daily recommended exhibitions

posted 25. Aug 2019


31. Mar 201913. Oct 2019
Palimpsest March 31–October 13, 2019 The exhibition takes as its starting point the definition of “palimpsest”—originally a manuscript or document that has been erased or scraped clean to be re-used. It has since become used to mean “something reused or altered but still bearing visible traces of its earlier form.” The exhibition will explore ideas of connections across time, how locations have multiple uses through time and multiple meanings, what endures and what disappears. The idea for Palimpsest came from the richly layered history of Lismore itself, and the verdant nature that surrounds it. Shown with these works is archival material relating to Lismore from the Chatsworth Archive, including a map of Lismore town from 1773, an 1849 watercolour by Samuel Cook and photographs of the rebuild of the castle from circa 1895. To sit alongside Palimpsest, students from local schools have gathered oral histories from their parents and grandparents, ensuring the locality’s histories are recorded for posterity. These histories are presented alongside the exhibition, offering a living archive of the changing nature of the town and its people. Palimpsest will also feature a limited edition publication to accompany the show, to be published in June. Michael Dean: Laughing for Crying Michael Dean’s immersive sculptural installations begin with his own writing, which he translates into physical form, from letter-like human-scale figures to self-published books deployed as sculptural elements within his installations. His materials are readily available, and include concrete and steel reinforcement bars. His sculptures are exposed to the elements as he works on them outdoors. For Lismore, Michael will create a new body of work especially for the space at St Carthage Hall, and will feature a 96 page publication to accompany the show. Nicole Eisenman, Zoe Leonard, Hilary Lloyd, Charlotte Prodger, Martine Syms, Lynette Yiadom-Boakye, Andrea Zittel. Curated by Charlie Porter


Charlie Porter 
Lismore Castle Arts

St. Carthage Hall

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posted 24. Aug 2019

Claudia Comte. I Have Grown Taller from Standing with Trees

08. Feb 201901. Sep 2019
Claudia Comte. I Have Grown Taller from Standing with Trees 08.02.2019 – 01.09.2019 Copenhagen Contemporary (CC) is delighted to present I Have Grown Taller from Standing with Trees by the Swiss artist Claudia Comte. For her first exhibition in Denmark, Comte has created an immersive installation for CC’s largest hall. The presentation brings together sculpture, sound and 3D prototyping with the artist’s interest in archaeology, biodiversity and forestry. Inside the 1100 m2 large hall, rows of six-metre-tall debarked spruce trees are positioned along a grid of millimetric precision that directly corresponds to a digitally printed graphic carpet. A large ceramic sculpture sits at the centre of this seemingly peaceful forest, which is enveloped by filtered light, sound and the mild scent of resin released by the pale spruces. Moving through the exhibition, however, a collapse of order becomes apparent. The trunks have been struck by a powerful force and are suspended in a state of disorder. The geometrical grid of the carpet evokes the root system of the trees, which, via underground fungi networks, communicate with other trees along the forest floor. The grid – a structure which relays order and clarity – is also distorted, visualising the effects of this large-scale disturbance upon the forest ecosystem, above and below ground. Comte’s particular interest in the forest stems from her childhood spent in the Swiss countryside. In a period when many traditional methods are being replaced by automated technologies, the artist highlights the virtues of traditional craftsmanship by prompting a dynamic conversation between organic forms, new media and rendering software. The spruce trees of I Have Grown Taller from Standing with Trees may be viewed as time capsules in the way the trunks’ annual rings grow at different rates depending on climate conditions. This is worth bearing in mind when walking among the spruces, all approximately one hundred years old. As a totalising experience of light, scent and sound, I Have Grown Taller from Standing with Trees embraces the full force of nature. At the same time, it is nature’s cemetery of felled trees, mirroring the effects of our current era in which human activity directly impacts Earth’s biological systems. The installation reminds us that we are part of a greater whole where strong cooperative networks are as vital for trees as they are for humans. Visitors are invited to walk amongst the trees, climb the fallen trunks and take in the views of the collapsed forest. Evoking childhood memories of visiting the woods, visitors may carve their names or leave messages on the trunks. The artist also invites visitors to participate in a number of performances scheduled during the exhibition period. Comte was personally involved in the entire process of sourcing the trees, felling, cutting and sanding the trunks. Importantly, for every tree felled the artist has planted two new trees. About Claudia Comte (b.1983) The Swiss artist Claudia Comte is known for her site-specific installations that bring together handmade sculptures, graphic works, digital technologies and interactive installations that invite the audience to participate in activities such as arm-wrestling and dancing. Comte studied at the Ecole Cantonale d’Art de Lausanne (ECAL) and the Haute Ecole Pédagogique, Visual Arts. Recent exhibitions include: The Morphing Scallops, Gladstone Gallery, New York (2019), Electric Burst (Lines and Zigzags), Contemporary Art Museum, St Louis (2018), When Dinosaurs Ruled the Earth, König Galerie, Berlin (2018), Zigzags and Diagonals, MOCA Cleveland (2018), Swiss Performance Now, Kunsthalle Basel (2018), KölnSkulpture #9, Cologne (2017), La Ligne Claire, Basement Roma (2017), NOW I WON, Messeplatz, Art Basel (2017), Desert X, Palm Springs (2017) and 10 Rooms, 40 Walls, 1059 m2, Kunstmuseum Luzern (2017).


Claudia Comte 
Copenhagen Contemporary (CC)

1436 Copenhagen

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posted 23. Aug 2019

Candelilla, Coatlicue, and the Breathing Machine

05. Apr 201908. Sep 2019
opening: 05. Apr 2019 06:00 pm
Candelilla, Coatlicue, and the Breathing Machine April 5–September 8, 2019 Opening reception: April 5, 6–9pm, with a performance by Rob Mazurek at 8pm artists: Beatriz Cortez, Candice Lin, and Fernando Palma Rodríguez Candelilla, Coatlicue, and the Breathing Machine is an exhibition with new and existing work by Beatriz Cortez, Candice Lin, and Fernando Palma Rodríguez. The title refers to a facet of each artist's contribution to the show, which range from wax pours to robotic storytellers to provisional shelters and beyond. The installations and objects from these three artists weave together a multivalent conversation about the animate qualities of land; simultaneities of the past, present and future; as well as human and non-human migrations, cross-contamination, and porousness—all while forwarding their own individual investigations. Each artist spent time in Marfa and the Big Bend and these particular experiences are reflected in various aspects of the commissioned pieces. New drawings from Candice Lin explore flora common in the high desert–cholla, creosote, ocotillo, among others–and were produced after the artist ingested tinctures she made from these plants. Lin will also create an immersive new installation conceived from her research on the biopolitics of the candelilla plant, whose distribution straddles the lower altitudes of the nearby US/Mexico border region. Fernando Palma Rodríguez will make several new "mechatronic" sculptures that address intersecting lands and histories in Texas and Mexico through choreographed spatial storytelling. These new pieces will be accompanied by existing kinetic works that will be re-programmed to respond both to elements in the gallery and to elements farther afield in the landscape. A new outdoor installation by Beatriz Cortez examines different versions of modernity, nomadic architectures, and the future imaginary via geodesic domes constructed from chain link, folded metal, and scrapped car hoods. Cortez will also fabricate a new machine for the exhibition that marshals her skills with metalwork and engineering to create a hypocycloidal mechanism that breathes, thinking about plant respiration and our interconnectivity through the atmosphere. Altogether the exhibition puts these three important artists and their distinct bodies of work in conversation with and about lands, plants, and histories. It represents a continued engagement with Cortez and Lin’s work, which has been threaded through Ballroom's recent exhibitions and publications. Candelilla, Coatlicue, and the Breathing Machine facilitates the production of a slate of new objects and installations via Ballroom’s commissions, supporting new art, ideas and relationships. The exhibition is organized by Director & Curator Laura Copelin. Candelilla, Coatlicue, and the Breathing Machine is made possible by the generous support of Kenneth Bauso; The Brown Foundation Inc.; City of Marfa; Fairfax Dorn & Marc Glimcher; Kristina & Jeff Fort; Lebermann Foundation; Virginia Lebermann & Family; George S. Loening; Max Mara; National Endowment for the Arts; Texas Commission of the Arts; the Ballroom Marfa Board of Trustees; the Ballroom Marfa International Surf Club; and Ballroom Marfa members.


Laura Copelin 

108 East San Antonio Street
TX-79843 Marfa

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posted 22. Aug 2019

Joana Hadjithomas and Khalil Joreige. On Scams

22. Jun 201902. Sep 2019
opening: 21. Jun 2019 08:00 pm
Joana Hadjithomas and Khalil Joreige. On Scams 22.06.2019 - 02.09.2019 Public opening party: June 21, 8–11pm CURATOR: LAUREN BARNES Joana Hadjithomas and Khalil Joreige present a series of works never before exhibited in Canada. For over twenty years, artists and filmmakers Joana Hadjithomas and Khalil Joreige have collaborated across the worlds of art and film to reimagine the relationship between fiction and reality. Both born in Beirut, Lebanon, Hadjithomas and Joreige’s collaboration began by exploring histories of their home country. Across diverse media, they have investigated topics from the Lebanese Civil War to Beirut’s participation in the space race of the 1960s, underpinned by a commitment to questioning the ways that history is written. This exhibition presents works from the landmark series On Scams (I must first apologise), a multi-part project exploring notions of trust and faith across geographical and virtual borders. This series takes as its point of departure an archive of over 4,000 spam emails Hadjithomas and Joreige have received and collected since 1999. They were intrigued by the emotional appeals of these messages, and the manner in which these fictions were grounded in political realities: the messages often contain references to real people, places, and conflicts to legitimize their claims. The exhibition presents the immersive multi-screen installation The Rumor of the World (2014), in which scam emails are brought to life by amateur actors that appear on monitors encircling the viewer. Relocating email texts to the bodies of actual people, the work’s cacophony of voices generates a reimagining of recent history in which war and unrest are the backdrop to a series of ultimately implausible circumstances. Considering the scammers’ fictions as representative of the geopolitical fault-lines of our time, Hadjithomas and Joreige extend this project in a series of related works in video, sculpture and drawing. In the Fleck Clerestory, a group of large-scale oxidized steel sculptures entitled The Geometry of Space (2014) map the geographical trajectories of these stories onto globe-like forms, translating fictional narratives into physical space. The video work It’s All Real (2014) explores the life stories of the Beirut-based actors who perform the scammers’ tales in The Rumor of the World, conjuring the stories of immigration and refuge-seeking that have shaped their realities. In The Jerusalem Letter (2014), Hadjithomas and Joreige interrogate historical precedents for scams, reproducing an example of a late-eighteenth century scam letter sent during the French Revolution – a period, like today, when bases of power and trust were unsettled. Like elements of a film in which fiction and reality are blurred, the exhibition’s works construct a web of stories to investigate the shifting nature of belief. Joana Hadjithomas and Khalil Joreige (both born in Beirut, Lebanon, 1969) studied at the Université Paris X Nanterre, France and collaborate as artists and filmmakers, working between Beirut and Paris. Recent two-person exhibitions have been held at IVAM, Valencia, Spain (2017); Haus der Kunst, Munich, Germany (2016); MIT List Visual Arts Center, Boston, United States (2016); Jeu de Paume, Paris, France (2016); and Sharjah Art Foundation, UAE (2016). They have exhibited in group exhibitions at venues including Centre Pompidou, Paris; Whitechapel Gallery, London; and the Guggenheim Museum, New York, as well as in the 56th Venice Biennale (2015), and their work is included in prominent public collections. They were awarded the Marcel Duchamp Prize in 2017.

artists & participants

Joana Hadjithomas,  Khalil Joreige 


Lauren Barnes 
The Power Plant, Toronto

ON-M5J 2G8 Toronto

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posted 21. Aug 2019

Latifa Echakhch - Freiheit und Baum

12. Jul 201920. Oct 2019
opening: 11. Jul 2019 07:00 pm
Ausstellungseröffnung: Donnerstag, den 11.07.2019 19:00 Uhr Die Künstlerin Latifa Echakhch ist für ihre ortsspezifischen Installationen und Interventionen bekannt. Ihre Werke entstehen stets in Bezug zu dem jeweiligen Ausstellungsort, seiner Architektur und lokalen Verwurzelung. Dabei knüpft sie an die Formensprache von Minimalismus und konkreter Kunst an, verknüpft diese jedoch mit Materialien wie Tinte oder Garn, mit Objekten wie Büchern, Fotografien, Muscheln etc. und webt sie in Erzählungen ein. Latifa Echakhchs einzigartiges Materialgespür verbindet sich mit gesellschaftspolitischen Inhalten und Fragen nach kulturellen Wurzeln, Folgen der Migration sowie der Bedeutung von Revolutionen. Die Künstlerin wurde in Marokko geboren und verbrachte dort ihre frühe Kindheit. Mit den Eltern migrierte sie nach Frankreich, wo sie mit starken kulturellen Differenzen konfrontiert wurde. Das Gefühl der Entwurzelung, die Unkenntnis der fremden Sitten und Verhaltenscodices, aber auch die Vielzahl an andersartigen Alltagsgegenständen prägten Latifa Echakhch und weckten in ihr eine Sensibilität für die Begegnung mit anderen Kulturen. Heute lebt die Künstlerin in Paris und in der französischen Schweiz und interessiert sich insbesondere für Grenzgänge zwischen Ländern und Kulturen, zwischen „Heimaten“, für Narben, die an deren Berührungsstellen entstehen. Sie beschäftigt sich mit dem Einsatz und den Wirkungsweisen nationaler Symbole in Zeiten der Globalisierung durch eine Auseinandersetzung mit Stereotypen, sprachlichen Codes, Ein- und Ausschlussmechanismen. Latifa Echakhch wirft Blicke auf das „Fremde", auf nationale wie religiöse Identitäten und reflektiert dabei aktuelle Debatten um Integration, Religionsfreiheit, auf Symbolen basierende Politik sowie auf politische Revolten. Mit minimalem Materialeinsatz und Gesten lässt sie Materialien und Objekte eigene Geschichten erzählen und entwickelt raumgreifende, sinnliche Inszenierungen. Freiheit und Baum in der Kunsthalle Mainz geht von dem Freiheitsbaum aus – einem Symbol, das während der gesamten Französischen Revolution und während der kurzlebigen Mainzer Republik Verwendung fand. Freiheitsbäume wurden hier meist aus Schwarzpappeln gefertigt und als Zeichen der Befreiung aufgestellt. Darüber hinaus dienten sie den Revolutionären zur Versammlung, zum geselligen Miteinander mit Tanz und Gesang von Revolutionsliedern. Standen sie anfangs noch für die Freiheit, wurden sie im Laufe der Geschichte zu Zeichen des Protests gegen soziale Missstände, ökonomische Ungleichheit und gesellschaftliche Unterdrückung. Auf verschiedenen Wegen, mittels diverser Objekte und Materialien nähert sich Latifa Echakhch in Freiheit und Baum der Bedeutung von „Revolution“. Sie wirft einen Blick zurück, ruft Ereignisse der Geschichte wach, beschwört sie erneut herauf, doch gänzlich ohne sie zu glorifizieren. Ausgehend von der Französischen Revolution werden dabei die Fragen nach Revolutionen der Gegenwart, nach deren Nachhaltigkeit und Sinnhaftigkeit laut. Latifa Echakhchs Ausstellung in der Kunsthalle Mainz schließt an die aktuelle Beschäftigung der Künstlerin mit Landschaft, Geschichte, Bühne und dem Menschen als Hybrid vergangener und zeitgenössischer Entwicklungen an. Indem sie Malerei, Skulptur, Video und Installation einbezieht, entwickelt sie in den Räumen der Kunsthalle Mainz eine begehbare parkähnliche Kulisse. So verknüpft Latifa Echakhch verschiedene Referenzsysteme, die Momente der europäischen Geschichte mit aktuellen Entwicklungen im arabischen Raum verbinden und dabei den Schritt vom Persönlichen ins Kollektive vollziehen. Die Ausstellung wird unterstützt durch den Kultursommer Rheinland-Pfalz, Pro Helvetia und das Bureau des arts plastiques des Institut français und des französischen Ministeriums für Kultur.
Kunsthalle Mainz

KUNSTHALLE MAINZ | Am Zollhafen 3–5
55118 Mainz

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posted 20. Aug 2019

Xu Zhen: In Just a Blink of an Eye

27. Jul 201901. Sep 2019
MOCA Grand Avenue Xu Zhen: In Just a Blink of an Eye 27.07.2019 - 01.09.2019 The Museum of Contemporary Art has acquired a performance piece titled In Just a Blink of an Eye by Chinese artist Xu Zhen. The work will be on view at MOCA’s Grand Avenue location every Saturday and Sunday beginning July 27 through September 1. Xu Zhen: In Just a Blink of an Eye features a group of performers floating mysteriously in mid-air, defying the constraints of physics as if frozen in time and space. The work engages notions of the body as material, and in turn the materiality of the body, testing the limits of physical and cognitive possibilities as the viewer tries to comprehend what we see. A prolific and experimental artist, Zhen’s conceptually-driven practice encompasses a vast range of media and often employs humor, irony, and sophisticated trickery. As the audience waits for movement, for the performer to stand up, or for them to continue to follow the rules of gravity, they instead experience time and stillness as moments extend and are stretched out on through these living sculptures. Xu Zhen explores fragility and balance, literally and metaphorically, spatially and temporally. The work will be on view every Saturday and Sunday, starting on Saturday, July 27 through Sunday, September 1 at MOCA’s Grand Avenue location. No advance reservations or special tickets are needed to experience the performance. Please anticipate lines to enter the exhibition Xu Zhen: In Just a Blink of an Eye. MOCA members receive priority access to the queue. Prior to this acquisition, MOCA had only one performance piece in its collection by Puerto Rico-based artists Jennifer Allora and Guillermo Calzadilla (Allora & Calzadilla), titled Temperament and the Wolf (2014/19). The duo recently reimagined the work specifically for the 2019 MOCA Benefit, centered around the gesture of welcoming guests into MOCA’s 40th year with the essential participation of MOCA staff and trustees. Xu Zhen: In Just a Blink of an Eye is organized by Amanda Hunt, Director of Education and Senior Curator of Programs with the assistance of Alice Teng. Exhibitions at MOCA are supported by the MOCA Fund for Exhibitions with major funding provided by The Offield Family Foundation and generous funding provided by Dr. Alexander and Judith Angerman, Earl and Shirley Greif Foundation, Sydney Holland, founder of the Sydney D. Holland Foundation, Nathalie Marciano and Julie Miyoshi, Steven and Jerri Nagelberg, and Jonathan M. Segal through the Rhonda S. Zinner Foundation.


Xu Zhen 


Amanda HuntAlice Teng 
MOCA The Museum of Contemporary Art, Los Angeles

250 South Grand Avenue
CA 90012 Los Angeles

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posted 19. Aug 2019

Die Bucklige Verwandtschaft

06. Jul 201931. Aug 2019
opening: 05. Jul 2019 06:00 pm
Die Bucklige Verwandtschaft Kai Althoff, Cosima von Bonin, Merlin Carpenter, Martin Kippenberger, Michael Krebber, Nils Norman, Albert Oehlen, Josephine Pryde, Heimo Zobernig 06.07.2019 – 31.08.2019 Eröffnung: Freitag, 05.07.2019 18:00 - 20:00 Hätte ich mich so entschieden wie die Mehrzahl der Menschen, ich hätte mich nicht allein ihnen überlegen gewähnt, sondern ich hätte dafür gegolten. Ich habe mich vorgezogen. (Paul Valéry, Herr Teste)
Nagel Draxler, Köln

Elisenstraße 4-6
50667 Cologne

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posted 18. Aug 2019

Nairy Baghramian. Beliebte Stellen/Privileged Points

19. Jan 201922. Sep 2019
Nairy Baghramian. Beliebte Stellen/Privileged Points 19.01.2019 - 22.09.2019 Mudam Luxembourg – Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean presents Beliebte Stellen/Privileged Points by Nairy Baghramian. Acquired in 2018 for the Mudam Collection and installed in the museum’s central hall, the sculpture is accompanied by the temporary presentation on the esplanade of the Park Dräi Eechelen of two additional sculptures that make up the series. Their elegant curves punctuate the landscape and open onto the panoramic view of the city of Luxembourg, with the ruins of Vauban’s fortress on one side, and on the other, the steel and glass towers of the Kirchberg plateau. The three bronze sculptures painted with layers of desaturated yellow, pale yellow-green and pastel coloured green-grey have been cast in the form of irregular open circles of up to five metres in diameter similar to the marking of passages in a text. Baghramian first presented this new series of Beliebte Stellen/Privileged Points in Münster in 2017 as part of the 5th edition of Skulptur Projekte Münster, in the front and back courtyards of the Baroque Erbdrostenhof palace. In choosing this location she referred to a previous sculptural intervention by Richard Serra from 1987. In contrast to the monumentality and permanence suggested by Serra’s work, Baghramian emphasized the temporary and mobile nature of her sculptures in the context of the temporary exhibition by leaving the sculptures in a state of near completion with the promise of a final form still to be elaborated. Installed now in Mudam and the Park Dräi Eechelen, Baghramian’s sculptures establish a relationship between interior and exterior space. In both cases, the environment-inspired colouration blends the sculptural bodies with their surroundings. Their three-dimensional twist and hanging droplet formations, which address traditional sculptural questions of mass and weightlessness, form and colour, stability and performativity, and the visible processes of their production, are an invitation to the viewer to interact. Beliebte Stellen/Privileged Points embody formal, conceptual and critical concerns that have characterised Baghramian’s sculptures since she first began exhibiting in the late 1990s. Anthropomorphic affiliations associated with crutches and prosthetic devices, and a concern for placement in relation to marginal and threshold spaces are some of the physical and symbolic connections between architecture, object and human body, and the idea of sculpture as being necessarily dynamic. Together with her broader sculptural oeuvre, which also incorporates photographs and drawings, Beliebte Stellen/Privileged Points is part of a repertory of ideas that can be rearranged and reinvented so as to generate changing views according to the space they occupy, and the people who look at them. Curators: Suzanne Cotter, assisted by Vincent Crapon
MUDAM Musée d´Art Moderne Grand-Duc Jean, Luxemburg

MUDAM | 3, Park Dräi Eechelen
L-1499 Luxemburg City

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posted 17. Aug 2019

Paola Pivi. World Record

03. Apr 201908. Sep 2019
Paola Pivi. World Record 03.04.2019 - 08.09.2019 curated by Hou Hanru, Anne Palopoli Paola Pivi (1971) Leone d’Oro at the Biennale of Venicein 1999, presents to MAXXI a project site specific, immersive and engaging, where there are a succession of historical works and more recent works between sculpture and installation. Paola Pivi’s works, which range from monumental installations to minimal interventions, appropriate spaces and turn them into artistic contexts and moments characterised by specific material, formal, ludic, ironic and surprising features. With this project, MAXXI continues its research work and enhancement of significant Italian artists In the international art scene, promoting their knowledge also to the general public.


Paola Pivi 


Hou HanruAnne Palopoli 
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posted 16. Aug 2019

Preis der Nationalgalerie 2019

16. Aug 201916. Feb 2020
opening: 15. Aug 2019 08:00 pm
Preis der Nationalgalerie 2019 Hamburger Bahnhof - Museum für Gegenwart - Berlin 16.08.2019 – 16.02.2020 Berlin, 15. August 2019 Heute eröffnet um 20 Uhr im Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin die Shortlist-Ausstellung zum Preis der Nationalgalerie 2019. Gezeigt werden die Positionen der vier nominierten Künstler*innen. Im März dieses Jahres wurden Pauline Curnier Jardin (geboren 1980 in Marseille), Simon Fujiwara (geboren 1982 in London), Flaka Haliti (geboren 1982 in Pristina) und Katja Novitskova (geboren 1984 in Tallinn) von einer internationalen Jury für den Preis der Nationalgalerie 2019 nominiert. Der Preis wird alle zwei Jahre vergeben und ist eine museale Ehrung für Künstler*innen unter 40, die in Deutschland leben und arbeiten. Die vier Nominierten werden in einer Gruppenausstellung vom 16. August 2019 bis 16. Februar 2020 im Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin vorgestellt. Hier zeigen alle vier Künstler*innen räumliche Ensembles, in denen sie bestehende und neue Arbeiten miteinander verbinden. Die Tonalität und Handschrift der vier raumgreifenden Werkpräsentationen ist sehr verschieden; gemein ist ihnen ein expliziter Fokus auf Aspekte unserer heutigen Gesellschaft; auf kulturelle Phänomene, politische Ereignisse und technologische Entwicklungen. Pauline Curnier Jardin schafft mit einer grenzüberschreitenden künstlerischen Arbeitsweise, in der sich visuelle und narrative Elemente des Theaters und des Erzählkinos verbinden, einen Bühnenraum. In dieser begehbaren Installation verzahnen sich filmisches und skulpturales Schaffen in der für die Künstlerin typischen Weise. Ihre Gesamtkomposition aus den beiden Filmen Explosion Ma Baby (2016) und der Neuproduktion Qu'un Sang Impure sowie der skulpturalen Arbeit Peaux de Dame in the Hot Flashes Forrest (2019) schafft ein wildes Geflecht rund um Begehren und Reproduktion. Simon Fujiwara zeigt in der Shortlist-Ausstellung eine Zusammenstellung von vier Werken, die seiner Untersuchung heutiger Massenphänomene und ihrer ökonomischen, medialen und gesellschaftspolitischen Aspekte entspringen. Dabei verdeutlichen die sehr unterschiedlichen Arbeiten, wie sehr diesen Phänomenen eine emotionale Komponente zu eigen ist. Im Zentrum steht die Videoinstallation Likeness (2018), die sich der Figur der Anne Frank bzw. ihrer medienwirksamen Inszenierung und Instrumentalisierung widmet. Flaka Haliti setzt für die Ausstellung ihre beiden Werkserien Its urgency got lost in reverse (while being in constant delay) und Is it you, Joe? fort. Zwei farbenfrohen Robotern im Müßiggang, zusammengesetzt aus Materialien aufgegebener KFOR-Feldlager im Kosovo – also aus den ausrangierten Bausteinen eines Friedensprozesses –, setzt die Künstlerin die wandelbare Gestalt des*der Joe gegenüber, die sie seit 2015 als schwer zu greifendes Alter Ego begleitet. Dabei sind in der den gesamten Raum gestaltenden Inszenierung die beiden Konvolute genauso sehr miteinander verzahnt, wie sie sich aneinander reiben. Katja Novitskova wurde als eine der Pionier*innen einer künstlerischen Sprache, die als „Post-Internet Art“ Bezeichnung fand, bekannt. Für die Shortlist-Ausstellung schafft sie ein virtuoses, vielteiliges und vielschichtiges „Environment“ aus skulpturalen Elementen, Wandmalerei und Projektionen verschiedener Art. Auch hier bilden die Werke in der Gesamtinstallation ein gemeinsames, eng ineinandergreifendes Gefüge. Die Arbeiten gründen auf Novitskovas anhaltender Recherche zu aktuellen Forschungen der Biotechnologie und kreisen um die Frage des zukünftigen Fortbestehens des Organischen als Bestandteil technologischer Prozesse. Eine international besetzte Jury wird aus den genannten vier Positionen am 12. September 2019 den*die Gewinner*in des Preis der Nationalgalerie 2019 wählen. Die Auszeichnung besteht aus einer durch eine Publikation begleiteten Ausstellung im Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin im darauffolgenden Herbst. Mitglieder der Jury sind: Annie Fletcher (Direktorin des IMMA – Irish Museum of Modern Art, Dublin), Anna-Catharina Gebbers (Kuratorin am Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin), Udo Kittelmann (Direktor der Nationalgalerie – Staatliche Museen zu Berlin), Philippe Vergne (Direktor des Serralves Museum of Contemporary Art, Porto) und Theodora Vischer (Senior Curator der Fondation Beyeler, Basel). Ebenfalls am 12. September wird der*die diesjährige Gewinner*in des mit 10.000 Euro dotierten Förderpreis für Filmkunst bekannt gegeben, den die Nationalgalerie seit 2011 gemeinsam mit der Deutschen Filmakademie verleiht. Ausstellungslaufzeit 16.08.2019 – 16.02.2020 Preisverleihung Donnerstag, 12. September 2019 Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin Staatliche Museen zu Berlin Invalidenstraße 50-51 10557 Berlin www.preisdernationalgalerie.de
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posted 15. Aug 2019


22. Jun 201925. Aug 2019
opening: 21. Jun 2019 07:00 pm
Groups 22.06.2019 - 25.08.2019 Presserundgang: 20. Juni, 11 Uhr Eröffnung und Sommerfest: 21. Juni, 19 Uhr Cashmere Radio, Colectivo Los Ingrávidos (MX), DAS INSTITUT (UK/US), Honey-Suckle Company (DE), KAYA (US), (Music For) Eggplant (FR), projektKLUB (DE), SUPERFLEX (DK) Groups stellt das kollaborative Arbeiten ins Zentrum, das sich in unterschiedlichen Formaten und Themenstellungen zeigt. Künstler_innen schließen sich zusammen, gründen Kollektive und kooperieren, um vielschichtige Projekte zu realisieren. Die Ausstellung Groups versteht sich dabei auch als Wertschätzung für eine Arbeitsweise, die der Idee widerspricht, dass Kunst per se auf Einzelne zurückzuführen ist: „Am Anfang einer Bewegung steht ein Ereignis, bei dem das Ich zu einem Wir wird.“ (Wittenburg / Voss) Es gilt, das Konzept des Künstler_innensubjekts hinter sich zu lassen, um sich für unterschiedliche Modelle des Gemeinschaftlichen zu öffnen. Dabei treffen die prozessbasierten Arbeiten der Mitte der 1990er Jahre gegründeten Honey-Suckle Company auf Installationen und Langzeit-Performances von (Music For) Eggplant. Während Colectivo Los Ingrávidos experimentelle Filme als Mittel des soziopolitischen Protests nutzt, erschaffen projektKLUB eigene soziale Räume, die im Ausstellungsverlauf verschiedentlich aktiviert werden. Mit KAYA und DAS INSTITUT sind zwei mit der Künstlerin Kerstin Brätsch assoziierte Konstellationen vertreten, die regelmäßig Dritte in ihre Projekte involvieren, ähnlich wie das dänische Trio SUPERFLEX, das ständig neue Tools zur Partizipation entwickelt.
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posted 14. Aug 2019

Christian Marclay - Compositions

12. Apr 201924. Sep 2019
Christian Marclay - Compositions April 12–September 24, 2019 Responding to the context of Barcelona as a centre of experimental music, MACBA explores the work of acclaimed Swiss-American artist Christian Marclay (b. 1955), presenting a selection of works focusing on his sound compositions, from graphic scores to video installations. The exhibition examines Marclay’s interest in composition, understood as the ordering of sounds in time and space. In his work, however, he undermines our customary relation to the audible, subverting our cultural understanding of sound as well as our phenomenological perception—or sensory experience—of it. Frequently, the exhibition foregrounds silence and the visitor sees rather than hears sound, challenging us to think of sound visually and conceptually. Fundamental to the exhibition are several major video works, including the masterpiece Video Quartet (2002), a four-screen, audiovisual composition made from movie clips, the only work shown that uses sound directly. The excerpts feature moments when music or sound occurs in feature films, which Marclay collages together so that each screen features a different clip that is carefully synchronised with others to form an overall musical quartet. In the interactive installation Chalkboard (2010), Marclay invites visitors to participate in the act of composing by marking an architecturally-scaled chalkboard ruled with musical staff lines. This open, incremental and evolving composition is then interpreted by musicians in a series of performances scheduled during the exhibition. Afterwards, the board is erased, and the process restarted until the next performance. The exhibition includes several of Marclay’s "graphic scores," such as Zoom Zoom (2007–19), a slide projection, and Manga Scroll (2010), a 20m hand scroll. Both works are part of an extended investigation into onomatopoeia—words that replicate the sounds or actions that they describe. The most recent work in the exhibition, Investigations (2018), reflects Marclay’s interest in photography and non-traditional use of classical instruments. This score was made from a collection of 100 found images of hands playing the piano. The score is to be interpreted by a large ensemble of pianists, who are asked to decipher the sound made when the photograph was taken. Through his compositions, Marclay plays with and subverts our everyday experience of sound. His work makes us think again about our cultural, emotional and sensory relationship to our visual and sonic environment. Performances and guided activities related to the exhibition will take places throughout April, May and June 2019. Curator: Tanya Barson


Tanya Barson 
MACBA Barcelona

Placa dels Angels, 1
08001 Barcelona

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posted 13. Aug 2019

Jack Whitten: Jack’s Jacks

29. Mar 201901. Sep 2019
Jack Whitten: Jack’s Jacks 29.03.2019 bis 01.09.2019 „Wie setzt man einer Person oder einem Ereignis ein Denkmal, ohne dass man auf rein illustrative Mittel zurückgreift? … Ich versuche das, indem ich Material anwende, um diese Information zu übermitteln“ Jack Whitten Vom 29. März bis zum 1. September, 2019 präsentiert der Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart die erste Einzelausstellung in einer europäischen Institution mit Werken des US-amerikanischen Künstlers Jack Whitten. Kuratiert von Udo Kittelmann und Sven Beckstette und noch in enger Absprache mit dem im vergangenen Jahr verstorbenen Künstler konzipiert, zeigt Jack’s Jacks zum einen wie Whitten über eine Zeitspanne von mehr als fünf Jahrzehnten die Grenzen der abstrakten Malerei immer wieder neu definierte. Da der Fokus der Ausstellung auf Gemälden liegt, die historischen Ereignissen und prominenten Personen gewidmet sind, bietet diese Auswahl zum anderen einen besonderen Blick auf die Zeitgeschichte sowie auf Persönlichkeiten, die Jack Whitten begleitet und beeinflusst haben, und somit Teil seines Denkens und künstlerischer Entwicklung wurden. Geboren 1939 in Bessemer, Alabama, wächst der Afro-Amerikaner Jack Whitten in den Südstaaten unter den Gesetzen der Rassentrennung auf, eine Realität, die er als „amerikanische Apartheid“ bezeichnete. 1960 geht Whitten nach New York, um an der Hochschule Cooper Union Kunst zu studieren. In Manhattan kommt Whitten in Kontakt mit zentralen Figuren des Abstrakten Expressionismus wie Willem de Kooning, Franz Kline, Philip Guston, Barnett Newman und Mark Rothko. Außerdem befreundet er sich mit den afro-amerikanischen Künstlern Romare Bearden, Jacob Lawrence und Norman Lewis, die Whitten fördern und unterstützen. Seine Bilder in dieser Zeit sind geprägt vom Surrealismus sowie von gestisch-spontaner Abstraktion, weshalb er sich als abstrakt-figurativer Expressionist charakterisierte. Thematisch stehen Fragen der eigenen Identität im Vordergrund. Neben dem Interesse an den Diskursen von zeitgenössischer Kunst und Kunstgeschichte beschäftigt sich Whitten intensiv mit Philosophie, Psychologie, den Naturwissenschaften und neuesten Technologien–Feldern, die in der Folge gleichfalls seine Reflexion über Malerei beeinflussen. Eine wichtige Inspirationsquelle stellt weiterhin der Jazz dar. In den Clubs der Stadt besucht er regelmäßig Konzerte der regen und hochkarätigen Szene und trifft Musiker wie Max Roach, John Coltrane, Miles Davis, Thelonious Monk, Ornette Coleman und andere. Um 1970 setzt ein Wandel in Whittens Schaffen ein. Seine Malerei wird experimenteller und prozessorientiert. In seinem Atelier baut er sich eine Arbeitsfläche auf dem Boden. Anstatt mit einem Pinsel verteilt Whitten mit einem selbstkonzipierten Malwerkzeug – einem riesigen Rakel mit einer Kante aus Gummi oder Metall – große Mengen von Acrylfarbe auf der flach liegenden Leinwand. Dadurch entstehen abstrakte Konstruktionen, deren Malvorgang in einem Zug erfolgt, so dass nicht mehr einzelne Pinselstriche in Beziehung zu einander stehen, sondern mit einer Geste eine malerische Fläche entsteht. Außerdem erkennt er, dass durch Trocknen und Zerschneiden Farbe selbst zu einem Collageelement werden kann. Durch diese malerischen Innovationen werden Whittens Bilder objekthafter und die materielle Beschaffenheit tritt in den Vordergrund. Der Künstler spricht davon, dass er Malerei macht und nicht mehr malt: „I make a painting, I do not paint a painting.” 1980 beginnt eine weitere Phase in Whittens Werk. Er kehrt zunächst zurück zur vertikalen Arbeit am Bild und überträgt die zuvor von ihm entwickelten Experimente auf die stehende Fläche. Den Ansatz, Farbe als Collagematerial zu nutzen, vertieft er ab Mitte der 1980er-Jahre: Mit Acrylfarbe nimmt er Abdrücke von gefundenen Gegenständen und Mustern ab, die er dann auf der Leinwand zu einer illusionistischen Collage zusammenfügt. Von wiedererkennbaren Strukturen Abstand nehmend, konzentriert sich Whitten mehr und mehr auf geometrische Formen, die er aus der getrockneten Acrylfarbe schneidet. Mit diesen Stückchen setzt er seine Bilder wie Mosaiksteine zusammen, eine Ästhetik, die charakteristisch für sein spätes Schaffen ist. Die Ausstellung wird ermöglicht durch die Freunde der Nationalgalerie.


Jack Whitten 
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posted 12. Aug 2019


06. Jul 201912. Sep 2019
KARL KARNER | CONSTANTIN LUSER 06.07.2019 - 01.09.2019 Vernissage am Samstag, 06.07.2019 18:00 Uhr Zur Eröffnung spricht Roman Grabner, Universalmuseum Joanneum Graz. Karl Karner bringt die künstlerische Darbietung einer Performance. Das Label Margaret and Hermione von Barbara Gölles präsentiert Swim- und Sportswear aus recycelten Fischernetzen. Ausstellung bis 1. September 2019 Mo - Sa 8 - 19 Ur, So nach Voranmeldung * Karl Karner \*1973 in Feldbach 2007 – 2012 Akademie der Bildenden Künste Wien, Heimo Zobernig Als ausgebildeter Kunstgießer, Zeichner und Performance-Künstler bewegt sich Karl Karner oft auf der dekonstruktivistischen, surrealistischen Ebene. Er sieht den Menschen als Produzenten von Kultur, aber auch als Produkt seiner Kultur. Im Spannungsfeld der Mediengesellschaft inszeniert Karl Karner die Frage nach dem Menschsein und sorgt als Schöpfer von neuen Knotenpunkten für eine irritierende, deformierte Gegenwelt. "Die Gesamterscheinung der Skulptur wirkt durchwegs abstrakt, als Resultat einer Wucherung, eines Wachstums, dessen nächste Analogien wir in der Natur selbst finden, zum Beispiel in der Form eines Korallenriffs. Dennoch sei auf den schöpferischen Einfluss des Künstlers verwiesen, dessen Handschrift sich materiell zur Skulptur verdichtet: ein bildhauerischer Zugang, der sich dem klassischen Begriff widersetzt." Florian Steininger Neben zahlreichen Einzelausstellungen wie in der St. Andräkirche, Graz (2008), im Österreichischem Kulturforum, Prag (2009), in Baku, Aserbaidschan (2012), in der Helmut-List-Halle, Graz (2013), ABContemporary, Zürich (2016), Galerie Lisa Kandlhofer, Wien (2018), gab es Beteiligungen bei Gruppenausstellungen, u. a. im Lentos Museum, Linz (2010), auf der Colombo Art Biennale, Sri Lanka (2012), Sammlung Stift Admont (2013), Xing, Bologna (2014), im Tanzquartier, Wien (2015) und in der rk-Galerie, Berlin (2018). Constantin Luser \*1976 in Graz 1995-1999 Industrial Design, FH Joanneum, Graz 1999-2001 Akademie der Bildende Künste Wien, Renee Green 1999-2004 Universität für angewandte Kunst Wien, Brigitte Kowanz Ausgehend von seinen Zeichnungen beschäftigt sich Constantin Luser aktuell mit feinen Drahtgebilden aus Messing, die in der Luft schwebend und um sich selbst drehend, unendlich viele Perspektiven dem Betrachter ermöglichen. Die Skulpturen sind eine Erweiterung der Mehrfachlinie, die er von parallel geführten Stiften aus der Zeichnung, ins Dreidimensionale führt. Es entstehen dreidimensionale Skulpturen mit einer Vielzahl von Ebenen aus Sprache, Symbolik, Abstraktion – Musik bzw. Klang ist in den vergangenen Jahren zu einem zentralen Aspekt seiner Arbeit geworden. „Es ist ein Übergang, von der Wand in den Raum, und die verschiedenen Drahtstärken entsprechen natürlich unterschiedlichen Linienstärken. Dabei sind die Raumzeichnungen eine Fortführung der Zeichnungen auf einer anderen Ebene, auch ins Soziale hinein, weil wir sie im Team umsetzen können.“ Constantin Luser Neben zahlreichen Einzelausstellungen wie in der Galerie Crone, Wien (2018), im Kunsthaus Graz (2016), dem Institut für moderne Kunst, Nürnberg (2015), Kunsthalle Krems (2014), gab es Beteiligungen bei Gruppenausstellungen, unter anderem in der Schirn Kunsthalle Frankfurt (2019), im Hamburger Kunstverein (2017), 21er Haus, Wien (2016) und in der Albertina (2015).

artists & participants

Karl Karner,  Constantin Luser 
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posted 11. Aug 2019

Cecilia Vicuña, a retrospective exhibition

26. May 201910. Nov 2019
Cecilia Vicuña, a retrospective exhibition 26.05.2019 - 10.11.2019 This exhibition brings together over a hundred works by the poet, visual artist, and activist Cecilia Vicuña. Since the 1960s, the artist has constituted a radical perspective on the relationship between art and politics through her writing and art making. For the exhibition organized by Witte de With and developed by guest curator Miguel A. López, a number of artworks, documents, and ephemera are presented for the first time. Accompanying the exhibition is the publication Cecilia Vicuna: Seehearing the Enlightened Failure edited by López and published by Witte de With. It brings together new and existing essays on Vicuña’s work, and an anthology of diverse texts authored by the artist. The exhibition is organized by Witte de With’s director, Sofia Hernández Chong Cuy, and its team: Samuel Saelemakers, curator; Rosa de Graaf, associate curator; Wendy van Slagmaat-Bos, production officer.


Miguel A. Lopez 
Witte de With, Rotterdam

NL-3012BR Rotterdam

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posted 10. Aug 2019

ektor garcia. cadena perpetua

23. May 201918. Aug 2019
ektor garcia. cadena perpetua 23.05.2019 - 18.08.2019 ektor garcia’s work looks like things meant to connect other things, like fasteners, loops, and knots. By extension, it can look like lengths of rope and chain. His clay, metal, and leather elements conjoin loosely across many works and travel between studio and gallery spaces in changing configurations: one exhibition, clipped off with wire cutters, is tacked to another. One link in a chain, broken off, is reattached with copper wire. As such, the dimensions of garcia’s works are found both here and elsewhere. The disorienting sum of many visible connections invites disassociation from any one symbolic register in his materials. In spite of allusions to distance and time beyond the exhibition, garcia’s material transformations and juxtapositions are immediate. Hard but fragile surfaces, like ceramic, are often tightly wrapped in more malleable materials, like waxed thread or copper wire, which likewise take on different properties when crocheted into large sheets of lace. garcia’s intensive, ongoing production extends beyond discrete objects to create a pool of heavily worked, controlled materials – earthenware vessels, swaths of leather and lace, welded steel horseshoes and tools – that are poised for recombination. Contortions of handmade leather links twist into line drawings, or steel elements are tack-welded into simple figures, like images emerging from piles of scrap. Other works seem coupled to themselves, like links of clay fired and glazed together in knotted clusters, foregrounding accumulated points of connection. garcia’s work implicitly asks where in chains of production, tradition, and command one might locate oneself, and how this is knowable. His work, for example, faithfully continues certain rural handcraft and gendered family traditions from Tabasco in Zacatecas, Mexico, while his own itinerant lifestyle necessarily drags the detritus of many places into his practice. Social and cultural associations of these techniques, materials, and objects are reimagined through garcia’s trajectory. His compositional vocabulary of hitching, gripping, and tying guesses at how one might wind oneself around and into a chain, hugging it while corroding it and refashioning its parts. ektor garcia was born in Red Bluff, California in 1985. He received a BFA from the School of the Art Institute of Chicago in 2014 and an MFA from Columbia University, New York in 2016. Recent solo exhibitions include Cooper Cole, Toronto (2019); Mary Mary, Glasgow (2018); Museum Folkwang, Essen, Germany (2018); Visitor Welcome Center, Los Angeles (2017); and kurimanzutto, Mexico City (2016). Group exhibitions include LAXART, Los Angeles (2018); New Museum, New York (2017); Chicken Coop Contemporary, Portland, Oregon (2018); Museo de Arte de Zapopan, Guadalajara (2018); and ACCA, Melbourne (2018). garcia lives and works in between Mexico City, New York, and elsewhere. ektor garcia: cadena perpetua is the artist’s first solo exhibition in a New York institution and is curated by Kyle Dancewicz, Director of Exhibitions and Programs.


Ektor Garcia 


Kyle Dancewicz 
SculptureCenter, Long Island

44-19 Purves Street
NY-11101 Long Island City

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posted 09. Aug 2019


09. Feb 201918. Aug 2019
PINBALL WIZARD. THE WORK AND LIFE OF JACQUELINE DE JONG 09.02.2019 - 18.08.2019 Overview of the historical development of the oeuvre of Jacqueline de Jong in which she switches effortlessly between different styles: from expressionist painting to new figuration and pop art. The work of Jacqueline de Jong is presented in combination with works from the collection of the Stedelijk Museum. Since the 1960s, the distinguished visual artist, designer and former employee of the Stedelijk Museum has evolved a versatile body of work. Pinball Wizard: The Work and Life of Jacqueline de Jong gives an overview of the historical development of this oeuvre in which she effortlessly switches between different styles: such as Abstract Expressionism, new figuration and Pop Art. Her work also ranges in scale, from small diptychs that chronicle a day in the life of the artist, to monumental canvases dominated by an absurd and often violent and erotic world. The show also highlights De Jong’s involvement in avant-garde networks inside and outside Europe, including the politically engaged Situationist International movement. The 13 exhibition spaces feature a selection of key works by De Jong and works from the Stedelijk collection, together with previously unseen archival material.
Stedelijk Museum, Amsterdam

Museumplein 10
NL-1071 DJ Amsterdam

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posted 08. Aug 2019

Dorit Margreiter. Really!

25. May 201906. Oct 2019
Dorit Margreiters künstlerisches Interesse gilt den Verbindungen von visuellen Systemen und räumlichen Strukturen sowie den daraus resultierenden Konsequenzen für unseren gesellschaftlichen Alltag. Im Mittelpunkt ihrer Auseinandersetzung stehen moderne und zeitgenössische Architekturen sowie Formen medialer Repräsentation. Für ihre Personale im mumok verwandelt Dorit Margreiter den kompletten Ausstellungsraum in eine künstlerische Installation, die Display- und Architekturkomponenten, Filme und Mobiles sowie Fotografien einbezieht. Zentrales Element ist eine neue filmische Arbeit, die im Spiegelkabinett im Wiener Prater gedreht wurde. In dieser labyrinthischen Architektur aus Glas und reflektierenden Oberflächen wird der Blick gezielt gebrochen, verzerrt, multipliziert und verunklärt. Die Differenzen zwischen den physischen und visuellen Grundlagen der Orientierung werden daher in Margreiters Film ebenso thematisiert wie die materiellen und imaginären Komponenten filmischer Repräsentation. Sowohl diese neue Arbeit als auch weitere filmische, fotografische und skulpturale Werke Margreiters, die Teil der Gesamtinstallation sind, beziehen sich auf den Ort der Schau, d.h. auf das Museum. So stellt beispielsweise ein neues, aus Spiegelelementen gebildetes Mobile den Präsentationsraum und das darin herrschende Verhältnis von Visualität und Materialität ebenso zur Diskussion, wie eine Sammlung fotografischer Tableaus, die Abbildungen des Materials Glas zeigen.

Museumsplatz 1
A-1070 Vienna

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posted 07. Aug 2019

Lustwarande 2019 'Delirious'

15. Jun 201920. Oct 2019
opening: 15. Jun 2019 02:00 pm
Lustwarande 2019 'Delirious' The 10th edition of the international sculpture exhibition Lustwarande 15.06.2019 - 20.10.2019 Opening: 15.06.2019 14:00 - 18:00 This summer, Delirious, the tenth edition of the international sculpture exhibition Lustwarande, will be taking place at park De Oude Warande in Tilburg, the Netherlands. This jubilee edition will show a wide range of developments in contemporary sculpture. The curators—Chris Driessen and David Jablonowski—have selected 25 artists, including Isabelle Andriessen, Steven Claydon, Claudia Comte, Camille Henrot and Sarah Lucas. Most of the works have been specially created for the exhibition. Focus on skin Lustwarande aims to highlight current developments in contemporary sculpture. Delirious will be showing works in which the focus is on the skin of sculpture. Artists are now mixing “old-fashioned” materials, such as clay, wood and marble, with modern plastics, 3D printing and found objects. Giant courgettes Delirious will be showing a number of impactful and eye-catching works, made by both emerging artists and by more established names, such as a seven-metre-long sculpture by Isabelle Andriessen; a large and organic marble sculpture by Claudia Comte; an eclectic totem pole, almost five metres tall, by Steven Claydon; a three-metre-high sculpture in bronze, steel and copper by Camille Henrot; and Sarah Lucas’s giant courgettes, almost five metres long, one made of concrete, the other of bronze. Participating artists: Isabelle Andriessen (Netherlands) / Nina Canell (Sweden) / Steven Claydon (UK) / Claudia Comte (Switzerland) / Morgan Courtois (France) / Hadrien Gerenton (France) / Daiga Grantina (Latvia) / Siobhán Hapaska (Ireland) / Lena Henke (Germany) / Camille Henrot (France) / Nicholas Hlobo (South Africa) / Saskia Noor van Imhoff (Netherlands) / Sven ’t Jolle (Belgium) / Sonia Kacem (Switzerland) / Esther Kläs (Germany) / Sarah Lucas (UK) / Justin Matherly (US) / Win McCarthy (US) / Bettina Pousttchi (Germany) / Magali Reus (Netherlands) / Jehoshua Rozenman (Israel/Netherlands) / Bojan Šarčević (France) / Grace Schwindt (Germany) / Eric Sidner (US) / Filip Vervaet (Belgium) Curators: Chris Driessen (chief curator) and David Jablonowski (co-curator). Delirious is open daily from dawn to dusk. Brief Encounters: performances in September Lustwarande presents the performance programme Brief Encounters on Sunday, September 8, featuring new event sculptures by Tanja Ritterbex (Netherlands), Last Yearz Interesting Negro (UK) and Gosie Vervloessem (Belgium). The curators are Chris Driessen, artistic director of Lustwarande, and Lucette ter Borg, independent curator, writer and art critic for NRC Handelsblad. The programme starts at 2pm. Mirrored pavilion De Oude Warande was landscaped in the eighteenth century and is the Netherlands’ best-preserved Baroque parkland garden with a star-shaped path system. At the end of 2007, artist Callum Morton was commissioned to design a pavilion for the central point of the park. Morton designed a remarkable building in the form of a modern folly. The mirror-clad pavilion was given the name Grotto and has a cave-like interior. The pavilion houses a small catering facility, which serves as an excellent place to meet. Grotto was completed in June 2009 and is celebrating its tenth anniversary this year. Jubilee publication In the autumn, the bilingual jubilee publication Delirious Lustwarande—Excursions in Contemporary Sculpture III will be published.
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posted 06. Aug 2019

David Wojnarowicz. History Keeps Me Awake at Night

29. May 201930. Sep 2019
David Wojnarowicz. History Keeps Me Awake at Night 29.05.2019 - 30.09.2019 From the late 1970s until his untimely death in 1992 through AIDS-related complications, David Wojnarowicz (New Jersey, USA, 1954 — New York, USA, 1992) produced a body of work that was as conceptually rigorous as it was stylistically diverse. His artistic career fused a broad array of forms, mediums and devices, for instance the use of photography as a narrative tool; collage as a resource for critique and political statements, stressed through the poverty of the medium; painting adopted to explore different allegorical processes; and photomontage and text employed as an approach to the queer and identity politics that also shaped his role as an activist. Coming to prominence in the socially and culturally vibrant East Village scene in New York in the 1980s, Wojnarowicz’s work is also testament to the end of the art collectives forged in the preceding decades and defined by their members’ financial precariousness and their anti-establishment, collaborative and experimental spirit. Organized by: Whitney Museum of American Art, New York, in collaboration with the Museo Reina Sofia, Madrid, and the Mudam Luxembourg - Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean, Luxembourg Curatorship: David Breslin and David Kiehl Exhibition Tour: Whitney Museum of American Art, New York: 13 Julay – 30 September 2018 Museo Reina Sofía, Madrid: 29 May – 30 September 2019 Mudam Luxembourg - Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean, Luxembourg: 26 October, 2019 – 2 February 2020
Museo Reina Sofia, Madrid

28012 Madrid

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