daily recommended exhibitions

posted 14. Nov 2019

STAN DOUGLAS. SPLICING BLOCK

02. Nov 201901. Mar 2020
opening: 30. Oct 2019 07:00 pm
STAN DOUGLAS. SPLICING BLOCK 02.11.2019 - 01.03.2020 ERÖFFNUNG 30. Oktober 2019, 19 Uhr KÜNSTLERGESPRÄCH 1. November 2019, 18 Uhr Die JULIA STOSCHEK COLLECTION freut sich, eine Ausstellung des renommierten kanadischen Künstlers Stan Douglas (*1960, Vancouver) in Berlin zu präsentieren. Seit den späten 1980er Jahren arbeitet Stan Douglas in den Bereichen Film, Fotografie und Installation und lotet die Parameter der jeweiligen Medien aus. Der Künstler befragt in seinen Werken die Vergangenheit, durchbricht traditionelle Erzählstrukturen und verwischt Fakt und Fiktion. Die Ausstellung SPLICING BLOCK widmet sich der Beziehung zwischen Musik und Gesellschaft und ist zugleich eine Reflexion über die Medien Film und Fotografie. Die Werke rekonstruieren und imaginieren die 1960er und 70er Jahre – eine Zeit zwischen (De-)Kolonisierung und Migration, eine Zeit, in der Jazz, Underground Disco und Afrobeat musikalisch prägend waren. Zu sehen sind die frühe Zwei-Kanal Videoinstallation Hors-champs (1992), das sechsstündige Video Luanda-Kinshasa (2013) sowie großformatige Fotografien aus der Serie Disco Angola (2012). Luanda-Kinshasa hat der Künstler in einem dem legendären New Yorker Musikstudio „The Church“ nachempfundenen Raum aufgezeichnet; Hors-champs in einem Pariser Fernsehstudio. Die Fotografien der Serie Disco Angola zeigen inszenierte „Kostüm-Dramen in Fragmenten“ (Stan Douglas) aus dem postindustriellen New York und dem postkolonialen Angola – aufgenommen in Kalifornien. Ein „splicing block“ ist ein Werkzeug zum Schneiden und wieder Zusammensetzen von analogem Bild- und Tonmaterial. Die Präzision des Vorgangs hängt von den Fähigkeiten des Cutters ab – einmal geschnitten, kann der Vorgang nicht rückgängig gemacht werden. Stan Douglas beherrscht das Handwerk, verschiedene Orte und Zeiten spurlos zu verbinden. Es ist nicht nur die minutiöse Inszenierung beim Filmen bzw. Fotografieren, sondern vor allem die akribische Konstruktion im Schneideraum, welche die Betrachter*innen mühelos durch Raum und Zeit transportiert. Der Titel SPLICING BLOCK steht somit sinnbildlich für Stan Douglas’ Arbeitsmethode. Stan Douglas gilt als einer der bedeutendsten Vertreter zeitbasierter Medienkunst. Seine Werke sind erstmals seit 2001 wieder in einer Einzelausstellung in Berlin zu sehen. Kuratiert von Paola Malavassi, Leitung JSC Berlin. Die Ausstellung STAN DOUGLAS / SPLICING BLOCK ist Teil des Kulturprogramms im Rahmen von Kanadas Gastauftritt bei der Frankfurter Buchmesse 2020. Sie wird unterstützt durch das Canada Council for the Arts und die kanadische Regierung, vertreten durch die Botschaft von Kanada, Berlin.

artist

Stan Douglas 

curator

Paola Malavassi 
JULIA STOSCHEK COLLECTION BERLIN

JULIA STOSCHEK COLLECTION | Leipziger Strasse 60
10117 Berlin

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posted 13. Nov 2019

MICHAEL KIENZER

04. Oct 201911. Jan 2020
opening: 03. Oct 2019 07:00 pm
MICHAEL KIENZER 04.10.2019 - 11.01.2020 Eröffnung: Do 03.10.2019 19:00 Uhr
Elisabeth & Klaus Thoman, Innsbruck

GALERIE ELISABETH & KLAUS THOMAN | Maria-Theresien-Straße 34
6020 Innsbruck

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posted 12. Nov 2019

Marina Abramović, The Cleaner

21. Sep 201920. Jan 2020
Marina Abramović, The Cleaner The Museum of Contemporary Art, Belgrade 21.09.2019 - 20.01.2020 Conceived in close collaboration with the artist herself, the exhibition The Cleaner is the first major European retrospective of Marina Abramović. The exhibition made its debut in 2017 at the Moderna Museet (Stockholm, Sweden), and has subsequently travelled to the Louisiana Museum of Modern Art (Humlebæk, Denmark), Henie Onstad Kunstsenter (Oslo, Norway), Bundeskunsthalle (Bonn, Germany), Fondazione Palazzo Strozzi (Florence, Italy) and the Centre of Contemporary Art “Znaki Czasu” (Toruń, Poland). The Belgrade exhibition is the last stop on this tour, and it holds unique significance as it represents theartist’s return to her place of birth, where her career began, and where she last had a solo exhibition in 1975, at the Salon of the Museum of Contemporary Art. The exhibition chronologically reviews all of the phases of the artist’s multifaceted fifty-year long career. This begins with her early paintings (1960-1969) and conceptual works (1970-1972), followed by her solo performances (1973-1975) and works created with former professional and personal partner Ulay (1976-1988), a period in which she gained international acclaim. Finally, the artist’s solo career from 1991 to 2017, marks her establishment as one of the greatest artists of today. The exhibition showcases over 120 artworks, including paintings, drawings, objects, photographs, audio works, video installations, films, scenography, re-performances and archival materials. Among the works exhibited are anthological works of performance art (Rhythms, 1973-1974; Lips of Thomas, 1975; Relatonal works, 1976-1977; Nightsea Crossing, 1982-1986), as well as representative works from Abramović’s recent body of work (Balkan Baroque, 1997; The Artist is Present, 2010). The live segment of the exhibition is presented through the re-performances of Marina Abramović’s historical performances, which will be performed daily by local and international performers. In addition, the exhibition will include works that call for the active participation of the audience. As part of the exhibition, Marina Abramović will hold a public lecture, and a Master Class for young artists. The accompanying programme of The Cleaner includes film screenings, lectures about performance art and guided tours through the exhibition. Marina Abramović (Belgrade, 1946) is one of the greatest performing artists and is the only representative of the 1970s generation of radical performers that is still active in the field of performance art. Throughout her career, Abramović has constantly challenged the boundaries of performance art, experimenting with different forms and genres like body art, relational performance, long-durational performance, autobiographical performance, participatory performance and re-performance. Her performances have relentlessly tested the limits of the body’s physical and psychological endurance, social stereotypes and taboos, cultural and gender identity, all while producing a strong affective impact on audiences. These performances are complex structures of meaning, formed on the intertwining between the literal and the symbolic, the material and the spiritual, the physical and the mental, the intimate and the public, the repetitive and the changing, the actual and the virtual. For Abramović, performance art is the art of transformation that develops through the exchange of energy between the performer and the audience. It is the art of “cleaning” that has the capacity to fundamentally change how one experiences the self, others and of the collective, as well as how one relates to life itself. The artist’s oeuvre indicates a constant search for methods and techniques that release the energy of humans, objects and actions. The exhibition is locally organized by the Museum of Contemporary Art, Belgrade The exhibition is produced by Moderna Museet, Stockholm, in collaboration with Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk and Bundeskunsthalle, Bonn Curator in Belgrade: Dejan Sretenović (MoCAB) Curated by Lena Essling (Moderna Museet), with Tine Colstrup (Louisiana Museum of Modern Art) and Susanne Kleine (Bundeskunsthalle).
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posted 11. Nov 2019

Tatiana Trouvé. On the Eve of Never Leaving

01. Nov 201911. Jan 2020
opening: 01. Nov 2019 06:00 pm
Tatiana Trouvé. On the Eve of Never Leaving 01.11.2019 - 11.01.2020 Beverly Hills Opening reception: Friday, November 1, 6–8pm In disquieting, entropic mise-en-scènes, Tatiana Trouvé limns the boundaries between the mental and the physical, where material space and form converge with immaterial time and memory. Her situations combine intricate scenographic drawings, sculptures both linear and three-dimensional, and spaces that hint at invisible dimensions. Whether found or created, Trouvé’s “environmental dramas” are melancholy yet highly charged, palimpsests containing echoes of other lived spaces and realities, which oscillate between the real, the imaginary, and the phantasmic. Trouvé was born in 1968 in Cosenza, Italy, and lives and works in Paris. Recent solo museum exhibitions include Villa Arson, Nice, France (1997); Polders, Palais de Tokyo, Paris (2002); Aujourd’hui, hier, ou il y a longtemps . . . , CAPC musée d’art contemporain de Bordeaux, France (2003); Tatiana Trouvé, juste assez coupable pour être heureuse, Musée d’Art Moderne et Contemporain, Geneva (2004); Extraits d’une société confidentielle, Frac Provence-Alpes-Côte d’Azur, Marseille, France (2005); Djinns, Centre national edition art image, Chatou, France (2005); Villa Arson, Nice (2007); Double Bind, Palais de Tokyo, Paris (2007); 4 between 3 and 2, Centre Pompidou, Paris (2008); Frac des Pays de la Loire, Carquefou, France (2008); A Stay Between Enclosure and Space, Migros Museum für Gegenwartskunst, Zurich (2009–10); Bureau of Implicit Activities: Archives and Projects, Kunstverein Hamburg, Germany (2009); Il Grande Ritratto, Kunsthaus Graz, Austria (2010); Somewhere, 18–12–95, An Unknown, 1981, Schinkel Pavillon, Berlin (2014); I tempi doppi, Kunstmuseum Bonn, Germany (2014, traveled to Museion, Bolzano, Italy; and Kunsthalle Nürnberg, Nuremberg, Germany); Desire Lines, Doris C. Freedman Plaza, Central Park, New York (2015); L'Éclat de L'Absence, Red Brick Museum, Beijing (2016); Le Numerose Irregolaritá, Villa Medici, Rome (2018); and The Great Atlas of Disorientation, Petach Tikva Museum of Art, Israel (2018).
Gagosian Gallery Beverly Hills

456 North Camden Drive
CA-90210 Beverly Hills

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posted 10. Nov 2019

Cordula Güdemann. Bilder aus der Farbe

10. Nov 201907. Dec 2019
opening: 10. Nov 2019 11:30 am
Cordula Güdemann. Bilder aus der Farbe 10.11.2019 - 07.12.2019 Eröffnung: Sonntag, 10. November 2019, 11.30 Uhr Ort: Schloss Dätzingen Die Künstlerin ist anwesend. Es spricht Dr. Günter Baumann. Zur Eröffnung wird auch der Katalog vorgestellt, der anlässlich der Verleihung des 15. Kunstpreises der VR-Bank Ostalb erschienen ist. Öffnungszeiten Mittwoch bis Freitag 11–18.30 Uhr Samstag 11–16 Uhr und nach Vereinbarung Sonn- und Feiertag geschlossen * Im Bilde sein »Nun zum Traum: Ich saß an einem Sumpf und dachte an die Hure Kunst. Da fiel vom Himmel Blitz, zischte tief. – Schön! sagte ich. – ... Plötzlich drehte sich irgendwo in meinem Gehirnkino eine Kurbel. Ich sah anders. Schuppen fielen: durch Jahrtausende sah ich frei: Kunst ist, wenn schon nicht ein Vorurteil, so doch immer eine Privatansicht ...« (Melchior Vischer, »Sekunde durch Hirn«, 1920) Als Cordula Güdemann feststellte, dass die gegenwärtige Welt kaum noch rein figurativ zu erfassen sei, gab sie ihrer Bildsprache eine völlig neue, nahezu gegenstandsfreie Färbung. Dazu musste sie freilich ihre Malerei nicht gleich in eine andere Sprache übersetzen. Schon früher sah sie die Unterscheidung von gegenständlicher und ungegenständlicher Kunst als obsolet an und zwang beide Darstellungsweisen in einen Dialog, den sie durch die Kraft der Farbe bestritt. Wenn sich ihre jüngeren Arbeiten auf den ersten Blick weiter vom Gegenstand entfernen denn je, bedeutet das keine Abkehr, sondern eine konsequente Fortführung ihres Anliegens mit anderen Mitteln. Die Künstlerin braucht selbst noch immer den Gegenstand, um eine Antwort auf die visions- und phantasielose sowie gewalttätige, verrohte Wirklichkeit unserer Zeit zu geben. Im gestisch ›wil-den‹ Pinselduktus entwickelt Güdemann greifbar nahe Räume, die logisch nicht nachvollziehbar, sondern erlebbar sind – ein freies Spiel. Das Werk Güdemanns macht es uns nicht leicht, folgt keinem gefälligen Trend. Vielmehr löckt sie wider den Stachel, weil sie engagiert und streitbar etwas zu sagen hat und doch zugleich die Malerei selbst zum Thema wählt. Die Gemälde treten hier nicht an, um Figuren agieren zu lassen oder Szenen zu beschreiben – das kann Cordula Güdemann übrigens durchaus auch mit einer faszinierend suggestiven Kraft, immerhin hat sie der narrativen Kunst zu neuem Ansehen verholfen –: Nein, sie macht die Malerei zur Protagonistin ihrer Kunst, der man sich nicht entziehen kann. Als Vertreterin der figurativen Malerei hat sie sich die Welt einer abstrakten Kunst erobert, die dem Betrachter zum Greifen nah kommt, teils als landschaftsanmutung, teils als urbane Fiktion oder als negative Utopie – immer mit Witz und Esprit, was mitunter in doppelbödigen Titeln aufscheint. Dass sie diese indifferenten Szenerien auszuformulieren vermag, ist ihrer malerischen Technik, der Ehrlichkeit einer reinen Peinture zu verdanken und dem Interesse für »die Verfallszeiten der Dinge, mit denen wir leben« (C.G.). Die aktuellen Monumentalgemälde, die großformatigen Farbrauschbilder und mittel- sowie kleinformatigen Gouachen bestechen durch ihre drastische, mal splittrig explosive, mal nervös eruptive Farbigkeit und lassen einen Furor erkennen, den die Künstlerin als engagierte Kulturbürgerin auszeichnet: Sie versteht auch das Sujet des Naturbilds als Reaktion auf gesellschaftliche und weltpolitische Entwicklungen. Was man hier sieht, ist der gegenständlichen Welt verpflichtet, gesehen mit den Mitteln einer gestischen Malerei, die der Realität nicht entflieht, sondern sie auf eine gleichsam reflektierte und sinnliche Weise als Empfindung erfahrbar, erlebbar macht. Cordula Güdemann stellt unsere Sehgewohnheiten auf den Kopf: Ihre Palette ist selbst im dominierenden Rot unendlich nuancenreich, und wo wir vermeintlich auf ein schwarz-weißes Bild schauen, wird uns bewusst, wie farbig unser Denken ist. Die Titel in Güdemanns Werk sind gleichsam ehrliche Beschreibungen, wie sie den Betrachter irreführen oder auch in seiner Gutgläubigkeit wachrütteln. Semantisch ist es ein himmelweiter Unterschied zwischen einem vorgeblich »Blauen See« (war er je wirklich blau?) und der Formulierung »Ins Blaue«, die changiert zwischen einer bloßen Feststellung des Farbwechsels und dem gedanklichen Vagabundieren ins Blaue hinein. Mit dem Hinweis auf die Farbe als Grundlage der Malerei macht sich Cordula Güdemann lustig über die leichtfertige Akzeptanz des Gewohnten oder über die Absurdität von Klischees. »Ohne Titel mit Augen« macht in der Negation eines Titels aus einer in Rottönen schwelgenden Farbsinfonie ein bedrängendes Szenarium – mit Augen eben. Und das sogar lesbare und auf den ersten Blick lautmalerische »Gottogo« könnte, vom Englischen her, auf den Vorsatz hinweisen, dann eben mal weg zu sein – oder es ist eine Verballhor-nung den »to-go«-Wahns, der vor Gott nicht Halt macht. Während einer China-Reise entdeckte Cordula Güdemann im Museum von Macao eine altertümliche Jademaske, die sie in einer Reihe von Bildverarbeitungen mit den (De-)Maskierungen in unserer Gesellschaft in Verbindung brachte ("Masterplan"). So wundert es nicht, dass Bilder wie »Traum« oder »Kleiner Traum« trügerisch sind und möglicherweise auf traumatische Verstörungen hinweisen. Verweilen wir länger vor den Bildern Cordula Güdemanns, spürt man den Bildraum, der allein durch die Farbe erzeugt wird, ohne die Vorgabe eines vom Verstand gebilligten Naturraums. Die Wirklichkeit ist eine gemeinschaftliche »Kopf-an-Kopf«-Geburt. Cordula Güdemann zeigt Malerei mit malerischen Mitteln, das Medium ist ihr Thema. Hier begreifen wir, dass Farben nicht allein eine ästhetische, sondern auch eine ethische Qualität haben. Es gibt Arbeiten, bei denen die aufgeladene Stimmung, nicht selten auch Wut und das Gefühl der Ohnmacht, zu greifen ist – wenn auch nur während einer »Sekunde durch Hirn«. Das Resultat sind irritierend schöne, seismographisch überwältigende, geheimnisvoll formwerdende Chiffren einer undurchdringbar gewordenen Welt, die sich anschickt, wieder in ein vorzivi-lisatorisches Chaos zu stürzen. Dagegen malt Cordula Güdemann an. Günter Baumann
Schlichtenmaier, Grafenau

GALERIE SCHLICHTENMAIER / SCHLOSS DÄTZINGEN | Schlossstr. 1
71120 Grafenau

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posted 09. Nov 2019

TAMARA K.E. '5 minutes of random love'

09. Nov 201921. Dec 2019
opening: 08. Nov 2019 07:00 pm
TAMARA K.E. '5 minutes of random love' 09.11.2019 — 21.12.2019 Vernissage: Freitag, den 8.11.2019 um 19 Uhr Bilker Str. 4-6, Düsseldorf Wir freuen uns sehr, mit ›5 Minutes of Random Love‹ die erste Ausstellung von Tamara K.E. bei Beck & Eggeling zu zeigen. Es ist die erste Einzelausstellung der Künstlerin in Deutschland seit 2007. Die Ausstellung verbindet in einer mehrschichtigen Inszenierung zum Großteil Arbeiten aus der Serie ›Farewelling Junkyard‹ und eine kleine Auswahl Papierarbeiten der Serie ›Smart Mascara‹, die K.E. 2014 in New York begonnen hat. * Five Minutes of Random Love Gregor Jansen Die Ausstellung von Tamara K.E. provoziert bereits im Titel: Fünf Minuten zufälliger Liebe! Ist hiermit ein Quickie gemeint, etwas, was laut Duden schnell, in verkürzter Form erledigt, abgehandelt oder ähnliches wird, oder gar, umgangssprachlich und mit Random Love sicher treffender, ein rasch vollzogener Geschlechtsakt? Liebe mag ein Zufall sein, aber fünf Minuten eines allgemein als höchstes der Gefühle angesehenen Glücks im Leben, sind dann doch eher die nicht so tiefgehende, schmachtenden Anhimmelung und Innigkeit. In der Ausstellung selber ist es jedoch ebenfalls keineswegs so, dass diese schnell, in verkürzter Form erledigt, abgehandelt werden kann. Die Bildwerke wie auch das gesamte Setting sind etwas verstörend, holen einen ab im Abgrund der Psyche, schildern von Trauma. Ein Stück ist mit Vogelaugenahorn gerahmt, einige Arbeiten auf Papier mit figurativen Elementen, Körperteilen oder Köpfen, ihr Erscheinen und Ihre Handlungen erinnern an Wunden und Folterszenen, andere Arbeiten sind auf Diafilm ausgeführt. Ebenso verstörend die Bronzeschaukel à la afrikanischer Maske, mit Juteseilen von der Decke hängend, ist der für die Nutzung geeignet (guests are welcome to swing). Maskierungen, Rüstungen, Harnische, Kammerspiele und offensichtliche Gewaltanwendung. Das Grauen ist keine Illusion, aber gleichwohl vorgestellt. Eine 3D-Video-Animation lässt sich einbinden, die weibliche Handgelenke zeigt, die sich zufällig aneinander reiben und 90 Sekunden lang eine Schleife bilden. Was ist da los? Körperliches Leiden als Sinnbild seelischer Pein und die Suche nach adäquaten Formen und Farben? Eine Sinnsuche inmitten der Sinnentwendung unseres Daseins? Die Hauptgruppe der Arbeiten stammt aus der Serie »Farewelling Junkyard« – soviel wie »Lebewohl Schrottplatz«. Die Halbtransparenz und das glänzende und leichte Erscheinungsbild der Bilder von Tamara K.E. werden durch schwere Bronzesubstanz und glitzernden blauen Bildschirm hervorgehoben. Die heutige Welt als soziale Fabrik voller Lärm, Eskalation und Beschleunigung fordert uns auf, neuere und weniger neuere traumatische gesellschaftspolitische Themen zu reflektieren, neu vorzustellen, neu zu konzipieren, um uns zu bewegen. Tamara K.E. geht diese Wege nicht nur vorwärts, sondern schlicht und geradlinig auf das bestimmte ES zu, lenkt ihren und unseren Blick auf das, was bereits als »unbekannte Zukunft« des ICH vorgeschlagen wurde, eine extrem lustvoll giftige Mischung aus menschlichen Inkompatiblen; dem ÜBER-ICH womöglich? Das Exponat im Einzelnen wie die Ausstellung als Inszenierung führt den letzten Abschiedsaufschrei des Schrottplatzes Leben auf, der an die Komplexität der Hysterie erinnert (eine Krankheit, die einst ausschließlich für Frauen geprägt war und heute nicht mehr als medizinische Störung, sondern als Sprache angewendet wird). In den 1980er-Jahren als erste Untergangszenarien wie Overkill oder Waldsterben das Denken prägte, erschienen viele kritische Auseinandersetzungen mit dem aus dem 18. Jahrhundert stammenden Konzept der Hysterie, mit der Folge, dass der Begriff aus der medizinischen Terminologie gestrichen wurde. Stavros Mentzos (1930–2015) leitete eine Abkehr von der Symptombeschreibung hin zu einem (zunächst noch hysterisch genannten) Modus einer neurotischen Konfliktverarbeitung ein und spannte einen Bogen auf zwischen Menschen, die ihre Sexualität sehr herausstellen, zu anderen, die ihr möglichst wenig Aufmerksamkeit schenken. Umgangssprachlich lebt der Begriff fort und meint meist Menschen oder ein Verhalten, das durch Theatralik und einen übertriebenen Ausdruck von Gefühlen – teils mit sexuellem Anstrich – gekennzeichnet ist. Die Komponenten in der Ausstellung von Tamara K.E. spiegeln diese psychologisch enorm spannungsgeladenen Dynamiken unserer kulturellen Erinnerungen sowie den permanent anhaltenden Übergangsprozess wider. Es vereint eine Vielzahl von Konfigurationen, die mehrere Entitäten – digital gegen analog, handgemacht gegen hergestellt, Werte gegen Ideologien, irgendwo seitlich auch ein weibliches Subjekt – zu einem diskreten Körper im räumlichen wie seelischen Sinne zur Anschauung bringt; und letztlich im Sound der Mütter zusammenführt. Kurz zu Wort- und Sinnspiel. »Verhaltenslehren der Kälte« und „Sound der Väter“ über Gottfried Benn sind zwei der wichtigsten und hochkomplexen Bücher von Helmuth Lethen, in denen die Ichpanzerung gepriesen wird – sozusagen als Maßnahme gegen die »Schläge« und »Wunden«, die Zeit und Welt und Geschichte uns versetzen. Somit: Hornhaut ums Herz! Auch Schwielen ums Hirn? Gibt es gar keine Haltung mehr, die Geschichte vorwegnimmt, sie aufgreift und weiterzutreiben sucht? Dass die Bindung an den Körper diesen Verdacht nur bestärkt und bestätigt, ist absolut kein Trost. Fünf Minuten zufälliger Liebe somit? Tamara K.E. spielt an auf das nicht eingelöste Versprechen illusionärer Identität, in dem der/das Andere außen vor bleiben, aber unabdingbar sind, und insofern die Konstruktionen einer heilen und heilenden Welt fragwürdiger denn je geworden ist; Phantasmen und Phantome allerorten, virtuell und imaginär an vorderster Front; ihre verstörende Macht ist als Gewalt dechiffrierbar. Die Symptome des Schautriebs – die Macht des Blicks – und die Lücken der Wahrnehmung zwischen Kunst und menschlicher Psyche sind haargenau die Dimension des unheimlichen, zeitgenössischen Bilderrätsels von und in »Five Minutes of Random Love«, einem wunderbaren, neuen alten Schauerroman. Die Liebe ist ein seltsames Spiel, sang Connie Francis 1960: Sie kommt und geht von einem zum andern. Sie nimmt uns alles. Doch sie gibt auch viel zu viel. Die Liebe ist ein seltsames Spiel. Und da waren Tamara K.E. und ich zwar noch nicht geboren, aber die Phantasmen bereits mitten unter uns. »Es ist das Phantom unseres eigenen Ichs, dessen innige Verwandschaft und dessen tiefe Einwirkung auf unser Gemüt uns in die Hölle wirft, oder in den Himmel verzückt.« (E.T.A Hoffmann, Der Sandmann, 1816) *

artist

Tamara K.E. 
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posted 08. Nov 2019

Patrick Staff: On Venus

08. Nov 201909. Feb 2020
Serpentine Sackler Gallery Patrick Staff: On Venus 08.11.2019 - 09.02.2020 For their newly commissioned exhibition at the Serpentine Galleries, Patrick Staff presents their most ambitious work to date: On Venus is a site-specific installation exploring structural violence, registers of harm and the corrosive effects of acid, blood and hormones through architectural intervention, video and print. Through a varied and interdisciplinary body of work, Patrick Staff interrogates notions of discipline, dissent, labour and the queer identity. Drawing from a wide range of sources, Staff’s work cites the ways in which history, technology, capitalism and the law have fundamentally transformed the social constitution of our bodies today, with a particular focus on gender, debility and biopolitics. Staff created an ambitious environment, which includes architectural interventions to the gallery building. Altered lighting and flooring create a space that feels at once chemically modified and sensationally charged. A piping network suspended from the ceiling of the gallery slowly leaks natural and synthetic liquids into steel barrels, suggestive of sharing intimate fluids or the trafficking of viruses and data, transforming the gallery into a leaking, rudimentary body. A single gargoyle, weathered by acidic rain, is positioned as a gatekeeper at its entrance. A series of etchings are stacked and leant against oversized boxes in the first powder room gallery. The works depict a news story that gained traction in British tabloid newspapers throughout 2017 and 2018, claiming convicted murderer Ian Huntley was seeking to undergo sexual reassignment surgery while serving his life sentence. Rumours of Huntley dressing in women’s clothing and requesting to be identified under a new name were incited by these stories. The articles were found to be fabricated some months later and the newspapers that had printed them subsequently ran meagre clarifications, edited pre-existing articles or deleted the reports from their websites. These newspaper headlines, retractions and clarifications are reproduced and etched by Staff onto steel plates. The works highlight the ways in which the media uses cultural anxieties around the lives of incarcerated people, transgender identity and the uses of public spending, to mobilise sexual panic and reinforce social and sexual norms. A new video work, in the second powder room, consists of two parts: the first is of scratched, warped and overlapping footage connected to the industrial farming of hormonal, reproductive and carnal animal commodities, including urine, semen, meats, skins and furs. Rather than reducing the lived struggles of animals to make anthropocentric claims, Staff displaces this human-centric view and questions the norms, subjectivity and standards by which all ‘others’ are read, measured and controlled, and asks what lives are deemed visible in institutional spaces. The video’s second half describes in text life ‘on venus’, a state imbued with the violence of pressure and heat, destructive winds or the disorientating lapse of day into night. This poem suggests an alternate state of non-life or near-death, a queer state of being that is volatile and in constant metamorphosis. Together, the works in the exhibition continue Staff’s ongoing examination of the exchange between bodies, ecosystems and institutions, understood radically from a queer and trans perspective. This commission continues the Serpentine’s ongoing dialogue with Patrick Staff, following their participation in the Serpentine’s Work Marathon (2018), Transformation Marathon (2015) and Serpentine Cinema (2015).

artist

Patrick Staff 
Serpentine Galleries, London

Kensington Gardens
W2 3XA London

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posted 07. Nov 2019

Assaf Evron - Chicago Works

23. Jul 201915. Feb 2020
The Museum of Contemporary Art Chicago presents the first solo museum exhibition of Israeli-born, Chicago-based artist Assaf Evron in Chicago Works: Assaf Evron. Evron's works center on the 'meander' design, a popular decorative pattern based on the natural curves of rivers and streams found since ancient times. Evron shows how the meander motif runs across continents, cultures, and styles of design, connecting famous landmarks in Israel to the ornamental facades of Chicago's iconic buildings. Presented in partnership with the 2019 Chicago Architecture Biennial, Chicago Works: Assaf Evron is on view from July 23, 2019 to February 16, 2020. A former photojournalist, Evron is fascinated by architecture and the spread of decorative elements across cultures and locations. In his 2018 work, Untitled (Zedekiah's Cave), Evron creates a geometric collage of the organic meandering textures and colors of Zedekiah's Cave, an ancient manmade limestone quarry that runs underneath the Muslim quarter of the Old City in Jerusalem. Evron captured the meander design in nature in Untitled (Sodom and Gomorrah), a vivid print of the weathered sedimentation lines on Mount Sodom, a mountain in the Judaean Desert along the Dead Sea. For his installation Untitled (Kikar Rabin, American Accents), Evron re-creates the linear pattern of the meander in the geometric 'Greek key' design used on the stone pavement of Rabin Square, a popular public gathering space and common venue for parades, protests, and public events in Tel Aviv. A meandering symbol, the significance of the 'Greek key' design depends on the times and contexts in which it appears. Other works, such as Untitled (The Monadnock Building South, 1893, Holabird & Roche, Dearborn and Jackson), trace the meander design from natural landscapes in his native Israel to modern architecture in Chicago. The photo, cut into the shape of an ancient Greek wine vessel, captures a detail of the lines and textures of the famous Monadnock Building on Jackson Boulevard in downtown Chicago, creating the illusion of two worlds colliding. Another work features the Marquette Building on Adams Street in the bustling Chicago Loop, bearing a likeness to the peaceful ancient landscapes of Israel. While both buildings were constructed in the 'Chicago School' style, Evron explores the buildings' visual attributes and their similarities to sites in Israel.Chicago Works: Assaf Evron was organized by former MCA Postdoctoral Curatorial Fellow Charlotte Ickes. ABOUT THE ARTIST Assaf Evron was born in Israel in 1977, and earned a MA from the Cohn Institute at Tel Aviv University and a MFA from the School of the Art Institute of Chicago (SAIC). He previously worked as a photojournalist at a daily newspaper in Israel and as a scuba instructor in Zanzibar. He has received numerous awards and grants including the Gerard Levy Prize from the Israel Museum, Jerusalem; the James Weinstein Fellowship from SAIC; the Israeli Ministry of Culture and Education Prize for Young Artists; and honorable mention for the Snyder Prize at the Museum of Contemporary Photography, Chicago. Evron has completed architectural photographic commissions for the Chicago Architecture Biennial and the 12th Venice Biennial for Architecture. He lives and works in Tel Aviv and Chicago.

artist

Assaf Evron 

curator

Charlotte Ickes 
MCA Museum of Contemporary Art, Chicago

220 East Chicago Avenue
Chicago

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posted 06. Nov 2019

LEE KRASNER

11. Oct 201912. Jan 2020
LEE KRASNER 11.10.2019 - 12.01.2020 Eine Pionie­rin des abstrak­ten Expres­sio­nis­mus ist nach mehr als 50 Jahren in einer großen Retro­spek­tive wieder in Europa zu sehen: Lee Kras­ner. Die Ausstel­lung der SCHIRN erzählt die Geschichte einer der unbe­irr­bars­ten Künst­le­rin­nen des 20. Jahr­hun­derts. Präsen­tiert wird das Gesamt­werk der US-Ameri­ka­ne­rin, darun­ter Selbst­por­träts, Aktdar­stel­lun­gen in Kohle, die streng geome­tri­schen Little Images oder wegwei­sende Gemälde der Prophecy-Reihe, expe­ri­men­telle Haupt­werke der Umber- und Primary-Serie und späte Colla­gen. Lee Kras­ner war Mitglied der Ameri­can Abstract Artists und pflegte Freund­schaf­ten zu Ray Eames, Willem de Koon­ing und Franz Kline. Lange Zeit stand sie als Künst­le­rin im Schat­ten ihres Ehemanns Jack­son Pollock. Nach dessen frühem Tod bei einem Auto­un­fall 1956 entschied sie sich, Pollocks Atelier zu nutzen, und leitete damit eine neue Phase ihrer künst­le­ri­schen Karriere ein. Erst­mals konnte sie auf monu­men­ta­len, nicht aufge­zo­ge­nen Lein­wän­den arbei­ten. Es entstan­den einige ihrer bedeu­tends­ten Arbei­ten, u. a. „The Guar­dian“, „Happy Lady“, „Combat“ oder „Siren“. Anders als andere Künst­le­rin­nen und Künst­ler ihrer Zeit, die eben­falls unge­gen­ständ­lich malten, entwi­ckelte Kras­ner nie einen „signa­ture style“, sondern reflek­tierte ihre Praxis mit dem Anspruch, ihre Bild­spra­che stets neu zu erfin­den. Die Ausstel­lung wird kura­tiert und orga­ni­siert vom Barbi­can Centre, London in Koope­ra­tion mit der SCHIRN, dem Zentrum Paul Klee, Bern und dem Guggen­heim, Bilbao. KURATORINNEN Elea­nor Nairne, Barbi­can Art Gallery, London und Dr. Ilka Voer­mann, Schirn Kunst­halle Frank­furt

artist

Lee Krasner 
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posted 05. Nov 2019

ALICE PERAGINE. I AM HERE TO PROTECT YOU

07. Sep 201923. Nov 2019
opening: 06. Sep 2019 06:00 pm
ALICE PERAGINE. I AM HERE TO PROTECT YOU 07.09.2019 — 23.11.2019 Eröffnung: 06.09.2019, 18 Uhr, mit Ausstellungsrundgang, 19 Uhr Kuratorin: Sophie Goltz Mit der Einzelausstellung I Am Here to Protect You zeigt die deutsch-amerikanische Künstlerin Alice Peragine und Villa-Romana-Stipendiatin 2020 neue Forschungs-ergebnisse ihrer Zusammenarbeit mit dem Institut für Leichtbau und Kunststoff-technik (ILK) an der Technischen Universität Dresden (TU Dresden). In Performances, Installationen und Fotografien untersucht sie, inwieweit Technik Machtstrukturen und Kontrollmechanismen, aber auch Freiheit und Schutz individueller und gesellschaftlicher Handlungsspielräume bedingt. ​ Seit 2018 forscht Peragine an der TU Dresden in Zusammenarbeit mit dem ILK zur Wirkung von Leichtbaumaterialien in der Mobilitätsindustrie. Sie verfolgt dort ihr künstlerisches Interesse an dem Verhältnis von menschlichen Körpern und schützender Technologie. Technoide Machstrukturen in Bezug auf die ihnen zu Grunde liegenden materiellen und technologischen Verfahren sind Untersuchungsgegenstand in Peragines Werk – und damit auch Möglichkeiten, in denen Körper und Technik einander ähnlich werden und sich wechselseitig ergänzen. Erste Ergebnisse stellte sie im Frühjahr 2019 in einer performativen Versuchsanordnung im Rahmen des Projekts „Dear Humans, ...“ der Kustodie der TU Dresden vor. Lag der Fokus in der Performance auf der Interaktion mit nicht-humanen technologischen Akteuren, geht es in der Einzelausstellung im Kunstverein Dresden um utopische Fragen: Wie kann der menschliche Körper im 21. Jahrhundert geschützt werden angesichts eines systemischen Ausfalls, sei es der planetarische Klimakollaps oder die Kontrollgesellschaft und im Kleinen etwa das Versagen von Materialien im Crash? Was bleibt von Körper, Technik und Material? Ausgehend von diesen Überlegungen zeigt die Künstlerin neue Fotografien und Skulpturen in einer poetisch-fragilen Rauminstallation. Alice Peragine (geb. 1986 in München) lebt und arbeitet in Hamburg. Ihre Werke und Performances wurden in einer Reihe von Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, unter anderem im Ausstellungsraum VIS, Hamburg (2018), der Bangkok Art Biennial, Bangkok (2018), und der Sammlung Falckenberg, Hamburg (2018).

curator

Sophie Goltz 
Kunstverein Dresden

Neustädter Markt 8
01097 Dresden

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posted 04. Nov 2019

Sin título. Michael E. Smith

13. Sep 201929. Nov 2019
Sin título. Michael E. Smith 13.09.2019 - 29.11.2019 Opening Thursday, Sep 12, 6—10pm
KOW Madrid

Calle Ribera de Curtidores 26
28005 Madrid

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posted 03. Nov 2019

Ian Kiaer. Endnote, ping

21. Sep 201922. Dec 2019
opening: 20. Sep 2019 07:00 pm
Ian Kiaer. Endnote, ping 21.09.2019 - 22.12.2019 Eröffnung: 20.09.2019 19:00 Ian Kiaer (geb. 1971 in London) absolvierte sein Studium der freien Kunst am Royal College of Art und an der Slade School of Art in London und lebt heute dort und in Oxford. Sein künstlerisches Werk wurde präsentiert in Einzelausstellungen u.a. im Aspen Art Museum, im Kunstverein München, in der Galleria d‘Arte Moderna e Contemporanea, Turin und im Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris. Darüber hinaus nahm der Künstler an Gruppenausstellungen teil, u.a. im Mudam Luxembourg, in der Tate Modern und Tate Britain in London, im Hammer Museum in Los Angeles, in der Hayward Gallery in London, an der Mainfesta 3 in Ljubljana, der Biennale d‘Art contemporain, Rennes, der Biennale de Lyon, der Istanbul Biennale und der Berlin Biennale. Die Ausstellung in der Kunsthalle Lingen trägt den Titel „Endnote, ping“. Diese beiden Wörter stellen zwei Figuren vor, an denen Ian Kiaer seit einiger Zeit arbeitet. Der Begriff „Endnote“ gibt etwas an, das außerhalb des Textkörpers liegt, etwas Zusätzliches und Randständiges. Die Endnote ist von Natur aus fragmentarisch, wobei sich jede autonom auf einen bestimmten Aspekt der Hauptschrift bezieht. Jede Endnote wird, obwohl sie unterschiedlich ist, in gleichem Verhältnis zu den vorhergehenden und nachfolgenden platziert. „Ping“ lautet der Titel eines Textes von Samuel Beckett. Das Wort selbst ist ein Laut und suggeriert den Übergang einer Form in eine andere, etwas, das in etwas Gehörtes geschrieben ist. Es ist ein kurzes Wort, das eine einzelne Note suggeriert, die von einer Stimmgabel oder einer Art Sonar stammt und möglicherweise für kurze Zeit anhält. Der Text beschreibt einen Körper und einen Raum, aber die Unterscheidung zwischen den beiden ist nicht so klar und wird weniger klar, wie die Erfahrung, in einem weißen Würfel zu sein, in dem das intensive Licht den Körper fast auflöst. Diese Auflösung von Figur und Boden, von Raum und Körper erfordert eine andere Aufmerksamkeit. Die Ausstellung mit dem Titel „Endnote, ping“ vereint im Großen und Ganzen drei Werke, zu denen Ian Kiaer regelmäßig zurückgekehrt ist: Tooth House; Endnote, Tooth; und Endnote, Ping (Marder). Das Tooth House ist vor allem einem fiktiven Gebäude zu verdanken, das in Friedrich Kieslers ‚Magic Architecture‘ erschienen ist. Es schlug einen biomorphen Schutzraum als konkrete Höhle vor, den der Architekt als Kritik rationalistischer Manifestationen der internationalen Moderne ansah. Die verschiedenen aufgeblasenen Elemente in der Ausstellung, einschließlich einer eigens für sie entstehenden Betonkonstruktion, können so verstanden werden, dass sie Kieslers Motiv auf verschiedene Weise aufgreifen und weiterentwickeln. Endnote, ping (Marder) ist eine Auseinandersetzung mit der Arbeit des Philosophen Michael Marder, einem Befürworter des „Umweltdenkens“, der Pflanzen als Lebewesen betrachtet, die ihre eigenen Formen der Subjektivität besitzen. Marders Arbeit entwickelt eine Kritik der anthropozentrischen Empathie gegenüber Pflanzen und hat die jüngste Arbeit von Ian Kiaer beeinflusst. Die Ausstellung wird großzügig unterstützt durch die Niedersächsische Sparkassenstiftung und die Sparkasse Emsland. Weitere großzügige Förderer sind das Niedersächsische Ministerium für Wissenschaft und Kultur, der Landkreis Emsland, die Stadt Lingen (Ems) und die Kulturstiftung Heinrich Kampmann.

artist

Ian Kiaer 
Kunsthalle Lingen

Kunstverein Lingen e. V. Kunsthalle, Kaiserstraße 10A
49809 Lingen / Ems

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posted 02. Nov 2019

MARTIN KIPPENBERGER. Bitteschön Dankeschön

01. Nov 201916. Feb 2020
MARTIN KIPPENBERGER. Bitteschön Dankeschön Eine Retrospektive 01.11.2019 bis 16.02.2020 Martin Kippenberger (1953–1997) war einer der vielseitigsten, produktivsten und einflussreichsten deutschen Künstler seiner Generation. Wie kein anderer verkörpert er das Bild des ‚typischen Künstlers‘. Wie kein anderer lebte er eine untrennbare Symbiose von Leben und Kunstproduktion – intensiv und exzessiv mit allen persönlichen Konsequenzen. Alle seine Arbeiten sind im weitesten Sinne Selbstporträts, sagen etwas über ihn und sein Umfeld aus – auch die, die ihn nicht zeigen. Sein Werk ist komplex und gründet in einer permanenten Befragung seines Selbst, er scheut dabei nicht vor Brüchen oder einem gänzlichen Scheitern zurück. "«Ich will Einfluß nehmen, darauf, wie über diese Zeit debattiert wird.»" Martin Kippenberger Kippenbergers Aktivitäten umfassten auch Schauspielern, Performen, Ausstellungsmachen, Organisieren und Schreiben. Zu seinem reichen Œuvre gehören Musik, Fotografien, Zeichnungen, Plakate, Collagen, Multiples, Editionen, Künstlerbücher, Gemälde, Skulpturen und raumgreifende Installationen. Sein Gefühl für den öffentlichen Auftritt war ebenso eine wichtige Werkstrategie wie sein gut funktionierendes Netzwerk.

curator

Susanne Kleine 
BUNDESKUNSTHALLE Bonn °

Friedrich-Ebert-Allee 4
53113 Bonn

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posted 01. Nov 2019

Artissima 2019

01. Nov 201903. Nov 2019
Artissima 2019 01.11.2019 - 03.11.2019 Artissima returns to the Oval Pavillion Torino from November 1 to 3. The 26th edition of the fair, dedicated to the duality of desire/censorship, offers the public a wonderful opportunity to fall in love with the latest developments in art and a unique journey of exploration and experimentation. Artissima 2019 will feature 209 galleries in 7 section - 3 of which curated (Back to the Future, Present Future, Disegni). Furthermore the fair will present 6 important awards, an enticing programme of collectors and curators-guided tours, an improved digital platform, and an unprecedented special project. Discover the full list of exhibitors here below or on www.artissima.art MAIN SECTION 97 established galleries working internationally AB/ANBAR Tehran – ADA Roma – ALTMAN SIEGEL San Francisco – ROLANDO ANSELMI Berlin, Roma – FRANCESCA ANTONINI Roma – APALAZZO Brescia – A+B Brescia – ARTERICAMBI Verona – ALFONSO ARTIACO Napoli – ENRICO ASTUNI Bologna – PIERO ATCHUGARRY Miami, Pueblo Garzón – ATHR Jeddah – AURAL Alicante – BENDANA | PINEL Paris – ISABELLA BORTOLOZZI Berlin – THOMAS BRAMBILLA Bergamo – BRAVERMAN Tel Aviv – GAVIN BROWN'S ENTERPRISE New York, Roma – CARDELLI & FONTANA Sarzana, S. Stefano di Magra – CHERTLÜDDE Berlin – SADIE COLES London – CONTINUA San Gimignano, Beijing, Les Moulins, Havana – RAFFAELLA CORTESE Milano – GUIDO COSTA Torino – CRONE Vienna, Berlin – DASTAN'S BASEMENT Tehran – DAUWENS & BEERNAERT Brussels – MONICA DE CARDENAS Milano, Zuoz, Lugano – DE' FOSCHERARI Bologna – DVIR Tel Aviv, Brussels – EX ELETTROFONICA Roma – FRANCISCO FINO Lisbon – FRITTELLI Firenze – ANNET GELINK Amsterdam – GENTILI Firenze – GEORG KARGL Vienna – KISTEREM Budapest – KRAUPA-TUSKANY ZEIDLER Berlin – LAVERONICA Modica – GILDA LAVIA Roma – LOOM Milano – MADRAGOA Lisbon – MAGAZZINO Roma – PRIMO MARELLA Milano, Lugano – MASSIMODELUCA Mestre-Venezia – MAZZOLENI Torino, London – MAZZOLI Berlin, Modena, Dusseldorf – URS MEILE Lucerne, Beijing – MENO PARKAS Kaunas, Dusseldorf – MIND SET ART CENTER Taipei – FRANCESCA MININI Milano – MASSIMO MININI Brescia – MONITOR Roma, Lisbon – FRANCO NOERO Torino – NOIRE Torino – LORCAN O'NEILL Roma – OSART Milano – OTTO Bologna – P420 Bologna – ALBERTA PANE Paris, Venezia – ALBERTO PEOLA Torino – RAFAEL PÉREZ HERNANDO Madrid – GIORGIO PERSANO Torino – PHOTO&CONTEMPORARY Torino – PI ARTWORKS London, Istanbul – PODBIELSKI CONTEMPORARY Milano – GREGOR PODNAR Berlin – PROMETEOGALLERY Milano, Lucca – REPETTO London – REVOLVER Lima, Buenos Aires – MICHELA RIZZO Venezia – RODRÍGUEZ Poznań – ROSSI & ROSSI London, Hong Kong – LIA RUMMA Milano, Napoli – STUDIO SALES Roma – RICHARD SALTOUN London – ROSA SANTOS Valencia – THOMAS SCHULTE Berlin – SFEIR-SEMLER Beirut, Hamburg – SIDE 2 Tokyo – SMAC Cape Town, Johannesburg, Stellenbosch – SOMMER Tel Aviv, Zurich – SPAZIOA Pistoia – SPROVIERI London – JIRI SVESTKA Prague – CATINCA TABACARU New York, Harare – TAIK PERSONS Berlin, Helsinki – THE GALLERY APART Roma – TUCCI RUSSO Torre Pellice, Torino – ISABELLE VAN DEN EYNDE Dubai – VIASATERNA Milano – VISTAMARE/VISTAMARESTUDIO Pescara, Milano – WHATIFTHEWORLD Cape Town – HUBERT WINTER Vienna – JOCELYN WOLFF Paris – Z2O SARA ZANIN Roma – ZILBERMAN Istanbul, Berlin DIALOGUE 30 galleries presenting 1 or 2 artists in dialogue A PLUS A Venezia – ACAPPELLA Napoli – THOMAS BERNARD - CORTEX ATHLETICO Paris – SÉBASTIEN BERTRAND Geneva – BWA WARSZAWA Warsaw – CAMPOLI PRESTI London, Paris – CLIMA Milano – DITTRICH & SCHLECHTRIEM Berlin – DIX9 Paris – ERMES-ERMES Vienna – ET AL. San Francisco – FL Milano – GAEP Bucharest – GLASSYARD Budapest – GYPSUM Cairo – IRAGUI Moscow – IVAN Bucharest – DANIEL MARZONA Berlin – MASSIMOLIGREGGI Catania – MOHSEN Tehran – NIGHT Los Angeles – OPERATIVA Roma – FRANCESCO PANTALEONE Palermo, Milano – PM8 Vigo – PRAZ-DELAVALLADE Paris, Los Angeles – RIBOT Milano – SERVANDO Havana – SODA Bratislava – STEINEK Vienna – WALDBURGER WOUTERS Brussels, Basel NEW ENTRIES 20 emerging galleries participating at Artissima for the first time BALCONY Lisbon – BALLON ROUGE COLLECTIVE Brussels – BOMBON PROJECTS Barcelona – CAPSULE SHANGHAI Shanghai – CASTIGLIONI Milano, Sao Paulo – DAMIEN & THE LOVE GURU Brussels – DIVISION OF LABOUR Worcester – EMALIN London – FANTA-MLN Milano – ISSUES Stockholm – MARFA’ Beirut – MATÈRIA Roma – MLZ ART DEP Trieste – NOME Berlin – NOVEMBAR Belgrade – ÖKTEM AYKUT Istanbul – LILY ROBERT Paris – SUPRAINFINIT Bucharest – UNA Piacenza – VIN VIN Vienna PRESENT FUTURE 20 solo shows by young artists curated by Ilaria Gianni (coordinator), Juan Canela, Émilie Villez AAAJIAO, HOUSE OF EGORN Berlin – MARCOS AVILA-FORERO, ADN Barcelona – ANNA-SOPHIE BERGER, EMANUEL LAYR Vienna, Roma – ISA CARRILLO, PROXYCO New York + TIRO AL BLANCO Guadalajara – LAURA CASTRO, SINDICATO Santo Domingo - LARISA CRUNȚEANU, ANCA POTERASU Bucharest – DÉBORA DELMAR, GALLLERIAPIÙ Bologna – ANNA FRANCESCHINI, VISTAMARE/VISTAMARESTUDIO Pescara, Milano – CRISTINA GARRIDO, LMNO Brussels – JANUARIO JANO, PRIMO MARELLA Milano, Lugano – JUAN LÓPEZ, JUAN SILIÓ Santander – MERCEDES MANGRANÉ, ANA MAS Barcelona, San Juan – OPAVIVARÁ!, A GENTIL CARIOCA Rio de Janeiro – STÉPHANIE SAADÉ, GREY NOISE Dubai – AUGUSTAS SERAPINAS, APALAZZO Brescia + EMALIN London – NAMSAL SIEDLECKI, MAGAZZINO Roma – CATERINA SILVA, BOSSE & BAUM London – LU SONG, MASSIMO DE CARLO Milano, London, Hong Kong – PUCK VERKADE, DÜRST BRITT & MAYHEW The Hague – IAN WAELDER, L21 Palma de Mallorca BACK TO THE FUTURE 19 museum-quality solo shows dedicated to the rediscovery of 1960s–1990s, curated by Lorenzo Giusti (coordinator), Cristiano Raimondi, Nicolas Trembley MARINUS BOEZEM, UPSTREAM Amsterdam – ROBERT BREER, GB AGENCY Paris – LYNNE COHEN, IN SITU - FABIENNE LECLERC Paris – BETTY DANON, TIZIANA DI CARO Napoli – ESTATE OF BARBARA HAMMER, KOW Berlin, Madrid – BRUNO JAKOB, PETER KILCHMANN Zurich – LILIANE LIJN, RODEO London, Piraeus – KIMIYO MISHIMA, SOKYO Kyoto – MASAKI NAKAYAMA, CHRISTOPHE GAILLARD Paris – LILIANA PORTER, ESPACIO MINIMO Madrid – REMO SALVADORI, CHRISTIAN STEIN Milano – ANTONIO SLEPAK, WALDENGALLERY Buenos Aires – ILIJA ŠOŠKIĆ, GANDY Bratislava – JESSICA STOCKHOLDER, 1301PE Los Angeles – SUPERSTUDIO, PINKSUMMER Genova – ENDRE TÓT, ACB Budapest – RUBEM VALENTIM, ALMEIDA E DALE Sao Paulo – MICHAEL VENEZIA, HÄUSLER Munich, Zurich – WILLIAM WEGMAN, FLORENCE LOEWY Paris DISEGNI 21 booths dedicated to the most relevant developments in drawing as an undisputed medium for contemporary artistic practice, curated by João Mourão and Luís Silva MERCEDES AZPILICUETA, NOGUERAS BLANCHARD Barcelona, Madrid – FRANCESCO BAROCCO, NORMA MANGIONE Torino – JOHN BOCK, GIÒ MARCONI Milano – ALIGHIERO BOETTI, DEP ART Milano – TERESA BURGA, BARBARA THUMM Berlin – DIOGO EVANGELISTA, FRANCISCO FINO Lisbon – KATHARINA GROSSE, NÄCHST ST. STEPHAN ROSEMARIE SCHWARZWÄLDER Vienna – SHEROANAWE HAKIHIIWE, ABRA Caracas – WAQAS KHAN, SABRINA AMRANI Madrid – GIOVANNI KRONENBERG, RENATA FABBRI Milano – CHRISTIANE LÖHR, TUCCI RUSSO Torre Pellice, Torino – ANNA MARIA MAIOLINO, RAFFAELLA CORTESE Milano – ANA MANSO, UMBERTO DI MARINO Napoli – BRUNO MUNARI, MAURIZIO CORRAINI Mantova – OTOBONG NKANGA, LUMEN TRAVO Amsterdam – NICOLA PECORARO, GIANLUCACOLLICA Catania – ADAM PENDLETON, PEDRO CERA Lisbon – JOSÉ MIGUEL PEREÑÍGUEZ, LUIS ADELANTADO Valencia, Mexico City – MARIO SCHIFANO, IN ARCO Torino – ACHRAF TOULOUB, PLAN B Berlin, Cluj – SANDRA VÁSQUEZ DE LA HORRA, SENDA Barcelona ART SPACES & EDITIONS Limited editions, prints and multiples by contemporary artists ARTIKA, Barcelona – CASTELLO DI RIVOLI MUSEO D’ARTE CONTEMPORANEA Rivoli – COLOPHONARTE Belluno – L’ARENGARIO S.B. Gussago, Brescia – MARTINCIGH Udine – DANILO MONTANARI Ravenna – SANTOLAROSA Oslo – TRECCANI Roma
Artissima Turin

ARTISSIMA CONTEMPORARY ART FAIR | Via Antonio Giuseppe Bertola 34
10122 Turin

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posted 31. Oct 2019

Shahryar Nashat. Start Begging

29. Aug 201929. Dec 2019
opening: 28. Aug 2019 05:00 pm
venue: x-room, SMK Statens Museum for Kunst Shahryar Nashat. Start Begging 29.08.2019 - 29.12.2019 Official opening: Wednesday 28 August from 5 pm to 7 pm. Everyone is welcome; no advance notice required. A subtle, pink filter on the gallery’s windows sets the tone of the exhibition on several levels: literally, as it floods the room in flesh-coloured light, and metaphorically, hinting at a general preoccupation with the body and all its connotations – including those of flesh, tissue, body, membranes, motor functions and desire. The exhibition will include a major video installation as well as a number of sculptures and other interventions. The exhibition title, Start Begging, frames the various oppositions and power plays which the works establish: between object and image, between camera and body, between different materialities – and possibly even between work and viewer. Please join us for the opening of Shahryar Nashat's exhibition in the x-room. Free entrance to the exhibition, cold drinks, and opening speeches. The x-room is SMK’s platform for contemporary art where international artists are invited to show new works created especially for this space. The works of this exhibition are produced in collaboration with the Swiss Institute, New York. The exhibition is on view 29 August – 29 December 2019.
SMK Statens Museum for Kunst / National Gallery of Denmark, Copenhagen

THE ROYAL MUSEUM OF FINE ART, Solvgade 48-50
DK-1307 Copenhagen

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posted 30. Oct 2019

Sigalit Landau - Salt Years

06. Jun 201917. Nov 2019
Orte: Mönchsberg, Rupertinum Sigalit Landau. Salt Years 6. Juli – 17. November 2019 An seinen beiden Standorten – Rupertinum und Mönchsberg – präsentiert das Museum der Moderne Salzburg die erste museale Einzelausstellung der israelischen Bildhauerin, Video- und Installationskünstlerin Sigalit Landau im deutschsprachigen Raum. Salzburg, 27. Mai 2019. Sigalit Landau (1969 Jerusalem, IL – Tel Aviv, IL) ist eine der bedeutendsten zeitgenössischen Künstlerinnen Israels. Seit über 15 Jahren nutzt sie das Tote Meer als Inspirationsquelle und Labor für ihre Videoarbeiten, fotografischen Serien und Salzskulpturen. Mit ihren orts- spezifischen Arbeiten nimmt Landau Bezug auf das private und kollektive Gedächtnis, archaische und utopische Mythen und auf aktuelle Fragen zur menschlichen Verfassung. Durch den Einsatz von unterschiedlichen Materialien und einem Zusammenspiel mit dem menschlichen Körper verbindet sie das Öffentliche mit dem Intimen, die Geschichte mit persönlichen Erfahrungen und lokale mit epischen Erzählungen. Die Ausstellung am Museum der Moderne Salzburg präsentiert kristalline Salzskulpturen und Installationen, die von Landau seit mehreren Jahren im Toten Meer erschaffen werden. Fast einem Ritual gleich taucht die Künstlerin zusammen mit ihrem Team Objekte in dieses einzigartige Gewässer. Neben spezifischen Handarbeiten mit symbolischem Charakter, wie z. B. Fischernetze oder Skulpturen aus Stacheldraht, verwendet Landau auch immer wieder simple Alltagsgegenstände. Allen ist gemein, dass sie eine verlorene Welt symbolisieren. Durch das Wasser des Toten Meeres werden die Objekte und Skulpturen von einer Kruste aus Salzkristallen umschlossen. Was von Landau aus dem Toten Meer geborgen wird, ist zerbrechlich, schrecklich und schön gleichermaßen, wie historische Fundstücke, die von der Verwandlung der Dinge und den dunkelsten Kapiteln des 20. Jahrhunderts berichten. Die Künstlerin bezeichnet ihre Salzarbeiten als konzeptuelle Readymades und gruppiert sie im Museum der Moderne Salzburg auf dem Mönchsberg zu ortsspezifisch choreographierten Installationen. Eine Auswahl ihrer Videoarbeiten über das Tote Meer und die Küste des Mittelmeeres wird im Rupertinum auf zwei Stockwerken präsentiert. Darin thematisiert Landau neben Fragen der weiblichen Identität und Körperlichkeit auch die politische Situation in Israel sowie das vom Menschen verursachte Umweltproblem und die daraus resultierende Bedrohung des Toten Meers. Für die Dauer der Ausstellung wird das Atrium im Rupertinum zusätzlich mit einer eigens für Salzburg neu entwickelten Videoinstallation bespielt. Die Personale Salt Years vereint 6 Installationen mit Salzobjekten, eine Serie von Fotografien, die in Zusammenarbeit mit Yotam From entstanden sind, und 13 Video- arbeiten. „Mit großer Intensität und teilweise erschütternder Symbolik und Poesie verhandelt Sigalit Landau in ihrem Werk existenzielle und ambivalente Schwellen- und Grenzerfahrungen. Entstanden in einer der konfliktreichsten Regionen der Erde, zeugen Landaus Arbeiten von der Vision eines gemeinsamen, friedlichen Zusammenlebens unterschiedlicher Menschen, Religionen, Kulturen und Weltanschauungen und besitzen dadurch eine universelle Relevanz“, erklärt Thorsten Sadowsky, Direktor des Museum der Moderne Salzburg. „In Anbetracht der Geschichte und der Erinnerungen meiner Familie an Österreich freue ich mich überaus, meine Salzkristall-Skulpturen in Salzburg ausstellen zu können – einer Stadt, in der Salz ein wichtiger Teil der Geschichte war. Die neuen Skulpturen begeben sich vom tiefsten Punkt der Erde, dem Toten Meer, auf den Mönchsberg. In meinen Arbeiten stellt das Tote Meer eine Reflexion dar. Einen Ort, der die Zeit in glamouröse Kristalle verwandelt und Salz – ein Element, das Leben bewahrt, heilt und ermöglicht, aber auch vergiften, konservieren und konstruieren kann – dient als mein Medium und Botschafter“, so die Künstlerin Sigalit Landau. Geboren und aufgewachsen ist die Tochter jüdischer Immigranten mit österreichischen Wurzeln in Jerusalem, zwischenzeitlich lebte die Familie in Philadelphia und London. Sigalit Landau studierte an der Bezalel Academy of Art and Design in Jerusalem. Als interdisziplinär arbeitende und dabei international sehr erfolgreiche Künstlerin schuf sie in den letzten 25 Jahren ein umfangreiches Œuvre aus Videoarbeiten, Installationen, Fotografien und Skulpturen. Landau ist fasziniert von biblischen und mythologischen Erzählungen sowie von den expressiv-figurativen Traditionen der Kunstgeschichte. Immer wieder stellt sie ihren eigenen Körper in den Mittelpunkt ihrer künstlerischen Arbeit, was auch in Verbindung mit ihrer Ausbildung zur Tänzerin steht. Darüber hinaus interpretiert sie in ihrer künstlerischen Praxis die Geschichte und Natur ihrer Heimat und versucht dadurch einen Prozess der Heilung und der Überbrückung unterschiedlicher Lebenswelten herbei- zuführen. Einem großen Publikum wurde Sigalit Landau erstmals durch ihre Teilnahme an der documenta X (1997) in Kassel bekannt. Seitdem wurden ihre Arbeiten vielfach international ausgestellt, unter anderem im MoMA (2008) in New York, im israelischen Pavillon auf der 54. Biennale di Venezia (2011), im SCAD Museum of Art in Savannah (2012) und im MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona (2014). Anlässlich der Ausstellung erscheint das Buchprojekt Sigalit Landau: Salt Years mit Texten internationaler Autor_innen über die Auseinandersetzung der Künstlerin mit dem Toten Meer. Eine Ausstellung von Sigalit Landau mit Yotam From Kurator_innen: Thorsten Sadowsky mit Marijana Schneider
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posted 29. Oct 2019

Shannon Bool. House of Oblivion

14. Sep 201917. Nov 2019
opening: 13. Sep 2019 07:00 pm
Shannon Bool. House of Oblivion 14.09.2019 – 17.11.2019 ERÖFFNUNG AM 13. SEPTEMBER UM 19 UHR. Shannon Bool untersucht die Bedeutung des Blicks. Dabei verfolgt sie eine vielgestaltige künstlerische Praxis, die Teppiche, Fotogramme, Skulpturen, Installationen und Malerei umfasst. Sie kombiniert Medien der bildenden Kunst mit Techniken und Materialien, die einen handwerklichen Gestus in sich tragen: Aufwändig gewebte, großformatige Wandteppiche sowie Siebdrucke bestickt sie nachträglich mit feinen Baumwollfäden, um Details hervorzuheben oder aber eine zusätzliche Bildebene zu entwickeln. Solche – traditionell weiblich konnotierten – Verfahrensweisen deuten auf eine feministische Perspektive hin, die sich vorherrschenden Denkmustern entgegenstellt. Dabei verknüpft Shannon Bool in ihren Projekten feinste Ausarbeitungen auf formaler Ebene mit scharfsinnigen Recherchen, die um gesellschaftliche, kunsthistorische oder architektonische Phänomene kreisen. Mit House of Oblivion nähert sich Shannon Bool dem Unbewussten an, das sich – inspiriert von der Psychoanalyse – wie ein roter Faden durch ihre Ausstellung zieht. In Untersuchungen zu Carlo Mollino, Mies van der Rohe, Le Corbusier und Stock-Fotos von Pferden, die mit Architekturmotiven verschmelzen, setzt sich Shannon Bool mit der Moderne und den mit ihr assoziierten Lesarten auseinander. Shannon Bool kämmt (Kunst-)Geschichte gegen den Strich und befragt tief eingeschliffene Wahrnehmungsgewohnheiten. Shannon Bool (*1972 in Comox, British Columbia, lebt in Berlin) studierte an der Städelschule Hochschule für Bildende Künste in Frankfurt. Der Kunstverein Bonn (2012), die GAK Gesellschaft für Aktuelle Kunst Bremen (2010) und das Centre Rhénan d’Art Contemporain Alsace, Altkirch, France (2010) widmeten Shannon Bool erste Einzelausstellungen. Ihre Arbeiten sind u.a. in den Sammlungen des Metropolitan Museum NY und des MMK Museum für Moderne Kunst Frankfurt vertreten. Die Ausstellung von Shannon Bool wurde vom Museé d’art Joliette in Québec, Kanada initiiert und ist eine Kooperation zwischen dem dem Museé d’art Joliette (2018), dem Centre Culturel Canadien in Paris (2019), Agnes Etherington Art Centre, Kingston, Canada (2020) und dem Kunstverein Braunschweig. Die in Braunschweig präsentierte Version House of Oblivion ist die bislang umfangreichste Ausstellung von Shannon Bool überhaupt. Zur Ausstellung ist ein Katalog erschienen. GÄSTEZIMMER: Esther Kinsky Auf Einladung von Shannon Bool bespielt Esther Kinsky den Raum, der in der Villa Salve Hospes ursprünglich als Gästezimmer genutzt wurde. Kuratorin: Dr. Jule Hillgärtner Kuratorische Assistenz: Raoul Klooker Die Ausstellung House of Oblivion wird ermöglicht durch: Niedersächsisches Ministerium für Wissenschaft und Kultur Stiftung Niedersachsen Botschaft von Kanada Der Kunstverein Braunschweig e.V. wird gefördert von: Stadt Braunschweig, Kulturinstitut * **VERMITTLUNG IM RAHMEN DER AUSSTELLUNGEN:** HERBST-FIBS 08.– 09.10.2019, 9 – 15 Uhr Was hat es mit den Wesen in Julia Phillips Ausstellung auf sich und mit welchen Stimmen begegnen sie uns? Und wie können wir die Klänge durch unsere Bewegungen im Raum beeinflussen? In der Beschäftigung mit der Ausstellung Fake Truth erzeugen wir eigene Sounds und Klänge, die sich unmittelbar auf unseren Körper und unser Verhalten beziehen. Workshop für Kinder von 6 bis 12 Jahren Kosten: 20 € pro Person (inkl. Mittagssnack), Anmeldung bis zum 04.10.2019 NACHTS IM KUNSTVEREIN 12. – 13.10.2019, 18 – 11 Uhr Zu Gast im Kunstverein: Was geschieht nach Einbruch der Dunkelheit hinter den Türen der Villa Salve Hospes? Wie verändern sich die ausgestellten Arbeiten, wenn das Sonnenlicht weicht? In der Beschäftigung mit den Ausstellungen produzieren wir eigene Kunstwerke, die wir am nächsten Morgen Freunden und Eltern in einer kleinen Ausstellung vorstellen. Bitte mitbringen: Taschenlampe, Schlafsack, Isomatte, Schlafsachen. Workshop und Übernachtung im Kunstverein für Kinder von 6 bis 12 Jahren Kosten: 20 € pro Person (inkl. Abendbrot und Frühstück), Anmeldung bis zum 09.10.2019 KIWI-FORSCHERTAG 15.10.2019, 13.15 – 15.30 Uhr In ihren Kunstwerken untersucht Shannon Bool, wie sich unterschiedliche Ausgangsmaterialien – Gebäude, Menschen oder Gegenstände – in Bilder verwandeln lassen, wobei Teppicharbeiten, Fotografien, Collagen oder Skulpturen entstehen. Wir lassen uns von dieser Arbeitsweise inspirieren und arbeiten ausgehend von Dingen, Personen oder Erlebnissen, die uns im Kunstverein begegnen an eigenen Projekten. Führung und Workshop für Kinder von 6 bis 12 Jahren Anmeldung und weitere Infos unter: www.hausderwissenschaft.org/kiwi KINDERKUNSTSAMSTAG 26.10.2019, 11 – 13 Uhr Nach einer Entdeckungstour durch die Ausstellungen entwickeln wir – inspiriert von dem Gesehenen, Erfühlten und Gehörten – im Vermittlungsstudio ein eigenes Projekt. Führung und Workshop für Kinder von 6 bis 12 Jahren Kosten: 2 €, zzgl. Eintritt, Anmeldung bis zum 24.10.2019 IT’S NOT LATE IT’S EARLY #27 06.11.2019, 19 Uhr Die Kunsthistorikerin Christina Végh (Direktorin der Kestnergesellschaft Hannover) spricht mit Shannon Bool über ihre aktuelle Ausstellung House of Oblivion. Es gibt Drinks und Kurzführungen und ein Something Special. kostenlos, zzgl. Eintritt, keine Anmeldung erforderlich IT’S NOT LATE IT’S EARLY #28 13.11.2019, 19 Uhr Eine Auswahl von Video- und Filmarbeiten mit Bezug zur Ausstellung von Julia Phillips. Der Abend wird um ein Something Special ergänzt und klingt mit Snacks und Getränken aus. kostenlos, zzgl. Eintritt, keine Anmeldung erforderlich INTERAKTIVE FAMILIENFÜHRUNG 17.11.2019, 15 Uhr Zusammen mit Geschwistern, Freund_innen und Eltern nehmen wir die Installationen, Instrumente, Fotografien und Filme unter die Lupe und diskutieren die unterschiedlichen Themen und Formen gemeinschaftlicher künstlerischer Arbeit. kostenlos, zzgl. Eintritt, keine Anmeldung erforderlich ÖFFENTLICHE FÜHRUNGEN MIT DEN KURATOR_INNEN UND DER DIREKTORIN jeden Donnerstag, 18 Uhr: Kurator_innenführung 26.09.2019, 18 Uhr Führung im Rahmen der Fridays for Future Climate Week 14.11.2019, 18 Uhr Führung mit der Direktorin Jeden Donnerstag führen Mitarbeiter_innen des kuratorischen Teams durch die aktuellen Ausstellungen. Dabei werden Hintergründe zur Arbeitsweise der Künstlerinnen vermittelt, kunsthistorische Kontexte aufgezeigt und Einblicke in die Produktion und Installation der Arbeiten vor Ort vermittelt. kostenlos, zzgl. Eintritt, keine Anmeldung erforderlich

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Shannon Bool 
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posted 28. Oct 2019

Yael Bartana - The Graveyard

14. Sep 201909. Nov 2019
opening: 13. Sep 2019 06:00 pm
YAEL BARTANA The Graveyard September 14 – November 9, 2019 Opening: Friday, September 13, 6-9pm Ausgehend von ihrer öffentlichen Performance Bury Our Weapons, Not Our Bodies! in Philadelphia im Jahr 2018 zeigt Yael Bartanas zweite Einzelausstellung bei Capitain Petzel ihren jüngsten Film zusammen mit einer Gruppe von Objekten und Prints. Die Ausstellung markiert die Premiere des Films The Undertaker, für den Bartana eine militärische Beerdigung in den Straßen von Philadelphia, dem Geburtsort der amerikanischen Demokratie, inszenierte und filmte. Yael Bartana (geb. 1970 in Israel, lebt und arbeitet in Berlin) untersucht die Bildlichkeit von Themen wie nationale Identität, Trauma und Vertreibung, oft mittels Zeremonien, in Gedenkstätten und durch öffentliche Rituale. In den letzten Jahren hat Bartana mit verschiedenen Medien experimentiert und ihr Werk um Skulpturen und Drucke erweitert.

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Yael Bartana 
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posted 27. Oct 2019

Sol Calero - ISLA

14. Sep 201908. Dec 2019
Sol Calero ISLA September 14–December 8, 2019 ISLA is Sol Calero’s first institutional solo exhibition in Belgium. For Kunsthal Extra City, the artist developed a new, site-specific installation. This sculptural pavilion, an autonomous structure, has links to the eclectic architectural environment of the premises, a former industrial laundry. Evidence of the physical labour previously carried out on the site remains present in the space. ISLA is a structure that can potentially be activated and "used," with benches and chairs to sit on and a platform to climb on. The installation combines previous aspects of Calero’s site-specific spatial approach, her architectural interventions and her affinity with painting. But now, for the first time, the artist has realised a pavilion inside of an exhibition space. Formally the structure creates a rough notion of the abandoned and is reminiscent of partially collapsed houses or unfinished constructions. The exhibition space is unheated, in contrast with Calero’s warm and colourful palette; this juxtaposition lends subtext to the work’s presentation of stereotypical Western ideas about the American continent. This way, the work functions as a template for the clichés of South American imagery that in turn reflects the exoticised Western narrative. The aspect of heat is used as a material, which takes its own space in another spatial dimension. In this way, heat (or its absence) gains the captivating and seductive quality of sculpture. The rough texture and composition of the work is reminiscent of the decay of a disused home, left abandoned for an unknown reason. ISLA abstracts the connections between architecture, community and socio-cultural structures and in doing so calls their utopian and dystopian notions into question. How does architecture symbolise the state of a community? ISLA calls into question the symptoms and parallelism of social dissolution and architectural decay. With her colourful yet positive imagery, Calero designates ruin as a symbol of fragility. Curated by Carla Donauer Realized with the generous support of Goethe Institut.

artist

Sol Calero 

curator

Carla Donauer 
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posted 26. Oct 2019

five suns/ after Galileo. Mischa Kuball

26. Oct 201907. Dec 2019
opening: 26. Oct 2019 06:00 pm
five suns/ after Galileo. Mischa Kuball 26.10.2019 - 07.12.2019 Opening 26.10.2019 18:00 Der Düsseldorfer Künstler Mischa Kuball arbeitet mit Licht als künstlerischem Material und das schon seit drei Jahrzehnten. So ungewöhnlich für die Kunst und nicht wirklich fassbar, ist es doch das Material, aus dem alles Werden, nicht nur in der Natur zu​ verstehen ist. Sein Interesse folgt nicht dem rein materiell Fassbaren, sondern gilt Fragestellungen​ visueller Erlebnisse und der Frage nach dem Erscheinen und dessen Wahrheit. Somit sind seine Lichtprojektionen nie nur phänomenale Untersuchung und Erlebnis, sondern immer auch Reflexion sozialer, politischer und wissenschaftlicher Fragen. In Kuballs Installation five suns ist das projizierte Licht auf fünf sich drehende farbige Glasscheiben gerichtet, in die jeweils das Motiv einer Zeichnung Galileos eingraviert ist. Galileo beobachtete dunkle, sich bewegende und sich verändernde Flecken auf der Sonnenscheibe, die er in einer Reihe von Zeichnungen fest hielt. Ohne eine genaue Vorstellung zu haben, was diese Sonnenflecken genau bedeuteten, stützten sie für ihn das kopernikanische Weltbild, das den Dogmen der Kirche widersprach: die Erde ist keine Scheibe, sondern eine Kugel, nicht Mittelpunkt des Universums, sondern einer der vielen Planeten, die sich um die Sonne drehen. Dieses Motiv von Galileo weiterführend, versteht es Kuball, eine eigene visuelle Erkenntnis mit seiner beeindruckenden Installation herauszufordern, visuelles Denken und Fortführen von Ideen. Galilei war ein visueller Denker, wobei er sich durchs Zeichnen Dinge vergegenständlichte. Seine Skizzen vom Mond und von der Sonne können als Abbilder eines in den „Händen ablaufenden Denkens“ verstanden werden. In der Installation five suns zeigt sich die Verknüpfung von Kunst und Wissenschaft. Als Naturwissenschaftler hat Galileo das „Denken in Bildern“ als unverzichtbarer Bestandteil seiner Forschungen favorisiert, als Künstler vermag es​ Kuball künstlerisches Darstellungsvermögen mit naturwissenschaftlichem Verstand​ zusammenzuführen, ohne in einer didaktischen​ Lehrstunde zu verfallen. Visuelles Denken als ein Fortführen von Ideen, die auch zu Widerspruch und einem Handeln auffordern. Im Rahmen der Ausstellung five suns/after Galileo diskutieren der Düsseldorfer Künstler Mischa Kuball, Alessandra Buccheri, Dozentin in Moderne Kunst an der Kunstakademie Palermo, und Michael Kortländer, Präsident des Vereins Düsseldorf-Palermo e.V., das Thema “Kunst-Wissenschaft”. Der Gespräch findet am Samstag, den 26.10.2019 um 11 Uhr bei Spazio Franco im Cantieri Culturali alla Zisa in Palermo statt.

artist

Mischa Kuball 
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