gering und fristen – angesichts der hieraus resultierenden Verwerfungen – in den aktuellen Diskursen noch immer ein Schattendasein. Die KünstlerInnen sind: İnci Eviner, Felix M. Furtwängler, Susann Maria Hempel, Sven Johne, Sebastian Jung, Tilman Knop, Christin Lahr, Elodie Pong, Gunter Reski, Julian Röder, Henrik Schrat und Nasan Tur. Wir danken allen KünstlerInnen für die Bereitstellung der Leihgaben und die freundliche Unterstützung unserer Ausstellung. * Symposium Von Gespenstern und geteilten Himmeln Ideen einer gerechten Gesellschaft nach Marx Jena, 3.-6. Mai 2018 www.marx-jena.de


Erik Stephan 
Kunstsammlung Jena °

Jena Kultur | Städtische Museen Jena, Stadtmuseum & Kunstsammlung Jena | Markt 7
07743 Jena

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posted 14. May 2018

Anne Collier

12. Apr 201819. May 2018
Anne Collier 12.04.2018 - 19.05.2018 “Anne Collier remakes women as they have been photographed by others… not so much in her own image, but in an image that questions the image.” (Hilton Als) Anton Kern Gallery is pleased to announce an exhibition of new work by the New York-based artist Anne Collier. This will be Collier’s fifth solo exhibition with Anton Kern and her first in the gallery’s new 55th Street location. Collier’s exhibition includes recent works from her ongoing series “Women Crying”; two text-based photographic works based on printed materials originally used in group-therapy and self-analysis; works from her latest series “Crying (Comic)” and “Tears (Comic)"; and a 35mm slide projection piece “Women With Cameras (Self Portrait)”. Sourced from imagery that appeared on record covers from the 1960s-1980s the photographs in Collier’s ongoing series “Women Crying” depict tightly-cropped and dramatically enlarged images of women – actresses or models – acting out as if crying or in heightened emotional states. These contentious yet highly seductive images of manufactured emotion were originally targeted to a predominantly female audience, serving to reinforce the stubborn image of the emotionally or psychologically unstable female subject. Collier’s most recent series "Crying (Comic)" and "Tears (Comic)" are drawn from imagery sourced in romance comic books published between the 1950s-1980s (that were also marketed to an adolescent female readership.) The uniformly clichéd narratives further reinforce the notion of the subservient and eternally suffering female subject. Self-consciously acknowledging the early work of Roy Lichtenstein and the subsequent revisions of Lichtenstein’s iconography by Richard Hamilton and Sturtevant as departure points, Collier’s "Crying (Comic)" and "Tears (Comic)" consist of greatly enlarged and isolated details of women’s tear-filled eyes and graphic, schematic depictions of individual tears. Like Mike Kelley’s “Garbage Drawings” of the late 1980s Collier excises the original narrative context of the comic strips, focusing our attention instead on near-abstract, pixilated images that suggest or invoke suppressed psycho-sexual connotations. “Women With Cameras (Self Portrait)” is a slide projection work comprised of eighty 35mm slides, each depicting a found photographic image of a woman taking a self-portrait. Dating from the pre-digital and pre-‘selfie’ era of the 1970s to the early 2000s, each of these amateur images - collected by Collier over many years from flea markets, thrift-stores and online market places - has, at some point in the recent past, been discarded by their original owners. These “abandoned” images amplify Collier’s persistent interest in photography’s relationship with memory, melancholia and loss.


Anne Collier 
Anton Kern Gallery, New York

16 East 55th Street
10022 New York

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posted 13. May 2018

Louise Bourgeois. The Empty House

21. Apr 201829. Jul 2018
Louise Bourgeois. The Empty House 21.04.2018 - 29.07.2018 SPECIAL OPENING HOURS DURING GALLERY WEEKEND Thursday 26th April 11 – 6 pm Friday 27th April 11 – 9 pm Saturday 28th April 11 – 7 pm Sunday 29th April 11 – 7 pm The Schinkel Pavilion is pleased to announce Louise Bourgeois: The Empty House. The solo exhibition dedicated to Bourgeois’ sack forms brings together a range of works in diverse media from the last two decades of her life. Bourgeois first explored the possibilities of the sack form in her writings from the the early 1990s, and sacks – hollow or filled, transparent or opaque – began to appear regularly in her sculptures and drawings from the early 2000s. For Bourgeois, the sack form is both an architectonic structure and a representation of the female body in its various aspects of growth and decay, plenitude and incompleteness. Thus the empty sack may suggest an empty house but also symbolize an infertile woman or the bad breast that does not provide milk. As architectonic elements, the sack forms are related to the installations called cells that Bourgeois began making in 1991. The cells explore the complex interplay of memory, desire, architecture, and the five senses. In Bourgeois’s words, they articulate “different types of pain: physical, emotional, psychological, mental and intellectual pain … each cell is concerned with the pleasure of the voyeur, with the attraction of seeing and being seen.” A major cell is showcased at the Schinkel Pavillon: Peaux des lapins, chiffons ferrailles à vendre (2006). The oval cage of iron bars encloses sacks of chiffon-like material in shades of skin and pink, some of which are reminiscent of organs, membranes, body parts or genitalia (wombs, empty breasts, or scrota). A slender pillar of marble fragments stacked on top of each other resembles a spine from which the flesh has fallen away. Peaux des lapins… is installed in the center of the glazed octagon of the Schinkel Pavillon, creating a kind of a cell within a cell. A focussed selection of other works featuring the sack form are presented on the ground floor of the Pavillon. A series of red gouaches (2007-08) foreground Bourgeois’s exploration of the cycles of procreation, birth, growth, and death. Four large-format vitrines, which Bourgeois realized from 2005 to 2010 (the last created shortly before her death) and which are here presented together for the first time, offer a concentrate of the thematic and formal concerns of the cells. As always in Bourgeois’s work, art and life are inextricably entangled. In one of these vitrines, Bourgeois incorporated the berets that she wore over the course of her life. Stuffed and grouped together on a large fabric torso, they are reimagined as a field of rampant breasts, full and curvaceous—perhaps a self- portrait of sorts.
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posted 12. May 2018

Laura Aguilar. Show and Tell

03. Mar 201827. May 2018
Laura Aguilar. Show and Tell 03.03.2018 - 27.05.2018 Laura Aguilar: Show and Tell is the first comprehensive retrospective of photographer Laura Aguilar, assembling more than one hundred works produced over three decades. Through photographs and videos that are frequently political as well as personal, and which traverse performative, feminist, and queer art genres, Aguilar offers candid portrayals of herself, her friends and family, and LGBT and Latinx communities. Aguilar’s now iconic triptych, Three Eagles Flying (1990), set the stage for her future work by using her nude body as an overt and courageous rebellion against the colonization of Latinx identities — racial, gendered, cultural and sexual. Her practice intuitively evolved over time as she struggled to negotiate and navigate her ethnicity and sexuality, her challenges with depression and auditory dyslexia, and the acceptance of her large body. This exhibition tells the story of the artist who for most of her life struggled to communicate with words yet ironically emerged as a powerful voice for numerous and diverse marginalized groups. Laura Aguilar: Show and Tell is organized by the Vincent Price Art Museum in collaboration with the UCLA Chicano Studies Research Center, and is guest curated by Sybil Venegas, Independent Art Historian and Curator and Professor Emerita of Chicana/o Studies at East Los Angeles College.


Laura Aguilar 


Sybil Venegas 
Frost Art Museum, Miami °

10975 SW 17th Street
FL 33199 Miami

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posted 11. May 2018


07. Oct 201726. Aug 2018
CARO NIEDERER - WISH U WERE HERE AB 25. APRIL 2018, KUNSTMUSEUM ST.GALLEN Das Ausstellungprojekt GOOD LIFE CERAMICS geht in die letzte Runde. Mit Wish U Were Here gestaltet Caro Niederer die Räume im Untergeschoss des Kunstmuseums ein weiteres Mal um und präsentiert diesmal Fernweh, Reiseeindrücke sowie Auslandsaufenthalte als Sehnsuchtsthemen in der Ausstellung. Zu sehen sind verschiedene Genres und Medien, darunter textile Arbeiten, gross- und kleinformatige Malerei, Video und Fotografie. Auch der Garten vor dem Café im Südannex wird im nun endlich startenden Frühling mit einbezogen und die Kräuter des Gartens in absehbarer Zeit als Tee im Café serviert. * CARO NIEDERER. GOOD LIFE CERAMICS 07.10.2017 - 26.08.2018 Das aussergewöhnliche Ausstellungsprojekt Good Life Ceramics von Caro Niederer im Kunstmuseum St.Gallen entwickelt sich in einem speziellen Setting, dessen Anlage sich im Laufe der Ausstellungsdauer systematisch verändert. Ausstellungsort ist das Untergeschoss des Museums welches sich nach dem Auszug des Naturmuseum noch immer in unverändertem architektonischen Zustand befindet. Die Räumlichkeiten sind somit Schauplatz eines «work-in-progress» das sich in Etappen über das gesamte Untergeschoss des Hauses erstrecken wird. In vielerlei Hinsicht ist die Wahl von Caro Niederer (*1963 Zürich) für ein solches Projekt eine Idealbesetzung. In ihrem Werk kann jeder Augenblick eine künstlerische Handlung darstellen. Deshalb führen Momente und Dinge des Alltäglichen einen Dialog mit ihren Gemälden und Skulpturen. Sie holt ihre Werke aus dem privaten Bereich in den öffentlichen Kunstkontext und reflektiert damit das Sammeln von Kunst und die Verflechtung von Kunst und Alltag. Den Beginn des Projektes markiert die Eröffnung eines Cafés, das mit Kunstwerken bestückt ist, welche die Künstlerin in der unmittelbaren Umgebung in eine neue Funktion überführt: Vorhänge, deren bedruckte Motive ihren Gemälden entnommen sind, Publikationen, die Teil der Ausstellung werden und in denen man blättern darf sowie Kunst-Keramikgeschirr, das von den Gästen im Café tatsächlich benutzt wird und der Ausstellung den Titel leiht. Zur Verknüpfung von Kunst und Alltag passt ebenfalls, dass die Kräuter aus dem angrenzenden Stadtpark und der Region wiederum als feiner Tee im Café serviert werden. Good Life Ceramics will verschiedene Möglichkeiten erforschen, wie ein Ausstellungsraum bespielt werden kann, wo öffentliche und private Aspekte in Einklang gebracht werden. Das ursprüngliche Setting wird mit Werken von befreundeten Kunstschaffenden und aus der Privatsammlung der Künstlerin erweitert. Die Ausstellung erfährt fortlaufend neue Inszenierungen, die das Gesamtwerk von Caro Niederer immer wieder aus verschiedenen Positionen beleuchten. Jeder Moment ist als Reflexion zu verstehen, um den Ausstellungsraum als hybriden Ort wahrzunehmen, wo privates Erleben mit einer breiten Öffentlichkeit geteilt werden kann. Diese Haltung kann auch in der Publikation Album (2017) gelesen werden. Schnappschüsse, die die Künstlerin auf dem Social Media Netzwerk Instagram veröffentlicht, stellen eine Art «Tageslandschaft» dar und übersetzen das Leben der Künstlerin in ein visuelles Tagebuch. Kurator: Lorenzo Benedetti


Caro Niederer 
Kunstmuseum St. Gallen

Museumstraße 32
CH-9000 Saint Gallen

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posted 10. May 2018

Annette von der Bey. "Gedrängefaktor“

05. May 201808. Jul 2018
opening: 05. May 2018 15:00
Annette von der Bey. "GEDRÄNGEFAKTOR" Malerei/Installation 05.05.2018 - 08.07.2018 Eröffnung am: 05.05.2018 15:00 GEDRÄNGEFAKTOR ist der Arbeitstitel einer Werkreihe, an der Annette von der Bey seit 2014 arbeitet. Ein Teil dieser Werkreihe heißt das GROßE (120). Das GROßE ist eine additive Arbeit, die sich aus vielen Leinwänden zu einem raumgreifenden Bild auf unterschiedliche Art zusammenfügen lässt. Wie sich das Werk zeigt, hängt von dem Ort der Präsentation ab. Das GROßE entwickelt sich mit der Schaffenszeit und über das Ausstellen,- ein großes, sich bewegendes Bild. Der Ort der Ausstellung wird genauso Teil des Werkes wie Orte, an die einzelne Teile des GROßEn gelangen. Alle Einzelbilder sind Ausschnitte. Immer geht es rechts und links und oben und unten weiter. Die Einzelleinwände sind keine Fenster, deren Rand einen eigenen, in sich geschlossenen Bildkosmos begrenzen. Die Wand hinter und zwischen den Leinwänden gehört als Möglichkeitsraum zum Werk. Das Unfertige, das Offene ist Teil des Werkes und nimmt auch in der Präsentation einen Platz ein. Viel ist eins der Leitprinzipien von GEDRÄNGEFAKTOR, eine scheinbar unerschöpfliche Menge. Viel zu viel ist eine Warnung und ein Bedrohung und wirft die bange Frage nach dem Wert des Einzelnen auf.
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posted 09. May 2018

Famed und Riedel: „Finissage“

13. Apr 201826. May 2018
Famed und Riedel: „Finissage“ 13.04.2018 - 26.05.2018 Geöffnet jeweils Samstags von 11 – 16 Uhr und nach Vereinbarung. Eröffnung im Rahmen des Spinnereirundgangs: 13. April 16 – 20 Uhr 14. April 11 – 20 Uhr 15. April 11 – 18 Uhr Wir freuen uns sehr, die Eröffnung unserer neuen Räume in Halle 10 der Spinnerei mit Dir / Ihnen und mit einer außergewöhnlichen Ausstellung zu feiern! Famed und Michael Riedel arbeiten erstmalig zusammen, das Projekt „Finissage “ haben sie eigens für die Einweihungsausstellung der neuen Galerie-Location entwickelt! Zur Eröffnung kollabiert das System Galerie bereits vollständig: Der Raum wird im Rohzustand eingefroren und ist für eine Nutzung als Ausstellungsraum so eigentlich unbrauchbar. Die Finissage bildet den programmatischen Beginn der neuen Galerieräume, Anfang und Ende werden invertiert. Was gibt es zu sehen? Der Ausbauprozess der Galerie schreitet während der Ausstellungsdauer voran, am 26. Mai 2018 ist Vernissage und der Umbau abgeschlossen. Kunst als Funktionssystem und als Ware werden in diesem sechswöchigen Projekt zur Debatte gestellt. Die Wände bleiben leer, und dennoch ist es möglich, etwas zu kaufen: Geld.

artists & participants

Famed,  Michael Riedel 
ASPN Leipzig

Leipziger Baumwollspinnerei | Spinnereistraße 7
04179 Leipzig

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posted 08. May 2018

Ashley Hans Scheirl. Genital Economy Posing

05. May 201821. Jun 2018
Ashley Hans Scheirl. Genital Economy Posing 05.05.2018 - 21.06.2018 In Ashley Hans Scheirls „life art“ steht das Hinterfragen von gesellschaftlichen Normen und Verhältnissen sowie die Weiterentwicklung des Umgangs mit der eigenen Identität und Sexualität im Zentrum ihrer oft medienübergreifenden Arbeiten. Dabei steht die Verschränkung von Biographie und Kunst, die Frage nach der eigenen Identität, das Überwinden von Geschlechter- und Genregrenzen zur Disposition. Scheirl, die laut Eigendefinition „Trans-(-media, -genre, -gender)Künstler_in“ ist, wechselt gekonnt zwischen den Formaten aus Malerei, Zeichnung, Skulptur, Film, Video und Performance, ohne sich auf bestimmte Klassifizierungen einzulassen. Für ihre bislang größte institutionelle Einzelausstellung im Grazer Künstlerhaus – Halle für Kunst & Medien präsentiert Ashley Hans Scheirl (*1956 Salzburg, lebt in Wien) eine in sich schlüssige Auswahl bestehender Arbeiten und einen neuen Werkkomplex, basierend auf zum Teil für die Ausstellung ortsspezifisch angefertigten Malereien und Objekten. Die Künstlerin, die bereits Ende der 1980er-Jahre durch ihre experimentellen Film- und Videoarbeiten einen hohen internationalen Bekanntheitsgrad erlangt und zuletzt auf der Documenta 14 in Kassel einen vielbeachteten Auftritt hatte, widmet sich in den letzten Jahren wieder verstärkt der Malerei, die hier neben und in einem annähernd performativen Streifzug durch das „Trans-mediale" präsentiert wird. In einem eigens mit der Künstlerin Jakob Lena Knebl entworfenen raumgreifenden Setting führt Scheirl das Publikum ähnlich eines Parcours entlang mehrere Ebenen ihrer vielfältigen künstlerischen Arbeit, die sich in kräftigen Bildern und präzisen Statements zu einem fortlaufenden Narrativ aufbauen. Vom Foyer des Ausstellungshauses führt ein roter Teppich in den Hauptraum und die Wände hinauf. Großflächige Malereien basierend auf Collagen aus digitalen Fotografien und Gemaltem werden installativ eingesetzt. Skulpturale Elemente hängen von der Decke, Schriftzüge und weitere Elemente ragen in den Raum. Auf der im Zentrum der Ausstellungshalle befindlichen Plattform, die begehbare Malerei, Bühne und Filmset zugleich ist, wird Scheirl zur Eröffnung der Ausstellung eine „live art performance“ inszenieren, in der die Künstlerin als „Malerfürst“ auftritt und zum Publikum spricht. Die Performance wird auf Video aufgezeichnet und anschließend in der Ausstellung gezeigt. Für Scheirl geht es in dieser Arbeit um „die Vorbildhaftigkeit der Künstler_innenpersönlichkeit im ‚Bio'-Kapitalismus: Vitalismus, Kreativität und Flexibilität sind zu Bedingungen in der neoliberalen Gesellschaft geworden“. Auf einem großzügigen Display wird im Seitenraum der Ausstellungshalle eine umfangreiche Auswahl von älteren und zum Teil erstmals präsentierten Zeichnungen der Künstlerin zu sehen sein. In der Apsis des Künstlerhauses werden zahlreiche Film- und Videoarbeiten aus unterschiedlichen Schaffensphasen kombiniert gezeigt. Die Zeichnungen und Videos lassen immer wieder Querverbindungen zu den aktuellen als auch zu den performativen Arbeiten der Künstlerin erkennen. Schon in den Titeln von Scheirls Arbeiten wie „The Alchemy of Libidinös Currencies", „Corporate Kastration" oder „Öl, Gold, Eier" zeichnet sich ab, dass es sich hier um eine Zusammenführung von nur scheinbar distanzierten Bereichen handelt: einerseits das subjektive Begehren und die Konstruktion der (geschlechtlichen) Identität und andererseits der globale Kapitalismus und seine wirtschaftlichen Interessen. Die Trennung von Innen- und Außenwelt, Privatsphäre und Öffentlichkeit, männlich und weiblich wie Subjekt und Ökonomie offenbart sich als ideologische Konstruktion, die sich zuletzt gerade um Fragestellungen der Identität zuspitzt. Bezug nehmend auf den französischen Philosophen Jean-Françoise Lyotard ließe sich sagen, dass Realitätserfahrung sowie deren Produktion und somit Machtverhältnisse gefärbt und befeuert von einer libidinösen Leidenschaft und einer „Ökonomie des Begehrens“ sind. Dieses immer neu zu produzierende und in sich zirkulierende Un/Ordnungssystem regelt sowohl die Energie der Begehrensströme und den Puls der Widerstände gegen das Begehren, als auch die Energie, die gewonnen wird, wenn das Begehren aufgeschoben wird, also auf ein anderes „Medium“ und in ein anderes Zeitsystem übertragen wird. Diese uns ursächlich antreibenden Kräfte, Intensitäten und Affekte scheint Scheirl bestmöglich als Antrieb zu nutzen um die im Laufe ihrer künstlerischen und zutiefst subjektiven Entwicklung aufgebaute Un/Ordnung in „Bilder und Sprachen des Begehrens“ zu übersetzen, die insofern zirkulierende und trans-mediale Arbeiten darstellen. Diese sukzessive Erweiterung und Übersetzung von Fragestellungen nach Identität, Körper und Kunst setzt Scheirl in Graz fort: „In der Ausstellung möchte ich die Zirkulation meiner Körperteile mit der Zirkulation der verwendeten Medien überlagern“. Aufgewachsen als „Angela“ beschloss sie an ihrem 40. Geburtstag Testosteron zu nehmen und sich „Hans“ zu nennen. Als Kritik an laufenden Identitätszuschreibungen und entsprechenden Diskursen nahm Scheirl nun ihren 60. Geburtstag zum Anlass den Vornamen „Ashley“ anzunehmen. Ohne von A nach B gehen zu wollen wählt Scheirl performativ die (Anti)Identität „Transgender“. Dieser „trans-...“ Identität eilen Name, Stimme und die stetige Versicherung der klaren Geschlechtszuordnung durch die Sprache – und ihrer Bilder – voraus. Ashley Hans Scheirl studierte Restaurieren auf der Akademie der Bildenden Künste in Wien (Diplom 1980). Zwischen 1978 und 1985 war sie beteiligt an den performativen Musik- und Geräuschexperimenten von „8 oder 9" und „Ungünstige Vorzeichen". Zwischen 1979 und 1996 entstanden rund 50 Super-8 Kurzfilme. 1981–82 lebte Scheirl in New York und arbeitete für Arleen Schloss' Off-Space „Wednesdays at A's". Bekannt wurde Scheirl durch die beiden Avantgarde Spielfilme „Rote Ohren fetzen durch Asche" und „Dandy Dust". Scheirl lebte 16 Jahre in London, um Teil einer Szene von Queer- und Transgender-Künstler_innen zu sein. 2003 Abschluss eines Postgraduate Studium (M.A.) der Bildenden Kunst (Malerei/Installation) auf dem Central Saint Martins College of Art and Design in London. Nach Scheirls Rückkehr 2005 nach Wien Verleihung des österreichischen Staatsstipendiums für Bildende Kunst 2006. Seit Herbst 2006 ist Scheirl Professor_in für „Kontextuelle Malerei“ an der Akademie der Bildenden Künste in Wien. Zu sehen waren Scheirls Arbeiten u.a. im Museum of Modern Art in New York, in der Kunsthalle Düsseldorf / KIT, im Taxispalais Kunsthalle Tirol, im Kunsthaus Bregenz, im MUSA Museum Startgalerie Artothek Wien, in der Shedhalle Zürich, in der Galerija Nova in Zagreb, im MACBA Museu d/Art Contemporani de Barcelona, im Museum Moderner Kunst Wien sowie zuletzt auf der Documenta 14 in Kassel und Athen. Die Ausstellung wird von einem Rahmenprogramm, Beiträgen auf der Online-Publikationsplattform des Künstlerhauses (journal.km-k.at) und einem Katalog begleitet, der in Zusammenarbeit mit dem Salzburger Kunstverein und mit Unterstützung von „Kontakt. Art Collection – Erste Group / ERSTE Foundation“ entsteht.


Sandro Droschl 
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posted 07. May 2018


28. Apr 201814. Jun 2018
opening: 28. Apr 2018 11:00
ALOIS MOSBACHER. Bessere Sicht Vernissage am Samstag, 28. April 2018 um 11:00 Uhr Zur Eröffnung spricht Günther Holler-Schuster, Universalmuseum Joanneum Graz Ausstellung bis 14. Juni 2018 von Mo -Sa 9-19 Uhr, So nach Vereinbarung * Alois Mosbacher Bessere Sicht Mit der Ausstellung „Bessere Sicht“ von Alois Mosbacher zeigt die Galerie Gölles diesmal einen völlig neuen Werkkomplex eines Malers, der bereits in den 1980er Jahren zu den hoffnungsvollsten und erfolgreichsten Künstlern seiner Generation in diesem Land gehörte. In einer Zeit, in der die Malerei gleichsam neu erfunden wurde, die Möglichkeiten des Mediums radikal ausgelotet, Stile rasch geändert wurden sowie einer objektlosen Konzeptkunst scheinbar eine Absage erteilt wurde, etablierte Alois Mosbacher einen eigenen Stil der Malerei, der wesentlich vom Experiment getragen war. Expressive Gestik wechselt dabei mit glatter, nahezu naturalistischer Darstellung ab. Von frühester Zeit an ist für Mosbacher die Malerei ein ständiges Wechselspiel zwischen Gegenständlichkeit und Abstraktion. Niemals fällt er dabei in vollständige Gegenstandslosigkeit. Die Lesbarkeit bleibt stets erhalten, stellt sich aber oft in extrem sinnlicher Malweise dar, sodass man sich oft fragen muss, ob der dargestellte Gegenstand nicht ausschließlich Vorwand für den malerischen Akt ist. Auch dabei lotet Mosbacher die volle Bandbreite des Zweidimensionalen aus bis er durch radikale Reduktionsprozesse beim Schwarzweiß bzw. bei der Zeichnung ankommt. Dadurch, dass die Zeichnung meist auch auf der grundierten Leinwand erscheint, kontextualisiert er diese im Medium der Malerei und unterstreicht damit nicht zuletzt auch die darstellerische Funktion der Malerei. Auch mit seinen jüngsten Arbeiten verhält es sich ähnlich, obwohl das grafische Element der Zeichnung zugunsten eines sinnlich malerischen Duktus beinahe zur Gänze fehlt. Landschaften, Pflanzen, manchmal Gegenstände – ein Basketball – bestimmen den Kosmos von Alois Mosbachers neuen Malereien. Neben den Detailansichten aus einer vom Menschen zugerichteten Natur – Blätter, Zweige, Blüten – dominieren immer wieder monochrome Farbflecken, die einer inneren Logik zu folgen scheinen und sich in die Gesamtgestaltung integrieren. Dinge, Fragmente und Farbgerinnsel ballen sich zusammen, verdichten sich auf der Bildfläche und lösen sich im nächsten Stadium wieder auf. So entstehen scheinbar unmögliche, surrealistisch anmutende Objektkombinationen, die einen narrativen Prozess vortäuschen um ihn im nächsten Moment wieder verlassen. Auch Phänomene wie das Plastische und das Flächige wechseln dabei ab, was den surrealen Charakter noch weiter zu steigern im Stande ist. Es ist eine Möglichkeit, die Mosbacher in diesem Augenblick der Malerei zugesteht. Das surreale Spiel macht nicht selten den Anschein des Grotesken, mitunter des Ornamentalen. Für Mosbacher ist Malerei eine Art Sprache, ein Vokabular, das sich nicht ständig neu erfinden lassen muss, sondern das seine vorhandenen, teilweise zeitbedingten Variationspotentiale stets in hohem Maße ausspielen kann. Man muss somit als Maler nichts neu erfinden. Die Dinge sind da und sie können unterschiedlich kollidieren und so sowohl inhaltlich als auch formal im Publikum für Verwirrung sorgen. Die Titel dieser neuen Arbeiten scheinen aus einem imaginären Katalog von Redewendungen, Zitaten und Formulierungen des Alltags zu stammen, die der Künstler nur beiläufig den Motiven zugeordnet hat. Sie korrespondieren nicht offensichtlich mit den dargestellten Situationen und Gegenständen. Sie unterstützen vielmehr die Rätselhaftigkeit des Dargestellten. Ein tieferer Sinn des Ganzen wird auf diese Weise bewusst evoziert, regt zum intensiven Nachdenken an, lässt aber eine letztgültige Interpretation nicht zu. Stattdessen wird das Klischee der Malerei auf mehrfache Weise hinterfragt. Das Medium Malerei bleibt als Grunddisposition erhalten und entfaltet Varianten, die sowohl verunsichern als auch verblüffend neu wirken und die Malerei als etwas Lebendiges mit schier endlosen Möglichkeiten darstellen. Günther Holler-Schuster
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posted 06. May 2018

In tune with the world (Au diapason du monde)

11. Apr 201827. Aug 2018
“Au diapason du monde” (In tune with the world) New selection from our Collection Ever since the first exhibition of emblematic works from its collection, during the 2014 inauguration of the building designed by Frank Gehry, Fondation Louis Vuitton has regularly exhibited different selections of works following the Collection’s four distinct predetermined categories: Contemplative, Expressionist, Pop, Music & Sound (2014/2016), or groups of works from specific events dedicated to China (2016) and Africa (2017). Throughout the galleries of the Frank Gehry building, "In Tune with the World" (11th April - 27th August 2018) unveils a new selection of artists from the collection, of several different mediums, bringing together modern and contemporary works, most of which have never before been exhibited in these spaces. More than a simple hanging of works, "In Tune with the World" is intended to be an exhibition based on a specific theme. This reflects today’s questions about man’s place in the universe and the bonds that tie him to his surrounding environment and living world, highlighting the interconnections between humans, animals, plants, and even inanimate objects. Two complementary sequences cover the entire building: Sequence A, located on the 2nd floor of the building (galleries 9, 10 and 11), offers an immersion into the world of Japanese artist Takashi Murakami (born in 1962). Drawing on Japan's political, cultural and social history, Takashi Murakami cultivates a world apart, both dark and fabulous, which combines Kawaii aesthetics with references to his country’s traumas, such as the atomic bomb or, more recently, the tsunami. Through the multiplicity of forms and materials represented in this exhibition (such as paintings, sculpture and videos), the prolific work of Takashi Murakami gives free rein to an unbridled imagination, saturated with colours and populated by fantastic creatures, half-human-half-animal, mixing popular and scholarly cultures, Buddhist iconography and manga, tradition and modernity, West and East, ancestral techniques and advanced technology. This display, conceived in strict collaboration with the artist, is organised around three motifs. - Gallery 9 is dedicated to DOB, the first character invented by the artist in 1993 and considered to be his alter ego. He appears both in the guise of a cute rodent in the style of Mickey Mouse and as a malicious, fierce monster, covered in eyes and sharp teeth. - Gallery 10 shows a monumental fresco exhibited in Paris for the first time. Entitled The Octopus eats its own leg (2017); it depicts characters from Chinese mythology surrounded by lavish, marvellous fauna and flora. By borrowing from the traditional iconography of 18th century Japanese painting and combining it with the style of the great historical frescoes, the artist delivers a contemporary version of the Eight Immortals of the Taoist religion. - Gallery 11 features a space of Kawaii (meaning ''cute'' in Japanese). The artist reinterprets this Japanese aesthetic through a variety of forms and media: sculpture, wallpapers, flower paintings and animated films inspired by manga. Sequence B, Man in the living universe, brings together 28 French and international artists from different generations and techniques. It extends over the other three floors of the building and the outside Grotto area. Inspired by the assertion of Roland Barthes in La Chambre claire (Camera Lucida) (1980) "I have determined to be guided by the consciousness of my feelings", the works are themed around the idea of emotional affinity. The itinerary is structured around three complementary themes, each presented on one floor of the building: Irradiances (1st floor); Là, infiniment… [Here, infinitely...] (Ground floor); L’Homme qui chavire [The man who capsizes] (Pool level). Irradiances, on the 1st floor, in galleries 5, 6 and 7, presents works by: Matthew Barney, Mark Bradford, Christian Boltanski, Trisha Donnelly, Dan Flavin, Jacqueline Humphries, Pierre Huyghe, Yves Klein, James Lee Byars, François Morellet, Sigmar Polke, Gerhard Richter, Shimabuku and Anicka Yi. The title "Irradiances" refers to the light beam of Dan Flavin and brings together works in a variety of media: paintings, sculptures, videos, installations. Each work is about man’s continuous dialogue with nature, exploring how different materials and their metamorphoses can create a cosmic landscape. Dan Flavin's Untitled, one of his first fluorescent tube creations, exudes a force from within that gives the sculpture a unique quality. Whilst the dazzling colours are rigorously structured in Lilak (1982) by Gerhard Richter, the two works in his Flow (2013) series refers to the flow of paint spread by the artist's hand and tamed by a glass panel placed on the surface acting as a mirror. Sigmar Polke adopts a secretly alchemical approach in his work Nachtkappe I (1986), born from a unique blend of paint, indigo juice and alcohol varnish. Water Cast 6 (2015) by Matthew Barney presents the explosive result of mixing molten bronze with water, which produces a set of abstract organic forms reminiscent of the subtleties of fine jewellery. Pierre Huyghe’s aquarium, entitled Cambrian explosion 10 (2014), echoes the eponymous event which marked the appearance of large animal species between 530 and 542 million years ago. The work takes the form of an autonomously evolving ecosystem. Yves Klein's monochrome IKB81 (1957) instantly conveys a "zone of pictorial sensitivity", while the sponge works RE46 (1960) and SE231 (1960) see living matter saturated with the same blue pigment. Reports of the Rain by Mark Bradford (2014) unites collage and painting in a highly musical lyrical vein. Echoing Polke's approach, Jacqueline Humphries uses an industrial silver lacquer mixed with oil paint in the work Untitled (2007) from the "Silver Paintings" series. The vertical projection by Trisha Donnelly, Untitled (2014), creates a mysterious opening in a skyscape of moving clouds. In the sculptures, Halo (1985) and Is (1989), James Lee Byars combines two mineral materials, copper and marble, with the extreme refinement of gold, in search of a perfect form. In Gallery 6, L'Avalanche by François Morellet (2006) mixes together order and chaos. Anicka Yi's 3D video, The Flavor Genome (2016) (co-acquired with the Guggenheim Museum, New York), develops a fictional documentary depicting the search for an aroma in the Amazonian rainforest. In Untitled (2008) by Trisha Donnelly, a magnetic wave springs from the heart of a perfectly-contoured rose. In the Observatory, Shimabuku’s video The Snow Monkeys of Texas - Do snow monkeys remember snow mountains? (2016) questions the memory and capacity of adaptation of living species to their environment. Standing apart in gallery 7, Animitas (2014) by Christian Boltanski consists of a real-time film using a single static shot in the Atacama Desert in Chile and a bed of flowers. The original installation consists of eight hundred small Japanese bells whose ringing evokes "the music of the stars and the voice of floating souls". For the occasion, he adds a finishing touch to this presentation with a luminous sign composed of light bulbs that form the word "After". Here, infinitely ..., on the ground floor, in gallery 4, presents works by Cyprien Gaillard, Wilhelm Sasnal and Adrián Villar Rojas. By way of reworking iconic works from the history of art, these three artists reflect on man’s domination throughout history as well as on his potential demise. Inspired by Michelangelo's David, of which here only the legs remain, Adrián Villar Rojas' monumental marble sculpture, Untitled, from the series Theatre of Disappearance (2017), appears as the sole remnant of a post-apocalyptic world. With Bathers in Asnières (2010), Wilhelm Sasnal reinterprets Seurat's work based on memories related to life in Poland in 1939. Combining images in different sequences with the haunting refrain of music by Alton Ellis "I was born a loser" / "I was born a winner", Nightlife (2015) by Cyprien Gaillard offers the viewer an immersive experience in 3D. The man who capsizes, at the pool level, in galleries 1, 2 and 3, displays works by Giovanni Anselmo, Maurizio Cattelan, Ian Cheng, Andrea Crespo, Alberto Giacometti, Dominique Gonzalez-Foerster, Pierre Huyghe, Yves Klein, Mark Leckey, Henri Matisse, Philippe Parreno, Bunny Rogers and Kiki Smith. This sequence is inspired by the body in all its forms, from the most tangible to the most imaginary, taking The Man who capsizes (1950-1951) by Alberto Giacometti as its starting point, around which a set of four other works by the artist is presented: Three men walking I (1948), Bust of a Man sitting (Lotar III) (1965), Tall Woman II (1960), and Woman from Venice III (1956-1957) which is exhibited for the first time. At the entrance to gallery 1, in M.2062 (Fitzcarraldo) (2014), Dominique Gonzalez-Foerster makes an appearance in the form of a hologram of the character Fitzcarraldo, the protagonist of a work of fiction by Werner Herzog. Entrare nell'Opera (1971), a photographic work by Giovanni Anselmo, shows a silhouette absorbed into an infinite landscape. In Henri Matisse's Nu bleu aux bas verts (blue nude with green stockings) (1954), the body, in paper cut-outs, is celebrated by the flight of dance. The bronze sculpture of Kiki Smith, the Annunciation (2010), imposes a mysterious presence. In Yves Klein's anthropometry ANT 104 (1960), the imprint of bodies, "living paint brushes", is revealed by the single blue pigment. In the second episode of his trilogy, Emmisary Forks at Perfection (2015), Ian Cheng presents a creature entirely programmed by software, an alternative to faded humanity. Exhibited for the first time in France, Pierre Huyghe's Untitled (Human Mask) (2014) shows a monkey dressed as a little girl wearing a Japanese Noh theatre mask, wandering around a deserted restaurant near Fukushima. In La ballade de Trotski (The ballad of Trotsky) (1996), Maurizio Cattelan represents mankind with a horse, evoking the possible end of utopia. Self-portraits of the artist in latex, Spermini (1997), address the matter of the double and cloning. Andrea Crespo explores her dual identity in her diptych Self portrait with Phantom Twin (2017). In Study for Joan Portrait and Study for Joan Portrait (Silence of the Lambs) (2016), inspired by the character of Joan of Arc in the television series Clone High, Bunny Rogers creates a gallery of modelled portraits. Philippe Parreno opens and closes the sequence at the pool level with two videos: the first, The Writer (2007) - at the entrance to gallery 1 - appropriates one of the first robots created in the eighteenth century, whilst Anywhen (2017) - in Gallery 3 - films an octopus responding to its environment, accompanied by a soundtrack inspired by James Joyce's Finnegans Wake. Outside the building, Mark Leckey's giant Felix the cat (2017) is installed in the Grotto. Head curator: Suzanne Pagé Curators: Angéline Scherf, Ludovic Delalande and Claire Staebler Artists featured in the exhibition : Giovanni Anselmo (1934, Italy), Matthew Barney (1967, USA), Christian Boltanski (1944, France), Mark Bradford (1961, USA), James Lee Byars (1932-1997, USA), Maurizio Cattelan (1960, Italy), Ian Cheng (1984, USA), Andrea Crespo (1993, USA), Trisha Donnelly (1974 , USA), Dan Flavin (1933-1996, USA), Cyprien Gaillard (1980, France), Alberto Giacometti (1901-1966, Switzerland), Dominique Gonzalez-Foerster (1965, France), Jacqueline Humphries (1960, USA), Pierre Huyghe (1962, France), Yves Klein (1928-1962, France), Mark Leckey (1990, United Kingdom), Henri Matisse (1869-1954, France), François Morellet (1926-2016, France), Takashi Murakami (1962, Japan), Philippe Parreno (1964, France), Sigmar Polke (1941-2010, Germany), Gerhard Richter (1932, Germany), Bunny Rogers (1990, USA), Wilhelm Sasnal (1972, Poland), Shimabuku (1969, Japan), Kiki Smith (1954, USA), Adrián Villar Rojas (1980, Argentina), Anicka Yi (1971, South Korea).
Fondation Louis Vuitton, Paris

FONDATION LOUIS VUITTON | Bois de Boulogne | 8, Avenue du Mahatma Gandhi
75116 Paris

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posted 05. May 2018

Deana Lawson

15. Mar 201822. Jul 2018
Deana Lawson 15.03.2018 - 22.07.2018 “With a history of certain voices not being included in the history of art, I think it is time to claim that space, to have bodies who might not have been celebrated within the institution,” -Deana Lawson on museums, TIME.com The 80th entry in CMOA’s Forum contemporary art series presents a combination of photographs and appropriated-image installations by Deana Lawson (b. 1979, lives and works in Brooklyn, New York). Few photographers working today unpack complexities of race and identity like Deana Lawson. Her strikingly-arranged portraits are packed with details that invite contemplation and close inspection. Lawson depicts people and interiors she encounters in her daily routines and travels, from her own neighborhood in Brooklyn to Soweto, South Africa, and beyond. She also appropriates photographs from other sources to address depictions of African Americans in media and visual culture. The exhibition includes 10 photographs, printed in the largest size ever for the artist. Their life-size scale affords scrutiny of the carpeting, clothing, furniture, hair, and jewelry that impact our perceptions—and perhaps biases—about people and their stories. Deana Lawson also features photographic installations that burst out of the traditional picture frame and onto the exhibition walls. Lawson taps a variety of sources, including mass media and photo libraries, to explore how images in contemporary visual culture shape perceptions and stereotypes of people and communities. Each one is site-specific to CMOA and meticulously assembled by the artist in response to the museum and its local context. CMOA’s Forum series hosts diverse artists working on innovative projects in our Forum Gallery, located in the main lobby of the museum. For over 25 years, the series has offered our curators a dynamic space to show new developments in contemporary art. Deana Lawson is organized by Dan Leers, curator of photography at Carnegie Museum of Art.


Deana Lawson 


Dan Leers 
Carnegie Museum of Art, Pittsburgh

4400 Forbes Avenue
PA 15213-4080 Pittsburgh

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