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posted 13. Dec 2018

Revolutionize. Reflections on revolutionary history unfolding in the present

21. Nov 201827. Jan 2019
Revolutionize. Reflections on revolutionary history unfolding in the present 21.11.2018 - 27.01.2019 Participating artists: Francis Alÿs, Lara Baladi, James Beckett, Maksym Bilousov, Marinus Boezem, Adelita Husni-Bey, Irina Botea, Nazar Bilyk, Latifa Echakhch, Harun Farocki, Jack Goldstein, Hamza Halloubi, Yuriy Hrytsyna, Iman Issa, Illya Isupov, Alevtina Kakhidze, Lesia Khomenko, Sasha Kurmaz, Dariia Kuzmych, Cristina Lucas, Basim Magdy, Lev Manovich, Olexa Mann, Olaf Nicolai, Maria Plotnikova, Letícia Ramos, Vlada Ralko, Fernando Sánchez Castillo, Wolfgang Tillmans, Mona Vatamanu & Florin Tudor, Vova Vorotniov, Pavel Wolberg. With the participation of the Planning for Protest, Mystetskyi Barbican, Strike Poster, Piotr Armianovski, Aftermath VR: Euromaidan Curators: Kateryna Filyuk (Ukraine), Nathanja van Dijk (the Netherlands) Exhibition architecture: studioBASAR Where democracy is under pressure and crisis reigns, alternative participatory models are developed, as evidenced by the recent worldwide gulf of revolts and protest movements. One of the brightest among them was the Ukrainian Revolution of Dignity. The group-exhibition Revolutionize marks the 5th anniversary of this mass protest that took to the street in 2013–2014. Departing from Kyiv’s Independence Square—the very heart of the Ukrainian protest movement—the exhibition Revolutionize can be seen as an exercise, an attempt at imagining the future narrative of the newly-established Museum of the Revolution of Dignity. This memorial museum doesn’t have a permanent venue yet, however it is responsible for a collection of numerous objects and artifacts of the recent revolution. This became the starting point for the commissioned project entitled Couplings by James Beckett, which runs like a thread through the exhibition. The artist paired the museum's artifacts with mundane objects, emphasising the unique nature of the revolutionary moment and its power to alter the function of ordinary things that could turn into a weapon or protection as well as symbolic agents of historic events. A museum is a place where a society tells stories to itself about what is significant in its history and culture. A society is alive and flexible when it interprets and upsets its own narratives. Hence, in anticipation of the future Museum of the Revolution of Dignity, the exhibition Revolutionize aims to commemorate past events, yet simultaneously critically reflects on how we—in a post-revolution era—deal with history when the dust has not yet settled. How do we find the words and images to capture a historical moment when it unfolds before our eyes? How can we access and understand a revolutionary event and create space for the many voices that should be heard when history is still in the making? What is the role of art in a crisis driven time? These questions are relevant for Ukraine, but also concern everyone who wants to question the status quo of our contemporary moment and who wants to rewrite the singular, hegemonic narratives with which we describe our present. Organizers: Mystetskyi Arsenal, Museum of the Revolution of Dignity, A Tale of a Tub The project is implemented with support of the Ukrainian Cultural Foundation.
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posted 12. Dec 2018

Kochi-Muziris Biennale 2018/19

12. Dec 201829. Mar 2019
Kochi-Muziris Biennale 2018/19 12.12.2018 - 29.03.2019 Various locations Kochi Kerala India It is with great excitement that the Kochi Biennale Foundation announces the first list of participating artists for the fourth edition of the Kochi-Muziris Biennale (KMB). KMB is the largest contemporary art biennale in South Asia, and the first of its kind in India. The main exhibition and an ancillary programme of talks, workshops, film screenings, and music will take place across a range of venues in the city of Kochi, Kerala. In its title, the Biennale is an invocation of the latent cosmopolitan spirit of the contemporary metropolis, Kochi, as well as its mythical past—the ancient port of Muziris, a centre of trade and cultural exchange that is still an active archaeological site. In spirit, the Biennale seeks to explore resonances of this past alongside the pluralities of the present in the current global context to posit alternatives to dominant political and cultural discourses. Kochi-Muziris Biennale is an invitation of dialogue for new aesthetics and politics—rooted in its socio-geographical setting, but receptive to winds blowing in from other worlds. The fourth edition of the Kochi-Muziris Biennale is curated by eminent artist Anita Dube. Her appointment as curator, unanimously decided upon by an Artistic Advisory Committee put together by the Kochi Biennale Foundation at the beginning of last year, stays with the Biennale’s tradition of being an exhibition helmed by an art practitioner. On curating an exhibition of this scale, Dube notes: “My earliest intuitive vision for this edition of the Kochi-Muziris Biennale to explore the possibilities for a non-alienated life has remained with me. The need to listen, think, and learn with each other, particularly voices from the margins—of women, of the queer community, the oppressed castes, the whispers and signs of nature—with a spirit of freedom and comradeship is vital. In both the exhibition and the carefully designed interactive spaces, I hope the incredible range of exhibiting artists and visitors will become active participants and co-producers of the Biennale as a knowledge laboratory.” As part of her research and curatorial process, Dube visited a total of 29 countries where she was hosted by a wide array of arts institutions and independent supporters of the Biennale. Her artist list, a selection of whom are announced here, reflects the dynamic range of practises and conversations she shared along the way. Kochi Biennale Foundation The Kochi-Muziris Biennale is organized by the Kochi Biennale Foundation (KBF), an artist-led non-profit institution founded by artists Riyas Komu and Bose Krishnamachari in 2010. In conjunction with creating the Kochi-Muziris Biennale, KBF fosters and manages a diverse range of critical spaces for cultural and educational engagement, with an aim to strengthen contemporary art infrastructure across India. An integral part of the Foundation’s mission is to change the discourse around arts education through intervention and platforming. The Biennale’s fourth edition will present a multifaceted programme that showcases, in particular, the results of KBF’s educational efforts among students of all ages. The Students’ Biennale, the largest of KBF’s educational initiatives in scale, brings together undergraduate and graduate students from across the SAARC countries under the guidance of prominent educators and curators—culminating in projects exhibited in parallel to the Kochi-Muziris Biennale. In this edition, Students’ Biennale is also initiating the Expanded Education Forum, which aims to make pedagogical and curricular interventions in arts educational institutes across the country. Art by Children (ABC) is India’s first children-only art event—a project aimed at initiating and enriching primary school students’ experience of making and thinking about art. Another ongoing project is the Pepper House Residency + Exhibition, which hosts cycles of international artists throughout the year, offering the chance to create a body of work whilst in Kochi, with an exhibition alongside the main Biennale. * Expanded artist list Aernout Mik (Netherlands), Akram Zaatari (Lebanon), Arunkumar HG (India), Anju Dodiya (India), Annu Palakunnathu Matthew (India/US), Anoli Perera (Sri Lanka), Araya Rasdjarmrearnsook (Thailand), BV Suresh (India), Bapi Das (India), Barthélémy Toguo (Cameroon/ France), Bracha Ettinger (Israel/France), Brook Andrew (Australia), Chandan Gomes (India), Chitra Ganesh (USA/India), Chittaprosad (India), Dennis Muraguri (Kenya), Domenec (Spain), EB Itso (Denmark), Goshka Macuga (Poland/UK), Guerrilla Girls (USA), Hassan Khan (Egypt), Heri Dono (Indonesia), Ines Doujak + John Barker (Austria + UK), Jitish Kallat (India), Julie Gough (Australia), Jun Nguyen-Hatsushiba (Japan/Vietnam), Juul Kraijer (Netherlands), KP Krishnakumar (India), Kausik Mukhopadhyay (India), Madhvi Parekh (India), Marlene Dumas (Netherlands), Martha Rosler (USA), Marzia Farhana (Bangladesh), Mrinalini Mukherjee (India), Mochu (India), Monica Mayer (Mexico), Nathan Coley (UK), Nilima Sheikh (India), Otolith Group (UK), PR Satheesh (India), Pangrok Sulap (Malaysia), Prabhakar Pachpute (India), Priya Ravish Mehra (India), Probir Gupta (India), Radenko Milak (Bosnia and Herzegovina), Rana Hamadeh (Netherlands/Lebanon), Rehana Zaman (Pakistan), Rina Banerjee (US/India), Rula Halawani (Palestine), Santu Mofokeng (South Africa), Shambhavi Singh (India), Shilpa Gupta (India), Shirin Neshat (Iran/USA), Shubigi Rao (Singapore), Song Dong (China), Sonia Khurana (India), Subhash Singh Vyam + Durgabai Vyam (India), Sue Williamson (South Africa), Sunil Gupta + Charan Singh (India/UK), Sunil Janah (India), Tabita Rezaire (France/French Guyana/South Africa), Tania Bruguera (Cuba), Tania Candani (Mexico), Tejal Shah (India), Temsuyanger Longkumer (India/UK), Thomas Hirschhorn (Switzerland/France), VALIE EXPORT (Austria), Veda Thozhur Kolleri (India), Vicky Roy (India), Vinu VV (India), Vipin Dhanurdharan (India), Vivian Caccuri (Brazil), Walid Raad (Lebanon/USA), William Kentridge (South Africa), Young-Hae Chang Heavy Industries (South Korea), Zanele Muholi (South Africa)


Anita Dube 
Kochi-Muziris Biennale

1/1903, Kunnumpuram, Fort Kochi PO
Kerala 682001 Kochi

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posted 11. Dec 2018


01. Nov 201824. Feb 2019
ULLA VON BRANDENBURG. SWEETS / QUILTS / SUN 01.11.2018 - 24.02.2019 Ulla von Brandenburg hat bis heute ein umfassendes, komplexes und charakteristisches Œuvre entwickelt, dem sich das Kunstmuseum Bonn und die Whitechapel Gallery London mit zwei unterschiedlichen Ausstellungen und einer gemeinsamen Publikation widmen. Die motivische Verdichtung im Werk Ulla von Brandenburgs, die aus der Formsprache von Folklore, Theater und Zirkus speist, korrespondiert mit einer außer­gewöhnlich hohen medialen Vielfalt. In ihren Filmen, Installationen und Zeichnungen verwendet von Brandenburg Methoden des Theaters, um sich mit gesellschaftlichen und historischen Fragen aus­einanderzusetzen. Facetten des Bühnenhaften und Theatralischen oder die Regelhaftigkeit des Spiels werden zu Metaphern des Zusammenlebens, in denen die Trennung zwischen Zuschauer*innen und Akteur*innen, Realität und Illusion stets hinterfragt und stellenweise durchbrochen wird. Ulla von Brandenburgs Referenzen an das Theater führen uns immer wieder auf die Grundfragen unserer Existenz und Gesellschaft zurück: Wer sind wir? Welche Rolle spielen wir? Welche Position wird uns durch unsere Rolle zugewiesen? Uns wird ein Blick hinter die Bühnen des Lebens gewährt, ohne dabei die Faszination für das eigene Spiel zu zerstören. Mit jedem Bild, das von Brandenburg als Illusion, als Schatten oder Spiegelbild entlarvt, entsteht ein ebenso vielschichtiges neues. Ulla von Brandenburg (*1974 in Karlsruhe) lebt und arbeitet in Paris. Von 1995 bis 1998 studierte sie Szenografie und Medienkunst an der Hochschule für Gestaltung in Karlsruhe und von 1998 bis 2004 Freie Kunst an der Hochschule für Bildende Künste in Hamburg. Seit 2016 hat Ulla von Brandenburg eine Professur im Fachbereich Malerei und Grafik an der Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe inne. Mit Einzelausstellungen im Institut Mathildenhöhe Darmstadt (2018), im Musée Jenisch Vevey (CH, 2018), der Kunsthal Aarhus (2017), dem K21 Ständehaus der Kunstsammlung NRW (2017) und der Beteiligung an zahlreichen Gruppenausstellungen, gehört Ulla von Brandenburg mittlerweile zu den international beachteten, diskursprägenden Positionen ihrer Generation.
Kunstmuseum Bonn °

Friedrich-Ebert-Allee 2
53113 Bonn

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posted 10. Dec 2018


20. Oct 201821. Dec 2018
GEROLD MILLER 20.10.2018 – 21.12.2018 Die galerie lange + pult fre­ut sich, die fünfte Einzelausstellung von Gerold Miller in den Zürcher Galerieräumen zu präsentieren. Einmal mehr setzt sich Gerold Miller mit Fragen der Bildlichkeit im Grenzbereich von Skulptur und skulptural-bildhaft definierter Architektur auseinander. Seine Objekte können als Bilder gelesen werden, genauso legitim ist es aber sie als Skulpturen aufzufassen. Die präzisen, kantigen Aluminiumobjekte wirken elegant und erinnern in ihrer Industrie-Ästhetik an Werke der Minimal Art. Die imposante „section“-Arbeit zu Beginn der Ausstellung sowie die neusten „sets“ oszillieren zwischen Abstraktion und Realität, Inhalt und Nicht-Inhalt, Bild und Objekt. Ihre frontale Ausrichtung entspricht den oberflächlichen Ästhetisierungstendenzen unserer visuellen Kultur. Zufällige Eindrücke spiegeln sich in ihren perfekt lackierten, monochromen Oberflächen wider und bewirken, dass eine Verbindung zwischen Werk und umgebender Architektur hergestellt wird: Die Leere des Monochromen wird zum Protagonisten, der alles und nichts repräsentiert, während das Zusammenspiel von mattem und glänzendem Lack sowie der kontrastierenden Farben einen virtuellen Raum hinter der Bildebene entstehen lässt. Zudem bringen die drei „Verstärker“ – Millers erste Serie von freistehenden, nicht wandbezogenen Skulpturen – als offene Struktur die minimalen Grundbegriffe der Dreidimensionalität mit sich: Höhe, Länge und Tiefe. Die „Verstärker“ stellen damit buchstäblich ein grundlegend wiederkehrendes Thema Millers künstlerischer Forschung dar: Die unzähligen Möglichkeiten, den unendlichen Raum beschreiben zu können. Schliesslich ergibt sich eine ausgeklügelte Kollision von Konzepten: der reale 3D-Raum der drei „Verstärker“ sowie der virtuelle Raum der „sets“ und „section“ Arbeiten, die durch ihre gegenseitige Reflexionen den Ausstellungsraum zu einem Gesamtkunstwerk komponieren lassen. Dieses offene Zusammenspiel der verschiedenen Parameter wie Raum, Leere, Form und Farbe sowie der Aspekt einer aktiven Beteiligung des Betrachters widerspricht der traditionellen Theorie des Bildes als statisches und hermetisch abgeschlossenes Objekt. Gerold Miller (*1961) ist seit Ende der 80er Jahre weltweit in Einzel- und Gruppenausstellungen sowie in internationalen Kunstinstitutionen und öffentlichen Sammlungen vertreten wie; Borusan Contemporary, Istanbul; Bundesministerium für Kunst, Wien; CCNOA, Brüssel; Daimler Contemporary, Stuttgart / Berlin; Esbjerg Museum, Dänemark; Graphische Sammlung ETH, Zürich; Kunstsammlung Weishaupt, Ulm; Louisiana Museum of Modern Art, Dänemark; Mallorca Art Foundation, Spanien; Musée d'Art et d'histoire, Neuchâtel; Museum Ritter, Stuttgart; Société Générale, Paris; Staatsgalerie, Stuttgart; Sammlung Schauwerk, Sindelfingen; oder Museum am Ostwall, Dortmund. Gerold Miller wurde in Altshausen, Deutschland, geboren und lebt und arbeitet in Berlin.


Gerold Miller 
Lange + Pult, Zürich

Limmatstrasse 291
CH-8005 Zurich

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posted 09. Dec 2018

Jörg Immendorff: Für alle Lieben in der Welt

14. Sep 201827. Jan 2019
Jörg Immendorff: Für alle Lieben in der Welt 14.09.2018 — 27.01.2019 Jörg Immendorff (1945-2007) pflegte sein Image als Künstler und harter Kerl, doch er hatte auch weiche und nachdenkliche Seiten, die man neben seinem politischen Sendungsbewusstsein in der Retrospektive „Für alle Lieben in der Welt“ entdecken kann. Mitte der 1960er-Jahre als Beuys-Schüler an der Düsseldorfer Akademie erprobt sich Immendorff zunächst als Agitationskünstler. Die Aktionen der Lidl-Akademie, die er mit seiner ersten Ehefrau Chris Reinicke entwickelt, stehen für Liebe und Frieden und den Wunsch die Welt zu verändern, sich gegen die uninspirierte und wenig geistreiche Politik in Deutschland aufzulehnen. „Lidl“ ist dabei ein Kunstwort in der Tradition von Dada. Intuition und Schöpfergeist sollen durch die Aktionen befreit werden. Später steht Immendorff der KPD nahe. Einige Jahre arbeitet er als Hauptschullehrer und entwickelt eine Bildsprache, in der Wort und Bild gleichberechtig nebeneinander stehen. Unter dem Titel „Rechenschaftsbericht“ entsteht ein Zyklus von Gemälden mit klarer politisch-pädagogischer Botschaft. Erst Ende der 1970er-Jahre fasst Immendorff den Entschluss sich vollkommen der Kunst zu verschreiben. 1976 beteiligt er sich an der Biennale in Venedig und 1977 folgt schließlich der Einstieg in den Café Deutschland-Zyklus, angeregt durch Renato Guttusos Café Greco, das Immendorff in einer Ausstellung in Köln gesehen hatte. In den Café Deutschland-Bildern arbeitet sich Immendorff an der Politik seiner Zeit ab – es ist die Zeit der RAF und innenpolitischer Konflikte auf beiden Seiten der Mauer –, eine Wiedervereinigung scheint vollkommen außerhalb jeglicher Realität. In düsteren, theaterhaften Barszenen, die von Prominenten und Künstlern bevölkert sind, stellt Immendorff sich selbst meist als Grenzgänger zwischen Ost und West dar. Neben der klaren politischen Motivation zeigen die Bilder jedoch auch Immendorffs Gedankenwelt, in der Ideen über Zeit und Raum miteinander im Dialog stehen. 1998 erfährt Immendorff, dass er an ALS erkrankt ist. Seine Welt wird dunkler und sein Werk richtet sich zunehmend nach innen. Er arbeitet bis zu seinem Tod – am Ende nur noch mit Unterstützung von Assistenten, die seine Anweisungen im Atelier ausführen. Die Retrospektive umfasst ca. 200 Werke aller Schaffensphasen. Sie folgt keiner strengen Chronologie, vielmehr stellt sie entscheidende Schwerpunkte der Werkentwicklung in Kapiteln dar. Kurator: Ulrich Wilmes Assistenzkurator: Damian Lentini
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posted 08. Dec 2018

Martha Jungwirth

20. Oct 201803. Feb 2019
Mit der Einzelausstellung von Martha Jungwirth (*1940, Wien) präsentiert das Kunstmuseum Ravensburg die bislang umfassendste Ausstellung der österreichischen Malerin in Deutschland, deren Bildwelten zwischen gestischer Abstraktion und Gegenständlichkeit oszillieren. Mit einem nuancenreichen Kolorit formen Jungwirths Werke ein eigenes, bedeutungsoffenes »Äquivalent zur starren verbindlichen Realität« (Jungwirth, 1988). Die Werkschau spannt einen Bogen von Schlüsselwerken aus den 1970er Jahren bis heute und setzt einen Schwerpunkt bei Jungwirths Aquarellen. Jungwirth wurde 2018 mit dem renommierten Oskar-Kokoschka-Preis für ihr Lebenswerk ausgezeichnet, das die Albertina Wien in einer Retrospektive vorstellte. In Deutschland fand die letzte Einzelausstellung vor 20 Jahren statt. Martha Jungwirths Malereien sind sensuelle Notationen von Gesehenem, Erfahrenem und Erinnertem. In ihren Arbeiten gelingt es ihr, innere Bilder in eigenständige Farb- und Formkompositionen zu überführen, ohne die Referenz zum gegenständlichen Motiv, als Urzelle der Arbeit zu verleugnen. Impulsgeber ihrer Aquarelle und Ölmalereien sind sowohl Eindrücke von Reisen nach Griechenland, Mexiko oder Kambodscha, wie auch Abbildungen politischer Ereignisse, kunsthistorischer Gemälde oder die griechische Mythologie. Im Arbeitsprozess dient Jungwirth der Körper in zweifacher Hinsicht als Filter äußerer Eindrücke: »Wenn die äußere Bewegung, die Körperbewegung und die innere Bewegung zusammentreffen und wenn dieses Zusammentreffen glückt, dann geht die Malerei los« (Jungwirth, 1994). Der energisch körpergebundene Malprozess bleibt bei Jungwirth unter Einschluss des Zufalls sichtbar. Flecken, Tropfen und Farbrinnsale schaffen eine Atmosphäre des Fluiden, Offenen und Transparenten und lassen sinnliche Turbulenzen entstehen. Um in den Arbeiten dieser Künstlerin anzukommen, muss man das Risiko eingehen, sich in ihnen zu verlieren.
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posted 07. Dec 2018

Philipp Timischl

16. Nov 201820. Jan 2019
opening: 15. Nov 2018 19:00
Philipp Timischl Artworks for all Age Groups November 16, 2018 – January 20, 2019 Philipp Timischl’s expansive multimedia tableaus combine personal notes from the humdrum of daily life with found materials to build narrative structures. Balancing between documentation and fiction, between the private and public spheres, they play with intimacy and self-reference. Major themes in Timischl’s art include the lasting influence of our roots, exclusion, and queerness in relation to social classes as well as the power dynamics between art and its audience. One recurring media element that has already emerged as a signature feature of the young artist’s growing oeuvre are hybrid towers combining a flat-screen monitor with a canvas mounted directly above it. With their conjunction of two image fields, these sculptures echo traditional forms in the history of art such as the diptych or collage. Timischl’s installations usually play out on several such towers. The seamless fusion of painting and technology extends to the motifs as well. The interplay between static and time-based digital images weaves dense textures, although the disparate visual material does not congeal into a single unified narrative, which is merely hinted at in the manner of vignettes. A similar play with ambivalence is evident in the titles of Timischl’s exhibitions: consider Philipp, I have the feeling I’m incredibly good looking, but have nothing to say (21er Haus, Vienna, 2013), They were treating me like an object. As if I were some sextoy or shit. I don’t wanna see them again (Künstlerhaus, Halle für Kunst & Medien, Graz, 2014–15), or Hostile Habits Domestic Monuments, Class Drag (Galerie Layr, Vienna, 2017). Like many of the titles he chooses for his works, they quote a variety of sources including TV shows, books, movies, as well as conversations he happens to overhear in the street. Philipp Timischl, born in 1989 in Graz (Austria), lives and works in Vienna. The exhibition program is conceived by the board of the Secession. Curator: Annette Südbeck
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posted 06. Dec 2018

Claus Goedicke. Plastik und Kartoffeln

23. Nov 201820. Jan 2019
opening: 23. Nov 2018 16:00
Claus Goedicke. Plastik und Kartoffeln 23.11.2018 – 20.01.2019 Eröffnung der Ausstellung am Freitag, den 23. November 2018, um 19.30 Uhr Begrüßung Gertrude Wagenfeld-Pleister, Vorsitzende des Kunstvereins Einführung Felix Hoffmann, Berlin Ein roter Lippenstift, ein Telefonhörer, ein Apfel und eine Halskette - Dinge, die uns im täglichen Leben umgeben, einzeln auf einem schlichten Untergrund drapiert und im dokumentarischen Stil fotografiert, arrangiert Claus Goedicke in der Ausstellung zu Bildgruppen, die nicht nur eine große visuelle Wirkung entfalten, sondern Geschichten erzählen. Der in Berlin lebende Künstler untersucht das bildnerische Potenzial von Alltagsgegenständen. Nahsichtig und in großer Reduktion mit sorgfältigem Einsatz von Farbe und Licht hält er Dinge fest, die sich durch den häufigen Gebrauch unserer bewussten Betrachtung entziehen. Jeder einzelne Gegenstand ist ein Artefakt, Zeugnis des menschlichen Lebens, der das Potenzial einer Erzählung in sich birgt. In einer anderen umfassenden Werkgruppe beschäftigt sich Claus Goedicke mit Plastikgefäßen, die er in extrem farbigen Bildern inszeniert. Die Ästhetik der Bilder orientiert sich sowohl an der Produktfotografie als auch am klassischen Stillleben. Die Aufnahmen zeugen von einer intensiven Auseinandersetzung mit Oberfläche, Farbe, Licht und Raum und reflektieren in höchster Konzentration die Gestaltungsmittel und Möglichkeiten der Fotografie. Kunststoff ist ein Zeugnis unserer Zeit, dass sich als allgegenwärtiges Material seit Mitte des 20. Jahrhunderts durchgesetzt hat. Wie bei den Dingen rückt Claus Goedicke (geb. 1966 in Köln) damit ein Zeitphänomen der menschlichen Existenz in den Focus. Neben den Fotografien der Dinge und Plastikgefäße die er seit 25 Jahren verfolgt, zeigt er andere Serien wie „Köhles Schuppen“ und „Kurz nach’m Tod”. Gefördert durch: EWE STIFTUNG, VR Stiftung und Raiffeisenbank Oldenburg, Niedersächsisches Ministerium für Wissenschaft und Kultur, Stadt Oldenburg * Programm im November und Dezember: Sonntag , 25. November 2018, 16 Uhr Führung durch die Ausstellung mit Vanessa Reis Dienstag, 27. November 2018, 17 Uhr Besichtigung für Lehrkräfte und Erzieher (kostenfrei) Sonntag, 09. Dezember, 18 – 19:30 Uhr Mindful art – Kunst und Meditation Sonntag, 16. Dezember 2018, 16 Uhr Führung durch die Ausstellung mit Mareike Urfels
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posted 05. Dec 2018

Arturo Herrera. HOP

23. Aug 201810. Mar 2019
KUNST-STATION im Hauptbahnhof Wolfsburg Arturo Herrera. HOP 23.08.2018 - 10.03.2019 Einladung zur Eröffnung einer neuen Ausstellung in der KUNST-STATION im Hauptbahnhof Wolfsburg am 23. August 2018 um 18 Uhr: Arturo Herrera „HOP“ Rauminstallation Im Anschluss an die Eröffnung laden die Veranstalter zum Sommerfest an den Mittellandkanal ein. Der 1959 in Caracas/Venezuela geborene Arturo Herrera kam 2003 mit einem DAAD-Stipendium nach Berlin/Deutschland, wo er seitdem lebt und arbeitet. Davor studierte er in Chicago und lebte in New York/USA. Seine häufig collageartigen Arbeiten setzt der Künstler aus Fundstücken vom Flohmarkt, Motiven aus Comics, Kunstbänden, Fotoalben oder Kinderbüchern zusammen. Dabei verbindet er persönliche Erinnerungsstücke mit dem kollektiven Bildgedächtnis und es entsteht ein spannender Dialog verschiedener Kulturen, die den Künstler im Verlauf seiner biografischen Stationen prägten. So können sich in seinen Arbeiten ganz unterschiedliche Themen verbinden, die er in Comics aus der Disney-Welt oder in deutschen Märchenbüchern mit Schlossmotiven findet bis hin zu Fragmenten von antiken Skulpturen aus Kunstbüchern. Die Erscheinung und Ausformulierung der Motive kann vertraut und dennoch befremdlich wirken. Auf jeden Fall stellen sie eine Herausforderung an die weltweit verbreiteten kollektiven Bildgedächtnisse und tradierten Sehgewohnheiten einschließlich ihrer eingebrannten Interpretation dar. Für die KUNST-STATION hat Herrera eine raumgreifende Wandarbeit entwickelt. Andy Warhols Siebdrucke wie auch die übergroßen Comicmotive von Roy Lichtenstein zählen wohl zu den bekanntesten Beispielen künstlerischer Auseinandersetzung mit dem POP. Wenn sich Arturo Herrera heute der Bildsprache unserer Alltags- und Populärkultur bedient, steht für ihn nicht die Wiedererkennbarkeit des Zeichens im Vordergrund, sondern das Malerische als eine abstrakte Ausdrucksform menschlicher Emotionalität und individueller Subjektivität. Mit seiner temporären Rauminstallation HOP, die sich von der KUNST-STATION über einen Teil der Fensterfront im Hauptbahnhof Wolfsburg erstreckt, schafft der Künstler nicht nur einen Gegenpol zu der streng-funktionell gegliederten Architektur des Gebäudes. Zugleich verbindet er mit seinen dynamisch-abstrakten, ineinander verwobenen Linien die offene Fensterfläche mit dem geschlossenen Raum und schafft so ein energiegeladenes Gesamtwerk, das diese große Eingangshalle als einzigartigen Ort dauernder Bewegung und bleibender Statik kennzeichnet. Reisenden, Besuchern und Gästen eröffnet dieses Kunstwerk somit eine ganz neue Perspektive auf diesen Ort und ermöglicht eine besondere Wahrnehmung in diesem Raum. Eine Ausstellung in Zusammenarbeit mit der Deutschen Bahn und der Neuland Wohnungsgesellschaft.
Städtische Galerie Wolfsburg

38448 Wolfsburg

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posted 04. Dec 2018

Jaume Plensa. Invisibles

15. Nov 201824. Feb 2019
Jaume Plensa. Invisibles 15.11.2018 - 24.02.2019 Palacio de Cristal Throughout his career as a sculptor, Jaume Plensa (Barcelona, 1955) has drawn on spirituality, the body and collective memory as the primary sources which tie together his visual artwork. Literature, psychology, biology, language and history become strategic tools in the creation of his work, and, through a broad spectrum of materials — steel, cast iron, resin, glass, water, sound — Plensa lends weight and physical volume to the components of the human condition and the ephemeral. In this instance, the invisible forms the essence of his intervention in the Palacio de Cristal: a group of steel mesh sculptures which take the space to draw the incomplete faces of figures hanging in the air, intersected by light and suspended in time. As a multidisciplinary artist, Jaume Plensa has experimented equally with etchings, drawing, sound, video and even stage design. He is also one of Spain’s foremost artists internationally, and has lived and worked in Germany, Britain, France and the USA. Following his first solo exhibition in 1980 at the Fundació Joan Miró in Barcelona, his work has been displayed in museums worldwide, including the Galerie nationale du Jeu de Paume in Paris, France; the Lehmbruck Museum in Duisburg, Germany; the Nasher Sculpture Center in Dallas, USA, the Espoo Museum of Modern Art in Helsinki, Finland; the Toledo Museum of Art in Toledo, USA; the Musée d’art moderne et contemporain in Saint-Étienne, France; and the Madison Museum of Contemporary Art, USA. A major part of his work is the site-specific sculptures and installations for public spaces – perhaps the best-known of which was Crown Fountain in Chicago in 2014. His works can also be seen in Britain, Japan, Germany, Sweden, Canada, the USA, Australia, Korea and China. Moreover, he has received numerous national and international awards: the Medaille des Chevaliers des Arts et Lettres from France’s Ministry of Culture in 1993; the Premi Nacional de Cultura d’Arts Plàstiques from the Autonomous Government of Catalonia in 1997; Spain’s National Visual Arts Award in 2012; and the prestigious Velázquez Award for the Arts in 2013, both presented by Spain’s Ministry of Education, Culture and Sports. In 2005 he was invested Doctor Honoris Causa by the School of the Art Institute of Chicago and received the Global Fine Art Award in Miami in 2015 for Together, his contribution to the Venice Biennale in the same year. This project is in conjunction with a retrospective at the Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) and features works stretching from the 1980s to the present day in a survey which reflects the dialogue, repeated across Plensa’s career, between the representation of the human figure and abstraction.


Jaume Plensa 
Museo Reina Sofia, Madrid °

28012 Madrid

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posted 03. Dec 2018


06. Nov 201823. Dec 2018
SAMSON YOUNG | THE HIGHWAY IS LIKE A LION’S MOUTH 06.11.2018 - 23.12.2018 Samson Young’s 2018 solo exhibition at Edouard Malingue Gallery (Shanghai) entitled ‘The highway is like a lion’s mouth’ follows from the English translation of a slogan that is familiar to Hong Kongers. Originating in a 1990s government-sponsored jingle, it educated children about the dangers of jaywalking. Multi-disciplinary artist Samson Young was trained as a composer and graduated with a Ph.D. in Music Composition from Princeton University in 2013. His academic background in music has led him to incorporate elements of experimental music, sound studies and site-specific performance into his distinctive contemporary art practice. Young has had solo exhibitions at the Kunsthalle Düsseldorf, Centre for Contemporary Chinese Art in Manchester, M+ Pavilion in Hong Kong, and Hiroshima City Museum of Contemporary Art, among others. In 2017, he represented Hong Kong in a solo project at the Hong Kong Pavilion of the 57th Venice Biennale. Samson Young continues to be an active composer and years of practice in composition have earned him insights into the symbolism of musical structure. In his work, the auditory represents a reality that is hidden from plain sight. He excavates the ideological significance of sound and music and examines music’s role as an instrument of power. His oeuvre employs sound as a thinking tool, cutting through the veil of the everyday and of common sense, to uncover its political propositions. In ‘Noise: A Political Economy of Music’ (1977), Jacques Attali pointed out that music is a mirror of society: “Music is a herald, for change is inscribed in noise faster than it transforms society.” Ever since the notion of car culture and car living was promoted to great fanfare at the 1933 World’s Expo in Chicago, a new mode of living emerged alongside new social systems and behavioural norms. In this exhibition the artist revisits the dawn of the automobile age, exploring motor vehicle’s dual nature as a symbol of optimism and a source of anxiety as road safety increasingly became a public concern. At the core of this exhibition is an animated music video titled ‘The highway is like a lion’s mouth’. The animation is the artist’s take on a road safety educational jingle, a genre of music that has evolved independently in many parts of the world, which serves as a prime example of how governments use mass media and advertising campaigns to regulate existing social norms or instigate new ones. ‘The highway is like a lion’s mouth’ is the first part of a trilogy of animated music videos, the entirety of which will be presented in a solo exhibition in 2019 at the SMART Museum in Chicago. Also included in this exhibition are ‘My car makes noises’ and ‘Solid’ – two series of new sound drawings by the artist. ‘My car makes noises’ are visual representations of the sounds of malfunctioning automobiles. For those with driving experience, such sounds contain a great deal of information with minute differences allowing one to detect the state of the vehicle so that preemptive measures may be taken to avoid terrible accidents. Solid are graphical transcriptions of the sound of Porsche and Mercedes-Benz doors slamming shut. In the common lexicon of car ‘talk’, European cars have a reputation for being strong and solid. The truth of the matter is that luxury carmakers invest considerable resources into engineering a bass-heavy, full-bodied, door-shutting sound. Through the act of transcription in ‘Solid’, it is as though the artist is wondering whether these luxury cars can convey through sound a sense of reliability and safety. The exhibition rounds off with a theme park bumper car in the shape of a gigantic 3D-printed shoe. As the “shoe” makes its way, in snail-like speed, across the gallery floor, its movement is accompanied by the theme song from the classic BBC radio programme ‘Music While You Work’. The post-war program piped popular light music into offices and factories across the nation with the aim of relieving the tedium of labour and raising workers’ productivity. The “shoe” also references the “boot” piece in Monopoly. In the classic board game the boot was a long-standing symbol of the working class before it was removed from the game in 2017 along with the thimble and wheelbarrow, Samson Young’s accomplishments as a composer have made his work stand out in the world of contemporary art through his acute powers of aural perception – his distinctive tool to understand reality. Today, “car living” has become a reality and highways and thoroughfares for automobiles have become a completely ordinary element of living. By rethinking what is now an accepted condition of living, and by magnifying the sound and music that such conditions generate, the artist ultimately seeks to examine how we as a society adapt and conform in the face of rapid progress. Multi-disciplinary artist Samson Young was trained as a composer, and graduated with a Ph.D. in Music Composition from Princeton University in 2013. Young has had solo exhibitions at the Kunsthalle Düsseldorf, Centre for Contemporary Chinese Art in Manchester, M+ Pavilion in Hong Kong, and Hiroshima City Museum of Contemporary Art, among others. In 2017, he represented Hong Kong in a solo project at the Hong Kong Pavilion of the 57th Venice Biennale. Group exhibitions include Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Biennale of Sydney; National Museum of Art, Osaka; National Museum of Modern and Contemporary Art, Seoul; and documenta 14: documenta radio; amongst others. Furthermore, he has participated in multiple festivals, as well as been the recipient of several prizes, including the 2015 BMW Art Journey Award and 2018 Hong Kong Art Centre Honorary Fellowship. Further awards include Artist of the Year (Hong Kong Arts Development Council), Prix Ars Electronica, Bloomberg Emerging Artist Award. THE HIGHWAY IS LIKE A LION'S MOUTH Venue: Edouard Malingue Gallery, Shanghai


Samson Young 
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posted 02. Dec 2018

Strange Days: Memories of the Future

02. Oct 201809. Dec 2018
Strange Days: Memories of the Future 02.10.2018 - 09.12.2018 The Store X 180 The Strand London WC2R 1E UK www.strangedays-memoriesofthefuture.com The Store X and New York’s New Museum, in partnership with The Vinyl Factory, are proud to present Strange Days: Memories of the Future, on view at The Store X, 180 The Strand in London, from October 2 to December 9, 2018. Through the work of 21 acclaimed artists and filmmakers, the exhibition considers how images shape memories while anticipating visions of what the future may hold. Curated by Massimiliano Gioni, Edlis Neeson Artistic Director of the New Museum, in collaboration with The Store X The Vinyl Factory, Strange Days brings together an extraordinary group of artists whose works in video and film weave reportage and lyricism to blend images and sound into polyphonic, dreamlike compositions. Exhibition highlights include John Akomfrah’s Vertigo Sea (2015), an epic three-screen meditation on the sea as an environmental, cultural, and historical force; Camille Henrot’s Grosse Fatigue (2013), in which a rapid succession and layering of images tells the story of creation; Kahlil Joseph’s Fly Paper (2017), a deeply personal portrait of black cultural life in Harlem, which premiered at the New Museum before making its European debut at The Store X Berlin earlier this year; and Pipilotti Rist’s video and sound installation 4th Floor To Mildness (2016), a work that featured prominently in the artist’s celebrated New Museum exhibition. Participating artists include: John Akomfrah, Jonathas de Andrade, Ed Atkins, Cheng Ran, Camille Henrot, Kahlil Joseph, Hassan Khan, Ragnar Kjartansson, Oliver Laric, Klara Lidén, Maha Maamoun, Daria Martin, Laure Prouvost, Lili Reynaud-Dewar, Pipilotti Rist, Anri Sala, Mounira Al Solh, Cally Spooner, Ryan Trecartin, Wu Tsang, and Wong Ping. Strange Days is the third major show commissioned by The Store X The Vinyl Factory, following critically acclaimed exhibitions The Infinite Mix (2016) and Everything at Once (2017), presented with the Hayward Gallery and Lisson Gallery, respectively. More than 120,000 visitors attended last year, making the annual autumn show an anticipated highlight of London’s Frieze week. Admission to the exhibition is free. About New Museum The New Museum is the only museum in New York City exclusively devoted to contemporary art. Founded in 1977, the New Museum is a center for exhibitions, information, and documentation about living artists from around the world. From its beginnings as a one-room office on Hudson Street to the inauguration of its first freestanding building on the Bowery designed by SANAA in 2007, the New Museum continues to be a place of experimentation and a hub of new art and new ideas. About The Store X The Vinyl Factory An ongoing collaboration between The Store X and its curatorial partner The Vinyl Factory, supporting the creation of original, site-specific audio-visual installations by some of today’s most innovative artists, designers, and musicians. These commissions premiere at The Store X, 180 The Strand in London, and The Store X Berlin as well as in partnership with leading institutions and festivals around the world. Commissions to date include Kahlil Joseph’s Fly Paper, Ryoji Ikeda’s mind-bending audio-visual installation test pattern [no.12], Virgil Abloh and Ben Kelly’s RUIN, and Jeremy Deller and Cecilia Bengolea’s film collaboration Bom Bom’s Dream. 180 The Strand 180 The Strand is an iconic Brutalist building currently undergoing a transformation into a creative hub for people and progress. It aims to foster and connect creatives, entrepreneurs, dynamic thinkers and cultural explorers by integrating the creation, display, learning and social functions of culture throughout its spaces. Launched in spring 2016, 180 The Strand is now home to The Store X and a mix of creative companies including Dazed Media Group, IMG, The Vinyl Factory, Charcoal Blue, The Spaces and Fact magazine.
Store X & The Vinyl Factory, London

16-18 Marshall Street
WC2R 1E London

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posted 01. Dec 2018

EXTENDED MIND - Light Art Weekend

30. Nov 201802. Dec 2018
ARTE LUCE zeigt EXTENDED MIND - Light Art Weekend 30.11.2018 - 02.12.2018 Die erste Edition des Light Art Weekends präsentiert ARTE LUCE internationale Lichtkunst im historischen Keller der Alten Münze in Berlin. Zwölf Künstler zeigen zum Thema Extended Mind ortsbezogene und immersive Installationen. Das Light Art Weekend ist ein jährliches Projekt organisiert von der Lichtkunstplatform ARTE LUCE, welches wissenschaftliche Thesen und Konzepte mit internationaler Lichtkunst in ungewöhnlichen Räumlichkeiten zusammenbringt. Die erste Edition 2018 trägt den Titel <Extended Mind>, welche von der gleichnamigen These der Philosophen Andy Clark und David Chalmers von 1998 inspiriert wurde. Der einflussreichen These über erweiterte Kognition und Externalismus nach, steht der Geist im Zusammenhang mit dem Körper und der Umwelt. Sie bilden ein kognitives System, während der Geist sich auf die Welt entfaltet. Die Extended Mind These wurde für das Light Art Weekend 2018 künstlerisch interpretiert. Dabei liegt der Fokus auf interaktive und transzendente Installationen, die sich hauptsächlich Licht aber auch anderen Reizen wie Haptik und Ton bedienen. künstler Thorbjørn Lausten, Regine Schumann, Yvonne Goulbier, Protey Temen, Shuster & Moseley, Carlo Bernardini, Dori Deng, Jakob Oredsson, Clifton Mahangoe, mayer+empl Kuratiert von Alice Hinrichs (ARTE LUCE) www.arte-luce.com


Alice Hinrichs 
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posted 30. Nov 2018

4th International Biennial of Casablanca 2018

27. Oct 201804. Dec 2018
4th International Biennial of Casablanca 2018 "Tales from Water Margins" curated by Christine Eyene The 4th International Biennial of Casablanca curated by Christine Eyene will be entitled Tales from Water Margins. The theme is inspired by Ifitry, the biennial’s artists residency located near Essaouira, facing the Atlantic Ocean. The biennial will propose to reflect on Morocco’s geographic position at the crossroad of the Maghrib, sub-Saharan Africa and Europe, and how this translates in the arts. It will also examine the country’s historical relationship with the notions of travel and transit, from 14th century traveller Ibn Battuta (1304-c.1368 / 77), one the world’s first geographers, to the current position of Morocco as one of the gateways to, and gatekeepers of, fortress Europe. The curatorial project will also build on Eyene’s prior research and interest in the history and contemporary experiences of insular territories like Reunion Island, ‘pre-Brexit’ Britain and Japan. The title of the biennial stems from encounters with cultures from the Edo era (between 1603 and 1868) in Japan. Among the literature and prints that emerged from this period was Suikōden or Water Margins, an adaptation and illustrations of a 14th century Chinese novel attributed to Shi Nai'an (c.1296-1372) and Luo Guanzhong (c. 1330–1400) chronicling the prowess of outlaws operating from a marsh-edged mountain, fighting against tyranny, and adopting a strategic relation to topography similar to the one later found in Maroon resistance. Without literally referencing the adapted novel, the biennial borrows one of its translated titles as a metaphor for the current state of spaces that exist at the margin of what is considered cultural mainstreams. In this respect, it will also propose to examine interconnections between islands and the power relations at play in their interactions with mainland territories. Tales from Water Margins will take the form a multidisciplinary ‘laboratory’ encompassing space for reflection, creative processes, as well as exhibitions of existing and newly created pieces. With this 4th edition, the International Biennial of Casablanca will ambition to position itself as an artistic platform both inscribed within its local context and open to the world at large. Artists wishing to take part in the 4th International Biennial of Casablanca are invited to fill an application form and provide all the required documents. artists: Ibrahim Ahmed (Koweït / Égypte), Yoriyas Yassine Alaoui (Maroc), Héla Ammar (Tunisie), Gilles Aubry (Suisse / Allemagne), Bianca Baldi (Afrique du Sud / Belgique), Raphaël Barontini (France), Shiraz Bayjoo (Île Maurice / Royaume-Uni), Cristiano Berti (Italie), Sutapa Biswas (Royaume-Uni), Rémy Bosquère (France), Abdessamad El Montassir (Maroc / France), Raphaël Faon et Andres Salgado (France / Colombie), Thierry Geoffroy (France / Danemark), M'hammed Kilito (Maroc), Mehdi-Georges Lahlou (France / Maroc), Mohammed Laouli & Katrin Stroebel (Maroc / Allemagne), Mehryl Levisse (France), Fatima Mazmouz (Maroc / France), Emo de Medeiros (Bénin / France), MELD & Alexander Schellow (États-Unis / Allemagne), Gideon Mendel (Afrique du Sud / Royaume-Uni), Amine Oulmakki (Maroc), Anna Raimondo (Italie / Belgique), Saïd Raïs (Maroc), Ben Saint-Maxent (France), Magda Stawarska-Beavan & Joshua Horsley (Pologne / Royaume-Uni), Oussama Tabti (Algérie / France), Filip Van Dingenen (Belgique), ainsi que Mo Baala (Maroc) et Haythem Zakaria (Tunisie /France) présentés en collaboration avec Limiditi – Temporary Art Projects.


Christine Eyene 
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posted 29. Nov 2018

Flavin, Judd, McCracken, Sandback

15. Nov 201821. Dec 2018
Location 5-6/F, H Queen's, 80 Queen's Road Central Hong Kong Flavin, Judd, McCracken, Sandback 15.11.2018 - 21.12.2018 David Zwirner Hong Kong is pleased to present an exhibition of work by Dan Flavin (1933–1996), Donald Judd (1928–1994), John McCracken (1934–2011), and Fred Sandback (1943–2003), four American artists associated with Minimalism, one of the most significant artistic developments of the late twentieth century. Each artist will be represented by a focused presentation of his work in a single room, allowing visitors to experience both the commonalities and distinctions in the individual approaches to reductive form, material, color, and space. Since its inception, David Zwirner has featured critically acclaimed exhibitions devoted to the work of artists associated with Minimal art and is recognized as one of the foremost international galleries to present this work to the public. Highlighting historically significant installations, this exhibition will be the first major presentation of Minimal art to be on view in Hong Kong. The term Minimalism came to denote a new abstract style of work that emerged in New York and Los Angeles in the 1960s and which radically reconfigured the possibilities of sculpture. This work tended to consist of singular or repeated geometric forms and was often made using industrial or commercially available materials. By alluding to nothing other than its own literal, physical presence as form in space, Minimal art stood in stark contrast to the emotive, gestural Abstract Expressionist painting and sculpture of the 1940s and 1950s that preceded it. With the intention of creating straightforward work that could assume a direct material and physical "presence" without recourse to grand philosophical statements, Donald Judd eschewed the classical ideals of representational sculpture to create a rigorous visual vocabulary that sought clear and definite objects as its primary mode of articulation. Judd’s oeuvre has come to define what has been referred to as Minimal art—a label to which the artist strongly objected on the grounds of its generality. Throughout his career, he endeavored to produce objects that were entirely self-referential, writing in 1968, "A shape, a volume, a color, a surface is something itself. It shouldn’t be concealed as part of a fairly different whole."1 Judd began his career as an art critic, continuing to write about the work of his peers throughout his career. His influential writings, including his now canonical essay "Specific Objects," published in 1965, grappled with questions of the moment, helping to define the art of his era. On view in this exhibition will be a selection of Judd’s most significant and influential forms, including a "stack" in Cor-ten steel—six horizontally oriented units set equally apart, each of which juxtaposes the Cor-ten support with backing made from black acrylic sheets. Also presented will be a "progression," which consists of a series of stainless steel rectangular forms that are connected by a square, anodized aluminum pipe that is flush with the front and top edges of the work and mounted horizontally on a wall. Beginning in 1964, progressions based on various mathematical sequences became a central motif in Judd’s work, and he continued to make them throughout his career. From 1963, when he conceived the diagonal of May 25, 1963 (to Constantin Brancusi), a single gold fluorescent lamp that is installed on a diagonal on the wall—a work which marks the artist’s first use of fluorescent light alone—until his death in 1996, Dan Flavin produced a singularly consistent and prodigious body of work that utilized commercially available fluorescent lamps to create installations, or "situations," as he preferred to call them, of light and color. On view will be a large-scale untitled "barrier" by the artist from 1974, shown here for the first time since its original presentation at the Museum Boymans-van Beuningen, Rotterdam, in 1975. The work cuts across the expanse of the gallery and dramatically bathes the space in pink fluorescent light, physically blocking access to part of the space and altering the viewer’s perception of the surrounding architecture. Flavin’s barriers, the first of which was executed in 1966, are among the artist’s most significant bodies of work. As site-specific, modular, and serial structures, these works demonstrate Flavin’s centrality to Minimal and Conceptual art movements of the 1960s and 1970s and moreover count among the earliest examples of what is now commonly referred to as "installation art." John McCracken likewise occupies a singular position within the recent history of American art, as his work combines the restrained formal qualities of Minimalist sculpture with a distinctly Los Angeles sensibility expressed through color, form, and finish. McCracken developed his early sculptural work while studying painting at the California College of Arts and Crafts in Oakland in the late 1950s and early 1960s. While experimenting with increasingly three-dimensional canvases, the artist began to produce objects made with industrial materials, including plywood, sprayed lacquer, and pigmented resin, creating the highly reflective, smooth surfaces for which he was to become known. As he explained, "I think of color as being the structural material I use to build the forms I am interested in."2 On view will be a group of the artist’s "planks"—his signature sculptural form. First generated in 1966, these works comprise a narrow, monochromatic, rectangular board format that leans at an angle against the wall (the site of painting) while simultaneously entering into the three-dimensional realm and physical space of the viewer. "In distilling my ideas I was doing something analogous to making poetry—trying, in a way, to say the most with the least."3 Fred Sandback is known for sculptures that outline planes and volumes in space. Though he employed metal wire and elastic cord early in his career, the artist soon dispensed with mass and weight by using acrylic yarn to create works that address their physical surroundings, the "pedestrian space," as Sandback called it, of everyday life. By stretching lengths of yarn horizontally, vertically, or diagonally at different scales and in varied configurations, the artist developed a singular body of work that elaborated on the phenomenological experience of space and volume with unwavering consistency and ingenuity. In his own words, Sandback described his sculpture as being "less a thing-in-itself, more of a diffuse interface between myself, my environment, and others peopling that environment, built of thin lines that left enough room to move through and around. Still sculpture, though less dense, with an ambivalence between exterior and interior. A drawing that is habitable."4 On view will be a rare work from Sandback’s Mikado series, begun in the 1990s, that occupies an entire room and is characteristic of the themes that the artist pursued throughout his career. Inspired by the chance-generated Mikado—or pick-up-sticks—game, in which a bundle of colored sticks is released onto a playing surface, the work consists of seemingly random lengths of yarn that intersect each other in space, both occupying and exceeding the space of the viewer.

artists & participants

Dan Flavin,  Donald Judd,  John McCracken,  Fred Sandback 
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posted 28. Nov 2018

Geld und Psyche

23. Nov 201806. Jan 2019
opening: 22. Nov 2018 19:00
Geld und Psyche Mit Arbeiten von Elisabeth Greinecker, Meschac Gaba, Nicolás Guagnini, Martin Hotter, Annette Kelm, Kitty Kraus, Ilya Lipkin, Jonas Lipps, Cildo Meireles, Gunter Reski, Sarah Szczesny und Amelie von Wulffen 23.11.2018 – 06.01.2019 Eroeffnung: Donnerstag, 22.11.2018 19:00 Uhr Ort: Halle fuer Kunst Lueneburg, Reichenbachstrasse 2, 21335 Lueneburg Ausgangspunkt der Ausstellung bildet ein Nachdenken darueber, dass Geld, obwohl es als gefuehllos, neutral und berechenbar gilt, Einfluss auf unsere Psyche nimmt. So schreibt etwa die Malerin und Schriftstellerin Franziska zu Reventlow in ihrem Briefroman „Der Geldkomplex“ (1916), dass Existenzaengste und Geldsorgen groeßeren negativen Einfluss auf die psychische Stabilitaet des Menschen haben, als beispielsweise in der Kindheit Erlebtes. In der Ausstellung geht es darueber hinaus aber auch ganz faktisch um Geld als Objekt und darum, wie eine an sich wertlose Materialansammlung zu Wert werden kann. Geld muss naemlich benutzt wie auch beglaubigt werden. Es muss zirkulieren und kann seine Funktion erst und nur erfuellen, wenn, obgleich es sich an den Einzelnen richtet, alle an seine Wertbestaendigkeit glauben. Dass diese Glaubwuerdigkeit aber auch unterminiert werden kann, zeigt sich in der Ueberlieferung, dass unter der roemischen Besetzung Jerusalems die juedische Bevoelkerung die neu gepraegten, oft wechselnden Muenzen der Besatzungsmacht nicht akzeptierte, sondern ihre alte Waehrung einfach weiter verwendete. Hierin liegt ein Aspekt von Rebellion. Geld ist aber auch die Faehigkeit zur Transformation eingeschrieben, kann es sich doch in alle moeglichen Dinge verwandeln, deren Wert es zunaechst lediglich verkoerpert. Geld hat ein unberechenbares Wesen. Ein weiterer Aspekt, der uns interessant erscheint, ist die ueberaus ambivalente Rolle, die Geld im Feld der Kunst einnimmt. Einerseits ist es treibender und nahezu alles bestimmender Motor. Gilt Kunst doch als vielversprechendes Anlage- und Spekulationsobjekt, dreht sich in amerikanischen Museen alles um Fundraising und stammen laut soziologischer Studien Kuenstler*innen meist aus finanziell besser gestellten Gesellschaftsschichten; was nichts anderes heißt, als dass man es sich leisten koennen muss, Kunst zu machen bzw. machen zu wollen, sowohl in finanzieller Hinsicht als auch als denkbares Lebensmodell. Andererseits wird die Rolle des Geldes geradezu auffaellig ausgeklammert und verdraengt. Soll es beim Kunstmachen doch keine Bedeutung haben, nicht Grund und Ziel der Beschaeftigung sein. Kunst sei im Gegenteil Berufung, nicht Job. Mit diesem Credo geht die Vorstellung einher, dass eine solche Praxis unbestechlich und unabhaengig von institutionellen wie oekonomischen Verwertungssystemen sei, mithin authentisch, was seit jeher im Zentrum des Marktbegehrens steht. All dies kommt einer Substanzialisierung, einer Aufladung von Kunst gleich, die sie zu etwas Hoeherem und Hehrem macht, welches sich jenseits von materiellen, sprich finanziellen Sphaeren verortet. Unter dieser Perspektive wird auch verstaendlich, warum im Feld der Kunst (ebenso wie in anderen Felder kultureller Produktion) mit symbolischem Kapital gehandelt wird bzw. gehandelt werden kann. Dieses loest sich (wenn ueberhaupt) jedoch erst sehr viel spaeter in finanziellem ein und fußt auf einer kollektiven Buergschaft, von der nur geglaubt, aber nicht gewusst werden kann, dass sie traegt. In diesem Gebundensein an eine das Faktische uebersteigende Uebereinkunft trifft sich das symbolische Kapital jedoch wiederum mit dem Geld. Die Ausstellung wird kuratiert von Stefanie Kleefeld und Ulla Rossek * Veranstaltungen »Kinder fuehren Kinder« & »Kinderclub« mit Anna Prinz Samstag, 24. November 2018, 10.00 – 12.00 Uhr Fuer Kinder von 6 bis12 Jahren »Unbezahlbar« – Inklusives Buchprojekt mit Anneliese Maas und Vision Inklusion Samstag, 8. Dezember 2018, 15.00 – 17.30 Uhr und/oder Montag, 10. Dezember 2018, 16.00 – 18.30 Uhr Fuer Kinder, Jugendliche und Erwachsene mit und ohne Beeintraechtigungen »Mitglieder fuehren« mit Bernd W. Plake Mittwoch, 19. Dezember 2018, 18.00 Uhr »Kunst und Kuchen» Spezial Filmprogramm Sonntag, 6. Januar 2019, 16.30 Uhr Die Ausstellung wird grosszuegig gefoerdert durch die Stiftung Niedersachsen, die Niedersaechsische Sparkassenstiftung und die Sparkassenstiftung Lueneburg. Das Vermittlungsprogramm wird ermoeglicht durch das Land Niedersachsen, die LAGS und die Lueneburger Buergerstiftung. Das Jahresprogramm der Halle fuer Kunst wird realisiert Dank der Foerderung des Landes Niedersachsens, der Hansestadt Lueneburg und der Sparkassenstiftung Lueneburg.
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posted 27. Nov 2018

Dorota Gawęda and Eglė Kulbokaitė

17. Nov 201821. Dec 2018
Dorota Gawęda and Eglė Kulbokaitė. I get those goosebumps every time you come around 17.11.2018 - 21.12.2018 Opening: 16.11.2018 19:00 - 22:00

artists & participants

Dorota Gaweda,  Egle Kulbokaite 
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posted 26. Nov 2018

Ken Price Sculpture

03. Nov 201822. Dec 2018
opening: 03. Nov 2018 17:00
Ken Price Sculpture 03.11.2018 - 22.12.2018 Opening: Saturday, November 3, 5:00 to 7:00 PM Matthew Marks is pleased to announce Ken Price Sculpture, the next exhibition in his gallery at 523 West 24th Street. The exhibition features fifteen small-scale sculptures in fired and painted clay and one, Lying Around (2009), in painted bronze composite that is, at almost five by eight feet, among Price’s largest works. All the works in the exhibition come from the estate of the artist. The sculptures date from the two decades of Price’s life, when he was working at the height of his powers. The organic, sensual forms and dazzlingly vibrant surfaces of these late works have been praised by numerous critics. One wrote that Price’s sculpture of this period, “exalts color to practically metaphysical intensities.” Another wrote, “They are not just a high point in Price’s career; they represent a touchstone in the history of American art.” Ken Price (1935–2012) was born in Los Angeles. His first one-person exhibition opened at LA’s legendary Ferus Gallery in 1960, when he was just twenty-five, and critics lauded his work for its originality. (Lucy Lippard wrote, “No one else, on either the east or west coast, is working like Ken Price.”) His work was on the cover of Artforum in 1963, and he had a one-person exhibition at the Whitney Museum of American Art in 1969. In later years Price had one-person exhibitions at the Menil Collection in Houston, the Walker Art Center in Minneapolis, and the Chinati Foundation in Marfa, Texas. In 2012 the Los Angeles County Museum of Art presented a retrospective of his work, which traveled to the Nasher Sculpture Center in Dallas and the Metropolitan Museum of Art in New York. In 2013 the Drawing Center in New York, in collaboration with Buffalo’s Albright-Knox Art Gallery, organized the first survey of Price’s works on paper. Ken Price Sculpture is on view at 523 West 24th Street from November 3 to December 22, 2018, Tuesday through Saturday, from 10:00 AM to 6:00 PM.


Ken Price 
Matthew Marks Gallery, New York

MATTHEW MARKS GALLERY | 522, 526 West 22nd Street, New York
NY 10011 New York

United States of Americashow map
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posted 25. Nov 2018


08. Oct 201817. Feb 2019
PHANTASTISCH ! ALFRED KUBIN UND DER BLAUE REITER 08.10.2018 - 17.02.2019 Häufig wird der österreichische Zeichner Alfred Kubin (1877-1959) als ein Gründungsmitglied des Blauen Reiter genannt, seine konkreten Beziehungen zu diesem Künstlerkreis sind jedoch so gut wie unbekannt. Die Ausstellung zeichnet erstmals mit einer Fülle von Werken, Dokumenten und Fotografien die komplexen persönlichen und künstlerischen Verflechtungen nach: Es ist fast völlig in Vergessenheit geraten, dass Kubins erste Ausstellung in München und sein berühmtes, aufsehenerregendes Frühwerk mit den drastischen Visionen von Trieb- und Zwangsvorstellungen, die Einblicke „in die Dunkelkammer der modernen Seele” erlaubten, 1904 von Wassily Kandinsky in der Künstlervereinigung Phalanx präsentiert wurde. Fünf Jahre später – Kubin hatte eine Phase des Umbruchs hinter sich, seinen Roman Die andere Seite niedergeschrieben und war von München nach Zwickledt in Oberösterreich gezogen – wurde er 1909 zur Neuen Künstlervereinigung München um Kandinsky, Münter, Jawlensky und Werfekin hinzugezogen. Auch nach der Abspaltung des Blauen Reiter 1911 wurde Kubin umgehend in einem Brief von Gabriele Münter zum Mitmachen aufgefordert. Jetzt waren es die seelischen, phantastischen und traumhaften Dimensionen, die die Künstlerfreunde an Kubins neuartigen, kalligraphisch flüssigen Tuschfederzeichnungen faszinierten. Bei der 2. Blauer Reiter-Ausstellung präsentierte er vielfigurige Szenen, die in beunruhigend irrationaler Weise einen Teppich des Lebens ausbreiten, wobei oft ein geheimnisvolles „Zwischenreich” aufscheint. Es ist diese geistige Dimension, der sich etwa auch Kandinsky, Franz Marc oder Paul Klee in ihren Werken verbunden fühlten. Kuratiert von Annegret Hoberg

artists & participants

Blauer Reiter,  Alfred Kubin 


Annegret Hoberg 
Lenbachhaus, München °

Luisenstraße 33
80333 Munich

Germanyshow map
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posted 24. Nov 2018

Laurie Anderson - Chalkroom

18. Oct 201818. Dec 2018
In an event held within the 42nd Mostra Internacional de Cinema in São Paulo, CineSesc, one of the most traditional stand-alone movie theaters in the city, is inaugurating its newest annex with the installation Chalkroom, created by Laurie Anderson (USA, 1947), a renowned experimental multimedia artist of worldwide influence, in collaboration with Taiwanese researcher and artist Hsin-Chien Huang (Taiwan, 1966), a key figure of the technological avant-garde in the visual arts and cinema. After receiving the prize for best experience in virtual reality at the 74th Venice International Film Festival in 2017, the installation is now being presented to the public of Brazil, in a further initiative carried out in partnership with Sesc São Paulo. Chalkroom is an interdisciplinary work in virtual reality, in which it is possible to wander through enormous structures made of words, drawings, stories, dust and shadows, in a gallery consisting of various corridors, ramps and dark constructions whose black walls are covered by inscriptions in white chalk. Once immersed, the spectator is free to stroll through the environments. The words wander through the spaces, arise and break apart in the air; they are reconstructed and re-signified through the interaction of the visiting public. The universe created by Laurie Anderson and Hsin-Chien Huang is a library of stories. In the words of the artist: “No one will ever find them all.” And she adds: “Never. They are hidden in very, very weird places.” In the work, the poetic construction of the artwork is part of various forms of expression: from cinema to virtual reality, from poetry to experimental music. Throughout the last year, the installation was presented at MASS MoCA (Massachusetts Museum of Contemporary Art), in the USA, where it is still running, at the Louisiana Literature Festival, held by the Louisiana Museum of Modern Art, at Humlebæk (Denmark), at Taipei Museum of Fine Arts, in Taiwan, and at the 74th Venice International Film Festival, Italy. In Chalkroom, sometimes the letters float toward the spectator like snowflakes, defining the space, filling it with fractured languages, the residues of a sort of explosion. They look like narratives or poems that break apart or which are slowly reconstructed, in a continuous exercise of branching, progression and infinitude. Distinct environments invite the spectator to experience different forms of interaction: drawing, sculpting, exploring tridimensionality, or simply flying—as in a dream. In this oneiric and solitary journey through stories and fragments of languages, the echoing voice of artist Laurie Anderson—who is also a singer-songwriter—poses questionings and provocations. Together with the sound design, her speech shelters the spectator, without prescribing the experience or urging any sort of action. The proposal is for the viewer to become visually and cognitively dazzled, without necessarily having to do anything specific there inside. There is, however, a permanent feeling of freedom that pervades the artist’s work. “Every single thing I’ve ever done, whether it’s a piece of music or a drawing, it’s about one thing. It’s about disembodiment. It’s about losing your body,” Laurie explains. The spaces of the new annex of CineSesc—a unit of the Sesc São Paulo network since 1979, located on the famous Rua Augusta, just two blocks from Avenida Paulista—were enveloped with the art of the installation, and one of the walls was transformed into a large blackboard for visitors to draw on, in the physical world, after experiencing the virtual work. Therefore, for three months, the local public will have the possibility to get to know the work developed by Laurie Anderson and Hsin-Chien Huang.

artists & participants

Laurie Anderson,  Hsin-Chien Huang 
SESC Sao Paulo

Servico Social do Comercio - Sesc | Visual Arts and Technology Department | 991 Alvaro Ramos Avenue
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