daily recommended exhibitions

posted 20. Feb 2019

Maryam Jafri. Wege zur Knechtschaft neu geteert

09. Feb 201912. May 2019
opening: 08. Feb 2019 19:00
Maryam Jafri___Wege zur Knechtschaft neu geteert Opening: Friday, February 8, 2019, 7pm Term of the exhibition: February 9 – May 12, 2019 The works by Maryam Jafri activate economic and political documents with the knowledge of artistic forms. Whether Jafri’s research is focused on Detroit Techno, the commercial exploitation of a stock photo depicting one of Jafri’s sculptures by Getty Images, archive photographs documenting the transition from colonial status to national independence, household items withdrawn from the market due to defects or insufficient demand, or wellness and SM practices, her strategy of appropriation and analysis remains consistent: Maryam Jafri dissects the complexes that structure society with a decidedly artistic eye for gestures, aesthetics and framing. Thus her sculptures, installations, films and photographs inevitably generate disturbing ambiguities and unwanted connections. Among other works, Jafri’s first institutional solo exhibition in Austria and her most comprehensive show to date will feature the installation entitled Model 500 (created specifically for the TAXISPALAIS) and a new video, Mariam Jafri vs. Maryam Jafri (produced in cooperation with the Contemporary Art Gallery of Vancouver). Curated by Nina Tabassomi


Maryam Jafri 


Nina Tabassomi 
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posted 19. Feb 2019

Jeffrey Gibson. The Anthropophagic Effect

13. Feb 201909. Jun 2019
Jeffrey Gibson. The Anthropophagic Effect 13.02.2019 - 09.06.2019 In the exhibition and residency The Anthropophagic Effect, presented as part of the Department of Education and Public Engagement’s Winter/Spring R&D Season: INHERITANCE, Jeffrey Gibson (b. 1972, Colorado Springs, CO) explores the material histories and futures of several Indigenous handcraft techniques and aesthetics. For this exhibition, Gibson has produced a new series of garments and helmets employing techniques learned over the course of the residency, including Southeastern river cane basket weaving, Algonquian birch bark biting, and porcupine quillwork—crafts practiced by many tribes across this land long before European settlers arrived. These works will be activated over the course of the exhibition with performances and staged photo shoots in the Fifth Floor Gallery. Alongside this new body of work, Gibson has selected a group of Cherokee and Choctaw objects and garments from his family’s collection, situating his own works within a wider lineage. The exhibition’s title, The Anthropophagic Effect, alludes to Oswald de Andrade’s legendary 1928 Manifesto Antropófago (Anthropophagic Manifesto), which argued that Indigenous communities could “devour” colonizers’ culture in order to reject domination and radically transform Western culture to their own ends. The season’s theme, INHERITANCE, points to Andrade’s powerful proposition while more broadly alluding to the transmission of knowledge, skills, and capital. Alongside this exhibition in the Fifth Floor Resource Center, Samples & Citations presents some of Gibson’s manifold influences, showcasing samples of works by contemporary and historical Indigenous musicians, visual artists, curators, and writers. This presentation includes archival materials from the American Indian Community House Gallery, a historic community center and exhibition space—which mounted Gibson’s first solo exhibition in New York City—alongside a diverse reading library with publications exploring Indigenous art and culture from the 20th century to the present. The exhibition is curated by Johanna Burton, Keith Haring Director and Curator of Education and Public Engagement, and Sara O’Keeffe, Associate Curator, with Kate Wiener, Curatorial Assistant. The Resource Center presentation Samples & Citations is organized by Jeffrey Gibson and Kate Wiener.
New Museum, New York

235 Bowery
NY-10002 New York

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posted 18. Feb 2019

TIMO NASSERI. A Universal Alphabet

17. Jan 201906. Apr 2019
opening: 17. Jan 2019 19:00
Timo Nasseri. A Universal Alphabet 17.01.2019 - 06.04.2019 Opening Reception: 17.01.2019 19:00


Timo Nasseri 
Sfeir-Semler Gallery, Beirut °

Tannous Bldg. - 4th Fl. Str. 56 - Jisr Sector 77

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posted 17. Feb 2019

T'ang Haywen: T'ang Boogie

26. Jan 201916. Mar 2019
T'ang Haywen: T'ang Boogie film d'artiste & featured rare paintings 26.01.2019 - 16.03.2019 Opening: 26 January, 4:30 - 6:30 pm de Sarthe is pleased to announce its second solo exhibition for T'ang Haywen, one of the three most important Chinese Post-war artists from the French diaspora, along with Zao Wou-Ki and Chu Teh-Chun. T'ang Boogie: film d'artiste & featured rare paintings opens January 26, and highlights an avant-garde 1973 film created by the artist in collaboration with filmmaker Tom Tam. A selection of rare paintings used in the film will also be displayed in the exhibition. The artist's film, titled "T'ang Boogie" is an early experimental work constructed to further explore deeper truths about nature and the subconscious. Throughout much of T'ang Haywen's artwork these ideas are explored in the context of traditional Taoist philosophies and Zen Buddhism. In "T'ang Boogie" the artist and Tom Tam quickly and repeatedly flash dozens of T'ang's ink on paper artworks one after another, altering both speed and order of succession, in order to create an striking sensory experience and visual effect. The immersive nature of the film and the speed with which the images are displayed provoke a visceral and mind-altering effect. Displayed alongside the film are eight ink on paper diptychs, each of which is featured within "T'ang Boogie." On their own the works are an effort to create a visual language that represents the concepts of Taoism and Zen Buddhism. About T'ang Haywen: As an important figure in Modern ink, T’ang Haywen (1927-1991) born in Xiamen, China, belonged to the group of Chinese painters who settled in Paris after World War II and represented the third and final chapter of this generation of canonical artist expatriates. From ink to oil, T’ang Haywen’s gestural paintings imbue the pictorial space with flagrant yet subtle energy – simultaneously dynamic, textured, unrestrained and expressionistic. T’ang Haywen received no formal training in art, having moved to Paris in 1948 to pursue a career in medicine. Once in France however, T'ang soon began to pursue his long-held ambition to be a painter by fully immersing himself into the cultural environment of the time. This has set him apart from his contemporaries in Paris, Chu Teh-Chun and Zao Wou-Ki, who studied under Lin Fengmian whilst the sources of T’ang Haywen’s art are to be found in the teachings of traditional Chinese calligraphy and Taoist principles. T’ang Haywen was predisposed to gouache, ink or oil on paper, and as an aesthetic exercise coalesced traditional Chinese elements of the abstract wash with the more lyrical style of the West. In T’ang’s practice, this format became systematic removing any preoccupations with the spatial dimensions he was creating under. The dimensions define the artworks whilst conferring a recognizable visual identity to his oeuvre. Born out of the juxtaposition of two sheets of paper combined as one, the diptych is vast enough to enclose the world, one which history has deemed to be uniquely that of T’ang’s. His revolutionary oeuvre transcended the cultural boundaries of the East and West. Employing innovative techniques, T’ang composes within the parameters of Taoist artistic ideals, espousing tenets of naturalness, spontaneity and simplicity. During the 1980s T’ang Haywen had significant exhibitions in France, with a diptych collected by Dominique de Ménil, then the most important collector of contemporary art in the world but refused to meet the great American collector Paul Mellon as his trip to Paris coincided with T'ang's insignificant trip to the west side of France. T'ang was not encumbered by notions with material success and did not gain widespread recognition during his time. He did however play an important role in the continued evolution of Chinese ink art developing a new language of lightness and depth. The artist was the first of his generation to restore to the medium of ink the power to translate the subtlety and complexity of the soul of China. Recognition of T’ang’s artistic achievement culminated after his death in 1991, thanks to many retrospective institution-level shows: Oceanography Museum of Monaco (1996); Taipei Fine Arts Museum, Taipei, Taiwan (1997); Maîtres de l’Encre Chang Dai-Chien – T’ang Haywen – Zao Wou-Ki, Musée de Pontoise, France (1999-2000); Paths of Ink, Musée Guimet, Paris, France; Shiseido Gallery, Japan (2002); Breeze from Paris, Eslite Gallery, Taipei, Taiwan (2014), T'ang Haywen: Works from the 1960s to 1970s, Christie's, Hong Kong (2015).


Tang Haywen 
De Sarthe Gallery, Hong Kong °

16 Ice House street, Central8/F Club Lusitano, 8/F Club Lusitano
Hong Kong

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posted 16. Feb 2019


09. Feb 201912. May 2019
UMBO. FOTOGRAF. 09.02.2019 - 12.05.2019 UMBO – dieser Name steht als Synonym für eine Art ‚Urknall‘ der modernen Fotografie Mitte der 1920er-Jahre: Geboren 1902 in Düsseldorf als Otto Maximilian Umbehr gilt UMBO als Erfinder des Bildes der Neuen Frau, des neuen Bildes der Straße, der fotografischen Reportage schlechthin. Sein Name steht für die in den 1920er-Jahren vor allem von osteuropäischen Immigrant*innen beflügelte Medienmetropole Berlin, für eine sich rasant entwickelnde Film-, Musik-, Theater- und Kleinkunstszene, für Blicke in die Hinterhöfe und Wohnküchen überquellender Mietskasernen. Dank der Impulse durch seinen Bauhauslehrer Johannes Itten und seinen Künstlerfreund Paul Citroen wurde UMBO quasi über Nacht als Fotograf berühmt und nahm an allen bedeutenden Avantgardeausstellungen seiner Zeit teil. 1943 wurden Atelier und Archiv des Künstlers in Berlin durch Bomben völlig zerstört. Sein Versuch, nach dem Krieg an die frühere Existenz als Fotograf der Avantgarde anzuknüpfen, scheiterte. Erst 1979, kurz vor seinem Tod, erlebte er in der Spectrum Photogalerie im Kunstmuseum Hannover mit Sammlung Sprengel seine erste Einzelausstellung im musealen Kontext. 1995 widmete ihm Herbert Molderings eine legendäre Retrospektive. Diese Ausstellung präsentiert eine Auswahl von rund 200 Werken und zahlreiche Dokumente. Sie speist sich wesentlich aus dem Nachlass UMBOs. Über Jahrzehnte von Phyllis Umbehr, der Tochter des Künstlers, und Rudolf Kicken (Galerie Kicken), behütet und bewegt, konnte der Nachlass UMBOs 2016 dank des Engagements zahlreicher Partner von der Stiftung Bauhaus Dessau, der Berlinische Galerie und dem Sprengel Museum Hannover gemeinsam erworben werden. Mehr als 600 Fotografien und umfangreiches Quellenmaterial, ergänzt um frühere Erwerbungen der Partnerinstitutionen Berlinische Galerie und Stiftung Bauhaus Dessau, im Fall des Sprengel Museum Hannover aus dem Nachkriegsarchiv REPORT/ Simon Guttmann, London, bilden den Hintergrund. Es erscheint ein umfangreicher Katalog. Eine Ausstellung des Sprengel Museum Hannover in Kooperation mit der Berlinischen Galerie und mit freundlicher Unterstützung der Stiftung Bauhaus Dessau. Gefördert von der Kulturstiftung des Bundes und dem Land Niedersachsen.


Sprengel Museum, Hannover °

30169 Hanover

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posted 15. Feb 2019

David Maljković: Also on View

09. Feb 201907. Apr 2019
opening: 09. Feb 2019 17:00
David Maljković: Also on View 09.02.2019 - 07.04.2019 Opening reception: Sat, Feb 9, 5-8pm with artist talk at 6pm Throughout an ever-shifting body of work, David Maljković returns to “the question of form,” asking how considerations of form itself might illuminate the ebb and flow of ideologies, for example, or the overlaying of past, present, and future. While embracing a wide range of media—including photography, painting, video, sculpture, and various hybrids—the Croatian artist has developed distinctive methods of incorporating, and refiguring, his own earlier works in new installations. Maljković brings this approach to his exhibition at the Renaissance Society, gathering elements that originate from different projects for a presentation tailored to the architectural space. Imagining a new situation for these objects and images, he lets them become a new collective body. In the wake of major exhibitions of his work in Europe in recent years, here Maljković turns away from the impulses of a survey show—namely, to gather an artist’s output, map the territory, and convey that understanding. This is more a collection of notes or gestures, a fluid effort by the artist to consider the underlying structure of his practice, unburdened by the need for a “proper presentation” of each work. Small projected animations loop and flicker on the side walls. Three videos merge into a new mixed image. Floor sculptures foreground the marks and residues of physical production processes. On either side of a long wall, two-dimensional works merge aspects of photography, printmaking, and painting, the ensemble becoming a kind of expanded collage. Maljković suggests seeing the works, for the moment, as “facts” rather than as “artifacts”: a set of things that exist on their own terms, decoupled from their initial intents or the values ascribed to them later. Redeployed here, the works meet each other again in new proximities. Together they may hint at the artist’s underlying methodologies, his processes, and recurring motifs, from Peugeot’s experimental concept cars to mid-century cartoons from Yugoslavian magazines; just as likely, they speak to the way artworks awaken in new contexts and in evolving configurations, questioning which aspects of the work are primary and which are secondary. Curated by Karsten Lund DAVID MALJKOVIĆ was born in 1973 in Rijeka, Croatia, and lives and works in Zagreb. He has presented solo exhibitions at Palais de Tokyo, Paris; Van Abbemuseum, Eindhoven; Bergen Kunsthall, Norway; BALTIC Centre for Contemporary Art, UK; Kunstmuseum St. Gallen, Switzerland; CAC Contemporary Art Center, Vilnius; Secession, Vienna; Museo Reina Sofía, Madrid; Kunstverein Hamburg; Kunsthalle Basel; Sculpture Center, New York; MoMA PS1, New York, and other museums and galleries. His work has been included in prominent group exhibitions around the world such as the 11th Gwangju Biennale; 56th Biennale di Venezia; La Triennale 2012, Paris; 29th Sao Paulo Biennial, and the 11th and 9th Istanbul Biennials, among others. Support for Also on View is provided by FACE Croatia.


Karsten Lund 
Renaissance Society, Chicago

The University of Chicago | Cobb Hall, 5811 S. Ellis Ave.
60637 Chicago

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posted 14. Feb 2019


07. Feb 201905. May 2019
opening: 06. Feb 2019 18:00
Vernissage: Mi 6. Februar 2019, ab 18 Uhr Der Auftakt zum Ausstellungsprogramm 2019 im Museum Haus Konstruktiv steht ganz im Zeichen der Gegenwartskunst: Unter dem Titel Konkrete Gegenwart – Jetzt ist immer auch ein bisschen gestern und morgen zeigen wir über dreissig Positionen der zeitgenössischen Kunst, die Bezüge zu unserem kunsthistorischen Erbe aufweisen. Wie geht die Gegenwartskunst mit der konstruktiven, konkreten und konzeptuellen Kunst des 20. Jahrhunderts um? Wie steht sie zu deren Ideen und Errungenschaften, wie zu ihren teils utopischen Projekten? Bedient sie sich lediglich ihres Form- und Farbrepertoires oder greift sie auch auf die dahintersteckenden Konzepte zurück? Ausgehend von der Frage, inwiefern die gegenwärtige Kunstproduktion an unser kunsthistorisches Erbe andockt, präsentiert das Museum Haus Konstruktiv eine gross angelegte Gruppenausstellung mit Statement-Charakter. Auf allen vier Geschossen im Museum Haus Konstruktiv werden Werke von über 30 Künstlerinnen und Künstlern aus dem In- und Ausland präsentiert. Als Parcours angelegt, auf dem Fäden aus der Kunstgeschichte aufgegriffen, verknüpft und weitergesponnen werden, versteht sich Konkrete Gegenwart als Momentaufnahme des konstruktiv-konkreten und konzeptuellen Schaffens, dessen Aktualität sich heute äusserst facettenreich und lebendig behauptet.


Sabine Schaschl 
Museum Haus Konstruktiv, Zürich

HAUS KONSTRUKTIV | Selnaustrasse 25
8001 Zurich

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posted 13. Feb 2019

FEMININE. Angela Brandys - Ulrike Rosenbach

07. Dec 201816. Feb 2019
opening: 07. Dec 2018 18:00
FEMININE. Angela Brandys - Ulrike Rosenbach 07.12.2018 - 16.02.2019 Eröffnung Freitag, 07.12.2018 18:00 - 21:00 Uhr Die Ausstellung FEMININE bei PRISKA PASQUER widmet sich starken weiblichen Positionen. Im Zentrum steht das Werk von ULRIKE ROSENBACH (geb. 1943), einer der bedeutendsten Pionierinnen der Performance- und Medienkunst. Seit den 1970er-Jahren hinterfragt ULRIKE ROSENBACH weibliche Typisierungen und Rollenklischees. Ihr experimentelles Werk hat einen enormen Einfluss auf jüngere Künstlergenerationen. FEMININE reflektiert dies und stellt ROSENBACHs Werk jeweils Arbeiten einer jüngeren Künstlerin gegenüber. Den Auftakt macht die Londonerin ANGELA BRANDYS (geb. 1988); im Februar 2019 folgt FEMININE II mit Arbeiten von JOHANNA REICH (geb. 1977). Die Künstlerinnen sprechen mit ihren eigenwilligen Arbeiten aktuelle und hochsensible Themen an und besetzen auch in der zeitgenössischen Debatte prägnante Positionen. Die experimentellen Werke von ULRIKE ROSENBACH wurden auf internationalen Ausstellungen sowie auf der documenta 6 (1977) und der documenta 8 (1987) gezeigt. 2004 erhielt ULRIKE ROSENBACH den Gabriele Münter Preis, 2012 wurde sie für ihr Lebenswerk mit dem Rheinischen Kunstpreis ausgezeichnet. Die Arbeiten von ANGELA BRANDYS waren bislang nur in Großbritannien zu sehen. PRISKA PASQUER präsentierte sie in diesem Herbst mit großem Erfolg auf der PARIS PHOTO und zeigt sie nun erstmals in Deutschland. ULRIKE ROSENBACH (geb. 1943) arbeitet seit 1972 experimentell mit Fotografie und Performance-Video und multimedialer Installation. ULRIKE ROSENBACH versteht Video nicht als dokumentarisches Instrumentarium, sondern nutzt das Medium innovativ und künstlerisch. In ihren so genannten „Action / Performances“ und „Video-Live-Actions“ arbeitete sie als eine der ersten KünstlerInnen überhaupt mit Video-Live-Kameras. Die Videokamera war für sie das perfekte Medium, um ihre Rolle als weibliche Künstlerin zu definieren, sich als Sujet ihrer eigenen Kunst zu inszenieren und dabei zugleich traditionelle weibliche Darstellungen zu hinterfragen. ULRIKE ROSENBACHS Themen sind bis heute hoch aktuell und relevant. In ihrer berühmten Serie „Art is a Criminal Action“ (1969/1970) unternimmt ULRIKE ROSENBACH einen Frontalangriff auf das Territorium männlicher Selbstdarstellung und Kunstproduktion. Als Vorlage dient ihr Andy Warhols Siebdruck „Double Elvis“ – eine Pop-Ikone mythischer, aggressiver, sexuell aufgeladener Männlichkeit. In einem radikalen Rollentausch verwandelt sich ULRIKE ROSENBACH in einen weiblichen Elvis und demontiert so Stereotype viriler Selbstbilder ebenso wie gängige Klischees von Weiblichkeit. PRISKA PASQUER präsentiert diese berühmte Motivgruppe zusammen mit weiteren Fotoarbeiten, Filmstills, Videos, Zeichnungen und Collagen der Künstlerin. ANGELA BRANDYS (geb. 1988) konstruiert skulpturale Szenen. Dabei arbeitet sie entweder direkt mit ihrem Körper oder sie thematisiert dessen Empfindungen. Auf den Bildern agiert die Künstlerin als Protagonistin ihres eigenen Plots und erlebt ihr Unbewusstes neu. Ihre Arbeiten spiegeln die Hybridität einer zunehmend digitalisierten Welt, in der sich Gegensätze nicht mehr ausschließen, sondern oft gleichzeitig präsent sind. Wie viele Künstler ihrer Generation integriert ANGELA BRANDYS die neuen Medien mit größter Selbstverständlichkeit in ihre künstlerische Praxis. Die Bildschirme ihres Computers oder Smartphones dienen ihr als Werkzeug, Bühne oder auch als Rahmen. Oft beleuchten die angeschalteten Displays ihre (Selbst-) Inszenierungen im Studio. Ihre Aufnahmen fotografiert ANGELA BRANDYS vom Bildschirm ab und verwendet sie als Basis für weitere Inszenierungen. Mit dieser Technik verknüpft sie verschiedene Ebenen von Raum und Zeit, wobei sie nicht nur neue analoge Elemente hinzufügt, sondern auch die optischen Effekte der flimmernden und flackernden Bildschirme integriert. Sukzessive überlappen sich dabei physische und virtuelle Welten. Das Ergebnis sind Bilder, deren innere Widersprüchlichkeit fasziniert. Future Talk - FEMININE Donnerstag, 31. Januar 2019, 18-20 Uhr FEMININE II Johanna Reich - Ulrike Rosenbach Freitag, 22. Februar 2019 - Samstag, 30. März 2019 Eröffnung Freitag, 22. Februar 2019, 18-21 Uhr

artists & participants

Angela Brandys,  Ulrike Rosenbach 
Priska Pasquer, Köln

Albertusstr. 18
50667 Cologne

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posted 12. Feb 2019


01. Dec 201824. Feb 2019
BAMBOO BAR, AT THE EDGE OF THE UNIVERSE Lizzie Fitch/Ryan Trecartin, Claus Föttinger, Renaud Jerez, Melike Kara, Gijs Milius, Aleen Solari 01.12.2019 - 24.02.2019 Die Bamboo Bar ist eine Bar am Rande des Universums, ähnlich wie die Cantina auf Tatooine (Star Wars: Die neue Hoffnung, 1977), außer, dass hier sogar die Droiden akzeptiert werden. Als Ort kollektiver Zusammenkunft oder individueller Entspannung spielen Bars in vielen Kulturen eine wesentliche Rolle. Die Bamboo Bar lehnt sich an diese Idee eines alternativen sozialen Ortes an, wo man andere trifft, diskutiert, über Gott und die Welt spricht oder einfach nur relaxt. Sowohl dieses imaginäre Szenario als auch der Raum des Kunstvereins dienen als Rahmen für die Ausstellung Bamboo Bar, at the Edge of the Universe. Man begegnet hier Claus Föttingers (*1960, lebt in Düsseldorf) barähnlichen Installation Veldt and Ocean, einem Ort zum Sitzen und Ausruhen von Aleen Solari (*1980, lebt in Hamburg), hybriden Kreaturen von Lizzie Fitch/Ryan Trecartin (beide *1981, leben in Athens, Ohio), zusammengesetzten Skelettwesen von Renaud Jerez (*1982, lebt in Paris), vereinsamten Charakteren von Gijs Milius (*1985, lebt in Brüssel) und Gestalten, die sich anscheinend ohne Sprache verständigen von Melike Kara (*1985, lebt in Köln). Gemeinsam öffnen die Kunstwerke Reflexionen über einen Raum der Inklusion sowie über die Verbindung von uns selbst mit dem Anderen. KALENDER MI, 28. NOVEMBER, 18:00 UHR: WORK IN PROGRESS für Mitglieder und Förderer des Dortmunder Kunstvereins. FR, 30. NOVEMBER, 19:00 UHR: ERÖFFNUNG Begrüßung: Prof. Dr. Hartmut H. Holzmüller (Vorstandsmitglied) Einführung: Oriane Durand (Künstlerische Leiterin) DO, 06. DEZEMBER, 18:00 UHR: WINTERFEST mit Präsentation der JAHRESGABEN 2018 von Caroline Achaintre, Claus Föttinger, hobbypopMUSEUM, Melike Kara sowie einer gemeinsamen Edition von Gerrit Frohne-Brinkmann, Nicola Gördes, Stella Rossié & Paul Spengemann MI, 23. JANUAR, 18:00 UHR: VORTRAGSREIHE „TOPOS DER FLÄCHE “ in Kooperation mit Prof. Tillmann Damrau vom Institut für Kunst und Materielle Kultur der TU Dortmund. Zu Gast: Jannis Marwitz (Künstler, Brüssel) über seine künstlerische Praxis. SA, 2. FEBRUAR, 15:00 UHR: GESPRÄCH Zukunft und sozialer Wandel: Wie Zukunftsvisionen unsere Gegenwart beeinflussen mit Claus Föttinger und Dr. Nadine Siegert (Wissenschaftlerin, Kuratorin, Verlegerin, Bayreuth) DO, 21. FEBRUAR, 18:00 UHR: ÖFFENTLICHE KURATORINNENFÜHRUNG kostenlos
Dortmunder Kunstverein °

Dortmunder Kunstverein | Park der Partnerstädte 2 / Brinkhoffstraße 2
44137 Dortmund

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posted 11. Feb 2019


31. Jan 201928. Feb 2019
opening: 31. Jan 2019 18:00
ALEXANDER KROLL: "IMAGISM" 31.01.2019 - 28.02.2019 Opening Reception: Thursday, 31.01.2019 18:00-20:00 Johannes Vogt Gallery is pleased to present the first New York solo exhibition of LA-based painter Alexander Kroll. Like the city in which he lives, Kroll’s works are joyfully unplanned: each is an accumulated plastic wisdom; built slowly, painting by painting, over time. To categorize the nature of his marks would be to miss the point entirely. These are hybrid creatures, born from a deep love of the tradition of painting rather than one particular style. Though he is engaged with the language and history of abstraction, the artist has a longtime love of figuration — he often points out, “I’m as interested in Vuillard and Bonnard as I am in de Kooning or Oehlen.” This is sacred but unstable ground where the recognizable is always shifting, only visible out of the corner of one's eye. A face or stray appendage emerges then quickly disappears. Walking here requires a delicate balance; fields of expanding and collapsing space collide and shift constantly. This phenomenon is a particular pleasure for Kroll. He explains, “The one thing that painting does that nothing else does is to create space where there was none. That, to me is the magic.” This obsession is one borrowed from the Italian Renaissance, a period he speaks of with an abiding knowledge and reverence. It is easy to feel a sense of history when looking closely at his use of materials. The artist begins by selecting the physical properties of the canvas. Resisting a single format, Kroll is constantly manipulating the shape, scale and material of his supports, which he describes as “the first structural condition of a painting.” A square or rectangle, canvas, linnen, jutte rabbit skin glue, wooden boards and aluminum all present unique departure points. This is a physical, sensual process, a direct response to the feeling of the surface, the brush, the paint and the arm as muscle memory takes over. His is an experimental lab for mad science, where linseed oil and liquified amber alter the medium. New gestures shake hands with familiar ones in a space where more is more. Skeins of paint wrestle with carefully blended gradients while calligraphic scrawls, flurried swaths of brushwork and sensuous piles of thick oil all push, pull and wrestle in chaotic harmony. Like fond, hazy memories, they form the layers of what becomes a dense archeology of painting-making. –Text by Howard Hurst Alexander Kroll was born in 1981 and lives and works in Los Angeles. Kroll holds an M.F.A from the Otis College of Art and Design, and a bachelor’s degree in art from Yale University. Kroll is represented by Praz Delavallade Gallery in Los Angeles and Paris; Fredric Snitzer Gallery in Miami; and James Harris Gallery in Seattle. His most recent gallery solo shows took place in 2018 at James Harris Gallery in Seattle and at Praz Delavallade Gallery in Los Angeles. He has taught at a variety of institutions including the Art Center College of Design, California College of the Arts, and the UCLA School of Art and Architecture.
Johannes Vogt Gallery New York

958 Madison Avenue
NY 10021 New York

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posted 10. Feb 2019


27. Jan 201912. May 2019
BRITISH POP ART Meisterwerke massenhaft aus der Sammlung Heinz Beck. Special Guest: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band 27.01.2019 bis 12.05.2019 England gilt als Wiege der Pop Art und hat zahlreiche ungewöhnliche Positionen zu dem Phänomen der damals wahrlich umwälzenden neuen Kunstrichtung hervorgebracht. Neben Motiven aus dem Alltag ist es vor allem die Idee der Kunst für Alle. Meisterwerke massenhaft entstehen durch das Medium der Druckgrafik, durch Auflagenkunst und Multiples. Dabei gibt es Lieblingsthemen wie Fernsehen, Werbung oder Auto. Ein ganzes Lebensgefühl spiegelt sich wider und die Musik spielt eine entscheidende Rolle. Dem wird in dieser Ausstellung ganz besonders Rechnung getragen, indem Plattencovergestaltungen, wie der von Peter Blake und Jann Haworth zum Beatles-Album Sgt. Pepper ein eigener Bereich gewidmet ist. Der Düsseldorfer Rechtsanwalt Heinz Beck, dessen Sammlung im Ludwigshafener Wilhelm-Hack-Museum bewahrt wird, hat ein herausragendes Konvolut an Werken dieser Zeit zusammengetragen. Erstmals zeigt die LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen eine Auswahl der britischen Pop Art aus dieser singulären Sammlung mit ihren besonderen und eigenwilligen Spielarten. Ivor Abrahams, Peter Blake, Derek Boshier, Anthony Canham, Patrick Caulfield, Harold Cohen, , an Colverson, Antony Donaldson, Michael English, Richard Hamilton, Jann Haworth, Dick Higgins, David Hockney, David, nshaw, Bill Jacklin, Allen Jones, David King, R. B. Kitaj, Gerald Laing, Les Levine, David A.J. Miller, Malcolm Morley, Robin Page, Eduardo Paolozzi, Peter Phillips, Tom Phillips, Patrick Procktor, John Salt, Colin Self, Richard Smith, Joe Tilson
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posted 09. Feb 2019

Shelter or Playground: The House of Dust at the Schindler House

09. Feb 201902. Jun 2019
opening: 09. Feb 2019 19:00
Shelter or Playground: The House of Dust at the Schindler House Curated by Maud Jacquin, Anna Milone, and Sébastien Pluot 09.02.2019 - 02.06.2019 Opening Reception at the Schindler House: 09.02.2019 19:00 - 21:00 Performances begin on February 16 & 17 and continue throughout the duration of the exhibition. This exhibition springs from The House of Dust, a seminal yet under-recognized late 1960s work by Fluxus artist Alison Knowles. Originally called The Play House, this intermedia piece serves as an entry point into contemporary investigation of the relationships between architecture, technology, and performance. In a text titled Shelter or Playground, R.M. Schindler described his house as a "playground" that "grows with its inhabitants" and where "life will regain its fluidity." Today, the house open its doors to contemporary artists who have been invite produce site-specific works, responding to both architectures by Schindler and Knowles and translating them into multiple performative forms. Curated by Maud Jacquin, Anna Milone and Sébastien Pluot, this group exhibition is the result of a collective research effort initiated by Art by Translation (TALM Angers & École nationale supérieure d'arts de Paris-Cergy) with the MAK Center for Art and Architecture at the Schindler House and France Los Angeles Exchange (FLAX), in collaboration with the California Institute of the Arts (CalArts). The presentation commissions new work and performances by Henry Andersen & Bryana Fritz/Slow Reading Club (Australia, USA), Lila Athanasiadou (Netherlands), Jasmin Blasco (France/USA), Dimitri Chamblas (France), François Dallegret and François Perrin (France), Milka Djordjevich (USA), Daniel Frota (Brazil), Mark Geffriaud (France), Gerard & Kelly (USA), FLAX Artist-in-Residence Aurélie Godard (France), Jeff Guess (France), Simon Leung (USA) and Luke Stoneham (UK), and Lucky Dragons (USA). It will be accompanied by a program of historical performances including works by Merce Cunningham and Trisha Brown and interpretations of scores by Fluxus artists or those associated with Fluxus--Alison Knowles, Yoko Ono, Alvin Lucier, Pauline Oliveros-by CalArts students on the Nomad Floor. The floor will play the role of a contemporary House of Dust as a studio, gathering place, gallery, blank slate, habitat and point of discussion about context, performing and witnessing performance, open to anyone upon registration to the MAK Center. In 1967, Alison Knowles's The House of Dust started as one of the first computer-generated poems. Each quatrain began with "A House of . . . " followed by random sequences of materials, sites or locations, light sources, and categories of inhabitants. In 1969, Knowles translated one of the quatrains into an architectural structure with organic, "non-Euclidean" shapes that, at the time, were in contrast with the technological origin of the poem. The house was first installed in Chelsea, New York, and then moved to CalArts, where a burgeoning community of artists and students created a number of artistic works in response to the structure (installations, performances, dance, concerts, poetry classes, etc.). The physical House thus became an open structure, a platform used to generate and shelter experimental activities. Lost in the 1980s, the only remaining aspect of the work is the poem, which is now reconstituted and open to new interpretations. At the core of this exhibition is the desire to reactivate the generative potential of Knowles's work and catalyze interrogations of wider aesthetic and social issues through several disciplines, creating new forms and communities. This exhibition organizes the encounter between The House of Dust and the Schindler House, two very singular architectures that coincide in numerous dimensions. They both represent alternatives to functionalist architecture and conventional behavior.
MAK Center, Los Angeles

Schindler House | 835 North Kings Road, West Hollywood
CA 90069-5409 Los Angeles

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posted 08. Feb 2019

Hate Speech. Aggression und Intimität

02. Feb 201918. Apr 2019
opening: 01. Feb 2019 18:00
Hate Speech. Aggression und Intimität 02.02.2019 — 18.04.2019 Eröffnung und Feier: 01.02.2019, 18:00 KM– on the Decks, Grrrls DJ Crew Thomas Baumann, Candice Breitz, Elena Aya Bundurakis, Tony Cokes, Petra Cortright, Folkert de Jong, Verena Dengler, Ryan Gander, Yuri Pattison, Signe Pierce, Jim Shaw, Gunther Skreiner, Markus Sworcik, Amalia Ulman, Martha Wilson, Joseph Zehrer Vor dem Hintergrund aktueller politischer und medialer Entwicklungen widmet sich das Grazer Künstlerhaus, die Halle für Kunst & Medien (KM–), der Freiheit der Rede, ihrer Verwendung und ihrem Missbrauch. „Hate Speech. Aggression und Intimität" zeigt internationale Positionen der zeitgenössischen Kunst, die sich mit Formen der zunehmend aggressiven Kommunikation und Wirkung der Social Media und ihren medialen Spielarten befassen. Dabei steht die sozial-medial kommunizierende Person mit ihrem sozialen Mitteilungsbedürfnis, medialisiertem Engagement und Identitäten hinterfragendem Spiel um Anonymität und Rollentausch im Mittelpunkt. Die Autor_in sehnt sich gleichzeitig jedoch auch nach individueller Abgrenzung und Erkennbarkeit und scheint so auf der Suche nach einer aktualisierten Fassung von Individualität und Intimität zu sein. In zunehmendem Ausmaß umso erschreckender sind die Reaktionen aus Teilen der Netz-Community, die sich in Ablehnung, Missgunst und Hass nahezu überbieten. Weiterführende Fragen rund um Meinungs-, Kunst- und Pressefreiheit begleiten die Auseinandersetzung um das Projekt „Hate Speech. Aggression und Intimität". Die freie Rede und öffentliche Meinungsäußerung sind ein Kernelement der Demokratie. Das Formulieren und Austauschen von Gedanken und Argumenten ermöglicht das Kennenlernen und Abwägen von unterschiedlichen Standpunkten zu einer thematischen Fragestellung und zielt darauf ab, gemeinsam an einem inhaltlichen Konsens zu arbeiten und diesen sukzessive aufeinander abzustimmen. Gängige Formate für diesen mitunter etwas aufwendigen, aber für das Gemeinwohl substanziellen Prozess bieten öffentliche Diskussionen, Talk-Shows oder Parlamente. Traditionelle Medien nehmen darin eine Sonderstellung ein, da sie nicht nur über Nachrichten berichten und diese interpretieren, sondern meist auch ein Forum für das Publikum anbieten, wie den Abdruck von Leserbriefen in Zeitungen, das Anrufen in Radiosendungen oder die Teilnahme bei entsprechenden Fernsehformaten. Das Internet hat im Hinblick auf das Formulieren und Veröffentlichen unserer Gedanken für eine nachhaltige Veränderung gesorgt, die eine weniger gefilterte und zugleich intensivere Teilnahme des Einzelnen an öffentlichen Debatten möglich macht. Die diversen Kanäle von Social Media erlauben es technisch wie inhaltlich, dass mit vergleichsweise geringem Aufwand nicht nur in die Online-Versionen traditioneller Medien, sondern in Online-Foren von netzbasierten Medien interveniert werden kann. In diesem Zusammenhang ist der erstaunlich übermäßige, ungefilterte Ausdruck von Aggression, Falschinformation und die Beeinflussung der öffentlichen Meinungsbildung durch eben diese zentraler Bestandteil eines aktuellen Mediendiskurses. Im Angesicht einer erleichterten Verbindung bis potentiellen Vermengung zwischen den Bereichen des Privaten und des Öffentlichen im virtuellen Raum rückt die Hinterfragung der subjektiven Haltung bis hin zu einer Neukonnotation der Intimität des Einzelnen verstärkt in den Fokus. Es scheint, als entstehe aus der Reaktion der Abgrenzung gegenüber gewissen gesellschaftlichen und politischen Entwicklungen ein erneut erlangtes Selbstbewusstsein, das mitunter eine gesteigerte Sensibilität gegenüber der eigenen Psyche und Körperlichkeit beinhaltet. Die daraus resultierenden Experimente zur Verfassung des Subjekts, welche im Netz teils aggressiv nach Sichtbarkeit suchen und sich nicht selten in Widersprüche verstricken, sind zentrales Moment in der künstlerischen Auseinandersetzung mit „Hate Speech. Aggression und Intimität". In der Ausstellung im KM– kommt dem Begriff der Intimität besondere Aufmerksamkeit zu. Dieser beschreibt das Bedürfnis nach Abgrenzung vom Außenraum und den Anderen, nach Rückzug und Ruhe, um das Eigene erkennen und beschreiben zu können – und es in angestrebter Selbstermächtigung schließlich darstellen und ausleben zu können. Intimität basiert auf Verlässlichkeit der Bezüge und Referenzen, die diesen Rückzug in Form von anerkannten Daten beschreiben und damit eine Konzentration auf das Eigene erlauben. Durch die Techniken und Formen der Kommunikation des Internets und im Besonderen die darin grassierenden Fake-News und aggressiven Hassreden ist gerade diese Verlässlichkeit der Datenlage in ständiger Diskussion, was den zunehmenden individuellen Zug nach Intimität zusätzlich erschwert. Die international besetzte Ausstellung „Hate Speech. Aggression und Intimität" nimmt bedenkliche Tendenzen dieser Entwicklung einer oftmals allzu direkten Rede als Ausgangspunkt und setzt ihm kritische Beispiele gegenüber, um den hohen Wert der freien Diskussion und damit einer demokratischen Meinungsbildung innerhalb einer offenen Zivilgesellschaft aktualisiert zu unterstützen. Das Projekt versteht sich als Beitrag einer gemeinschaftlichen Diskussion und verfolgt das Ziel, die Sensibilität und das Bewusstsein für den virtuellen, öffentlichen und privaten Raum der Meinungsbildung zu erhöhen. Empörung war gestern, entpört euch! Rahmenprogramm: Veranstaltungen und Vermittlung Die Gruppenausstellung „Hate Speech. Aggression und Intimität" wird von einem vielseitigen Veranstaltungs- und Vermittlungsprogramm und von der Online-Publikation des Künstlerhauses, dem KM–Journal, begleitet. Dieses Rahmenprogramm fungiert als Ergänzung zur Ausstellung, bietet interessierten Besucher_innen die Möglichkeit der thematischen Vertiefung und will zum Diskurs anregen. Jeden Samstag um 11 Uhr haben Besucher_innen der Ausstellung die Möglichkeit an einer öffentlichen und kostenfreien Überblicksführung teilzunehmen. Bei einer kuratorischen Führung gewährt der Direktor und Kurator der Ausstellung, Sandro Droschl, am 07.02. um 18 Uhr einen Blick hinter die Kulissen der Ausstellungsproduktion der Institution. Diverse Lectures, Gesprächsformate, Film-Screenings und Konzerte beleuchten das Thema „Hate Speech. Aggression und Intimität„ jeden Donnerstagabend um 18 Uhr bei freiem Eintritt in der Veranstaltungsreihe „An Art Day's Night" (AADN): Daniela Grabovac ist Expertin für Hassbotschaften im Internet und leitet die Antidiskriminierungsstelle der Steiermark. Sie wird am 28.02. aus ihrer beruflichen Praxis berichten und anschließend an einer offenen Diskussion zum Themenkreis Hass und Öffentlichkeit in Netz und Recht teilnehmen. Prof. Christoph Bezemek forscht zur Schnittstelle Recht und Hate Speech und widmet seine Lecture am 07.03. der Frage, ob die Grenzen der Meinungsfreiheit in der Gegenwart neu vermessen werden müssen. Prof. Sonja Rinofner-Kreidl nähert sich am 28.03. aus der philosophischen Perspektive und spricht über die Äußerung von politischen Emotionen. Samstags um 15 Uhr lädt die neue Gesprächsreihe „Convo Club" jüngere Positionen aus Kunstkritik, Musik und Journalismus ins KM– ein: Den Anfang machen die Wiener Journalistinnen Alexandra Stanic und Nicole Schöndorfer am 16.03. zum Thema Hass im Netz. Im zweiten Termin am 30.03. eröffnen die Kunstkritikerinnen Johanna Rainer und Juliana Lindenhofer neue Perspektiven und interessante Einblicke in die Ausstellung. Am 06.04. ausnahmsweise um 18 Uhr unterhalten sich schließlich die Musikologin und Musikerin Christina Lessiak und die Medientheoretikerin und Musikerin Kristina Pia Hofer über Wut und negative Emotionen als Ausdrucksformen in der Musik. In einem gemeinsamen Künstlergespräch am 21.03. werden die Künstler Gunther Skreiner und Markus Sworcik der Junior Curator des KM–, Jana Franze, Rede und Antwort zu ihrer Praxis und zu den eigens für die Ausstellung produzierten künstlerischen Beiträgen stehen. Am 14.03. zeigt das KM– den Erfolgs-Film „The Square" (Regie: Ruben Östlund, 2017), in dem ein Kurator Opfer eines Online-Shit-Storms wird, und diskutiert anschließend mit Severin Dünser (Belvedere Quartier 21, Wien) über Freuden und Hürden des kuratorischen Handelns. Die Ausstellung klingt mit einer Finissage am 06.04. und einem Konzert der Experimental-, Lo-Fi-, Punk-Band Ana Threat feierlich aus, um am 18.04. seinen Ausstellungsbetrieb zu schließen. Die eigene Kreativität können die Besucher_innen des KM– in zwei Workshops fördern: Im Radio Workshop „On Air" mit Walther Moser von Radio Helsinki am 09.02. wird erprobt, wie Kunst in Sprache übersetzt und wiederum hörbar gemacht wird. Beim Poetry Slam Workshop „On Poems" am 02.03. wird mit einem poetisch rhythmischen Sprachgefühl experimentiert. Zu den Workshop-Formaten wird vorab um Anmeldung gebeten unter: vb@km-k.at In dem redaktionell betreuten Online-Magazin auf der institutionellen Plattform KM–Journal (https://journal.km-k.at) wird das umfangreiche Projekt zu den präsentierten schriftlichen und künstlerischen Ansätzen erweitert, um so die Diskussion über Hassreden und ihre illegitimen und fortlaufenden Attacken auf demokratisch entwickelte Kommunikationsformen zu vertiefen – und diesen neben der analogen Ausstellung auch etwas online gegenüberzustellen. 01.02. 18:00 Eröffnung und Feier KM– on the Decks, Grrrls DJ Crew 07.02. 18:00 AADN #1 Kuratorenführung mit Sandro Droschl (Direktor KM–) 09.02. 11:00 On Air: Radio Workshop mit Walther Moser, Radio Helsinki 16.02. 13:00 AADN #2 Impuls Minutenkonzerte, Performances neuer Musik 27.02. Extraklasse! Schulaktionstag mit Programm für jede Altersstufe 28.02. 18:00 AADN #3 BanHate App, Vortrag Daniela Grabovac (Antidiskriminierungsstelle Steiermark) 02.03. 15:00 On Poetry: Poetry Slam Workshop mit Agnes Maier (Graz) 07.03. 18:00 AADN #4 Hate Speech, Echokammern und Filterblasen, Vortrag Christoph Bezemek (Institut für Öffentliches Recht und Politikwissenschaft, Universität Graz) 14.03. 18:00 AADN #5 The Square (2017), Filmschau und Diskussion mit Severin Dünser (Belvedere Quartier 21, Wien) 16.03. 15:00 Convo Club #1 Bis hierhin und nicht weiter! Journalistinnen gegen Hass im Netz, mit Alexandra Stanic (Vice Österreich, Wien), Nicole Schöndorfer (freie Journalistin, Wien) 21.03. 18:00 AADN #6 Künstlergespräch mit Gunther Skreiner, Markus Sworcik, Jana Franze (Junior Curator, KM–) 28.03. 18:00 AADN #7 Thinking Outside the Box, Vortrag Sonja Rinofner-Kreidl (Institut für Philosophie, Universität Graz) 30.03. 15:00 Convo Club #2 Einspruch! Kunstkritik neu gedacht, Johanna Rainer (freie Kritikerin, Graz), Juliana Lindenhofer (PW-Magazin, Wien) 06.04. 18:00 Convo Club #3 NO (Wave)? Wut und negative Emotionen in der Musik, Kristina Pia Hofer (Medientheorie und Cross-Disciplinary Strategies, Universität für angewandte Kunst, Wien), Christina Lessiak (Institut für Musikwissenschaften, Universität Graz) 06.04. 20:00 AADN #8 Finissage und Konzert von Ana Threat (Wien) jeden Samstag 11:00 kostenlose öffentlich Führung


Sandro Droschl 
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posted 07. Feb 2019

Approximation Festival

07. Jan 201909. Feb 2019
Approximation Festival 07.01.2019 - 09.02.2019 07.02.2019 Filmwerkstatt Düsseldorf Einlass 19:30 Uhr Johanna Billing Xenia Pestova Andrew McPherson 08.02.2019 Kunsthalle Düsseldorf Einlass 19:30 Uhr Shida Shahabi Iiro Rantala 09.02.2019 Kunsthalle Düsseldorf Einlass 19:00 Uhr Colin Stetson Resina Ursula Oppens Ein Festival auf der Suche nach Grenzen Die Idee für das Approximation Festival entstand aus der Motivation heraus, Musiker und Komponisten in einem Projekt zu vereinen, das Grenzgänge auf dem Klavier wagt. Das Festival möchte versuchen, sich diesem so vielseitigen Instrument auf eine neue, innovative Weise und auf der Basis verschiedenster Kontexte oder Stile anzunähern (approximate). Das Approximation Festival wurde 2005 im Salon des Amateurs in der Kunsthalle Düsseldorf von Volker Bertelmann (HAUSCHKA) und Aron Mehzion aus der Taufe gehoben. Lag zur Gründung von Approximation der Schwerpunkt noch auf der Schnittstelle von Klavier und elektronischer Musik, eröffneten sich bald Verbindungen zu anderen Formen der experimentellen und Neuen Musik. In den folgenden Jahren erweiterte sich der Ansatz von Approximation hin zu einem grenzüberschreitenden Festival en miniature, das mit seinen kontrastreichen Konzerten Extreme suchte und präsentierte. Die Konzerte zielten dabei nicht nur auf ein „klassisch“ zu nennendes Publikum, sondern begeisterten auch eine eher im Bereich von Avantgarde, Neuer Musik, Jazz, Lounge, Pop und Experiment beheimatete Hörer-Klientel: ein Versuch, neue Horizonte im Bereich der Publikumswirkung von Klaviermusik ins Visier zu nehmen. Das Approximation Festival versteht sich zugleich als eine experimentelle Plattform, die Musiker aus verschiedenen Generationen, Nationen und Szenen zusammenführt, als ein Forum für die zeitgenössische Auseinandersetzung mit Piano und Keyboards. Die Konzentration von überaus vielfältigen Genres im Rahmen dieses Mini-Festivals bietet allen Beteiligten – Musikern wie Publikum – außergewöhnliche Konzerterlebnisse und einen Angriff auf eingeübte Hörgewohnheiten. Den eigeladenen Künstlern, aber auch Studierenden und interessierten Laien eröffnen sich Möglichkeiten der Zusammenarbeit mit Musikern und Komponisten aus völlig anderen Genres oder Kontexten. Text: Thomas W. Rieger
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posted 06. Feb 2019


29. Jan 201905. May 2019
TACITA DEAN 29.01.2019 - 05.05.2019 The work of this renowned British-European artist forms part of the history of Serralves’ programming, which began with a solo exhibition here in 2002 and where later she filmed her work Boots (2003) in the Casa Rosa. Several works are also included in the Museum Collection. Her 2019 exhibition is an exciting opportunity for her to show Boots, which was acquired by the Museum, alongside her new ambitious film project Antigone (2018), which premiered in the Royal Academy of Arts in her trilogy of exhibitions that also took place at the National Gallery and National Portrait Gallery in London. Antigone has been many years in the making and the ideas have manifested in other works over the past three decades, most significantly with Boots. This double-screen 35 mm one-hour film is an epic exploration of the artist’s sister’s name Antigone, which features poet and playwright Anne Carson and actor Stephen Dillane. The film project evokes the eponymous mythological figure and her blind and lame father, Oedipus. It is with great pleasure that Serralves Museum has been able to unite a series of early works that manifest the early thinking behind Antigone. Alongside these works, we are pleased to be able to show two of her most recent large-scale blackboard drawings and a multi-part photogravure from our Collection. Concept: Tacita Dean and Marta Moreira de Almeida


Tacita Dean 
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posted 05. Feb 2019

Kashef Chowdhury/URBANA. Faraway So Close

26. Jan 201906. Mar 2019
Faraway So Close A Journey to the Architecture of Kashef Chowdhury / URBANA, Bangladesh Ausstellung 26. Januar - 6. März 2019 Eröffnung Freitag, 25. Januar 2019, 18.30 Uhr Mit seiner ersten umfassenden Werkschau in Europa stellt das Aedes Architekturforum die Arbeiten von Kashef Chowdhury/URBANA aus Bangladesch vor, der 2016 für sein Friendship Centre in den Flutgebieten von Gaibandha im Norden Bangladeschs den renommierten Aga Khan Award for Architecture erhielt. Auch mit Projekten wie z.B der Gulshan Moschee in Dhaka und dem Cyclone Shelter in Kuakata erhielt er große internationale Aufmerksamkeit. Durch die sorgfältige Anordnung der Bauten in den durch extreme klimatische Bedingungen geprägten Gebieten, in Kombination mit lokalen Bautechniken und Baumaterialien, sind Kashef Chowdhurys Gebäude vorbildhafte Repräsentanten einer Architektur, die sich mit radikaler Einfachheit und Poesie in den Dienst der Gesellschaft stellt. Die von Niklaus Graber und Andreas Ruby kuratierte Ausstellung lädt mit einer stimmungsvollen Installation zu einer Reise nach Bangladesch und in die Architekturwelten von URBANA ein. Auf der architektonischen Weltkarte war das in vieler Hinsicht als Randregion stigmatisierte Bangladesch bisher kaum präsent. Das dürfte sich jedoch in naher Zukunft ändern. Ein Grund dafür ist die Architektur von Kashef Chowdhury/URBANA. Auf den ersten Blick wirken Kashef Chowdhurys Bauten, wie z.B. die sturmsichere Schule oder inselförmig im Bramaputra angelegte Dorfstrukturen, ganz unmittelbar aus dem lokalen Kontext Bangladeschs entwickelt, das zu den am dichtesten besiedelten Regionen der Erde gehört und von tropischen Klimaextremen bestimmt ist. Auf den zweiten Blick spannt seine Architektur den Bogen über Raum und Zeit hinweg von Ost nach West, von der Vergangenheit in die Gegenwart und wartet dank der virtuosen Behandlung von Licht, Raum und Materialität mit einer universellen Verständlichkeit auf. Die Werke von URBANA sind in ihrer Unmittelbarkeit nicht nur räumlich und architektonisch außergewöhnlich, sondern sie zeugen darüber hinaus von der hohen gesellschaftlichen Relevanz einer Architektur, die sich ernsthaft und erfinderisch mit brennenden Fragen über Dichte, Klimawandel, Migration oder der Reaktivierung ruraler Potenziale auseinandersetzt. Durch ein sorgfältig aus der Geschichte und Geografie des größten Deltagebietes der Erde entwickeltes lokales Handeln erlangt URBANAs Arbeit eine globale Bedeutung, die uns fern Geglaubtes in unmittelbare Nähe rückt. Strategien für Bangladesch: Lokales Handeln, globale Relevanz Gerade weil sich in Bangladesch die städtischen Ballungsgebiete etwa in Dhaka oder Chittagong unter dem Druck der Landflucht baulich explosionsartig entwickeln, sind die Werke von Kashef Chowdhury nicht der wachsenden, urbanen Mittel- oder Oberschicht vorbehalten. Vielmehr liegt ein starker Fokus des Architekten der Findung neuer Strategien, welche dem ländlichen Bevölkerungsteil, der noch immer 75% der 165 Millionen Einwohner Bangladeschs ausmacht, in seinem angestammten Lebensraum Halt und Identität bieten. Dem Entwerfer von Ausbildungsstätten, Krankenhäusern oder Siedlungskonzepten in entlegensten Gebieten ist bewusst, dass letztlich nur eine ernst gemeinte Verbesserung der Lebensumstände auf dem Lande der unaufhaltsam scheinenden Landflucht – und damit dem Kollaps der Stadtregionen – Einhalt gebieten kann. In der von Fluten, Zyklonen und einem ansteigenden Meeresspiegel bedrohten Deltalandschaft Bangladeschs, in welcher nicht nur hydrogeologisch alles im Fluss zu sein scheint, überraschen die Bauten URBANAs mit einer kompromisslosen Permanenz, die auf klaren Geometrien, auf lokal einfach verfügbaren Materialien und gebräuchlichen Bautechniken basiert. Oft sind es Variationen des im tropischen Klima bewährten Bungalow-Typs und vor Ort aus dem lehmigen Boden gewonnene Ziegel, welche die Grundbausteine einer mehrheitlich handwerklich erbauten Architektur ausmachen. Deren sorgfältig proportionierten, stimmungsvoll belichteten Räume schaffen den Spagat, höchste Funktionalität und Robustheit mit Sinnlichkeit und Anmut in Einklang zu bringen. Architektur wird damit zu einer wichtigen Basis, den am Rande der Gesellschaft lebenden Bevölkerungsschichten zeitgemäße und würdevolle Lebensräume zu schenken. Kashef Chowdhurys Arbeit mit dem Material Erde ist immer auch eine Arbeit mit der Landschaft und dem im Delta omnipräsenten Element Wasser, das Segen und Bedrohung zu gleich ist. Gezielt werden – wie etwa beim Friendship Centre Gaibandha oder den erhöhten Siedlungen in den Flusserosionsgebieten des Bramaputras – Sockel und Dämme angelegt, die die Bauten landschaftlich verorten und sie vor drohender Überflutung schützen. Der Niederschlag des Monsuns wird in Wasserbecken gesammelt und zur natürlichen Kühlung oder in der Landwirtschaft eingesetzt. Arbeiten für die Gesellschaft: Pragmatische Poesie Ein ganz neues Projekt, das zeigt, wo Kashef Chowdhury die Potenziale einer relevanten Architektur verortet, ist die aus Bambus konstruierte Schulanlage im Rohingya-Flüchtlingslager von Ukhia im Grenzgebiet zu Myanmar. Auch hier setzt die Architektur trotz minimalstem Budget und prekärster Umstände auf den sinnlichen Reichtum von Raum, der dem kleinen Schulbau inmitten von trostlos ausufernden Notunterkünften seine unverwechselbare Identität verleiht. Wie sehr Pragmatik und Poesie Hand in Hand gehen können und zu welcher Ikonografie sich dieses fruchtbare Gespann verdichten kann, zeigt sich auch an einem anderen Schulgebäude. In der immer wieder von Zyklonen heimgesuchten südlichen Küstenregion entstand unlängst eine Primarschule, die während der jährlichen Sturmsaison auch als Schutzbau dienen kann. Als ob die Architekten den Sturm mit seinen eigenen Waffen schlagen wollten, sind die Klassenzimmer mit einer spiralförmigen Erschließungsrampe umwickelt. Deren gebrochene Form bietet dem Sturm wenig Angriffsfläche und schützt die Innenräume vor herumwirbelnden Trümmern. Bei normalen Witterungsbedingungen wirkt sie als Schattenspender und schützt die natürlich belüfteten Klassenzimmer vor übermäßiger Sonneneinstrahlung. Ein vielschichtiges Raumerlebnis und ein hoher Grad an Durchlässigkeit, welcher für eine ausgewogene Lichtführung und natürliche Durchlüftung sorgen, kommen in URBANAs Projekten auch dann nicht zu kurz, wenn es darum geht, in der 18-Millionen-Metropole Dhaka Antworten auf die extreme urbane Dichte zu geben. Die siebengeschossige Gulshan Moschee oder das Projekt für den Abahani Sportkomplex setzen hier auf ein Konzept der vertikalen Stapelung und Parallelnutzung, das im Umfeld Freiräume schafft. Dank der Weichheit, ihren textil anmutenden, statisch wirksamen Betonhüllen, die wie Gewebe oder gespannte Tücher vor gleißendem Sonnenlicht schützen, werden diese städtischen Spielformen des Pavillon-Typs bei aller Radikalität und Größe zu kommunikativen Mitspielern in Stadtraum. Die Ausstellung: Tropische Wunderkammer Die umfassende Ausstellung über das Werk von URBANA dokumentiert anhand von Modellen, Fotos, Filmen und Plänen mehr als ein Dutzend Bauten und Projekte und gewährt einen kaleidoskopischen Einblick in die Entwurfs- und Bauprozesse. So werden u.a. das Friendship Centre Gaibandha, die Siedlungen in den Flusserosionsgebieten des Bramaputras, die siebengeschossige Gulshan Moschee, der Cyclone Shelter im Küstengebiet der Bay of Bengal und die Schulanlage im Rohingya-Flüchtlingslager von Ukhia im Grenzgebiet zu Myanmar zu sehen sein. In den Räumen von Aedes öffnet das Team von URBANA sein Atelier und schenkt Raum, um in einer kontemplativen 1:1 Situation ihre „Wunderkammer“ zu entdecken. Die Besucher sind eingeladen, mitten aus dem winterlichen Berlin in eine sinnlich choreografierte Reise durch den reichen Kulturraum und die unendlichen Weiten des im Tropenlicht schimmernden Ganges-Deltas einzutauchen.
Aedes Architekturforum, Berlin

Aedes Am Pfefferberg | Christinenstr. 18-19
10119 Berlin

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posted 04. Feb 2019

Ryan Sullivan - one minute’s music in one minute’s time

12. Jan 201923. Feb 2019
opening: 11. Jan 2019 18:00
Sadie Coles HQ 62 Kingly Street W1 Ryan Sullivan - one minute’s music in one minute’s time 12.01.2019 - 23.02.2019 Private view: 11.01.2019 18:00 - 20:00 Sadie Coles HQ is pleased to announce its third solo exhibition of artist Ryan Sullivan. Jazz, in a way, has resurrected [the improvisational] process — which I call the “Jazz-Process”. Now, Jazz—as we tend to look at it—is a style, but I feel that Jazz is not so much a style as it is a process of making music. It’s the process of making one minute’s music in one minute’s time. Whereas when you compose, you can make one minute’s music and take three months to compose it... ...because of historical circumstances and where jazz was born...and the American culture...we think of Jazz as a stylistic medium, which, in a way, it is..but we must remember that, in an absolute sense, Jazz is more of a...creative process of spontaneity than a style... Therefore, you might say that Chopin or Bach or Mozart or whoever improvised music — that is, anyone who was able to make music “of the moment”—was in a sense playing “Jazz”... One of the most thrilling things about Jazz, as a spontaneous creative process, is...recording it and later hearing oneself and being so surprised at what has happened. - Bill Evans, Jazz pianist (The Universal Mind Of Bill Evans, Rhapsody Films 1966) Jazz is difficult to pin down. The question “what is Jazz?” is still being asked today, almost a century after Jazz became a musical phenomenon. While thinking of Jazz qua Jazz (ie, not jazz at metaphor or jazz as way of life, or jazz as a model for socio-political discourse) there are three common elements: 1) jazz is essentially a rhythmic matter, a musical tradition with distinctly rhythmic goals; whatever sources jazz may use — and it will use any source — it takes them and bends them to its own rhythmic task; 2) while European musical tradition capitalizes on the alternation between tension and relaxation, consonance and dissonance, and energy and repose, in jazz, tension and relaxation are perpetually bound together in a single structure; 3) though not alone in utilizing improvisation, jazz relies on improvisation in its spirit, composition and performance more than any other musical tradition. Improvisation, as a definitional matter, has two main types. The first, in shorthand, can be thought of as instant composition, or immediate composition, of an entire work by its performer as it is being performed. The second, and less idealized form of improvisation, is the elaboration or other variation in real time of a preexisting framework. An improvised performance (which by definition is also an improvised composition) in this latter sense is one in which the properties, be they structural (eg melody, harmony or length) or expressive (eg tempo, vibrato or accentuation), are not completely determined by decisions made prior to the time of performance. Although some jazz musicians would like one to believe — and some jazz aficionados like to themselves believe — in instant composition / pure spontaneity, spontaneity is not an unbounded practice nor, in truth, an actionable one. The ideal of extemporaneous creation is always tempered by the reality of repetition, pre-conceptualization and control. Even the purest devotee of the greatest jazz improvisors — one immediately thinks Ornette Coleman and Charlie Parker — are aware that the spontaneous improvisor’s speed and fluency is not heedless, careless or lacking in coherent goals, and is not unaided by efficacious techniques. The jazz improvisor always balances “the moment” with a judicious use of a preexisting aesthetic framework and pre-visioned artistic materials. The improvisers mind is crammed full of motifs, instrumental sounds, tiny figures, large structures, scales, chords, modes and all of the rest of it from which he or she draws in creating works through association. Preparation, practice and pre-conceptualization are absolute necessities — it is not false to say one can practice improvising — one can work up a cache of licks, figure out various ways around tricky progressions and so on, to be employed both mindlessly (through the embodied hand) and mindfully with the engagement of both the conscious and unconscious. Against the vision of the jazz improvisor as the medium through which a continuous flow of data associations, memories and meditations are translated into an artistic product, a reasonable view of the improvisory process (Bill Evans “Jazz-process”) recognizes the primacy of planning, deliberation, pre-conceptualization and other constraints purposely employed. The constraints themselves are the sine qua non of improvisation, not external to it. To embrace improvisation and the jazz tradition is to embrace an aesthetics of imperfection — to accept the materials at hand, and the hand that you are dealt, and to do something with them. Errors will creep in, not only in form but in execution; the improvisor if sincerely attempting to be creative, will push himself or herself into areas of creation that his or her technique will not be able to handle. The product (by definition, the process) will embody moments of rare beauty intermixed with technical mistakes, unfortunate surprises and aimless passages. Critics that are unaccepting of an improvisory mindset accuse jazz of being harmonically uninventive and of containing lots of wrong notes in both senses of inappropriateness for the musical moment and poorly executed. For a spectator who cannot accept the ethical dimension of improvisation, Miles Davis is a problem. How does that spectator account for the glaring defects in the performance of someone who in undisputedly one the most important musicians in the history of jazz? How does one resolve the disequilibrium engendered by the innate understanding that an artists’s failures and mistakes are coextensive with the art form’s power? Jazz is a discursive embrace of contingency. To be in the flow is to make on the spot responses to problems that are generated by the interaction of events, coupling the musician’s sense of the rhythmic and harmonic possibilities with their individual capacities, their store of knowledge and their entire being. Flow is to be willing to make the moves — however risky, novel or cliche — that are necessary and required in the face of unanticipated, perverse and even random occurrences (most of which are generated by the acts of oneself). To be in a groove is not just to resolve problems it is also to seek them out. The product of the groove — its melodic line, with its impression of the push and pull and the generation and decay of tension and resolution — embody a “improvised feel” and have a distinctive and unreplicable form. Each performance is the concretization of the excitement and unpredictability of the process. Paradoxically, a process (a set of guidelines for activities within a given framework) which is infinitely replicable and which is engendered for the sake of repetition, creates a singularity — this is it; this is a singular occurrence that will never happen again. In discussing improvisation it is frequently noted that structure and form are neglected. But improvisors are uniquely concerned with structure, though the structure may be retrospective and, in part, unconscious. In the realm of cognitive sciences, this retrospective approach to structure is poetically named “laying down a path while walking.” An improvisor lays down a world, he or she does not mirror it. The improviser actively generates and maintains the structure and form of the work in the process of its own production. In laying down the path, the improviser experiences time in an inner directed manner — the present (the next step) is heightened though the past and future are not absent. An improvisor creates while simultaneously projecting awareness into the past and future — in each step, past ideas are recalled and developed or future-directed strategies are implemented. When improvising the present is twofold one layer involves sequential causal relationships between events, and the other layer is autonomous and changeable from its adjacent temporal surroundings. In jazz the present is dynamic rather than a discreet parcel of time whose boundaries are continually definable and continually redefined by subjective criteria. Each instant is a horizon that bleeds into the past and present; retention and protension form a future and historical “halo” encircling a tension to the present moment — either way, time and temporal experience are marked by continuity and flow. Though common sense dictates that music is a function of sound, music is more accurately thought of as an art of time. In its most prosaic and formal sense, tones (the building blocks of music) have duration and music is the unfolding of tones through time. If music is an art of time, jazz’s time is right now — the ever present moment of improvisation. Ryan Sullivan


Ryan Sullivan 
Sadie Coles HQ, London

1 Davies Street
W1K 3DB London

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posted 03. Feb 2019

Liina Siib. Politics of Paradise

16. Feb 201914. Apr 2019
Liina Siib. Politics of Paradise 16.02.2019 - 14.04.2019 Curator Taru Elfving Tallinn Art Hall Liina Siib excavates the multiple dreams and ideals that haunt the present. Her work pays acute attention to the minor narratives, which usually persist in the shadows of the attention economy or crevices of accelerated lived experience. Bringing together new productions and a selection of older works by Siib, the exhibition mediates intergenerational conversations between individual lives and complex gendered histories of privilege and power. Recently Siib has looked at the ongoing regional economic migration through the eyes of Estonian women working in Finland. This contemporary polyphony of personal stories, desires and realities is reflected against new installations focused on the tragic yet deviant historical local female characters. They continue Siib’s long-term artistic investigations into the entangled political and habitual claims to space, voice and meaning. Liina Siib (b. 1963) is known for her photography, video and installation works based on extensive research, archive material, interviews and collaborations. Recent exhibitions include Riga Biennial 2018 and Sinne, Helsinki. Siib represented Estonia at the Venice Biennial 2011. Taru Elfving is curator and writer based in Helsinki. Her practice focuses on nurturing site-sensitive and transdisciplinary artistic practices at the intersections of feminist and ecological enquiries. Her curatorial projects include Hours, Years, Aeons (Finnish Pavilion, Venice Biennale 2015), Frontiers in Retreat (HIAP 2013-2018), Contemporary Art Archipelago CAA (Turku 2011, European Capital of Culture), and Towards a Future Present (Lofoten International Art Festival 2008).


Liina Siib 


Taru Elfving 
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posted 02. Feb 2019

Hito Steyerl - The City of Broken Windows

01. Nov 201830. Jun 2019
opening: 31. Oct 2018 19:00
Hito Steyerl focuses on the role of media, technology and the circulation of images in the era of digital nativism. The artist creates installations in which film production is associated with the construction of architectural environments. For her exhibition at Castello di Rivoli, she premieres The City of Broken Windows (2018), stemming from research into the practices of Artificial Intelligence industries and urban painting. The City of Broken Windows revolves around the process of teaching artificial intelligence how to recognize the sound of breaking windows. Steyerl explores how AI affects our urban environment and how alternative practices may emerge through pictorial acts in the public space. Chris Toepfer, protagonist of the new work, will board up Castello di Rivoli with trompe l’oeil window paintings. Steyerl’s new project offers an intriguing perspective on how the digital contemporary imagination shapes our perception of reality. Screens, windows, liquid and non-liquid crystals all tie together in this new installation. Amongst Hito Steyerl’s most influential texts are In Defense of the Poor Image in e-flux journalin 2009. Most recently, her writings have been collected in volumes such as The Wretched of the Screen (e-flux journal series, Sternberg Press, 2012) and Duty Free Art. Art In the Age of Planetary Civil War (Verso Press, London and New York, 2017) which includes Duty Free Art(published first in 2015) and A Tank on a Pedestal (2016). The exhibition will be accompanied by a new Castello di Rivoli publication and by a one-day Symposium and study day on Artificial Intelligence, which will be held on December 12, 2018. Participants to be announced and include Esther Leslie, Professor of Political Aesthetics at Birkbeck, University of London. Drafted by Carolyn Christov-Bakargiev and Marianna Vecellio


Hito Steyerl 
Castello di Rivoli, Turin °

Museo d’Arte Contemporanea | Piazza Mafalda di Savoia
10098 Turin

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posted 01. Feb 2019

Deborah Rundle: Are We Not Ready?

01. Dec 201810. Mar 2019
Deborah Rundle: Are We Not Ready? 01.12.2018 - 10.03.2019 Expanding upon research undertaken during her 2018 Wallace New Zealand Residency at The British School at Rome, and presented alongside new work, Are We Not Ready? is a solo exhibition by Deborah Rundle that draws upon the Prison Notebooks of Italian neo-Marxist Antonio Gramsci to create a suite of works that examine his notion of common sense. ‘Communal sense’, or senso comune, refers to ideas that are widely accepted in popular consciousness but do not serve the populace. Rundle explores this collective impulse through a series of transcriptions across political fields, including labour and civic life. In A dream seems like a dream, Rundle uses a Studio 45 typewriter to type a passage extracted from the utopian writings of Adriano Olivetti, owner of the Olivetti manufacturing company and originator of The Community Movement. Cross-hatching the text is a ‘net work’ reminiscent of Gramsci, suggesting a pulling through of unresolved ideas from the past. Seven starlings appear in Auspices 1943-, above a 1943 map of Rome produced by the British War Office. Just seven birds fly in harmony with any individual bird inside the swarm of thousands that comprises a murmuration of starlings. Here, the artist draws on the ancient practice of augury to ask ‘what omens can we read today in the flight pattern of these birds?'
Te Tuhi, Auckland

TE TUHI | 13 Reeves Road

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