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posted 17. Oct 2018

Julian Charrière. As We Used to Float

27. Sep 201808. Apr 2019
opening: 26. Sep 2018 19:00
Julian Charrière. As We Used to Float GASAG Kunstpreis 2018 27.09.2018–08.04.2019 Eröffnung: 26.09.2018 19:00 Uhr Zur Eröffnung der Ausstellung Julian Charrière. As We Used to Float. GASAG Kunstpreis 2018 laden wir Sie und Ihre Freund*innen herzlich ein. Julian Charrière (1987) zeigt im Rahmen des GASAG Kunstpreises 2018 eine multimediale Rauminstallation, die das Publikum unter die Wasseroberfläche des pazifischen Ozeans führt. Siebzig Jahre nach den ersten US-amerikanischen Kernwaffentests auf dem BikiniAtoll hat sich der Künstler auf Expedition in ein geographisches Gebiet begeben, das durch die verursachten Umweltschäden für den Menschen dauerhaft unbewohnbar gemacht wurde. As We Used to Float zeigt die Hinterlassenschaften der Bombentests oberhalb wie unterhalb des Meeresspiegels und macht sie als Raumerfahrung physisch erlebbar. Als ungewollte Denkmäler stehen sie für das Spannungsverhältnis zwischen menschengemachten und natürlichen Transformationsprozessen. Für Julian Charrière markieren sie zugleich den Zeitpunkt, an dem der Mensch zu einem der wichtigsten Einflussfaktoren für die biologischen, geologischen und atmosphärischen Prozesse auf der Erde geworden ist. As We Used to Float ist die erste institutionelle Einzelausstellung von Julian Charrière in Berlin. Julian Charrière ist 1987 in Morges in der französischen Schweiz geboren. 2006 begann er ein Kunststudium in der Schweiz und wechselte 2007 an die Universität der Künste Berlin, wo er 2013 sein Studium bei Olafur Eliasson am Institut für Raumexperimente abschloss. Charrière arbeitet mit vielen führenden wissenschaftlichen Einrichtungen zusammen. Zu diesen gehören unter anderem das National Nuclear Center of the Republic of Kazakhstan, die Bundesanstalt für Geowissenschaften und Rohstoffe, das Bundesamt für Landestopographie swisstopo, das Leibniz-Institut für Astrophysik Potsdam, das Deutsche GeoForschungsZentrum Potsdam, das Institut für Mikrobiologie der Humboldt-Universität zu Berlin oder das Museum für Naturkunde Berlin. Seine Arbeiten waren u.a. in folgenden Ausstellungen zu sehen: Viva Arte Viva - 57th Venice Biennale in Venedig; Le Rêve des formes im Palais de Tokyo, Paris; Produktion. Made in Germany Drei im Sprengel Museum, Hannover; und Tidalectics im TBA21-Augarten in Wien. Die von der GASAG initiierte Auszeichnung wird in diesem Jahr zum fünften Mal in Kooperation mit der Berlinischen Galerie vergeben. Die Partner ehren mit dem Preis alle zwei Jahre eine herausragende künstlerische Position an der Schnittstelle von Kunst, Wissenschaft und Technik. Vorherige Preisträger waren: Susanne Kriemann (2010), Tue Greenfort (2012), Nik Nowak (2014) und Andreas Greiner (2016). Der GASAG Kunstpreis umfasst neben dieser Präsentation auch einen Katalog sowie ein Preisgeld. Die Jury überzeugte die Ernsthaftigkeit und Stringenz, mit der Charrière als noch junger Künstler seinen Weg geht. In seinen zahlreichen Projekten sucht Charrière nicht nur den Austausch mit international operierenden Wissenschaftsinstitutionen. Es gelingen ihm zugleich künstlerisch überzeugende Lösungen, die komplexen Inhalte in eine schlüssige Dramaturgie und immer auch intuitiv erfassbare Bildsprache zu übersetzen. Die Jury-Mitglieder: Dr. Thomas Köhler und Dr. Stefanie Heckmann, Berlinische Galerie; Andreas Greiner, Künstler und Preisträger 2016; Birgit Rieger, Tagesspiegel; Dr. Ursula Ströbele, Universität der Künste Berlin - Institut für Kunstwissenschaft und Ästhetik; Julia Wallner, Direktorin des Georg Kolbe Museums; Andreas Fiedler, Künstlerischer Direktor KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst
Berlinische Galerie, Berlin °

BERLINISCHE GALERIE | Alte Jakobstraße 124-128
10969 Berlin

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posted 16. Oct 2018

Jay Chung & Q Takeki Maeda, Michèle Graf & Selina Grüter ...

13. Oct 201825. Nov 2018
opening: 12. Sep 2018 18:00
Jay Chung & Q Takeki Maeda, Michèle Graf & Selina Grüter, Jason Hirata, Ghislaine Leung, Jason Loebs, Jean-Luc Moulène, Mahshid Rafiei, Ramaya Tegegne, Cassidy Toner, Mierle Laderman Ukeles, Anaïs Wenger, Constantina Zavitsanos 13.10.2018 - 25.11.2018 Opening: 12.09.2018 18:00 - 22:00 Curator: Balthazar Lovay October 12 - November 25, 2018 brings together 13 artists whose works were mostly produced for the exhibition. Addressing working conditions, hierarchies, security, the authority of institutions, that of a position, status, solidarity, injustice, precariousness, circulations, deconstruction, manipulation, submission, independence, power or again representation. The exhibition approaches these issues in a concrete or metaphorical way, without proposing systemic, or unilateral, approaches. The artists and their works enter in a dialogue that questions the existence of making art, and tangentially how the context in which it takes place emerges. The artists act on the parameters of the exhibition, extending its scope through their gestures, or by themselves inviting other artists to participate. Each goes to the heart of the conditions that brings an object, a situation or an act to life as a work of art. They act directly on the system that prevails over their physical or virtual mobility through a fluidity of gestures, misappropriated situations that are lost and found again, or again the circulation of air, water, values, money, of structural elements going in opposite movements and back again. In 1969, Mierle Laderman Ukeles defined her practice of Maintenance Art, which consists in integrating within artistic practice the context of an art space through its maintenance. For The Keeping Of the Keys, 1973, Ukeles seized the keys of the Wadsworth Atheneum in Harford, and in doing so gave herself a symbolic power over the institution. The assumption of a service takes shape in Public Sculpture, 2018 by Ghislaine Leung, for which Fri Art was asked to activate the loan system introduced by the artist with the Central Library of Reading, England. Anaïs Wenger addresses the circulation systems inherent to art spaces; both in its architectural and human dimensions. Five months before Fri Art artistic director’s scheduled end-of-tenure, Wenger’s gesture writes one version of this story. Untitled, 2006 by Jay Chung and Q Takeki Maeda questions the relationship between a work and the texts that contextualise it. Their press release has generated the content of the prints just as the prints have set the parameters for the text, making them indissociable. Cassidy Toner is reinjecting her production budget into Rheum Room, the small art space she manages in her apartment in Basel. The money is enabling her to produce the exhibition by Mahshid Rafiei. Syncopes, 2015, by Jason Loebs, is shown by Jason Hirata, who built the piece with Loebs as a paid technician. It thus reverses the situation of the assistant co-opted by the artist and brings burning questions of social and hierarchical positions into relief. Jean-Luc Moulène’s Chrome, Paris, June 1999 seems to refuse any clarification regarding questions on the very existence of an artwork. It resists language despite an imposing physicality and highlights the instability that inhabits each artwork. Gay Couple presents the toxic residue from the distillation of 100kg of apples. This liquid, usually removed from the distillation process, paradoxically becomes the "heart" of the work, and initiates a commentary on production between the individual and the collective. Ramaya Tegegne sets a discussion on working conditions between the artists of the exhibition, who gathered together before the opening. This piece is part of the broader wfwa.ch campaign that she leads for the remuneration of artists in Switzerland. Constantina Zavitsanos sets a take-away sculpture entitled Three Card Monte. The piece includes three gold bars on offer while supplies last. Michèle Graf & Selina Grüter seek for situations dominated by the impossibility of communication through language. To get beyond words, the voice has to constantly escape language through anti-memory. The activity that remains is "räumen."

curator

Balthazar Lovay 
Fri Art Fribourg °

Centre dart de Fribourg | Petites-Rames 22
CH-1701 Fribourg

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posted 15. Oct 2018

Marcel Duchamp Prize 2018

15. Oct 201806. Jan 2019
Marcel Duchamp Prize 2018 Nominees: Mohamed Bourouissa, Clément Cogitore, Thu Van Tran, Marie Voignier 15.10.2018 - 06.01.2019 The four nominated artists for the 2018 Marcel Duchamp Prize: Mohamed Bourouissa: born in 1978 in Blida, Algeria, lives and works in Paris, represented by: Galerie kamel mennour, Paris/London Clément Cogitore: born in 1983 in Colmar, France, lives and works in Paris, represented by: Galerie Eva Hober, Paris and Reinhard Hauff Gallery, Stuttgart Thu Van Tran: born in 1979 in Hô Chi Min-City, Vietnam, lives and works in Paris, represented by: Galerie Meessen De Clercq, Brussels Marie Voignier: born in 1974 in Ris-Orangis, France, lives and works in Paris, represented by: Galerie Marcelle Alix, Paris October 10, 2018 to January 6, 2019: group exhibition of the four artists in the Centre Pompidou October 15, 2018: announcement of the winner Curator for the Marcel Duchamp Prize exhibition in the Centre Pompidou: Marcella Lista The four artists have been selected by a committee of the ADIAF’s collectors. The winner will be chosen by an international jury of collectors and directors of leading institutions. The announcement of the winning artist will be made in the Centre Pompidou on Monday, October 15, 2018. International jury: Bernard Blistène, Director of the Musée national d’art moderne, Centre Pompidou, Paris; Gilles Fuchs, Collector, President of the ADIAF; Jean-Claude Gandur, Collector, President of the Fondation Gandur for art; Maja Hoffmann, Collector, President of the Luma Foundation; Laurent Le Bon, President of the musée Picasso-Paris; Marina Loshak, Director of the Pushkin Fine Arts Museum, Moscow; Akemi Shiraha, Representing the Marcel Duchamp Association A catalogue dedicated to the prize’s artists will be published by the ADIAF. About the Marcel Duchamp Prize Created by the ADIAF in 2000 to highlight the creative energy of the artists on the French artistic scene, every year the Marcel Duchamp Prize honours a winner from among four French artists or artists residing in France, working in the field of the plastic and visual arts. The ambition of this collector’s prize is to bring together the most innovative artists of their generation and help them develop their visibility in France and worldwide. Organized in partnership with the Centre Pompidou and endowed with the sum of 35,000 EUR for the winner, it is considered to be one of the most relevant vectors of information about contemporary art in France today and a top benchmark prize worldwide. www.adiaf.com

curator

Marcella Lista 
Centre Pompidou, Paris °

MUSÉE NATIONAL D'ART MODERNE - CENTRE GEORGE POMPIDOU | Place Georges-Pompidou
F-75004 Paris

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posted 14. Oct 2018

Anthea Hamilton

14. Sep 201804. Nov 2018
opening: 13. Sep 2018 19:00
**PROGRAMM** Im Rahmen der Ausstellung Anthea Hamilton, The New Life findet in der Secession eine Performance statt: Performance von Bakani Pick-Up Sonntag, 14. Oktober 2018, 11 Uhr Bakani Pick-Up ist ein britischer Tänzer und Choreograph mit Wurzeln in Simbabwe, der schon für Anthea Hamiltons Ausstellung "Squash" in der Tate Britain mit der Künstlerin zusammengearbeitet hat. Eine Veranstaltung der Freunde der Secession **AUSSTELLUNG** Anthea Hamilton 14.09.2018 - 04.11.2018 Eröffnung: Donnerstag, 13. September 2018, 19 Uhr anschließend Gartenfest in Kooperation mit curated by Anlässlich ihrer ersten Einzelausstellung in Österreich hat die britische Künstlerin Anthea Hamilton eine raumgreifende Installation für den Hauptraum der Secession entwickelt. Indem sie den Raum zur Gänze mit einem Muster überzieht, beeinflusst sie auf beeindruckende Weise die Wahrnehmung des Raumes und macht ihn sich zu eigen. * Vor dem Hintergrund ihres interdisziplinären Interesses an Performance entwickelt die britische Künstlerin Anthea Hamilton räumliche Inszenierungen, die durch ihre Ausrichtung auf eine Schauseite an Bühnenbilder oder Filmsets erinnern. Ihre Skulpturen, eigenwillige Gebilde an der Kippe von Entstehung und Zusammenbruch, fungieren darin wie Requisiten für Geschichten, die erst erzählt werden müssen. Den Arbeiten der 2016 für den Turner Prize nominierten Künstlerin geht stets eine tiefgehende Recherche voraus, unabhängig davon ob es sich um die Auseinandersetzung mit kulturellen Strömungen wie dem Phänomen Disco der 1970er-Jahre, um kunsthistorische Bezugspunkte wie den Jugendstil, italienisches Möbeldesign oder das traditionelle japanische Theater, Dokumentarfotografie oder um Flechten handelt, welche sie als eine Art Linse für das Verständnis der Welt begreift. Als wichtige Inspirationsquelle zitiert Hamilton wiederholt den französischen Autor Antonin Artaud und seine Idee des „physischen Verständnisses von Bildern“. Es ist genau diese körperliche Erfahrung, die sie hervorrufen möchte, wenn man ihren Kunstwerken begegnet, die aus unerwarteten, unorthodox verwendeten Materialien bestehen, deren Größenverhältnisse überraschen und die letztlich von einem subtilen Humor getragen sind. Vielfach findet die Künstlerin Gegenstände, die dank ihrer haptischen Qualitäten oder ihres bestechenden Aussehens Eingang in ihre Installationen finden. Auch Autobiografisches und Verweise auf Hamiltons eigenen Körper sind wiederholt Gegenstand der Arbeiten, wobei Cut-Outs von ihren Beinen bereits als eines ihrer Leitmotive gelten. Anthea Hamilton, geboren 1978 in London, lebt und arbeitet in London. Die Ausstellung von Anthea Hamilton wird in Kooperation mit Phileas – A Fund for Contemporary Art produziert.

artists & participants

Anthea Hamilton,  Bakani Pick-Up 

curator

Jeanette Pacher 
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posted 13. Oct 2018

Carnegie International, 57th Edition, 2018

13. Oct 201825. Mar 2019
Carnegie International, 57th Edition, 2018 13.10.2018 - 25.03.2019 The exhibition Presenting work by 32 artists and artist collectives, the exhibition invites visitors to explore what it means to be “international” at this moment in time, and to experience museum joy. The pleasure of being with art and other people inspired the composition of this International—a series of encounters with contemporary art inside the world of Carnegie Museum of Art. The 57th Carnegie International include: 1 independent exhibition-maker 6 art collectives and collaborations 13 individual artists who use the pronoun “he” 17 individual artists who use the pronoun “she” 20 artists who live in the US 3 artists who live in Asia 5 artists who live in Europe 2 artists who live in Africa 1 artist who lives in South America 1 artist who lives in the Middle East Five projects The following five projects-in-progress offer a flavor of the expansiveness and particularity of the exhibition to come. They showcase this International’s grounding here in Pittsburgh and underscore the connectedness that makes the exhibition a rigorously crafted whole. Postcommodity Postcommodity is an interdisciplinary, indigenous art collective from the American Southwest. Their monumental work for the International will transform the museum’s grand Hall of Sculpture with materials of the city’s industrial past—glass, coal, and steel—and with performances by local musicians rooted in Pittsburgh’s history of jazz. Zoe Leonard New York-based Zoe Leonard’s contribution to the International is part of a new epic: to photograph and chart the length of the Rio Grande as it forms a charged, serpentine border between the United States and Mexico. Art Labor with Joan Jonas The Ho Chi Minh City–based collective Art Labor will make a hammock café complete with coffee service. This extension of their ongoing project, Jarai Dew, will bring together research into Vietnam’s coffee industry, painting, sculpture, and sound to create a vibrant and relaxing social experience. The installation will be crowned by kites painted by pioneering video, performance, and installation artist Joan Jonas. Dayanita Singh A New Delhi-based artist with a background in photojournalism, Singh has created new ways to bring her photographs of archives, family, and poetic spaces into the world. For the International, she is contributing a portable exhibition in the form of modular teak structures that collect and display photographs of mysterious bundles. Lenka Clayton and Jon Rubin Pittsburgh-based artists Lenka Clayton and Jon Rubin will transform the museum’s Forum Gallery into a busy studio with pairs of painters at work. For the duration of the exhibition, the painters will create thousands of text-based paintings of rejected artwork titles (The Pink Bungalow, for example, or The Song of the Talking Wire) from Internationals between 1896 and 1931.
Carnegie Museum of Art, Pittsburgh

4400 Forbes Avenue
PA 15213-4080 Pittsburgh

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posted 12. Oct 2018

DAU Freiheit (WIRD 2018 NICHT REALISIERT)

12. Oct 201809. Nov 2018
**-- IN PLANUNG -- Der Veranstalter 'Berliner Festspiele' bemüht sich weiter darum, im Austausch mit den zuständigen Stellen die behördliche Genehmigung für die Ausstellungsinstallationen im Stadtzentrum zu erhalten. (21.09.2018)** **DAU Freiheit – Senat begründet Absage für 2018 mit Zeitnot** Mit der Übernahme der Veranstalterrolle für DAU Freiheit im Juni 2018 stand für die Berliner Festspiele zunächst die Suche nach einem geeigneten Areal für das Kunstprojekt im Vordergrund. Mehrere Areale wurden bereits im Vorfeld detailliert geprüft, bis schließlich die Entscheidung fiel, das Projekt rund um das Kronprinzenpalais als zentraler Spielstätte anzusiedeln – jenem Ort, an dem 1990 der Einigungsvertrag zwischen BRD und DDR unterschrieben wurde. Zudem stellte sich das Areal nach ersten Gesprächen mit Anwohner*innen und den verschiedensten Institutionen, aber auch Baustellenbetreibern vor Ort als gut geeignet dar, da es hinsichtlich der Verkehrsführung nur zu wenigen Einschränkungen gekommen wäre. Am 5. Juli wurde die Beantragung einer Erlaubnis nach § 29 Abs. 2 der Straßenverkehrsordnung gestellt. Der Gesamtantrag wurde, nach einem Vorgespräch mit allen beteiligten Ämtern und Behörden am 2. August, fristgerecht am 13. August gestellt, weitere Unterlagen wurden zum 11. bzw. 14. September in enger Absprache mit allen beteiligten Ämtern und Behörden eingereicht. Zum Zeitpunkt der Antragsstellung bestand für das Projekt DAU eine in allen Vorgesprächen zum Ausdruck gebrachte positive Perspektive auf Genehmigung. Nach den im Zeitraum vom 21. bis 27. September mehrfach wiederholten behördlichen Äußerungen, dass eine Genehmigung des Projektes DAU Freiheit in der angestrebten Form für 2018 aufgrund der gegebenen Zeitnot nicht erteilt werden kann, und der Klarstellung von Verkehrssenatorin Regine Günther in der "Aktuellen Stunde" des Berliner Abgeordnetenhauses am 27. September, die die Einschätzung, dass die Bearbeitungszeit für den Antrag zu knapp ist, noch einmal bekräftigt hat, gehen die Berliner Festspiele und die Produzenten des Projekts DAU Freiheit nun davon aus, dass die geplante Realisierung 2018 nicht mehr möglich ist. Die Berliner Festspiele haben die Vorbereitung von DAU Freiheit im Rahmen ihrer regulären institutionellen Ressourcen geleistet; alle mit der Planung des Projektes entstanden Kosten werden vom Projekt DAU übernommen. Für eine Wiederaufnahme des Projekts DAU Freiheit in Berlin stehen die Berliner Festspiele als Veranstalter zur Verfügung. Ein für alle Beteiligten machbares Zeitfenster, das den für das Genehmigungsverfahren notwendigen zeitlichen Vorlauf berücksichtigt, muss allerdings erst noch definiert werden. Es sind fruchtbare Kontakte zu den Betreibern des Kronprinzenpalais entstanden, dem Schinkel Pavillon und Nina Pohl, der Barenboim-Said Akademie, der Staatsoper Unter den Linden und vielen Mieter*innen, die uns spontan ihre Unterstützung und Räumlichkeiten zur Verfügung gestellt haben. Wir danken allen Unterstützer*innen dieses Wegstücks von DAU. * Orte: Rund um die Präsentation von DAU im Kronprinzenpalais Unter den Linden, Installation des Erlebnisraums, der das Areal zwischen Bebelplatz und Kommandantur umfasst * Ilya Khrzhanowsky. DAU Freiheit 12.10.2018 - 09.11.2018 DAU Freiheit Eine Installation von Ilya Khrzhanovsky DAU ist: Eine Weltpremiere in drei Städten, verbunden mit einer vierwöchigen einzigartigen Stadtinstallation in Berlins Mitte. Ein gesellschaftliches Experiment, das die Wahrnehmung Berlins verändern wird. Mitten im derzeit von diversen Bauprojekten geprägten Zentrum der Stadt wird durch die temporäre Errichtung einer Mauer eine Zone markiert, die für vier Wochen zu einem besonderen Erlebnisraum wird und gleichzeitig historische Echoräume öffnet, die 29 Jahre nach dem Mauerfall die Chance bieten, eine politisch-gesellschaftliche Debatte über Freiheit und Totalitarismus, Überwachung, Zusammenleben und nationale Identität zu eröffnen. Die Berliner Festspiele sind Veranstalter des Kunstprojekts DAU, das als ein vier Wochen währendes Gastspiel im Zeitraum zwischen dem 12. Oktober und dem 9. November in Berlins Mitte stattfinden soll. Produziert wird das Kunstprojekt von Phenomen Film, die gemeinsam mit den Berliner Festspielen für das Gastspiel und die damit verbundene Abgrenzung des Areals durch die temporär wiedererrichtete Berliner Mauer die notwendigen Gespräche und Vereinbarungen mit Einwohner*innen und den vor Ort befindlichen Institutionen durchführen. Dieser Prozess ist derzeit in vollem Gange und schafft, ebenso wie die Bearbeitungsverfahren der Berliner Ämter, die Voraussetzung für eine einmalige Durchdringung von städtischem Leben, europäischer Geschichte und künstlerischer Fiktion. * DAU Freiheit – Ein Berliner Kunstprojekt Berlin wird am 12. Oktober 2018 den Welturaufführungs-Parcours von DAU eröffnen. Veranstalter sind die Berliner Festspiele. Rund um die Präsentation von DAU im Kronprinzenpalais Unter den Linden wird ein besonderer Erlebnisraum installiert, der das Areal zwischen Bebelplatz und Kommandantur umfassen wird. Die vierwöchige Berliner Präsentation steht unter dem Motto „Freiheit“, ab 23. November 2018 folgt in Paris „Brüderlichkeit“, Anfang 2019 in London „Gleichheit“. Die Idee ist, in Berlin-Mitte ein Areal zu definieren, das temporär zu einer abgeschlossenen eigenen Stadt in der Stadt wird, ähnlich dem „Institut“, das Ilya Khrzhanovsky für die Dreharbeiten in Charkiw errichtete. Dazu wird das bespielte Areal durch eine temporär installierte Mauer umgrenzt – sie ist eine baugleiche Rekonstruktion der originalen Berliner Mauer. Innerhalb des von ihr eingefassten Areals entsteht ein Ort, der die fiktive Welt des Projekts mit der konkreten Situation des Quartiers verbindet und einen narrativen Raum in der Größe eines Stadtviertels errichtet. Berlin war eine von der Mauer durchschnittene Stadt – nirgends sonst hat der Konflikt der Nachkriegsimperien so unmittelbar in die Lebenswirklichkeit einer Stadtbevölkerung eingegriffen wie hier: Mauerstreifen, Blockade, Fluchtopfer, Tunnel und Wachtürme – tief hat sich die Zeit der Teilung in die Erinnerung der Berliner*innen eingeprägt. „Freiheit“ war in Berlin nie nur ein Wort, sondern immer ein fragiler, zu verteidigender, herbeigesehnter und erkämpfter Zustand. Es ist naheliegend und von großer Symbolkraft, dass das DAU-Projekt den Auftakt seines Weltpremieren-Parcours in Berlin plant. Die Räume Bespielt werden soll das Gelände von der Kommandantur (Bertelsmann Repräsentanz) bis zur Staatsoper, d.h. von der Straße Unter den Linden bis zur Französischen/Werderschen Straße und vom Spreekanal bis zum Bebelplatz, über dessen Tiefgarage das Areal erschlossen wird. In diesem Bereich wird die DAU Welt ins Reale erweitert, ohne jedoch die Alltagsaktivitäten der Anrainer*innen und Institutionen einzuschränken. Der Besucher*innen- und Mitarbeiter*innenverkehr der Institutionen kann durch spezielle Tore ungehindert stattfinden, genauso alle Formen von Lieferungen und Diensten. Das Leben im Areal geht ganz normal seinen Gang – Geschäfte und Restaurants haben geöffnet, Menschen gehen zur Arbeit, etc. Elemente der Ausstattung (Gestaltung der Straßen, Lampen, Beschilderung usw.) verweisen auf eine zweite Ebene, wobei es nicht darum gehen wird, eine visuelle Referenz zur Sowjetunion und/oder DDR herzustellen. Angestrebt ist die Impression einer Reise in ein fremdes Land. Die Räumlichkeiten des Kronprinzenpalais sind die Hauptspielstätte. Hier finden die Screenings des Filmmaterials statt, und die Fassade des Kronprinzenpalais wird mit einer Lichtinstallation bespielt werden, die das Geschehen im Inneren im Live-Stream abbilden. Um jedoch für die Besucher*innen das Gefühl entstehen zu lassen, in ein Paralleluniversum einzutreten, spielen die von der Mauer umschlossenen Nachbargebäude und Außenspielflächen eine große Rolle. In das Veranstaltungsprogramm einbezogen werden sollen der Schinkel Pavillon, die Bauakademie, Räumlichkeiten der Barenboim-Said-Akademie mit dem Pierre Boulez Saal, das Q-Parkhaus unter dem Bebelplatz sowie die diversen Freiflächen zwischen den Gebäuden. Mit den Nutzer*innen u./o. Eigentümer*innen der jeweiligen Gebäude finden dazu derzeit intensive Gespräche statt. Besucher*innen der Staatsoper, des Pierre Boulez Saals, der Bertelsmann-Repräsentanz und des Palais-Populaire der Deutschen Bank erhalten Zugang durch Extra-Eingänge und kommen nicht in Kontakt mit den DAU-Aktivitäten im Areal. Im gesamten von der Mauer umschlossenen Bereich wird eine Fußgängerzone eingerichtet, die einzig den für die Anwohner*innen und Institutionen nötigen Autoverkehr zulässt. Die Tore in der Mauer sind rund um die Uhr besetzt und fungieren als Zugänge für die Anwohner*innen, Lieferverkehr sowie Notausgänge, um das Areal im Notfall zu evakuieren. Über Beleuchtungstürme wird die Mauer von innen illuminiert, über Aussichts-Plattformen kann man über die Mauer in den Außenbereich schauen. Im öffentlichen Raum wird ein Shakespeare Theatre hinter dem Schinkel Pavillon platziert, in dem montags bis sonntags Lesungen, Konzerte, Performances stattfinden. An verschiedenen Stellen des Areals werden „Kabinki“ aufgebaut, kleine Einzel- oder Zweierboxen, in denen Gespräche nach und zu den Filmen und den Erfahrungen im Areal geführt werden. An drei Café-Bereichen gibt es Verpflegungsmöglichkeiten und auch technische Hilfe für alle möglichen Fragen (Help Desk). Zusätzlich sollen mobile Caféeinheiten und Food Trucks im Einsatz sein. Toiletten stehen im Kronprinzenpalais und in der Bauakademie zur Verfügung und werden ansonsten strategisch im Gelände platziert.
Berliner Festspiele, Berlin

Haus der Berliner Festspiele |Schaperstr. 24
10719 Berlin

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posted 11. Oct 2018

Sarah Lucas: Au Naturel

26. Sep 201820. Jan 2019
Sarah Lucas: Au Naturel 26.09.2018 - 20.01.2019 The New Museum will present the first American survey of the work of British artist Sarah Lucas (b. 1962, London, UK). Over the past thirty years, Lucas has created a distinctive and provocative body of work that subverts traditional notions of gender, sexuality, and identity. Since the late 1980s, Lucas has transformed found objects and everyday materials such as cigarettes, vegetables, and stockings into absurd and confrontational tableaux that boldly challenge social norms. The human body and anthropomorphic forms recur throughout Lucas’s works, often appearing erotic, humorous, fragmented, or reconfigured into fantastical anatomies of desire. Initially associated with a group known as the Young British Artists (YBAs), who began exhibiting together in London in the late 1980s, Lucas is now one of the UK’s most influential artists. This presentation, which will take place across the three main floors of the New Museum, will bring together more than 150 works in photography, sculpture, and installation to reveal the breadth and ingenuity of her practice. The exhibition will address the ways in which Lucas’s works engage with crucial debates about gender and power, along with the legacy of surrealism—from her clever transformations of everyday objects to her exploration of sexual ambiguity and the tension between the familiar and the disorienting or absurd. “Sarah Lucas: Au Naturel” will feature some of Lucas’s most important projects, including early sculptures from the 1990s that substitute domestic furniture for human body parts, and enlarged spreads from tabloid newspapers from the same period that reflect objectified representations of the female body. Alongside the photographic self-portraits that Lucas has produced throughout her career, the exhibition features biomorphic sculptures including her stuffed-stocking Bunnies (1997–ongoing) and NUDS (2009–ongoing), the Penetralia series (2008–ongoing), and selections from her installations at the Freud Museum in London (2000) and the British Pavilion at the Venice Biennale (2015). These works, which complicate inscribed codes of sexual and social normativity, have never been shown together in the United States. Lucas is also creating new sculptural works for the exhibition, which will be exhibited in an installation on the New Museum’s Fourth Floor. The exhibition is curated by Massimiliano Gioni, Edlis Neeson Artistic Director, and Margot Norton, Curator. The exhibition is accompanied by a fully illustrated catalogue copublished by the New Museum and Phaidon Press. The catalogue includes an interview with Sarah Lucas conducted by Massimiliano Gioni, as well as contributions by Whitney Chadwick, Anne Ellegood, Angus Fairhurst, Quinn Latimer, Maggie Nelson, Linda Nochlin, Margot Norton, and Anne Wagner. Sarah Lucas (b. 1962, London, UK) lives and works in Suffolk, UK. She was included in the now-legendary group exhibition “Freeze” (1988), organized by Damien Hirst at the Surrey Docks in London Docklands. For six months in 1993, she collaborated with fellow artist Tracey Emin on The Shop, for which the duo made and sold objects such as T-shirts, paper badges, and printed mugs in a London storefront. Lucas has since exhibited internationally, at institutions such as Tate Britain, London (2004); Tate Modern, London (2002); the Freud Museum, London (2000); Tecla Sala, Barcelona (2000); Museum Ludwig, Cologne (1997); Museum Boijmans-van Beuningen, Rotterdam (1996); Portikus, Frankfurt (1996); and the Museum of Modern Art, New York (1993). In 2005, a traveling retrospective of her work was shown at Kunsthalle Zürich, Kunstverein Hamburg, and Tate Liverpool. Recent solo exhibition include “Good Muse,” Legion of Honor, San Francisco (2017); “INNAMEMORABILIAMUMBUM,” Fondazione Nicola Trussardi, Milan (2016); “POWER IN WOMAN,” Sir John Soane’s Museum, London (2016); “Sarah Lucas,” Tramway, Glasgow (2014); the retrospective “SITUATION Absolute Beach Man Rubble” at Whitechapel Gallery, London (2013); “NOB + Gelatin,” Secession, Vienna (2013); and “Ordinary Things,” Henry Moore Institute, Leeds, UK (2012). Lucas represented Britain at the 2015 Venice Biennale with her exhibition “I SCREAM DADDIO.”

artist

Sarah Lucas 
New Museum, New York

235 Bowery
NY-10002 New York

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posted 10. Oct 2018

POLLY APFELBAUM - HAPPINESS RUNS

06. Sep 201813. Jan 2019
Die US-amerikanische Künstlerin Polly Apfelbaum setzt im Belvedere 21 erstmals sechs ihrer raumgreifenden Installationen zueinander in Beziehung. Die Gesamtkomposition, bestehend aus in Mexiko handgewebten Teppichen, tritt in einen Dialog mit der offenen, lichtdurchfluteten Architektur des Hauses. „Ihre Fähigkeit, Räume zu definieren und zu verwandeln, sowie der interdisziplinäre und einladende Charakter ihrer Kunst machen Polly Apfelbaum zur idealen Künstlerin für die erste Ausstellung im wieder frei erlebbaren Obergeschoss des Schwanzer-Baus“, so Stella Rollig, Generaldirektorin und Kuratorin. Seit Ende der 1980er-Jahre ist Polly Apfelbaum aus der amerikanischen wie auch der internationalen Kunstszene nicht mehr wegzudenken. Charakteristisch für ihr vielschichtiges OEuvre ist eine hybride Ästhetik, in der Traditionen aus Skulptur, Malerei, Handwerk, Design und Installation ineinander übergehen. Die Künstlerin bedient sich einer Vielzahl von Medien, um die Grenzen zwischen Kunst und Handwerk auszuloten. Sie experimentiert mit Keramik, Textil, Papier und handgewebten Teppichen. Apfelbaum geht es darum, das mit Häuslichkeit und Weiblichkeit behaftete „Stigma“ des Kunsthandwerks zu überwinden. „Wir müssen weg davon, Wörter wie Kunstgewerbe und Design zu stigmatisieren, damit diese Begriffe nicht mehr dazu verwendet werden können, gewisse Arbeiten auszugrenzen, Arbeiten, die meist mit Frauen assoziiert werden“, erläutert die Künstlerin im Ausstellungskatalog. Farbe, visuell wie auch formal, ist ein Schlüsselelement in Polly Apfelbaums Schaffen. Themen wie Feminismus und Spiritualität, kunsthistorische Zitate, sowie Bezüge zu populärer Druckgrafik und Comics sind ihrer Kunst immanent. Die Auseinandersetzung mit künstlerischen Vorbildern wie u. a. Gene Davis, Morris Louis, Andy Warhol oder die Beschäftigung mit stilistischen Einflüssen wie Color-Field- Malerei, Pop Art, Abstraktem Expressionismus und Minimal Art sind manchmal offensichtlich und manchmal nur versteckt wahrnehmbar. Die Künstlerin verknüpft unterschiedliche Gedanken und Erzählstränge und setzt diese Bestandteile zu neuen, eigenständigen Werken zusammen. Ihre Arbeiten bewegen sich an der Grenze zwischen Abstraktion und Narration, verweigern sich jedoch einer eindeutigen Zuschreibung. Seit den 1990er-Jahren nutzt Polly Apfelbaum den Boden als Präsentationsfläche für ihre Fallen Paintings. Teppiche stellen eine Verdichtung vieler Facetten ihrer radikalen künstlerischen Praxis dar. Der Teppich interessiert die Künstlerin zum einen als häuslicher Gegenstand, zum anderen in seiner Bedeutung für Nomadenvölker: Wo auch immer er ausgebreitet wird, definiert er ein Zuhause. Apfelbaum schafft damit (Versammlungs-)Räume, in denen Kunst wie in einem sakralen Raum erlebbar ist. Polly Apfelbaums ortsspezifische Arbeiten treten in einen Dialog mit der Umgebung, dem Standort und der Architektur. Im Belvedere 21 findet Apfelbaums konzentrierte Auseinandersetzung mit Raum, Farbe, Form und Materialität eine konsequente Weiterentwicklung. Die Künstlerin interessiert hier insbesondere die Geschichte des Raums – ein spätmodernes, ursprünglich als Pavillon für die Expo 1958 in Brüssel entworfenes Gebäude, das abgebaut und nach Wien transferiert wurde. Auch ihre Arbeit hat mit der Verlagerung, der Verpflanzung und dem Zusammenfügen von Fragmenten zu tun. Im Sinne des Jahresmottos des Belvedere 21 „Spirit of '68“ basiert der Titel der Ausstellung auf dem Donovan-Song Happiness Runs in a Circular Motion aus dem Jahr 1968. Die schlichte, eindringliche Form des Kanons lässt sich auch auf die Ausstellung übertragen. Mit Happiness Runs bespielt die Künstlerin erstmals den großen, weiten Raum fast ausschließlich mit auf dem Boden liegenden Teppicharbeiten. Die Installationen sind (ohne Schuhe) begeh- und erlebbar. Die Künstlerin ermöglicht den Besucherinnen und Besuchern ein unmittelbares Eintauchen in die gewebten Farbfelder. Die Ausstellung ist als offener Kontemplationsraum zu verstehen und als eine freundliche Einladung zur Teilhabe.

curator

Stella Rollig 
Belvedere, Wien °

Prinz Eugen-Straße 27
A-1030 Vienna

Austriashow map
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posted 09. Oct 2018

BLACK HOLE. Art and Materiality from Informal to Invisible

04. Oct 201806. Jan 2019
BLACK HOLE. Art and Materiality from Informal to Invisible 04.10.2018 - 06.01.2019 EXHIBITING ARTISTS: Karel Appel, Hicham Berrada, Alberto Burri, Christo, Gino De Dominicis, Evelina Domnitch & Dmitry Gelfand, Jean Dubuffet, Simone Fattal, Jean Fautrier, Urs Fischer, Lucio Fontana, Alberto Giacometti, Lydia Gifford, Cameron Jamie, Asger Jorn, Hans Josephsohn, Anish Kapoor, Anselm Kiefer, Leoncillo Leonardi, Piero Manzoni, Nicola Martini, Luca Monterastelli, Movimento Arte Nucleare (Enrico Baj, Joe Colombo, Sergio Dangelo), Gastone Novelli, Tancredi Parmeggiani, Florence Peake, Carol Rama, Milton Resnick, Auguste Rodin, Medardo Rosso, Thomas Ruff, Ryan Sullivan, Antoni Tàpies, Jol Thomson, William Tucker. From 4 October 2018 to 6 January 2019, Bergamo’s GAMeC – Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea presents the exhibition Black Hole. Art and Materiality from Informal to Invisible, the first exhibition in an ambitious three-year research programme dedicated to the theme of matter, conceived by Lorenzo Giusti, developed with GAMeC curator Sara Fumagalli, and with the scientific input of the physician Diederik Sybolt Wiersma and the collaboration of BergamoScienza. Activating a dialogue with the history of scientific and technological discoveries, as well as exploring the development of aesthetics theories, Black Hole showcases the work of those artists who have explored the material element’s most intrinsic significance, where the actual concept of “matter” shatters to open up a profounder idea of “matter” as an original element, as the primordial substance that constitutes everything. In particular, the exhibition intends to narrate this dimension in three different perspectives: the first, of those who looked to the tangible, material element as a primary entity, preceding or alternative to form; second, of those who interpreted human nature as part of a broader material discourse; thirdly, of those who embarked on the penetration of matter, pushing the boundaries of materiality itself, grasping its infinitesimal and energetic dimension. Relying on an extensive selection of artworks produced from the end of the nineteenth century to the present day, the exhibition aims to provide a single and integrated overview of this precious dialectic that shifts from the materiality of the Informal to that of the Invisible, extremes that are only superficially antithetic but in reality coexist and complement each other.
GAMeC Bergamo

Via San Tomaso, 53
24121 Bergamo

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posted 08. Oct 2018

GUSTAV METZGER

07. Sep 201813. Oct 2018
opening: 06. Sep 2018 19:00
Halluzinatorische Traumgespinste Zu den Zeichnungen von Gustav Metzger aus den 1950er Jahren In der zeitgenössischen Kunstwahrnehmung ist Gustav Metzger bekannt als Schöpfer der "autodestruktiven" und der "autokreativen" Kunst, als Autor zahlreicher Manifeste, die meist das große Ganze ins Blickfeld nahmen und als Initiator eines Kunststreiks, mit dem er auf die prekären Bedingungen, unter denen Künstler arbeiten, hinweisen wollte. Ein Konzeptmensch somit, der, nicht ganz unähnlich etwa einem Marcel Duchamp, wenn auch mit anderen Mitteln und Strategien, Möglichkeiten und Grenzen des Künstlerischen in der posttraumatischen Epoche nach dem Zweiten Weltkrieg ausloten wollte. Dass es darüberhinaus im Werk von Gustav Metzger noch riesige Konvolute an Zeichnungen gibt - also eine vergleichsweise konventionelle künstlerische Ausdrucksform - ist eine Überraschung und erst seit relativ kurzer Zeit bekannt: Viele Zeichnungen und Skizzen, die man den frühen 1950er Jahren zuordnet, die aber weder datiert noch signiert sind, wurden auf dem Dachboden eines entfernten Verwandten gefunden, wo sie jahrzehntelang unbeachtet lagerten. Für die Kunstöffentlichkeit mag das Auftauchen dieser Werke ein Schock gewesen sein, der die Figur Gustav Metzger in ein völlig neues Licht rückt, für den Künstler selbst war sie ein logischer Entwicklungsschritt im Rahmen seiner Ausbildung: Er habe lange in der Zeichenklasse von David Bomberg gelernt: "Da mussten wir nach dem Leben und nach der Natur arbeiten. Gelegentlich zeichneten wir die Sankt Pauls-Kathedrale." Dieser quasi-akademische Hintergrund wirkt zumindest in Spurenelementen auf die Massen an Zeichnungen, die bis 1959, kurz vor der Veröffentlichung des ersten Manifestes, entstanden. Es sind Arbeiten, die in ihrer klaren Gliederung - mal vertikal, dann wiederum diagonal - an Architekturzeichnungen erinnern. Metzger hat ja immer wieder darauf hingewiesen, wie sehr es ihn fasziniere, dass aus einer kleinen Skizze auf einer Papierserviette ein riesiges Gebäude wie das Shard-Building in London entstehen könne. In seinen Drawings gewinnt der Betrachter den Eindruck, dass sich im abstrakten Liniengewebe und in den mit roten und violetten Kreidetönen aufs Blatt geworfenen Schraffuren, wie durch einen Gazeschleier betrachtet, Figurationen entbergen lassen, die aber weniger klar erkennbare Formationen sind, als halluzinatorische Traumgespinste. In Farben und Formen gefasste Visionen von möglichen Architekturen, die sich als schwach konturierte Zukunftspotentiale seriell zu faszinierenden Konstellationen zusammenfügen lassen, die erst in der Masse ihre suggestiven Wirkungen zu entfalten wissen. In Gustav Metzgers Zeichnungen finden Tradition und abstrakt-expressionistische Gegenwart in einer Art von dessin automatique zueinander. Es geht um den unmittelbaren Transfer von Vorstellung und materieller Konkretion auf dem Papier, der sich offenbar nur in der Maximalisierung der Produktion erreichen ließ. Hier scheint der Metzger'sche Imperativ, der auf die Zerstörung des Kunstwerkes zielte, nicht wirkmächtig geworden zu sein. Die Zeichnungen besiedeln einen dritten Raum zwischen Autodestruktion und Autokreation und sind eben überhaupt nicht auto, sondern nur durch die gestalterische Hand des Künstlers herzustellen, der in der Formenverwirbelung und der emotionalen Agitation, die seine Blätter imprägnieren, durchaus Clement Greenberg zu folgen scheint, der etwa zur selben Zeit über die amerikanischen Abstrakten geschrieben hat: "Die Farbigkeit, das Vertikale, das Konzentrische, die Verschränkung von Formen, all das existiert nicht um seiner selbst, sondern zuallererst um des Gefühls willen. Wenn diese Arbeiten als Ausdruck und Vermittler von Gefühlen scheitern, so scheitern sie gänzlich." (Thomas Miessgang, 2018)
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posted 07. Oct 2018

Adrian Piper: Concepts and Intuitions, 1965-2016

07. Oct 201806. Jan 2019
Adrian Piper: Concepts and Intuitions, 1965-2016 07.10.2018 - 06.01.2019 A selection from the most comprehensive exhibition to date of the work of Adrian Piper comprises over 260 works from the wide range of diverse mediums that Piper has explored for over 50 years. Adrian Piper: Concepts and Intuitions, 1965-2016 is a selection from the most comprehensive exhibition to date of the work of Adrian Piper (b. 1948, New York), the result of a four-year collaboration between Piper, the Hammer Museum, Los Angeles, and The Museum of Modern Art’s Department of Drawings and Prints. This inclusive retrospective comprises over 260 works gathered from public and private collections around the world. The exhibition will encompass the wide range of diverse mediums that Piper has explored for over 50 years: drawing, photography, video, multimedia installation, performance, painting, sculpture, and sound. The exhibition will be Piper’s first American museum exhibition in over 10 years, and her first since receiving the Golden Lion Award for Best Artist in the 56th Venice Biennale of 2015 and Germany’s Käthe Kollwitz Prize for 2018. Adrian Piper has consistently produced groundbreaking, transformative work that has profoundly shaped the form and content of Conceptual art since the 1960s. Strongly inflected by her longstanding involvement with philosophy and yoga, her pioneering investigations into the political, social, psychological, and spiritual potential of Conceptual art have had an incalculable influence on artists working today. Adrian Piper: Concepts and Intuitions, 1965-2016 is organized by The Museum of Modern Art, New York. The exhibition is organized by Christophe Cherix, The Robert Lehman Foundation Chief Curator of Drawings and Prints, The Museum of Modern Art; Connie Butler, chief curator, Hammer Museum, Los Angeles; and David Platzker, former curator, The Department of Drawings and Prints, The Museum of Modern Art; with Tessa Ferreyros, curatorial assistant, Department of Drawings and Prints, The Museum of Modern Art. The Hammer’s presentation is organized by Connie Butler and Erin Christovale, assistant curator, with Vanessa Arizmendi, curatorial assistant.

artist

Adrian Piper 
Hammer Museum, Los Angeles °

UCLA / ARMAND HAMMER MUSEUM | 10899 Wilshire Blvd.
CA-90024 Los Angeles

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posted 05. Oct 2018

Uwe Lausen

21. Sep 201809. Nov 2018
opening: 20. Sep 2018 19:00
Uwe Lausen 21.09.2018 - 09.11.2018 Eröffnung am: 20.09.2018 19:00 Uwe Lausens (1941-1970) Werk ist geprägt von diversen Einflüssen unterschiedlichster Kunstströmungen. Während seine frühen Arbeiten der Art Brut folgen, interessierte sich Lausen in Folge immer mehr für die Künstlergruppe CoBrA und die provokante Kunst der Wiener Aktionisten. Die Sakralisierung der Aktionen entsprach dem Querdenker. Langjährige Wegbegleiter und Freunde, wie Franz Böckelmann charakterisieren Uwe Lausen als „Intellektualbestie“, die es verstand mit Intellekt die Autorität seiner Lehrer zu untergraben. In einer Generation, die durch Daniel Defoes Robinson Crusoe geprägt war und dadurch die anti-kannibalistischen Anschauungen des Christenmenschen vermittelt bekam, entwickelt Lausen eine sehr eigene Weltanschauung. Dementsprechend verweigerte er auch das klassische Akademiestudium und lernte autodidaktisch. Unterstützung suchte er dabei bei Künstlern wie HP Zimmer, Mitglied der Gruppe SPUR, der den jungen Lausen als Künstlerlehrling bei sich aufnahm. Über diese Kontakte wurde er auch Teil der Situationistischen Internationale, bis er 1965 aus der Bewegung ausgeschlossen wurde. Zu diesem Zeitpunkt wurde er bereits als Stern am Künstlerhimmel gefeiert, der in Ausstellungen gemeinsam mit Größen wie Sigmar Polke, Georg Baselitz oder Gerhard Richter gezeigt wurde. Einerseits können seine Arbeiten als künstlerische Reaktionen auf politische und soziale Geschehnisse seiner Zeit gelesen werden - reale Begebenheiten, deren Widersprüchlichkeiten Lausen zur Malerei inspirierten. Andererseits verlieren die dargestellten Räume und Welten zunehmend den Realitiätsbezug, indem die Grenzen aufgelöst und Böden entfernt werden. Seine Auseinandersetzung mit dem Körper als Deformationsmasse, die in seinen Arbeiten Unbekannte Komposition, figürlich (Auge Ohr Landschaft) (um 1964)oder auch Ohne Titel (Landschaft, Fleischerlandschaft, Fleischerlandschaften) (1964) zu sehen ist geht auf seine intensive Beschäftigung mit Francis Bacon zurück - neben Asger Jorn der einzige Künstler, den er als Vorbild direkt benannte. Nachdem er sich zwischen 1965 und 1966 mit Arbeiten wie Geometer (Dezember 1965) „von der Pop-Art zum kühlen Realismus“ entwickelte, wie Axel Hinrich Murken es nannte, fand Lausen kurz darauf wieder zu seiner alten Bildsprache zurück, die von Schärfe und Brutalität geprägt war. Das deutsche Wohnzimmer angedeutet durch Blümchentapeten und Sitzmöbel wird spätestens ab 1967 zum Schauplatz schauriger Szenen, wie Verbrechen, Mord und Vergewaltigung. Politische Ereignisse, wie die Einsetzung des ehemaligen NS-Heeres- und Marinerichter Hans Filbinger als Ministerpräsident in seiner Heimat Baden-Württemberg zeigten eine Doppelmoral, die für den Analytiker Lausen das Bild des Menschen von Beginn an nachhaltig prägte. Menschen werden in seinen Arbeiten zu Stoffwechselmaschinen degradiert, deren einzige Aufgaben die Grundfunktionen abdecken: Die Nahrungsaufnahme und das Ausscheiden. Die Welt, in der sich diese Wesen bewegen, entwickelt sich zu einem immer offeneren Raumkonstrukt ohne Bezug zur Schwerkraft. Diese vermeintliche Freiheit wird allerdings in einigen Arbeiten durch die Präsenz von Agenten oder Offizieren und Militärangehörigen in Frage gestellt, denn es sind gerade sie, die in seinen Bildern politische und soziale Grenzen symbolisieren. Aus der Serie der von Murken als Soldatenbilder bezeichneten Arbeiten stammt auch die Arbeit Jagd auf das letzte Fleisch (1967). Ein schwarz-weiß dargestellter Söldner vor farbigem Hintergrund schießt mit dem Gewehr um sich, wobei anstelle von Patronen Farbgeschosse den Lauf verlassen. Die im Raum schwebenden, menschlichen Ziele erinnern dabei an Versatzstücke aus Werken Michelangelos. Zu seiner letzten Schaffensphase gehört die aus elf Siebdrucken bestehende Mappe Stoffwechsel (1968), in der die menschlichen Figuren zunehmend aus den Bildern verschwinden. Ins Zentrum rücken Rohre, Tuben und Stühle, die sehr plakativ und stark reduziert dargestellt werden. Viele Elemente und Motive in seinen Arbeiten sind auf die halluzinogene Wirkung der Drogen, die er regelmäßig konsumierte, zurückzuführen. 1970, im Alter von gerade einmal 29 Jahren setzte er seinem Leben ein Ende, als er sich im LSD-Rausch die Pulsadern im elterlichen Haus aufschnitt. In gerade einmal neun Jahren erarbeitete Lausen ein umfangreiches und vor allem auch facettenreiches Œuvre, das bis heute von verschiedenen Experten als Vorläufer der einige Zeit später aufstrebenden Wilden Malerei, gesehen wird. Vermutlich war sein Opus noch um einiges umfangreicher als heute bekannt. Etwa 400 Papierarbeiten, 25 Grafiken, ein Objekt und zwei Gipsplastiken gelten als verschollen. Kunstraum Innsbruck und DASMAXIMUM KunstGegenwart.

artist

Uwe Lausen 
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posted 04. Oct 2018

Superstition

22. Sep 201825. Nov 2018
opening: 21. Sep 2018 17:00
Superstition 22.09.2018 - 25.11.2018 OPENING: Friday 21.09.2018 17:00 When you spill salt, do you throw some over your shoulder? Do you knock on wood when you want something good to happen or blow out birthday candles after making a wish? What about stepping on sidewalk cracks, killing spiders, shattering mirrors and opening an umbrella indoors? Curator, artist and magic thinker Erich Weiss assembled a wonderful cast for this subject: Nina Beier & Simon Dybbroe Møller, Otto Berchem, Pierre Bismuth, Santiago Borja, Ulla von Brandenburg, Stefan Brüggemann, Lilibeth Cuenca Rasmussen, Keren Cytter, Uri Geller, Joachim Koester, Germaine Kruip, Nils Nova, Joanna Piotrowska, John Stezaker and Mungo Thomson. Artists have always had a fascination with phenomena that defy rational explanation. The surrealists were obsessed with the analysis and creative possibilities of dream states. Authors including Antonin Artaud, William S. Burroughs, and Alan Ginsberg explored (sometimes with help of drugs) the boundaries between reality and fiction. Directors Ingmar Bergman and Andrei Tarkovski captured the way superstition informed the imagination and consciousness. The show opens with the hearts stealing (visual) artist/magician Uri Geller. This miracle-monger from Israel became world famous with his tricks, like bending metal spoons with his mind. The artist Ulla von Brandenburg uses theatrical devices to make us doubt about what is real or not, possible or impossible. Keren Cytter exploits all possible special effects used in film industry for the realization of her videos. Joachim Koester takes us on a journey to a subterranean world; a ‘road used by the dead’. Germaine Kruip explores in a site-specific installation the mind-blowing forces of the Aranmula Kannadi objects of India.

curator

Erich Weiss 
Marres, House for Contemporary Culture, Maastricht

Capucijnenstraat 98
NL-6211 RT Maastricht

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posted 03. Oct 2018

Dorothea Tanning. Behind the Door, Another Invisible Door

03. Oct 201807. Jan 2019
Dorothea Tanning. Behind the Door, Another Invisible Door 03.10.2018 - 07.01.2019 Curatorship: Alyce Mahon Dorothea Tanning (1910–2012) is widely regarded as one of the twentieth century’s most important and multifaceted women artists, an association, however, which she spurned: “Women artists. There is no such thing — or person. It’s just as much a contradiction in terms as ‘man artist’ or ‘elephant artist’. You may be a woman and you may be an artist; but the one is a given and the other is you”. Tanning developed her extensive, exhaustive and expressive body of work between the USA and France, producing paintings, drawings, costume and set designs for ballets, “soft” sculptures, novels and poems. Her work tells stories which are etched into a personal universe she used to give meaning to modern life and, in a surreal setting — brimming with fantasy and phantoms — shaped in a space which is at once seductive and pernicious. The exhibition revolves around themed rooms drifting through the periods which were integral to Tanning’s career — spanning childhood and family scenes, girls dressed in Victorian clothing, baroque and bucolic nudes, red-rock deserts, and representations of flowers, highly pertinent in her mature work. Moreover, her installations include Chambre 202, Hôtel du Pavot [Poppy Hotel, Room 202] (1970–1973), with amorphous sculptures inviting visitors to see, feel and be part of the surreal world she inhabits. Tanning breaks down the distance between artwork and spectator, seeking to make her work an invitation to transcend rather than reflect the world. A female-dominated world of open doors and revelations brings on chaos in a traditional domestic space that pulses and arouses a strange curiosity. Do we dare to enter her fairy tale, a house with open doors, a residence inhabited by odd creatures, to move into a sunburnt landscape? In the words of the artist: “I wanted to lead the eye towards spaces that hid, revealed, transformed all at once and where there would be some never-before-seen image, as if it had appeared with no help from me”.

curator

Alyce Mahon 
Museo Reina Sofia, Madrid °

MUSEO NACIONAL CENTRO DE ARTE REINA SOFIA MNCARS | Santa Isabel 52
28012 Madrid

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posted 02. Oct 2018

LEDA BOURGOGNE | IDA EKBLAD

08. Sep 201818. Nov 2018
opening: 07. Sep 2018 19:00
LEDA BOURGOGNE | IDA EKBLAD VILLA SALVE HOSPES 08.09.2018 - 18.11.2018 Eröffnung: Freitag, 07.09.2018 19:00 Uhr Im Rahmen der Duo-Ausstellung treffen mit Leda Bourgogne und Ida Ekblad zwei Künstlerinnen aufeinander, die sich an den Schnittstellen der Malerei und der Poesie bewegen. In der Beschäftigung mit der Sprache, dem Körper und dem Unterbewussten widmet sich Leda Bourgogne Machtverhältnissen und Identitätskonstruktionen. Stoffe aus der Bekleidungsindustrie wie Samt und Jersey, die den Grunge der 1990er Jahre zitieren oder hautähnliches und fetischisiertes Latex verarbeitet sie in ihren Malereien, die sie wie einen liebenden oder leidenden Körper behandelt. In Ida Ekblads plakativen sowie expressiven Arbeiten lassen sich Gesten aus der Popkultur wie dem Graffiti und dem Comic wiederfinden. Ob mit Airbrush oder dick aufgetragenen Materialeffekt-Farben wie auf Sweatshirts der 1980er Jahre – Ida Ekblads künstlerische Praxis ist prozessorientiert und zeugt von einem anarchischen Geist. Leda Bourgogne (*1989 in Wien, AT) lebt und arbeitet in Berlin. Nach einem Studium der Germanistik und Literaturwissenschaft absolvierte sie 2017 als Meisterschülerin ihr Studium der Bildenden Kunst an der Hochschule für Bildende Künste – Städelschule Frankfurt am Main. Ihre Arbeiten präsentierte sie u.a. in Einzelausstellungen bei BQ, Berlin (2018), bei Marbriers 4, Genf (2016) sowie in Gruppenausstellungen im MINI/Goethe-Institut Ludlow 38, New York (2017) und im Nassauischen Kunstverein Wiesbaden (2018). Ida Ekblad (*1980 in Oslo, NO) lebt und arbeitet ebenda. Sie studierte am Central St. Martins College of Art in London, an der National Academy of Art in Oslo sowie an der Mountain School of Arts in Los Angeles. Neben der Teilnahme an der Venedig Biennale 2017 und 2011 waren ihre Arbeiten in zahlreichen internationalen Ausstellungen zu sehen, darunter Einzelpräsentationen bei Herald St., London (2017), im Kunsthaus Hamburg (2017), in der Bonniers Konsthall Stockholm (2010), in der Bergen Kunsthall (2010) und im Rahmen einer Gruppenausstellung im Palais de Tokyo, Paris (2010). GÄSTEZIMMER: LUZIE MEYER Als Kommentar oder Kontrast zur jeweiligen Hauptausstellung werden Künstler_innen und Kurator_innen eingeladen, jenen Raum zu bespielen, der in der Villa Salve Hospes ursprünglich als Gästezimmer genutzt wurde. Auf Einladung von Leda Bourgogne wird Luzie Meyer (*1990 in Tübingen) einen neuen Videotrailer und Scripts der Arbeit The Flute (2018) präsentieren. Ausgehend von performativen und textlichen Arbeiten, überträgt die Künstlerin philosophische Ideen in alltägliche, bewusst banale Kontexte. Kuratorin: Jule Hillgärtner Kuratorische Assistentin: Miriam Bettin

artists & participants

Leda Bourgogne,  Ida Ekblad 
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posted 01. Oct 2018

José María Mellado. Cuba. The other side of the mirror

07. Sep 201827. Oct 2018
opening: 07. Sep 2018 18:30
im Studio: José María Mellado. Cuba. The other side of the mirror – Ausgewählte Photographien 07.09.2018 - 27.10.2018 Zur Eröffnung am Freitag, den 7. September 2018 um 18.30 Uhr laden wir Sie und Ihre Freunde herzlich ein. Der Künstler ist anwesend. Bitte beachten Sie unsere besonderen Öffnungszeiten zu den "DÜSSELDORF COLOGNE OPEN GALLERIES 2018": Freitag, 7. September von 18.00 bis 22.00 Uhr Samstag, 8. September von 12.00 bis 20.00 Uhr Sonntag, 9. September von 12.00 bis 18.00 Uhr Bitte beachten Sie unsere besonderen Öffnungszeiten zur "INTERNATIONALEN PHOTOSZENE-KÖLN 2018": Freitag, 28. September bis 22.00 Uhr Samstag, 29. September bis 19.00 Uhr Sonntag, 30. September von 11.00 bis 19.00 Uhr * Zeitgleich und anlässlich des Internationalen Photoszene Köln-Festivals 2018 zeigt die Galerie im Studio eine Photo-Ausstellung des 1966 in Almeria geborenen Spaniers José María Mellado. Die Ausstellung "Cuba. Al otro lado del espejo" – "Cuba. The other side of the mirror" konzentriert sich auf fünf großformatige ChromaLuxe-Photographien aus den Jahren 2006 – 2016. Für Mellado ist Kuba eines der aktuellsten Länder der Welt. "Für mich war es die Faszination für Schönheit, die im Vergänglichen liegt. Und das seltsame Gespür der Affinität, das ich vom ersten Moment an hatte." Der Titel "The other side of the mirror" verleiht den Bildern, die von vergangenen und aktuellen Zeiten erzählen, ihre poetische Bedeutungsebene. In seinen Photographien entwickelt der Künstler eine Bildsprache, in der die Frage nach der Beschaffenheit von Zeit immer spürbar ist. Mellado begegnet den Menschen in den Strukturen, in denen sie leben, und findet statt großer Wahrzeichen kleine Symbole, um die Stimmung einzufangen. Die Sensibilisierung und Erweiterung unserer Wahrnehmung einer scheinbar bekannten Realität zeichnen seine Arbeiten aus.
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posted 30. Sep 2018

František Kupka 1871–1957

06. Sep 201820. Jan 2019
František Kupka 1871–1957 06.09.2018 - 20.01.2019 Curator: PhDr. Anna Pravdová, Ph.D. The National Gallery Prague is preparing a retrospective of the work of František Kupka 1871–1957 in collaboration with the French Reunion de musées nationaux – Grand Palais and Ateneum Art Museum in Helsinki, Finland. The exhibition will show Kupka’s entire oeuvre, from his early works of the 1890s to his abstract artworks of the 1950s. Owing to cooperation with the French partner, a unique collection of oil paintings, works on paper, prints and documentary material could be assembled, and will be presented in the Grand Palais in Paris in spring 2018, then in the National Gallery in Prague in autumn 2019 (in an altered form) and then the Ateneum Art Museum in Helsinki in spring 2019. The Prague exhibition will show artworks from the National Gallery in Prague as well as the Centre Pompidou in Paris, the Guggenheim Museum in New York and the Albertina Museum in Vienna. The chronological exhibition will be divided by theme to allow the viewer to follow the artist’s path from symbolism to abstraction (of which Kupka was an originator). The retrospective will focus on Kupka’s symbolist paintings, first expressionist portraits, path to abstract art, colour verticals, vocabulary of forms and colours, machinism and geometric abstraction. The many artworks on paper will show Kupka as a satirical draughtsman and brilliant illustrator, an artist interested in philosophy, Greek and Roman art, religion and science. Exhibition organized by the National Gallery Prague, the Réunion des musées nationaux – Grand Palais, the Centre Pompidou and the Ateneum Art Museum / Finnish National Gallery.

curator

Anna Pravdova 
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posted 29. Sep 2018

VAN GOGH

01. Sep 201820. Jan 2019
VAN GOGH Experience Vincent van Gogh at ARKEN in a wide-ranging exhibition about art, man, nature and faith. 01.09.2018 - 20.01.2019 For the first time in 50 years It is more than 50 years since the Danish public has been able to experience a large exhibition devoted exclusively to van Gogh’s paintings and drawings. In a unique collaboration with the Kröller-Müller Museum, The Netherlands, ARKEN now open its doors for a wide-ranging exhibition of van Gogh’s works with a focus on the relations among art, humanity, nature and religion. ’The guy with the ear” Vincent van Gogh (1853-90) is one of the most famous artists to have walked this earth. Notorious for having cut his ear off. Loved for his moving paintings and letters, which give us intimate insights into his life and thoughts. For Van Gogh life and art were a hard struggle. Yet he was able to create an original artistic idiom that demonstrates his profound belief in the cosmic unity of man and nature. ARKEN’s exhibition shows with 28 paintings and 11 drawings how his depictions of hard-working farm labourers and captivating landscapes in Arles were meant to express the divine in nature and mankind at a time of new departures in society when traditional faith was coming under pressure from modern philosophy and science. What am I in the eyes of most people? A nonentity or an oddity or a disagreeable person — someone who has and will have no position in society, in short a little lower than the lowest. Very well…, then through my work I’d like to show what there is in the heart of such an oddity, such a nobody. Vincent van Gogh in a letter to Theo van Gogh, July 1882 THE INNER LIFE OF NATURE Van Gogh’s landscapes are not charming postcards frozen in time. Everything lives and moves. The earth swells, the trees breathe and the heavenly bodies follow their courses. From childhood Van Gogh was preoccupied with the close study of nature. All his life he wandered on foot through the landscapes he lived in, and as an artist he preferred to paint under the open sky. Over time Van Gogh developed a quite personal Christian faith. He did not attend church. He found the divine outside the church in everything living, from a dandelion in seed to the intense sea of beams of the sinking sun. I PLOUGH MY CANVASES In a letter from 1889 Van Gogh wrote: “I plough on my canvases as the peasants do in their fields.” When Van Gogh ploughed the canvas with his brush, he immersed himself in the loam, the olive groves and the quiet corners in the rambling garden of the psychiatric hospital in Saint-Rémy. He asked himself how he could make himself useful – like the diligent peasant – as an artist in the world. The answer for him was to sow the divine message of beauty in the world through his painting. In The Sower Van Gogh gathers his ideas about the artist as someone who shows us the spiritual depths of nature by creating beautiful depictions of it. The sower is the protagonist of the Biblical parable about spreading the word of God. At the same time he is a quite ordinary peasant who works to the rhythm of nature. MOVIE SCREENING During the exhibition period there will be daily showings of the new Oscar-nominated film that brings Van Gogh’s famous subjects to life in fantastic animations. The film will be shown at 11 AM and 2 PM in ARKEN’s film auditorium. We reserve the right to cancel because of other events. The exhibition has been organised in association with the Kröller-Müller Museum, The Netherlands
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posted 28. Sep 2018

THE PUBLIC BODY .03

31. Aug 201828. Oct 2018
opening: 30. Aug 2018 18:00
THE PUBLIC BODY .03 31.08.2018 - 28.10.2018 Exhibition opening Thursday 30.08.2018 18:00 Kelly Akashi, Korakrit Arunanondchai, Badlands, Archie Barry, Kate Cooper, Hannah Donnelly, Cécile B. Evans, Doreen Garner, Angela Goh, Celia Hempton, Jess Johnson, Oliver Laric, Rachel Maclean, Jan Nelson, Patricia Piccinini, Jon Rafman, Tabita Rezaire, Jacolby Satterwhite, Yves Scherer, Francis Upritchard Curated by Talia Linz and Alexie Glass-Kantor THE PUBLIC BODY .03 is the final in a three-part series of exhibitions we have presented annually from 2016–18 exploring multifaceted ideas around the public body. In 2016, THE PUBLIC BODY .01 explored contemporary representations of the body and, in particular, the naked and/or sexualised body; as well as the politics of disclosure and subjectivity, the implications of nakedness and the contested space of the body in and through media and its mechanisms for exposure. In 2017, THE PUBLIC BODY .02 brought together the work of over forty artists and collectives from the 1970s to the present, integrating the archival and the contemporary to draw connections between works across decades. The second iteration highlighted a range of practices embedded in feminist, queer and anti-racist subjectivities, many that have been key to the revisioning of a certain biased history of representation and that address the individual and collective agency of the public body. THE PUBLIC BODY .03 situates the body as detached from or encompassing much more than mere physical form. This body is a rhizomatic network of associations and relationships, mediated by notions of the digital, the hybrid, the atemporal and the futuristic. Living in an era of what Paul Preciado terms ‘punk hypermodernity’, the body is not one but many things – melancholic, lonely and alien; but also hyper-conscious, humorous, resilient and versatile. Participating artists explore the effects of information technology and image saturation on the contemporary psyche, with futuristic dystopias where hybrid creatures abound. They engage with the vast detritus of visual culture, often ‘fishing’ the Internet to collect representations with a raft of associations – a collective déjà vu. Practices draw on dreams, nightmares and unconscious imaginings to speak to the complexity of our troubling present and speculate on alternate possibilities. The production of selfhood in a contemporary landscape governed by hypercapitalism and over-consumption is central to this third iteration. Along with social, cultural and political factors, artists consider how advancing technology allows us to craft subjectivity and our own self-image. As Archie Barry intones in their work: ‘This is how matter thinks about itself – solipsistic, egoic and desire-driven … always hungry’. Artists muse and speculate on the future of the body, looking forward but also referencing histories of mysticism, shamanism and altered states of consciousness. A number of works in the exhibition riff off the uncanny – a quality of feeling that comes to art from psychology and philosophy to describe more than the eerie, terrifying or mysterious, but the strangely familiar. At times the body as material is stretched to the point of disembodiment, remixed with the non-human, assimilating the other. Software, hardware and cognition become blurred. As the real and simulated become increasingly interchangeable, works circle around the question of what constitutes the human and where the seat of consciousness lies. Presenting the work of twenty contemporary artists, many never or rarely seen before in Australia, THE PUBLIC BODY .03 presents an open-ended conclusion to a series with many possible endings.

curator

Talia Linz 
artspace Sydney °

43 - 51 Cowper Wharf Road
NSW 2011 Sydney

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