daily recommended exhibitions

posted 25. Mar 2019

Yelena Popova, Joanna Rajkowska, Jan Eric Visser

22. Mar 201904. May 2019
Yelena Popova, Joanna Rajkowska, Jan Eric Visser What branches grow out of this stony rubbish? 22.03.2019 - 04.05.2019 l’étrangère is delighted to announce What branches grow out of this stony rubbish?, an exhibition of work by three artists who each respond to pressing ecological concerns, including anthropogenic climate change, the catastrophic impact of our reliance on concrete, and the over-production of waste through consumerism and industrial capitalism. What branches grow out of this stony rubbish? includes paintings made of found soil and wood ash; sculpture formed from recycled household garbage; and photographic documentation of a micro-rewilding project situated in a defunct 1930s transformer station on the outskirts of Wrocław, Poland. Together, the works in the exhibition form a multivalent critique of the conceptual and material legacy of Modernism that is at the same time oriented towards a range of imagined futures. This is the first time that Yelena Popova, Joanna Rajkowska, and Jan Eric Visser, have exhibited together. None of the works have been shown in the UK before. To create her Post-petrochemical Paintings (2016-ongoing) Yelena Popova mixes her own pigments using soil and wood ash. She collects these materials when walking through parklands or forests: the wood ash is one remnant of fires lit at outdoor social gatherings. Popova then takes these foraged materials back to her studio as ‘a piece of the place and the landscape’ and grinds them into paint according to medieval recipes. Popova has coined the term ‘Medieval Modernism’ to describe this practice, which is concerned at once with the past and with the future. The abstract forms of the paintings echo the traditions of geometric abstraction, following Kandinsky’s theory of art where ‘geometrical, physical, aesthetic, and spiritual concepts coexist naturally’. The paintings’ curving forms are a reflection on both linear and cyclical modes of growth as the painting as object echoes the processes behind its creation. Trafostation (2016) is a site-specific installation by Joanna Rajkowska that uses a defunct 1930s transformer station on the outskirts of Wrocław, Poland, as a scaffold for a new living sculpture. Water flows from three windows of the modernist structure, before being recycled by a circular pumping mechanism, bringing to mind the 1997 flood that devastated Wrocław. Foggers make the air moist. Rajkowska planted ferns, ivy, geraniums, mosses, euonymus, and other seeding ruderal plants in order to accelerate the creation of a new habitat through which nonhuman organisms may take complete possession of the building. The most unexpected result is a proliferation of algae that has grown over the walls. Set in motion in 2016, Trafostation is a futuristic project, open-ended and never finished. In terms of plant growth and the erosion of the concrete structure, Trafostation could be considered ‘mature’ in about 50 years. Its ultimate goal is the destruction of the concrete structure. The impetus behind Trafostation is a disappointment with the human species and its achievements, and consequently, a symbolic hand-over of the architecture to non-human life. The artist is documenting the changes happening to the building as an on-going photographic series. The forms of Jan Eric Visser’s abstract sculptures are guided by his personal everyday inorganic household waste. He refers to this procedure as ‘Form Follows Garbage’. After assembling waste materials Visser then wraps them in waste paper pulp. Once impregnated with wax (i.e. votive candle residue) and softly polished, the objects take on a new identity. The grinding and application of waste paper pulp propagates a survival strategy in which all matter is valued and considered. With every new form there is a new outlook on a new life. Pursuing a reconciliation between tradition and innovation, culture and nature, Visser envisages a post-industrial future in which resources will be cherished and no longer incinerated as ‘waste’. Visser also makes use of two new innovative materials called Translucent concrete and Aquadyne. The first is a new building material, developed by the University of Eindhoven. It is made out of waste materials and capable of degrading nitrogenoxides that cause smog . The latter is produced from 100% consumer plastics. The material contains pores that allow for the rooting of plants and vegetables. Visser’s research was supported by CBK Rotterdam. Yelena Popova (b. 1978, Urals, Russia) lives and works in Nottingham, where she has a studio at Primary. She studied at the Moscow Art Theatre School (MHAT) before graduating from the Royal College of Art with an MA Painting in 2011. Recent solo exhibitions include: Her Name is Prometheus, l’étrangère, London, UK (2018), This Certifies That, Philipp von Rosen, Cologne, Germany (2017); Elements, Girton College, University of Cambridge, UK (2017); After Image, Nottingham Contemporary, UK (2016); and Unsensed, Hatton Gallery, Newcastle, UK (2015). Her work is in the collections of the Government Arts Collection, Arts Council, RCA Collection, Saatchi Collection, Zabludowicz Collection and LWL Museum, Münster, Germany. Popova is represented by Division of Labour (UK), Philipp von Rosen (DE), and Osnova, (RUS). Joanna Rajkowska, born in Poland in 1968, lives and works in Warsaw, Poland. Selected exhibitions and public projects include The Suiciders, TRAFO Centre for Contemporary Art, Szczecin, Poland (2018), Skip the Line! Populism and Unfulfilled Promises, Biennale Warszawa (2018), Poland, Painkillers, Kunstplais Erlangen, Germany, (2018), We do not know this to be so, Galeri Nev, Istanbul, (2018), Altered States: Substances, Kunstpalais, Erlangen, Germany (2018), Faces, The Deutsches Hygiene-Museum, Dresden, Germany ( 2017), RAMPA Gallery, Istanbul, Turkey (2017), Hybridizing Earth, Discussing Multitude, Busan Biennale, South Korea (2016), Progress and Hygiene, Zachęta National Gallery, Warsaw, Poland, (2014), Critical Juncture, Kochi-Muziris Biennale, Kochi, India (2014), Regenerate Art, Kunstverein München, Munich, Germany (2014), 7th Berlin Biennale, Akademie der Künste, Berlin, Germany (2012), Forcing A Miracle, Frieze Projects (2012), London, UK, Born in Berlin - a Letter to Rosa, Żak|Branicka Gallery, Berlin, Germany (2012), Middle East Europe, Labor Gallery, Budapest, Hungary, Bethlehem Peace Centre, Bethlehem, Palestinian Occupied Territories, Dox Museum Prague, Prague, Czech Republic (2012), 6th Curitiba Biennial, Oscar Niemeyer Museum, Curitiba, Brazil (2011), Estrangement, The Showroom, London, UK, (2010), Benjamin in Konya, British Council, Konya, Turkey (2010), Gold and Silver, Zachęta National Gallery, Warsaw, Poland (2008), Oxygenator, Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle, Warsaw, Poland (2007), Leave It, Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle, Warsaw, Poland, (2006), Greetings from Jerusalem Avenue, Warsaw, Poland (2002), Satisfaction Guaranteed, Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle, Warsaw, Poland, (2000). Jan Eric Visser, born in The Netherlands in 1962, lives and works in Rotterdam, The Netherlands. The exhibitions include TrashArt, GroundWork Gallery, King’s Lynn, UK (2018), Lost in Garbage, Verbeke Foundation, Kemzeke, Belgium, (2017) Ruins of Desire, Sculpture Garden, PAK, Gistel, Belgium, (2017), Earth Matters; when natural and creative forces meet, Museum Artipelag, Stockholm, Sweden, Curators: Li Edelkoort & Philip Fimmano (2015), What a Waste, Gorcums Museum, Gorinchem (2014), My Waste is your Waste, Museum of the Image (MOTI), Breda, Curator, Joanna van der Zanden (2013), Form Follows Garbage, Art Affairs Gallery, Amsterdam, The Netherlands (2013), My Waste is your Waste. Museo de Casa Brasileira, Sao Paulo, Brasil, Curator, Joanna van der Zanden (2012), Schone Kunst. Van Abbemuseum Eindhoven, (2012), POST FOSSIL- excavating 21st century creation, Design Museum Holon, Israel, Curator, Li Edelkoort (2011), POST FOSSIL - excavating 21st century creation. Museum 21_21 DESIGN SIGHT, Tokyo, Japan. Curator, Li Edelkoort (2010), Aquadyne Sculpture et al., RAM Gallery, Rotterdam, The Netherlands (2009), Live and Survive, St. Werk in Uitvoering, Curator, Wim van der Beek, Kampen (2006), Museum Bochum, Bochum, Germany, (1999), One Painting and Many Dedications, Ode to Ryszard Winiarski, Warsaw, Poland, (1999), travelling exhibition. Outdoor projects include commissions by Rabobank (Untitled, 2013-2014), the City of Rotterdam (Roteb Eco Monument, 2011). Publications include Jan Eric Visser; Veritas, Verbeke Foundation (2017).

artists & participants

Yelena Popova,  Joanna Rajkowska,  Jan Eric Visser 
l’étrangère, London

44a Charlotte Road
EC2A 3PD London

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posted 24. Mar 2019

Marte Aas. Francine (was a machine)

17. Jan 201928. Apr 2019
Marte Aas. Francine (was a machine) 17.01.2019 - 28.04.2019 “I want to tell a story” – that’s how the film which loans its title to this exhibition, starts. The story that Marte Aas is relating to is the one about René Descartes’ mechanical daughter, a fable about a man of rationality and science creating a human-looking machine in the place of his dead daughter Francine. During a travel through a storm at sea, the seamen discovered the doll in Descartes’ cabin and horrified threw it into the ocean. Francine was a machine, an automaton, an early cousin to today’s Sophias. A feature, even if quite rapidly getting there, not yet a normal part of everyday life. But what with all the everyday objects that surround us already: what about the fridge, it’s already quite intelligent, maybe also a bit human? Maybe it’s already greeting us with a stiff smile, if we care to notice it? In Marte Aas’ works the everyday is animated with a gaze that presents us with something that is familiar but undefined – in a way that is reminiscent of of the naive gaze of a stranger encountering a new place, or that confused moment we can experience before interpretation sets in. Throughout her oeuvre she applies this gaze, which also is a trust in the image and in the camera. Given time – what will emerge? What can be seen? In the seemingly ordinary and everyday, layers and new meaning surprisingly appear. And humour – few artists can uncommented get away with a series of dog shaped clouds, in a film on the rather serious subject of artificial weather. It’s often subtle, and funny. Marte Aas’ imagery is very precise. Eminent composition and rhythm can remind of someone like the filmmaker Chantal Akerman, and like Akerman she chooses sometimes to let very little actually happen. But there is in fact also a lot of play with the image itself – stop motion sequences, super imposed images and still images that interrupt the filmic flow. In a similar way, the still images can be split up in parts that interact, and sculptural elements can be added to extend the work out into the room. The everyday has often been her motive, an everyday which today is changing. Not only can’t we still say that the weather is its own master, the climate changes make it clear that weather phenomena are under human agency. The human is on the other hand, becoming a floating entity. Borders are blurred and this new ordinariness appears in Marte Aas’ imagery – blurred images of computer screens, images of waves and skies that are digitally fabricated, mix with the clear and traditionally documentary style images, the blurred being of no less documentary character, just different. Sound plays an important role in Marte Aas’ films – not being directly related to the image, it adds to the complexity, adding a layer of meaning we might not be aware of at first, except as a feeling of something not quite graspable. What we perceive is just a sensation of something a bit off that plays with the distinctness of the images as the sound often contradicts or complicates the image. In early December 2018, news reports tell us that scientists in Delhi are waiting for the right clouds, in order to artificially create the rain that can clear the air from serious pollution. “I am everything,” says the voice in the film I am the Weather (2018). The “I” could be the weather, but it could also be the human, the “I” behind the climate changes, the inventor and user of artificial intelligence and the rest of the digital world, which through heavy consumption of the electricity that runs all the hardware, pumps massive amounts of CO2 into the atmosphere and changes the colour of the skies – and so creates the need for artificial weather. Meanwhile the human hand in the film Flesh and Stone (2015) still trusts its knowledge. Far from the artificial intelligence in Francine was a Machine (2019), the hand of sculptor Hanne Tyrmi remains a knowledgeable tool for the material and tactile aspects of art, working on her big vaguely human sculptural forms. Flesh and Stone is filmed and presented on 16mm film, charging it with the materiality of the celluloid film strip. The hand represents another kind of intelligence, the kind with which we meet the world physically, and interact with it through our bodies. Like in Marte Aas’ other works in the exhibition there are a correspondence taking place between the human and the world around her. We are not the sole agent here. The dog in What I Miss About People, and What I Don’t Miss About People (2017), seems to be living in a world where humans are gone. She wanders around in a deserted quarry, remembering smells, sounds, and voices. She does not miss her own name but she misses that someone calls it. Thanks to Arts Council Norway and Billedkunstneres Vederlagsfond. The exhibition is a collaboration with Minimalen Short Film Festival (January 22. – 27, 2019). Marte Aas (b. 1966 in Trondheim) is a Norwegian photographer and film maker, based in Oslo. Aas’ main area of interest is the intersection between contemporary image culture, technology and landscape. Her work attempts to address underlying structures and gestures that form political and ideological narratives. She is educated from The School of Photography at The University of Gothenburg and the Oslo National Academy of the Arts. Aas has had a number of solo exhibitions in Norway and abroad, her last major exhibition was Space Grammar at The Centre of Photography in Copenhagen, Denmark, 2018. Aas has published several books and catalogues, including ’Marte Aas. Photography and Film’, 2010 and ’Torshovtoppen’, 2008. She is also one of the foundings members of the publishing house Multipress.


Marte Aas 
Kunsthall Trondheim

Dronningensgate 28
7011 Trondheim

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posted 23. Mar 2019

₡ U R ₹ € ₦ ₢ ¥

02. Mar 201919. Apr 2019
₡ U R ₹ € ₦ ₢ ¥ A group show curated by Lucie Fontaine 02.03.2019 - 19.04.2019 Berlin, February 12, 2019 NOME is pleased to present ₡ U R ₹ € ₦ ₢ ¥, a group show featuring contributions by artists Marco Cassani, Paolo Cirio, Goldin+Senneby, Igor Grubić, Michal Helfman, Agnieszka Kurant, Navid Nuur, Pratchaya Phinthong, Ana Prvački, David Rickard, Miri Segal, Slavs and Tatars, and Jan Tichy, curated by Lucie Fontaine. The group show will be opened on March 1, 2019. The etymology of the word “currency” relates to flowing, running, and circulating. Aligned with this liquid condition, ₡ U R ₹ € ₦ ₢ ¥ brings together works that deal with money as a channel, money as a concept, money as a formal (or informal) structure. In the United States, the birth of Conceptual Art overlapped with the end of the Gold Standard in 1971, and since then, the entwinement of art and finance has become evermore abstracted. The artworks assembled in ₡ U R ₹ € ₦ ₢ ¥ manifest a double value—that of the artwork on the market, and that of the money and materials employed to make this work. From Agnieszka Kurant’s representation of multiple forms of currency to Michal Helfman’s drawing inspired by the greenish imagery of the US dollar and Pratchaya Phinthong’s installation around the exchange of rice in his native Thailand; from Paolo Cirio’s imagination of a new virtual currency to Goldin+Senneby’s bound documents of confidential trading strategies, acquired in exchange for artworks. These artworks perform in various ways the acrobatics of the complex relationships between art and money. ₡ U R ₹ € ₦ ₢ ¥ builds upon Lucie Fontaine’s previous show Soft Shock, which revolved around the origins and philosophy of Bitcoin.


Lucie Fontaine 
NOME Berlin

Glogauer Str. 17
10999 Berlin

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posted 22. Mar 2019

Senga Nengudi

16. Mar 201926. May 2019
Senga Nengudi 16.03.2019 - 26.05.2019 We are delighted to bring to the Fruitmarket Gallery the first solo institutional exhibition of the work of Senga Nengudi outside the United States. Originally organised by the Henry Moore Institute, the exhibition brings together pioneering sculpture, photography and documentation of performance from 1969 to the present, including recreations of work not seen since the 1970s and a major new installation. Born in Chicago in 1943, Senga Nengudi has been a trailblazer in sculpture for fifty years. A vital figure in the avant-garde scenes of Los Angeles and New York in the 1960s and 1970s, her work is characterised by a persistently radical experimentation with material and form. Among Nengudi’s earliest works are her Untitled (Water Composition)sculptures from the late 1960s–1970s. Made from heat-sealed transparent vinyl and filled with coloured water, these works have been unseen for forty years, and a number have been recreated especially for this exhibition. Undermining the static and industrial tendencies of Minimalist sculpture, these abstract water sculptures hang and flop with the weight of a body, mimicking flesh while responding to the viewer’s touch. The R.S.V.P. series is perhaps Nengudi’s best known body of work, and the exhibition includes several significant examples. Begun in 1975, the works are made with nylon tights stretched, knotted, filled with sand and mounted between the walls and the floor. Nengudi has referred to these influential pieces as ‘abstracted reflections of used bodies’ and they remain powerful, yet humble, icons of the triumphs and traumas of the human body. As well as exhibiting them as sculpture, Nengudi used them in performance, and the exhibition includes the triptych of photographs Performance Piece(1978), in which Maren Hassinger, a long-time collaborator and choreographer, interacts with R.S.V.P. sculptures. Much of Nengudi’s work has been informed by her longstanding interest in spiritual rituals across cultures. Ceremony for Freeway Fets(1978) comprises eleven photographs documenting a performance Nengudi made with Hassinger, David Hammons and members of the Studio Z collective in a Los Angeles freeway underpass in 1978. A new Sandmining installation was made specially for the exhibition, and is shown alongside elements from the Wet Night – Early Dawn – Scat Chant – Pilgrim’s Song series from the 1990s, the works together exploring the artist’s ongoing investigations into the commonalities of different belief systems and pilgrimage. Offering an expansive overview of Nengudi’s practice and shedding light on the work of a figure fundamental to Postminimalism, this exhibition asserts Nengudi’s vital position within a generation of artists who redefined the possibilities of sculpture and representations of race and gender, while drawing upon a tradition of abstraction. This exhibition is curated by Laurence Sillars, Head of Henry Moore Institute Programmes and is currently showing at Henry Moore Institute, Leeds from 21 September 2018 – 17 February 2019.


Senga Nengudi 
Fruitmarket Gallery, Edinburgh

EH1 1DF Edinburgh

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posted 21. Mar 2019

Jan van der Ploeg ”INDICATOR”

21. Mar 201911. Aug 2019
opening: 21. Mar 2019 18:00
Kunst-Station im Hauptbahnhof Wolfsburg: Jan van der Ploeg ”INDICATOR” 21.03.2019 - 11.08.2019 Ausstellungseröffnung: 21. März 2019 18.00 Uhr Eröffnung der Ausstellung "INDICATOR" mit Jan van der Ploeg in der Kunst-Station im Hauptbahnhof Wolfsburg Der niederländische Künstler Jan van der Ploeg verändert mit seinen Wandmalereien unsere Wahrnehmung der bestehenden Architektur. In einer spannungsreichen Auseinandersetzung mit der gegebenen Situation wird der Raum der Kunst-Station neu interpretiert. Van der Ploegs geometrisch-abstrakten Formulierungen heben mit Form und Farbe die Grenzen zwischen Wand, Malerei, Architektur auf und ermöglichen überraschende Raumerfahrungen. Jan van der Ploeg (*1959 in Amsterdam) studierte in Amsterdam und London. Er lebt und arbeitet in Amsterdam und zählt zu den international bekanntesten Künstlern im Bereich zeitgenössischer Wandmalerei. Seine ortsspezifischen Arbeiten realisiert er weltweit. Eine Ausstellung in Zusammenarbeit mit der Deutschen Bahn und der Neuland Wohnungsgesellschaft. Termine
Städtische Galerie Wolfsburg

38448 Wolfsburg

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posted 20. Mar 2019

Manif d'art 9 - The Quebec City Biennial 2019

14. Feb 201921. Apr 2019
venue main exhibition: MNBAQ (Musée national des beaux-arts du Québec) in the Pierre Lassonde Pavilion Manif d'art 9 - The Quebec City Biennial Small Between the Stars, Large Against the Sky 14.02.2019 - 21.04.2019 The Quebec City Biennial, produced in collaboration with the Musée national des beaux-arts du Québec (MNBAQ), is pleased to announce the official launch of its ninth edition. All the exhibits in the winter biennial will be open from February 16 to April 21, 2019, in a multitude of locations throughout Quebec City. The main exhibit will be in the Pavilion Pierre Lassonde at the MNBAQ. This year's biennial, orchestrated by guest curator Jonathan Watkins, director of the Ikon Gallery in Birmingham, England, raises essential questions about the relationships between humans and nature, their environment, each other, and even about their very future on Earth. The notion of excess, very much in keeping with the theme of Small Between the Stars, Large Against the Sky*, will find expression in sites all over the city of Quebec. Several artists will present monumental works as part of the MNBAQ exhibit or as public art pieces. Among them are Beat Streuli (Switzerland, Belgium) and Marianne Nicolson (Dzawada̱’enux̱w, British Columbia), respectively covering with imposing murals the windows fronting the Marie-Guyart building and the glass façade of the Monastère des Augustines. At the MNBAQ, visitors will be dazzled by the spectacular, sprawling work of Krištof Kintera (Czech Republic) and the gigantic phantasmagoric pieces by the duo of Jim Holyoak (Canada) and Matt Shane (Canada). They will also be intrigued by the curious flock of swan pedal boats by the artist Shimabuku (Japan), a strange sight in the winter landscape of Lévis, near the ferry crossing. Spotlight on talent from home In addition to well-established artists from abroad – such as Christiane Baumgartner (Germany), Haroon Mirza (England), Rika Noguchi (Japan), Dinh Q. Lê (Vietnam, United States), Cornelia Parker (England), and George Shaw (England)—Manif d’art 9 – The Quebec City Biennialis proud to fulfil its mission by placing a special emphasis on Quebec talent. Whether emerging or emeritus, more than 40% of the artists taking part in the biennial are from the province of Quebec. They include, to name just a few, Patrick Bernatchez (Montreal), Daniel Corbeil (Val-d’Or), Caroline Gagné (Quebec City), Fanny Mesnard (Quebec City) and Reno Salvail (L’Ange-Gardien) in the main exhibit at the MNBAQ, as well as Amélie Laurence Fortin (Quebec City) and Anne-Marie Proulx (Quebec City), who will present their works in solo shows and as part of the public art exhibit. Falling in love with Indigenous art The international curator of the biennial has fallen in love with Indigenous art, and visitors will reap the benefits. The artists from Indigenous culture, with the special relationships they perpetuate with nature, land and the environment, are a perfect fit with the theme of Manif d’art 9. In the main exhibit, 25% of the works are by Indigenous artists, including Manasie Akpaliapik (Arctic Bay, Nunavut), a well-known artist whose work is featured in the Art inuit.La collection Brousseau - Ilippunga collection in the Pavillon Pierre Lassonde at the MNBAQ, Britta Marakatt-Labba (Sami, Sweden),and Meryl McMaster (Siksika, Ontario), as well as Shuvinai Ashoona (Kinngait, Nunavut), recent winner of the prestigious Gershon Iskowitz prize recognizing established Canadian artists. Nadia Myre (Kitigan Zibi Anishinabeg, Quebec) and Hannah Claus (Montreal, Quebec) will present their work at Le Lieu and the Musée Huron-Wendat in solo exhibits. Young curators warm to the theme 13 Young Curators will put forward their own interpretations of the biennial’s theme in 10 exhibits and one lecture. These discoveries are sure to please lovers of emerging contemporary art from Quebec City. Manif d’art 9: Contemporary art for all For art buffs and neophytes alike, the public art exhibits in Old Quebec are a must-see. Visitors can bask in the beautiful old city while taking in nearly 10 works. Murals, installations and even a sound piece will surprise passers-by until April 21, 2019. For its ninth edition, Manif d’art has increased its family activities. As part of the P’tite Manif, families are invited to attend an exhibit designed just for them and to take part in various activities, including creative and technical exploration workshops, a discovery rally, and philosophy activities at the Méduse, Quebec City libraries, and the Maison Tessier-Dit-Laplante. Parents can choose from a panoply of possibilities to inspire their children with art and play. Manif d’art would like to thank the Bureau des grands événements, the Ville de Québec, the Conseil des arts et des lettres du Québec, the Ministère de la Culture et des Communications, the Canada Council for the Arts, Quebec City Tourism, Canadian Heritage, lg2, ICI Radio-Canada, Maison Simons and Méduse. * "Stories of the Street" by Leonard Cohen. © 1993, Leonard Cohen, used by permission of the Wylie Agency (UK) Limited
MANIF D´ART - The Quebec City Biennial

MANIF D´ART | 600, côte d’Abraham
G1R 1A1 Quebec

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posted 19. Mar 2019

Between Us

15. Mar 201916. Jun 2019
opening: 14. Mar 2019 19:30
Between Us 15.03.2019—16.06.2019 Ausstellungseröffnung: Donnerstag, 14.03.2019 19:30 Uhr Tim Etchells, Sissel Tolaas, Tamara Grcic, Søren Lyngsø Knudsen, Žilvinas Kempinas, Isabel Lewis Die Choreographie Effect bildet den Ausgangspunkt für das interdisziplinäre Projekt Between Us, das Tanz, bildende Kunst und Wissenschaft zusammenbringt. Der mit zahlreichen Auszeichnungen bedachte Finne Taneli Törmä und fünf Ensemblemitglieder von tanzmainz entwickelte das 60- minütige Stück, dessen Informationen zwischen den Projektteilnehmern ausgetauscht werden. Mit Hilfe von modernsten Motion Capturing Verfahren wurden die Bewegungen der Tänzer*innen vom Forschungsprojekt Motion Bank der Hochschule Mainz aufgezeichnet und in abstrakte Datenströme umgewandelt. Mit einem gespeicherten Datenvolumen, das sich im Bereich von terabytes bewegt, ist der Entstehungsprozess von Effect vermutlich der am besten dokumentierte weltweit. Tanz und Choreographie bilden die Arbeitsgrundlage für fünf internationale Gegenwartskünstler*innen. Von dem Quellmaterial inspiriert schaffen sie neue Werke, die in der Kunsthalle Mainz präsentiert werden. Die Kunsthalle ist zugleich der Ort für die Tanzaufführungen von tanzmainz und einer Forschungsstation von Motion Bank. Choreographie, Lichtdesign und Komposition ebenso wie das erhobene Datenmaterial des Motion Capturing und die Kunstwerke verbinden sich zu Between Us. Vielschichtige Prozesse zwischen den Projektpartnern, die immer um die Frage der Informationsweitergabe zirkulieren, werden so sichtbar gemacht. Wie hat sich die ursprüngliche Information der Choreographie verändert und wie werden die Bewegungen in Kunstwerke übertragen? Welchen Informationsgehalt beinhalten Daten und für wen sind sie lesbar? Anhand der Verzahnung von Kunst, Wissenschaft und Tanz wird deutlich, wie komplex Informationen und deren Übermittlungsverfahren sind. Damit thematisiert das Projekt Between Us Fragen, die in Zeiten von Fake News politisch höchst brisant geworden sind. Die Ausstellung wird gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes. Tickets für "Effect" gibt es ab dem 19.01.2019 über die Kasse der Kunsthalle Mainz und das Staatstheater Mainz zu kaufen.
Kunsthalle Mainz

KUNSTHALLE MAINZ | Am Zollhafen 3–5
55118 Mainz

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posted 18. Mar 2019


21. Feb 201929. Apr 2019
NIELE TORONI 21.02.2019 - 29.04.2019 OPENING THURSDAY 21 FEBRUARY 2019 6.30 P.M. CATALOGUE WITH IMAGINARY INTERVIEW BY NIELE TORONI TEXT BY GIORGIO VERZOTTI The A arte Invernizzi gallery opens on Thursday 21 February 2019 at 6.30 p.m. a solo exhibition of works by Niele Toroni. The exhibition - realised on the occasion of the twenty-five years anniversary of activity of the gallery - exhibits works that enter into a dialogue with the spaces, and it is base on the number twenty-five. Niele Toroni has been working since 1967 with a precise methodology that involves creating a sequence of imprints on a variety of supports. The imprints are made by a no. 50 brush and 30 cm apart. Each one is the place of an epiphany, revealing a constant metamorphosis of the artist’s action over time. “Niele Toroni has been repeating his brush imprints in time and space. But it is never the same thing because the same is the same is the same, and it is obstinately dissociated from bring identical. The pleonasm becomes a battery: the energy of iteration and the open structure. It is not the ups and downs of the artist’s soul that are the inhibitors of identity, but rather the places where the method is rendered explicit. Having rid itself of the dead wood of all judgments of value and all historical connivance, the practice of true painting is the constant: it finds the essence of each work by reference to its own essence. The world is not reduced to two dimensions, as would normally be the case in a picture, but painting is a given situation and thus becomes an open structure, freely reconceivable in everything.” (Harald Szeemann, 1991). On the upper floor a work consisting of twenty-five cards - each with a single brushstroke on it - is installed in the exhibition room in multiples 30 cm apart, guiding us visually in our perception of space as an active field. The exhibition will also include two large canvases, some mural works and others on different supports such as posters, Japanese papers and cardboard. Downstairs, Impronte di pennello n. 50 a intervalli di 30 cm [Imprints of Brush no. 50 at Intervals of 30 cm] of 1987 - a work consisting of twenty-five canvases each measuring 100x100 cm - redefines the exhibition space and gives rhythm to the visitor’s eyes to flow freely across them. This is the result of an almost tantric action, which is never repetition but rather the materialisation of a degree of individuality that is ever-changing and always unique. The exhibition will be accompanied by a bilingual monograph containing an imaginary interview by Niele Toroni and a text by Giorgio Verzotti, accompanied by illustrations that retrace the work the painter has created over the years in collaboration with A arte Invernizzi, both at the gallery in public and private spaces.


Niele Toroni 
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posted 17. Mar 2019

Rachel Whiteread

17. Mar 201909. Jun 2019
Rachel Whiteread 17.03.2019 - 09.06.2019 The British sculptor Rachel Whiteread is one of the world’s leading contemporary artists. Whiteread casts the interiors of buildings, household objects, and furniture, capturing familiar but often overlooked areas of the home—the underside of a chair, the contents of a medicine cabinet, or the inside of a garden shed. Over the course of her 30-year career, she has changed the way that the world thinks about sculpture. Her reverse casts of negative spaces, made of industrial materials such as concrete, plaster, and resin, transform the ordinary and unseen into something enduring, striking, and impossible to ignore. The exhibition Rachel Whiteread is the first comprehensive survey of the artist’s practice, bringing together over 90 artworks that chart a course from her early career to the present. The works range in scale from the diminutive to the monumental, from casts of hot water bottles and toilet-paper rolls to doors and windows. A selection of drawings and photographs provides a view into Whiteread’s artistic practice and illuminates her complicated casting process. Whiteread memorializes the rich, human histories that are contained within modest objects: she compels us to reconsider our relationship to the material world. In 1993, Whiteread became the first woman to win the prestigious Turner Prize, an annual prize awarded to a British artist. Since then she has received numerous awards and commissions and her works can be found in the collections of renowned museums around the world, including at the National Gallery of Art in Washington, D.C. and the Tate Britain in London. In 2017, the Saint Louis Art Museum acquired Whiteread’s sculpture, Detached III, a cast of a garden shed, which is on view on the southwest lawn. The exhibition is curated for St. Louis by Simon Kelly, curator of modern and contemporary art, and Hannah Klemm, assistant curator of modern and contemporary art.
Saint Louis Art Museum

1 Fine Arts Drive, Forest Park
MO - 63110-1380 St. Louis

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posted 16. Mar 2019

El Anatsui. Triumphant Scale

08. Mar 201928. Jul 2019
El Anatsui. Triumphant Scale 08.03.2019 - 28.07.2019 El Anatsuis Überblicksausstellung "Triumphant Scale" im Haus der Kunst ist seine erste Überblicksausstellung in Europa, und die bislang umfangreichste Ausstellung seines Werks. Sie erstreckt sich auf den gesamten Ostflügel des Hauses und zeigt zentrale Werke aus fünf Jahrzehnten künstlerischen Schaffens. Im Mittelpunkt der Ausstellung, die sich auf das Triumphale und Monumentale konzentriert, stehen die typischen Arbeiten aus Flaschenverschlüssen aus den letzten zwei Jahrzehnten – Werke von imposanter Präsenz und in schillernden Farben. Daneben werden auch die weniger bekannten Holzskulpturen und Wandreliefs von Mitte der 1980er- bis zu den späten 1990er-Jahren gezeigt, Keramikskulpturen aus den 1970er-Jahren sowie Zeichnungen, Drucke und Skizzenbücher. Die Ausstellung zeigt El Anatsuis unermüdliche Beschäftigung mit der Frage, wie aus den reichhaltigen plastischen Innovationen klassischer und traditioneller afrikanischer Kunst ein zeitgenössisches Skulpturkonzept entwickelt werden kann. Beharrlich hat El Anatsui auf eine Transformation der formalen und plastischen Möglichkeiten des afrikanischen skulpturalen Idioms hingearbeitet und sein Material und seine Kompositionstechniken immer wieder und mit erstaunlichem Effekt neu formatiert – von den frühen kleineren, mit gekratzten Markierungen versehenen Holzreliefs und zerbrochenen Keramikformen bis zu den monumentalen Zementskulpturen unter freiem Himmel und den jüngsten sehr großen, spektakulären Wand- und Bodenarbeiten aus Metall, die die Grenzen zwischen Plastik, Malerei und Assemblage verwischen. Unter El Anatsuis Händen verschmelzen Licht, Form, Farbe, Transparenz und Körperlichkeit zu beeindruckenden und triumphalen Kunstwerken. El Anatsuis Broken Pot-Serie aus den 1970er-Jahren zeichnet sich durch den Einsatz von negativem Raum und durch Fragmentierung als Strukturprinzip aus und ist als metaphorische Aussage über Leben, Geschichte und Gedächtnis zu lesen. Die Holzarbeiten des nächsten Jahrzehnts stellen Intimität her, und zwar weniger durch ihre verhältnismäßige Kleinheit als vielmehr durch die eingeritzten Markierungen, die von den Adinkra-Zeichen der Akan, den Uli-Motiven der Igbo oder durch westafrikanische Schreibsysteme wie die Nsibidi-, Bamun- und Vai-Schriften inspiriert sind. Die Holzskulpturen weisen auch charakteristische gestische Markierungen auf, die mit einer Kettensäge angebracht wurden. Die etwa ab 2000 entstandenen Metallskulpturen schließlich überwältigen den Betrachter durch ihre Pracht und imposante Größe, faszinieren aber, wenn man näher herangeht, auch durch ihre juwelenartigen Details. Die Verwendung von gefundenem Material ist für El Anatsui von grundlegender Bedeutung: "Ich habe mit vielen Materialien experimentiert. Ich arbeite auch mit Material, das viel Berührung und Verwendung durch Menschen erlebt und erfahren hat ..., und diese Arten von Material und Arbeit sind stärker aufgeladen als bei Materialien/Werken, bei denen ich mit Maschinen gearbeitet habe. Kunst erwächst aus jeder spezifischen Situation, und ich glaube, Künstler sollten besser mit dem arbeiten, was ihre jeweilige Umgebung gerade bereitstellt." (El Anatsui, 2003) Die abgenutzten Oberflächen der verwandelten Objekte wirken zunächst wie eine Meditation über die Vergänglichkeit, doch wie Okwui Enwezor festgestellt hat, erweitert El Anatsui die Möglichkeiten im Medium Skulptur fundamental, indem er auf jedes Material reagiert, "als habe er es eben erst im Fluss von Zeit und Geschichte entdeckt". El Anatsui generiert Bedeutung aus dem Material und seinem technischen Prozess. So stammen etwa die Flaschenverschlüsse, die er verwendet, von Spirituosen, die Europäer nach Afrika gebracht haben und zwar als Währung – und damit als Mittel der Unterdrückung – in der Zeit des transatlantischen Sklavenhandels und des Kolonialismus. Das Schneiden, Flachschlagen, Zusammendrücken, Drehen, Falten und Zusammenfügen von Tausenden dieser Flaschenverschlüsse, zusammen mit dem Kupferdraht, der die einzelnen Elemente zu einem Gesamtwerk verbindet, erzählt von menschlichen Gemeinschaften, die aus miteinander verbundenen Subjektivitäten bestehen. El Anatsuis Werk ist geprägt von dem Wechselspiel zwischen philosophischen und ästhetischen Diskursen von Kunst und Literatur im postkolonialen Afrika. 1962 fand die maßgebliche „Conference of African Writers of English Expression“ im Makarere College (heute Makarere University) in Kampala, Uganda, statt, die sich auf Sprache und neue afrikanische Literatur konzentrierte. Unter den Teilnehmer/innen fanden sich militante Nationalisten, die europäische Sprachen als Medium für afrikanische Literatur ablehnten, bis hin zu Internationalisten, die globale literarische Traditionen als Inspiration betrachteten. Trotz dieser unterschiedlichen Ansätze teilten sie die Überzeugung, dass die westliche Moderne nicht passiv als einziges Vorbild für die neue afrikanische Literatur akzeptiert werden konnte. In ähnlicher Weise versammelte der Mbari Artists and Writers Club in Ibadan führende Künstler und Schriftsteller des Kontinents, die sich mit Produktion und Diskussion von Werken der postkolonialen Moderne befassten. Neben Schriftstellern wie Chinua Achebe, Wole Soyinka, Es’kia Mphahlele und Christopher Okigbo (in Makerere) waren auch die Künstler Demas Nwoko and Ibrahim El Salahi Mbari-Mitglieder, ebenso Vincent Kofi, El Anatsuis Mentor, und Uche Okeke, der ihn 1975 nach Nsukka einlud. Ortspezifische Werke für das Haus der Kunst Fasziniert von der Monumentalarchitektur des Museums, hat El Anatsui drei Arbeiten eigens für diese Ausstellung geschaffen: Die Skulpturen „Logoligi Logarithm“ und „Rising Sea“ im Innenbereich und die Installation „Second Wave“ an der Fassade. „Logoligi Logarithm“ besteht aus ca. 65 Einzelteilen aus Aluminium und Kupferdraht und wurde für den größten Saal des Ostflügels konzipiert, wo es eine Art begehbares Labyrinth bildet. Dabei ergeben sich verschiedene Perspektiven ebenso wie zahlreiche Achsen und Spiele von Licht und Schatten. Die Arbeit ist dem ghanaischen Dichter Atukwei Okai (1941-2018) gewidmet. „Rising Sea“ ist eine acht Meter große, weiße Wand- und Bodenarbeit, die trotz ihrer hinreißenden Schönheit einen Kommentar zu Erderwärmung und drohenden Katastrophen darstellt. „Second Wave“, die etwa 110 Meter breite Installation an der Außenfassade, besteht aus mehreren tausend Offsetdruckplatten aus einer Münchner Druckerei, in der eine große Tageszeitung hergestellt wird, sowie aus einer Druckerei in Bozen, die Kunstbücher produziert. Die Druckplatten wurden gefaltet, gedrückt, überlagert, vernietet, gebogen, gewölbt und zu 22 zehn Meter hohen und vier Meter breiten Paneelen verschweißt, die durch Brückenelemente verbunden sind. „Second Wave“ vereint eine starke Körperlichkeit mit struktureller Unbestimmtheit. Okwui Enwezor sagt, dass diese Installation die beliebte afrikanische Lebensregel ‘kein Zustand ist permanent‘ beschwört. Eine Ausstellung des Haus der Kunst, München. Kuratiert von Okwui Enwezor, ehemaliger Direktor am Haus der Kunst, und Chika Okeke-Agulu, Professor am Department of Archaeology and Art History der Universität Princeton; Assistenz Damian Lentini, Kurator am Haus der Kunst. Die Ausstellung wird ermöglicht durch die wesentliche Förderung der Art Mentor Foundation Lucerne, durch die großzügige Unterstützung eines anonymen Mäzens, durch zusätzliche Unterstützung der Gesellschaft der Freunde Haus der Kunst e.V., der Jack Shainman Gallery, New York, von Reni Folawiyo, Bolaji Balogun, Yvonne Fasinro und Kavita Chellaram. „El Anatsui. Triumphant Scale“ reist weiter zum Mathaf Arab Museum of Modern Art, Doha (1. Oktober 2019 bis 2. Februar 2020), zum Kunstmuseum, Bern (13. März bis 21. Juni 2020) sowie ans Guggenheim Museum, Bilbao (17. Juli bis 1. November 2020). Bei Prestel erscheint ein Katalog mit Essays von Enwezor und Okeke-Agulu, der auf 320 Seiten viele Abbildungen auch aus dem Archiv des Künstlers bereithält. Biografie Nach einer Bildhauerausbildung an der Kwame Nkrumah University of Science and Technology in Accra von 1965 bis 1969 unterrichtete El Anatsui (*1944, Anyako, Ghana) am Specialist Training College in Winneba, Ghana. 1975 zog er nach Nigeria und unterrichtete dort vier Jahrzehnte lang Skulptur und Grundkonzepte der Gestaltung an der University of Nigeria in Nsukka, bis er 2014 emeritiert wurde. Als Mitglied des Aka Circle of Exhibiting Artists und als führende Persönlichkeit der Kunstakademie von Nsukka hat Anatsui in den letzten fünf Jahrzehnten in fünf Kontinenten ausgestellt. Zu seinen zahlreichen Einzelausstellungen gehören Wooden Wall Plaques, Asele Art Gallery, Nsukka, Nigeria (1976); Broken Pots: Sculpture by El Anatsui, Institute of African Studies, University of Nigeria, Nsukka (1979); Venovize: Ceramic Sculpture by El Anatsui, Faculty of Art and Design Gallery, Cornwall College, Redruth (1987); Gawu, Oriel Mostyn Gallery, Llandudno, Wales (2003); "Gli", Rice University Art Gallery, Houston (2010); A Fateful Journey, National Museum of Ethnology, Osaka und The Museum of Modern Art, Hayama (2010); "Gravity and Grace: Monumental Works by El Anatsui", Akron Museum of Art, Brooklyn Museum, Des Moines Art Center, Bass Museum of Art und Museum of Contemporary Art San Diego (2012‒2015) sowie viele weitere Ausstellungen in Museen, Galerien und Stiftungen. El Anatsui hat an großen Gruppenausstellungen teilgenommen, darunter die Biennale von Venedig (1990 und 2007), die 5. Biennale von Havanna (1994), die 1. Biennale von Johannesburg (1995) und die Biennalen von Dakar (2000), Liverpool (2002), Gwangju (2004) und Marrakesch (2016) sowie die 9. Skulpturen-Biennale von Osaka (1998) und La Triennale, Paris (2012). El Anatsui hat mehrere Installationen im öffentlichen Raum geschaffen, darunter die Auftragsarbeit Broken Bridge (2012) für La Triennale, Paris (Museé Galiera), Broken Bridge II (2012-2013), präsentiert von Friends of the High Line, New York, sowie Tsiatsia – Searching for Connection, das 2013 an der Fassade der Royal Academy of Arts in London installiert wurde. El Anatsui hat viele bedeutende Auszeichnungen erhalten, darunter den Praemium Imperiale (2017), den Goldenen Löwen für sein Lebenswerk auf der Biennale von Venedig (2015), den Publikumspreis bei der 7. Triennale der Kleinplastik in Fellbach, den Preis des Fernsehsenders Kansai bei der Triennale von Osaka (1995) und Ehrendoktorwürden der Harvard University und der Universität Kapstadt (2016). Er wurde zum Ehrenmitglied der American Academy of Arts and Sciences (2014) und der Royal Academy of Art (2013) ernannt und gewann unter anderem den Prince Claus Award (2009) und den 30th Anniversary Award des National Museum of African Art der Smithsonian Institution (2009). El Anatsuis Arbeiten befinden sich in namhaften öffentlichen Sammlungen in Afrika, Asien, Nordamerika und Europa, darunter das Asele Institute Nimo (Nigeria), die African Studies Gallery der University of Nigeria, Nsukka (Nigeria), The British Museum (London), The National Museum of African Art, Smithsonian Institution (Washington, D.C.), das Centre Pompidou (Paris), das Los Angeles County Museum (Los Angeles), das Des Moines Art Center (Iowa), das De Young Museum (San Francisco), das Museum Kunstpalast (Düsseldorf), das Setagaya Museum (Tokyo), die National Gallery of Contemporary Art (Lagos), das Metropolitan Museum of Art (New York), das Museum of Modern Art (New York), das Royal Ontario Museum (Toronto), die Tate Gallery (London), das Nelson-Atkins Museum (Kansas City), das Iwalewa-Haus der Universität Bayreuth, das Jordan National Museum (Amman), das Leeum Samsung Museum (Seoul), das Brooklyn Museum (New York), The Broad (Los Angeles), das Indianapolis Museum of Art (Indianapolis), das Museum of Fine Arts (Boston), das Guggenheim Museum (Abu Dhabi) und das Saint Louis Art Museum (Saint Louis). El Anatsui lebt und arbeitet in Nsukka, Nigeria.


El Anatsui 


Okwui Enwezor 
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posted 15. Mar 2019

Ralf Tekaat – Lost Icebergs

22. Feb 201907. Apr 2019
opening: 21. Feb 2019 19:00
Ort: Raum für Freunde im Kunstverein Wolfsburg Ralf Teekat – Lost Icebergs Ausstellung mit Zeichnungen von Eisbergen im Raum für Freunde Ausstellung: 22.02.2019 – 07.04.2019 Eröffnung: 21.02.2019 19:00 Uhr Raum für Freunde im Kunstverein Wolfsburg Sondertermin: 28.3.2019 um 19 Uhr: Unewiges Eis – Bericht aus Spitzbergen von und mit Ralf Tekaat Ralf Tekaats künstlerisches Medium ist die Zeichnung, dies können kleinformatige Bleistift- oder Farbstiftzeichnungen sein, ebenso wie große Wandinstallationen. Eine Besonderheit seines Schaffens sind Zeichnungen verschiedenster Techniken, die Eisberge zeigen. 2017 startete der Künstler eine Crowdfunding-Kampagne und sammelte so das Geld für eine Stipendien-Reise in die Polarregion Spitzbergen, einem der wenigen Orte auf der Erde, an dem man noch echte Eisberge vorfindet. Noch. Denn bedingt durch den Klima-Wandel schmilzt das arktische Eis zunehmend und die Erscheinung von Eisbergen wird in absehbarer Zeit nicht mehr Teil unserer Welt sein. Die Reise und die Zeichnungen werden in der Ausstellung thematisiert. Ralf Tekaat hat sich auf verschiedenen Ebenen mit den Eisbergen auseinandergesetzt und auch diverse Texte verfasst, die unter anderem auf seinem Reiseblog zu finden waren: „Im Mai 2017 bin ich nach Spitzbergen gefahren um dort Eisberge zu zeichnen. In Spitzbergen mache ich mich auf die Jagd. Nach dem Eisberg, nach meinem Eisberg. Der Weiße Riese, der mich in meinen Träumen verfolgt. Ich zeichne. Ich trotze dem Sturm. Ich trotze der Kälte. Ich zeichne. Das Papier knattert im Sturm. Das Papier fliegt. Ich zeichne. Ich laufe. Ich verstecke mich vor Eisbären. Ich zeichne. Ich suche den perfekten Blick auf den tollsten Eisberg. Ich breite meine Papiere aus. Ich zeichne. Ich zeichne die Eiskristalle, analytisch. Meine Bleistifte sind gefroren. Sie splittern, sie knacken. Sie sind kalt. Mir nicht, denn ich zeichne. Das Aquarellwasser friert. Der Gletscher kalbt. Die Eisscholle taumelt. Ich zeichne. Die Eisscholle treibt mich an meinem Eisberg vorbei. Ich bin im Packeis. Ich zeichne.“ Ralf Tekaat studierte visuelle Kommunikation in Münster und anschließend Freie Kunst in Bremen bei Wolfgang Schmitz and Paco Knöller und war Meisterschüler bei Paco Knöller. Er erhielt verschiedene Preise und Stipendien und hatte diverse Einzel- und Gruppenausstellungen u . a. in Bonn, Berlin, Hannover, Bremen. Seit 2005 hatte regelmäßig verschiedene Lehraufträge an der Hochschule für Künste in Bremen. Er lebt in Berlin.


Ralf Tekaat 


Jennifer Bork 
Kunstverein Wolfsburg

Schloss Wolfsburg, Schlossstraße 8
D-38448 Wolfsburg

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posted 14. Mar 2019

Portadores de sentido

09. Feb 201922. Jul 2019
The Museo Amparo together with the Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC) are pleased to present the exhibition Portadores de sentido: Contemporary art from the Colección Patricia Phelps de Cisneros. This exhibition brings together 70 contemporary artists from 16 countries in Latin America and the Caribbean whose works were acquired by the CPPC between 1990 and 2015. It is curated by Sofía Hernández Chong Cuy, former Curator of Contemporary Art at the CPPC and now the Director of the Witte de With Contemporary Art Center in Rotterdam; Sara Meadows, Project Manager at the CPPC, is the Assistant Curator for this exhibition. "We are very honored to be partnering with the Museo Amparo to present this comprehensive exhibition of contemporary art from the Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC) in Mexico. The Museo Amparo and the CPPC have the same commitment to sharing contemporary art with a wide audience within an educational mission. I am grateful to the leadership and staff of the Amparo for creating this wonderful opportunity to display the vibrant contemporary art of Latin America to its audiences." –Patricia Phelps de Cisneros "The key mission of the Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC) to disseminate and promote the understanding and enjoyment of artistic expressions from Latin America from their five areas of research—ethnographic objects, works of traveler artists and from our colonial heritage, modern and contemporary art—among diverse audiences is naturally aligned to that of the Museo Amparo, which is committed to the promotion, study and dissemination of pre-Hispanic, vice-regal, modern and contemporary art from Mexico in particular and Latin America in general.” –Ramiro Martínez Estrada, Director of Museo Amparo The curatorial premise of this project originates from dialogues between contemporary art and the other areas that comprise the CPPC’s holdings: Modernism, Colonial Art, 19th Century Traveler Art, and ethnographic objects from the Orinoco River Basin. Regarding contemporary artists as analytical and sensitive thinkers about their environment who, along with their works, are bearers of meaning—portadores de sentido—Hernández Chong Cuy identified four recurring themes in this show: ethnographic theories and methods; geography and territory; the urban environment; and the social impact of media and mass communication. In the first group, with works that consider ethnography’s methodology and forms, are artists such as Cuban painter José Bedia, whose work Mamá kalunga (1992) at first suggests kinship with geometric abstraction but upon closer inspection includes imagery of a small ship, a reference to the slave boats that traveled between Africa and Cuba. Other key works are Laura Andersen Barbata’s installation Santos y profetas (1995), Juan Manuel Echavarria’s video Bocas de ceniza (2003–04), and Jorge Pineda’s Afro Charlie (2010). The second group, concerning geography and territory, include Pablo Cardoso, Elena Damiani, Juan Carlos Araujo, and Manuela Ribadeneira among others. Adrian Balseca, Irene Kopelman and Paul Ramírez Jonas look more specifically at the traditions of scientific expeditions as inspiration for their work. The urban environment is the focus of artists in the third group, who consider the impact of design of urban spaces and structures on communities. Iosu Aramburu’s cement paintings, Pia Camil’s Highway Folies series, Federico Herrero’s concrete sculptures and Daniel Santiago Salguero’s photography series are among the contributions to this dialogue. The impact of mass media on society and on individual identity are taken up by artists in the fourth group, which includes Aziz + Cucher’s photograph Zoe, 1995; Alejandro Cesarco’s video Help!, 2002; Tania Pérez Córdova’s Call Forwarding, 2013; and Jessica Lagunas’ videos Para verte mejor [The Better To See You With], 2005; Para besarte mejor [The Better To Kiss You With], 2003; and Para acariciarte mejor [The Better To Caress You With], 2003, among others. A number of the artists included in Portadores de sentido have made short audio recordings in which they discuss their works on view. These are accessible in the gallery via cellphone through a link printed on the associated wall label, and through the CPPC’s website. An exhibition guide will be published including images and didactic texts representing all the works in Portadores de Sentido. It will be available for purchase at the Museo Amparo. About the Colección Patricia Phelps de Cisneros The Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC) was founded in the 1970s by Patricia Phelps de Cisneros and Gustavo A. Cisneros and is one of the core cultural and educational initiatives of the Fundación Cisneros. Based in New York City and Caracas, the CPPC’s mission is to promote scholarship and enhance appreciation of the diversity, sophistication, and range of art from Latin America. The CPPC achieves these goals through the preservation, presentation, and study of the material culture of the Ibero-American world—ranging from the ethnographic to the contemporary. The CPPC´s activities include exhibitions, public programs, publications, grants for scholarly research and artistic production. The CPPC’s website offers a platform for debate concerning the contributions of Latin America to the world of art and culture.
Museo Amparo, Puebla

Museo Amparo, 2 Sur 708
Pue 72000 Puebla

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posted 13. Mar 2019

Die Macht der Vervielfältigung

28. Feb 201923. Mar 2019
opening: 28. Feb 2019 18:00
Ort: Leipziger Baumwollspinnerei | **Halle 12** Eröffnung „Die Macht der Vervielfältigung“ durch den Präsidenten des Goethe-Instituts Klaus-Dieter Lehmann, Ort: Leipziger Baumwollspinnerei Halle 12, Spinnereistraße 7, 04179 Leipzig Datum: 28. Februar 2019, 18 Uhr 1. März 2019, 11 Uhr: Führung mit Kurator und Künstler*innen Mit „Die Macht der Vervielfältigung – Von prä- zu postdigitaler reproduktiver Kunst, oder von Radierung über Xerox zu Augmented Reality in Südamerika und Deutschland“ zeigt das Goethe-Institut erstmalig 14 deutsche und brasilianische Künstlerinnen und Künstler in einer gemeinsamen Ausstellung. Das Projekt verdeutlicht ganz konkret am Medium Grafik, wie Kunst politisch und gesellschaftlich relevante Fragen in Lateinamerika, aber auch in Deutschland historisch und heute zu stellen vermag. Nach Station in Porto Alegre eröffnet die Ausstellung  am 28. Februar 2019 in der Leipziger Baumwollspinnerei im Beisein der Künstlerinnen und Künstler und des Kurators Gregor Jansen, Direktor der Kunsthalle Düsseldorf. In den 1950er Jahren gründete eine Reihe von Künstlerinnen und Künstlern in Rio Grande do Sul und seiner Landeshauptstadt Porto Alegre sogenannte Druckklubs, in denen sie gemeinsam arbeiteten und unterrichteten. Der Anspruch lautete: Kunst fürs Volk. Sie schufen damit eines der bis heute wichtigsten Zentren für reproduktive Kunst in Brasilien. Reproduktionen, Vervielfältigungen oder Kopien stellen den autoritären Originalitätsbegriff in Frage und dienen der massenmedialen Verbreitung, meist auch von Propaganda jedweder Art. So bietet die ehemalige Fotojournalistin Flavya Mutran, auf die Beziehung zwischen Fotografie und Objekt setzend, eine weitreichende Reflexion über die Technologie als sozialem Phänomen an. Eine politisch radikale Dimension eröffnen die Arbeiten der Künstler Xadalu und Marcelo Chardosim, die Kopie und Siebdruck als Medien des Protestes einsetzen – Xadalu unter anderem gegen die Zerstörung der indigenen Kulturen in Rio Grande do Sul und Marcelo Chardosim gegen die Zerstörung des öffentlichen Raums in Brasilien. Das Goethe-Institut Porto Alegre arbeitet in einem Umfeld, das bis heute in hohem Maße durch die Einwanderung aus europäischen Ländern gekennzeichnet ist. Vor diesem Hintergrund nimmt das Goethe-Institut Porto Alegre eine lebendige Brückenfunktion von und nach Europa wahr. „Die Macht der Vervielfältigung“, als dialogisches Projekt zwischen Brasilien und Deutschland, wird nun, nach seiner ersten Station in Porto Alegre im Herbst 2018, in der traditionsreichen Buch- und Verlagsstadt Leipzig vom 28. Februar bis zum 23. März 2019 zu sehen sein, einem Zeitraum der bewusst mit der Eröffnung der Leipziger Buchmesse abschließen wird. Weitere Termine Neben der Ausstellung gibt es bereits vom 18. bis zum 24. Februar 2019 die Gelegenheit, drei der brasilianischen Künstlerinnen und Künstler in der Kunsthochschule Weißensee in Berlin kennenzulernen. Im Rahmen eines vom Institut für Auslandsbeziehungen (ifa) geförderten Künstleraustausches und anlässlich des 100. Jubiläums der Bauhaus-Gründung geben Helena Kanaan, Hélio Fervenza und Rafael Pagatini in Vorträgen und Workshops Einblick in ihre Arbeit und werden das Erbe des Bauhauses und seine Bedeutung für die künstlerische Praxis und Ausbildung in der Druckkunst diskutieren. Den Fokus bilden hierbei die Schnittstellen, Gemeinsamkeiten und Brüche in der zeitgenössischen Druckkunst aus Brasilien im Vergleich zu Entwicklungen in Deutschland. Veranstalter „Die Macht der Vervielfältigung“ ist ein Projekt des Goethe-Instituts, das gemeinsam mit der Bundesuniversität von Rio Grande do Sul und anderen Partnern entwickelt wurde. Begleitend zur Ausstellung ist ein Ausstellungskatalog beim Kerber Verlag erschienen, hrsg. vom Goethe-Institut Porto Alegre mit Beiträgen von Francisco Dalcol, Gregor Jansen, Andreas Schalhorn, Márcio Seligmann-Silva, Ludwig Seyfarth, Cauê Alves u.a.


Gregor Jansen 
HALLE 12, Baumwollspinnerei Leipzig

04179 Leipzig

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posted 12. Mar 2019

Wer bist du? Porträts aus 200 Jahren

26. Feb 201827. Oct 2019
Wer bist du? Porträts aus 200 Jahren 26.02.2018-27.10.2019 Kuratiert von: Günther Holler-Schuster und Gudrun Danzer Über die Ausstellung: Porträts zählen zu den ältesten Themen der bildenden Kunst und widerspiegeln seit jeher auch kulturgeschichtliche Phänomene – bis hin zu den „Selfies“, die heute in allen Lebenslagen aufgenommen werden und unser Zeitalter der Sozialen Medien prägen. Die Ausstellung, die ab Ende Februar 2018 in veränderter Form präsentiert wird, spannt einen Bogen vom 19. Jahrhundert über die Zwischenkriegszeit und die Vorboten der „Massenkultur“ in der Pop-Art bis hin zu aktuellen Porträts, für die auch neue Medien zum Einsatz kommen. Dem Genre Porträt gehören – neben der Landschaft – zweifellos die meisten Objekte der Sammlung der Neuen Galerie Graz an. Diese auf ihre vielfältigen Bezüge sowie ihre kulturhistorischen und gesellschaftlichen Aussagen hin zu befragen, hat sich diese Schau vorgenommen – und zwar mit frischem Blick und oft ungewohnten Kombinationen. Der große Betrachtungszeitraum von über 200 Jahren ermöglicht es, gegenwärtige Phänomene historischen gegenüberzustellen und umgekehrt, wodurch sich ungeahnte Erkenntnismöglichkeiten ergeben. Die Kuratoren Gudrun Danzer und Günther Holler-Schuster zur Ausstellung: Porträts zählen zu den ältesten Themen der bildenden Kunst und widerspiegeln seit jeher auch kulturgeschichtliche Phänomene. Diese Ausstellung spannt einen Bogen vom 19. Jahrhundert über die Zwischenkriegszeit und die Vorboten der „Massenkultur“ in der Pop-Art bis hin zu aktuellen Porträts, für die auch neue Medien zum Einsatz kommen. In der Romantik und im Expressionismus versuchte man über das Antlitz des Dargestellten in dessen Seele vorzudringen. Im Realismus war hingegen die Repräsentation des bürgerlichen Selbstverständnisses vorrangig. Ab den 1960er-Jahren wurden über das Porträt auch allgemeine künstlerisch-visuelle Probleme behandelt, und noch nie zuvor waren Porträts so präsent wie heute: „Selfies“ in allen Lebenslagen prägen das Zeitalter der Sozialen Medien. Ab Ende Februar 2018 wird die Ausstellung die Themenräume 01 bis 05 umfassen.
Neue Galerie Graz / Universalmuseum Joanneum

NEUE GALERIE / BRUSEUM Joanneumsviertel, Kalchberggasse
8010 Graz

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posted 11. Mar 2019


19. Jan 201916. Mar 2019
UTE & WERNER MAHLER / KLEINSTADT 19.01.2019 - 16.03.2019 Eröffnung am Freitag, den 18. Januar 2019 um 19 Uhr Ute und Werner Mahler (geb. 1949 und 1950), waren Schlüsselfiguren der Fotografie in der DDR und haben nach der Wende die renommierte Fotografenagentur Ostkreuz mitbegründet. Nachdem beide jahrzehntelang unabhängig voneinander erfolgreiche Karrieren verfolgt haben, legte das Ehepaar im Jahr 2011 eine erste gemeinsame Arbeit vor, die schwarz-weiße Portraitserie „Monalisen der Vorstädte“. Im Jahr 2014 folgte ein zweites Gemeinschaftsprojekt, „Die seltsamen Tage“, eine Serie großformatiger Landschaftsstudien. Nun präsentiert das Paar eine neue gemeinsame Arbeit und seine dritte gemeinsame Publikation, „Kleinstadt“ (Hartmann Projects), eine Expedition ins deutsche Hinterland. Ein Besuch in der deutschen Kleinstadt, die sich aus den Bildern vieler Kleinstädte zusammensetzt: von Arzberg über Bitterfeld, Hofgeismar, Pasewalk und Zimmern bis nach Waden und Zehdenick. „Das Thema interessiert uns schon lange. Wir haben uns auch in unseren vorigen Arbeiten mit Vorstädten und unaufgeregten Orten beschäftigt. Wir wollten Städte besuchen, die in keinem Reiseführer stehen und die zu weit von der Autobahn entfernt sind, als dass Menschen sie auf der Durchreise durchqueren würden“, erklärt Ute Mahler im Gespräch mit dem ZEIT Magazin. „Diese Orte sind Biotope, in denen das Leben übersichtlich erscheint. Wo es große Gemeinschaft gibt, aber auch starke soziale Kontrolle. Da, wo es keine Attraktionen gibt, werden die Kleinigkeiten spannend.“

artists & participants

Werner Mahler,  Ute Mahler 
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posted 10. Mar 2019

Paul Maheke 'A Fire Circle for a Public Hearing'

20. Jan 201917. Mar 2019
opening: 19. Jan 2019 17:00
Paul Maheke 'A Fire Circle for a Public Hearing' 20.01.2019 - 17.03.2019 Opening: 19.01.2019 17:00 - 19:00 Vleeshal is proud to present the first solo exhibition by artist Paul Maheke in a Dutch art institution. Comprising an immersive installation occupying the entire space, A Fire Circle for a Public Hearing develops Maheke’s ongoing engagement with the potential of the body as an archive in order to address how history, memory and identity are formed. For his exhibition at Vleeshal, Maheke explores the tension between hypervisibility and erasure. Incorporating installation, video, sound and performance, the exhibition alters and adapts throughout its duration. Curtains resembling back-stage theatre sets are installed across the gallery and function as both props for performances and as a way of delineating space, while floating planets outline a speculative cosmology of interconnected worlds. A sound work, composed in collaboration with artist Sophie Mallett, plays on a loop and acts as a companion to a silent video depicting Maheke’s dancing body—present and persistent, but not always fully visible. Within the exhibition, performers deliver a series of choreographies every weekend. Combining spoken word, movement and dance, the performers embody different characters, such as the ghost, the drag king and the oracle. The performance repositions fragments of art history and popular culture, working from pre-existing texts, images, music, performance and film. Felix Gonzalez Torres’ performance, Untitled (Go-Go Dancing Platform) (1991), is reformatted and repeated, alongside gestures sampled from Michael Jackson’s 1992 Dangerous World Tour rehearsals. A Fire Circle for a Public Hearing seeks to consider how acts of visibility and invisibility serve to question the presence and absence of marginalised narratives in dominant histories, inviting visitors to assert their own understanding of possible pasts or futures. By speculating on worlds and life elsewhere, Maheke’s exhibition at Vleeshal becomes a public site to re-articulate and reinvent forms of relationality and representation, as much as a device for developing a new lexicon for thinking about identities outside of identity politics. Throughout the duration of the exhibition, performances will take place on Saturday at 5pm and on Sunday at noon. Performances last for 45 minutes. Part 1: A place you only go through January 19-20, 26-27, February 2-3, March 9-10 Performed by: Loveday Smith Part 2: I took everything and made it my own (the ghost is an appropriationist) February 9-10, 16-17, 23-24, March 2-3, 16-17 Performed by: Sophia van der Putten, Loveday Smith and Charlie Laban Trier Paul Maheke (1985, Brive-la-Gaillarde, France) lives and works in London, UK. Previous solo exhibitions include Dans L’éther, là ou l’eau, 6th Biennale de Rennes, Galerie Art et Essai, Rennes (2018); Letter to a Barn Owl, Kevin Space, Vienna (2018); A Fire Circle for a Public Hearing, Chisenhale Gallery, London (2018); Acqua Alta, Galerie Sultana, Paris (2017); Selected group exhibitions and performances include Interspecies Public Programme, Manifesta 12, Palermo (2018); Baltic Triennial XIII: Give Up the Ghost, Tallinn Art Hall (2018); The Distance is Nowhere (performance with Sophie Mallett), Manifesta 12, Palermo (2018); The Centre Cannot Hold Itself, Lafayette Anticipations, Paris (2018); Ten Days Six Nights, Tate Modern, London (2017); Diaspora Pavilion, 57th Venice Biennale (2017).


Paul Maheke 
Vleeshal, Middelburg

Zusterstraat 7
NL-4331 Middelburg

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posted 09. Mar 2019


09. Mar 201907. Jul 2019
opening: 08. Mar 2019 19:00
BAYERWALDZYKLUS - PETER HAIMERL . ARCHITEKTUR mit beierle.goerlich 09.03.2019 - 07.07.2019 PRESSETERMIN: FREITAG, 08. MÄRZ, 12 UHR ERÖFFNUNG: FREITAG, 08. MÄRZ, 19 UHR ARCHITEKTURGESPRÄCH: SAMSTAG, 09. MÄRZ, 12 UHR In der alle zwei Jahre stattfindenden Ausstellungsreihe »Baukunst« zeigt der Bielefelder Kunstverein im Jahr 2019 mit Peter Haimerl einen der interessantesten und eigenwilligsten Architekten Deutschlands. Der Münchner Architekt überschreitet in seinen Projekten die Grenzen konventioneller Architektur. Sein Anspruch ist, mit jedem Projekt unkonventionelle Lösungen und Innovationen zu entwickeln. In seinem Büro entstehen Konzepte, in denen Architektur mit Bereichen wie Computer-Programmierung, Soziologie, Wirtschaft, Politik oder Kunst fusioniert. Dabei widmet sich Haimerl insbesondere dem Thema »Bauen im Bestand«. Im Rahmen der von ihm ins Leben gerufenen Haus.Paten-Initiative engagiert er sich umfassend für die Baukultur im Bayerwald. Wie am Schedlberg denkt er seine Gebäude auf die Grundzüge zurück und versucht das Ursprüngliche zu bewahren, indem er mit Betonbalken die vorhandene Struktur des fast eingefallenen Waldlerhauses unterstützt. Mit dem Konzerthaus Blaibach realisierte Haimerl im Ortskern einen visionären Bau, dessen gekippter monolithischer Baukörper eine Erweiterung in den Boden schafft und damit die gesamte Ortsmitte verändert. Beim Umbau des Schusterbauernhauses in Riem implantierte er ein Betonprisma in die ruinöse Architektur, das die Neigung des Daches nachformt und in den Raum spiegelt. Die Ausstellung im Bielefelder Kunstverein liefert einen umfassenden Überblick zu den Bayerwaldprojekten von Peter Haimerl. Sie entsteht in Zusammenarbeit mit dem Künstlerduo beierle.goerlich, das viele seiner Projekte künstlerisch begleitete und sich in Fotografien, Videos und Performances mit der Architektur, städtebaulichen Strukturen und Entwicklungsprozessen im ländlichen Raum auseinandersetzt. Peter Haimerl, geboren 1961 in Eben (Bayerischer Wald), gründete 1991 sein eigenes Büro in München. Er wurde für seine Projekte mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, wie der Großen Nike, dem Bayerischen Staatspreis für Architektur und dem Bayerischen Kulturpreis. Peter Haimerl hatte Lehraufträge an der FH München, der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig und zuletzt eine Gastprofessur an der Universität Kassel. Kuratoren: Thomas Thiel und Andreas Wannenmacher Zur Ausstellung erscheint eine 28-seitige Broschüre (Deutsch-Englisch). * **VERANSTALTUNGEN (AUSWAHL)** SA, 09. MÄRZ 2019, 12 UHR Architekturgespräch mit Peter Haimerl und beierle.goerlich SO, 10. MÄRZ 2019, 17 UHR Kuratorenführung mit Andreas Wannenmacher DO, 14. MÄRZ 2019,18 UHR Kurzführung »Peter Haimerl Architektur und inszenierte Architekturfotografie von beierle.goerlich« mit Jana Wieking. DO, 14. MÄRZ 2019, 19UHR Vortrag »Zeigen, was Repräsentation uns antut. Künstlerische Interventionen in Geschlechterkonstruktionen« von Prof. Dr. Sigrid Schade, Leiterin des Institute for Cultural Studies in the Arts and der Zürcher Hochschule der Künste ZHdKVeranstaltungzum InternationalenFrauentag, in Kooperation mit dem Künstlerinnenforum Bielefeld -OWL e.V. SO, 17. MÄRZ 2019, 17 UHR Kuratorenführung mit Thomas Thiel DI, 19. MÄRZ 2019, 19 UHR 90 Jahre Bielefelder Kunstverein. Empfang zum Jubiläum der Gründungsversammlung am 19.03.1929mit Verabschiedung von Thomas Thiel und Begrüßung der neuen Direktorin Nadine Droste. SO, 24. MÄRZ 2019, 17 UHR Kuratorenführung mit Andreas Wannenmacher FR, 05. APRIL 2019, 19 Uhr 90 Jahre #VisionPanel mit Oriande Durand (Direktorin, Dortmunder Kunstverein), Bettina Steinbrügge (Direktorin, Kunstverein in Hamburg)undMilan Ther(Direktor,Kunstverein Nürnberg).Moderiert von Nadine Droste SO, 07. APRIL 2019, 17 UHR Direktorinnenführung mit Nadine Droste SO, 28. APRIL 2019, 17 UHR Kuratorenführung mit Andreas Wannenmacher DO, 06. JUNI 2019, 19 UHR 90 Jahre #EngagementAlice Creischer (Künstlerin, Berlin) und Andreas Siekmann (Künstler, Berlin) im Gespräch mit Nadine Droste. SO, 16. JUNI 2019, 17 UHR Kuratorenführung mit Andreas Wannenmacher MI, 26. JUNI 2019, 19 UHR Architektur kommunizieren. Präsentation der Publikationen »Blaibach« und »Schedlberg«, erschienen bei Edition DETAIL, mit Dr. Sandra Hofmeister (Chefredakteurin, DETAIL) und Edward Beierle (Fotograf). SO, 07. JULI2019, 17 UHR Direktorinnenführung mit Nadine Droste ÖFFENTLICHE FÜHRUNGENWährend unserer Ausstellungfinden jeden Sonntag um 17 Uhr kostenlose Führungen statt. Termine für Gruppenführungen und Führungen für Schulklassen können individuell vereinbart werden.

artists & participants

beierle.goerlich ,  Peter Haimerl 
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posted 08. Mar 2019

Ivica Capan : Candid and Alina Sokolova : Heracleumfall

07. Mar 201920. Apr 2019
galerie michaela stock presents two solo exhibitions Ivica Capan : Candid and Alina Sokolova : Heracleumfall 07.03.2019 - 20.04.2019 The artworks displayed in the two exhibition rooms are characterised by a construction of “communication” between the different components. Both artists living and working in Vienna and responding to new conditions of surveillance and hypervisibility in their works. This may lead to the deconstruction and questioning the medium itself and provoke confusion between illusion and testimony. A subtly exhibition links personal histories with wider cultural and political issues from different perspectives. Digital Control mechanisms are the central theme of Croatian artist Ivica Capan in his first solo exhibition at galerie michaela stock. Capan is using mass media images and gives a critical observation of today’s world. Candid challenges the viewer's expectations of art and what the future of internet might be in light of a broader assimilation of digital technologies. His work contains thematic references to art history, literature and popular culture and he examines changes that digital technology has wrought upon conceptions of space, time and culture. The young Ukrainian artist Alina Sokolova rebels against the law and institutions of power and masters the expression of space and time. In her installation Heracleumfall she tells the stories of the poisonous plant Heracleum Sosnowsky, its role in society and its historical background as well as her personal connection to it. Popularly the plant is called “Stalin’s revenge” and it`s an ideal metaphor for ideological intoxication. Because once the poisonous stem is cut down, overnight it grows with even more persistence. In different performative acts Sokolova cut the plant several times down, smuggled it over the border and tried to reanimate the dead plant.

artists & participants

Ivica Capan,  Alina Sokolova 
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posted 07. Mar 2019

Independent New York 2019

07. Mar 201910. Mar 2019
Independent New York 2019 07.03.2019 - 10.03.2019 “Independent remains the New York art fair whose edge most deserves to be called cutting, the one where you stand to learn the most about promising new art.” – Roberta Smith, The New York Times

Spring Studios, 50 Varick Street
NY 10013 New York

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posted 06. Mar 2019

Jacobo Castellano. riflepistolacañon

08. Feb 201919. May 2019
Jacobo Castellano. riflepistolacañon 08.02.2019 - 19.05.2019 The exhibition features works produced between 1999 and today The title of this exhibition by Jacobo Castellano, riflepistolacañon (rifleguncannon), is taken from a drawing that visitors will see as soon as they enter the gallery space. Made by a child and found on the street by the artist years ago, the drawing displays an array of weapons as if it were a bellicose inventory. The phrase “riflepistolacañon” is written and pronounced as it would be by that child, ignoring the rigour of grammar and as if it were spat out. Much of Jacobo Castellano’s work originates from the memory of a childhood full of abject, fragmentary images. These images that appear repeatedly throughout his work are hidden to a greater or lesser extent and have contributed to shaping one of the most unique bodies of sculptural work in our country over the past twenty years of his career. Co-produced with the Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Andalusian Centre of Contemporary Art) in Seville, where it was on show last summer, riflepistolacañon reveals with remarkable clarity the shift in Jacobo Castellano’s sculpture from his initial attempts immediately after completing his studies at the University of Granada until today, based on the overcoming of a practice based on remnants and waste. As he came to discard the precarious fragments of belongings and architectures that he once used or experienced and would assemble in fragile and complex combinations, the most recognisable identifying feature of his work today became predominant. This is the extraordinary intuition he possesses when he decontextualises objects with a history of their own and the manner in which these are interwoven in a hard, sturdy matter that is almost always wood, a matter that evokes the artist’s own body. This endeavour has become defined in recent years and creates tension between two opposing practices, that of treating wood and that of finding objects. Although Jacobo Castellano is by now tired of the phrase “found object”, so overused in our artistic field, because he claims to resolutely seek what he ultimately finds, and what he seeks has to do with the will to reconnect with fleeting memory. riflepistolacañon features works produced between the early 2000s and today. It is retrospective in nature, but this does not mean that it uses chronological procedures. On the contrary, it has been designed as a flexible, pliable reading of his work and its route has been structured around a central piece in the gallery space, a revolving window, a work produced specifically for Artium. Works appear towards and from this space that are linked more by conceptual, narrative or formal associations, aiming to merge these in a common mood. Two works are located at the aforementioned extremes. At one end, Casa I (House I), which was presented in a section entitled “16 Proyectos de Arte Español” (16 Spanish Art Projects) curated by María de Corral at the 2006 edition of ARCO, and at the other end, the work Sin título (Proyector con olivo) (Untitled: Projector with Olive Tree) from 2018, a large projector from the cinema that was run by the artist’s grandfather in the village of Villargordo in Jaén, where the family used to spend its summers. Casa I transfers fragments from that summer house, alongside photographs and belongings, to a light, shaky structure, although part of it comprises doors or parts of architectural structures. The piece is connected to a moment in the artist’s career in which memory was perceived as a fragile accumulation of images and forms. Photographs that are not exactly characterised by the sharpness or clarity of the things they represent also belong to that same era, as if everything were wrapped in a glassy membrane that would lead to total confusion. When it was assembled in Seville, Casa I had a slightly different layout than when it had been installed in Madrid many years earlier, as if everything in one’s memory was exposed to an inevitable expiry date, or at least to ever-changing contingencies and interpretations. Sin título (Proyector con olivo) is a piece that is diametrically opposite in nature, in which the projector of his grandfather’s cinema is joined to a large trunk of an olive tree also found in Villargordo. There is something animalistic or catlike in the structure of the olive tree that contrasts with the staticity of the projector, an almost ancestral object that provided images to the inhabitants of the village in the scorching summers of Jaén. Memory continues to the main subject in Jacobo Castellano’s work, but today it is perceived as a clear substratum that shapes narratives of a very diverse nature after having overcome the imprecision of that time. Between these two pieces that are distant from each other in time and form, Jacobo Castellano’s work has returned to motifs belonging to his personal memory, such as his allergy to lactose that conditioned his childhood, or memory of a collective nature, such as the dark rituals of the Holy Week in Andalusia. He frequently returns to Spanish artistic tradition because it is abundant in, for example, Goyaesque echoes, as in those dismembered bodies falling into emptiness that are known as “peleles”. The exhibition includes two magnificent examples that contain as many joyful Goyaesque amusements as that of the gloomy Final Judgment that has been represented so often throughout the centuries. riflepistolacañon delves into an eagerness to fix and retain the vernacular character of experience. At a time when research has become an essential method in artistic practices, Jacobo Castellano emphasises the perpetuation of one’s own experience and memory as iconographic. The inescapable presence of wood as a symbol of an ever-active self in recovering these motifs, as opposed to the myriad of contemporary works in which we hardly see a trace of the creator, places him at the forefront of the most important Spanish sculpture of our time.
ARTIUM - Basque Museum Center of Contemporary Art, Vitoria-Gasteiz °

ARTIUM de Alava - Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo | C/ Francia, 24
01002 Vitoria-Gasteiz

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