daily recommended exhibitions

posted 19. Feb 2020

Lauren Gault: C I T H R A

23. Jan 202022. Mar 2020
Lauren Gault: C I T H R A 23.01.2020 - 22.03.2020 Preview: 22 January 2020, 6:30 - 8:30pm Gasworks presents C I T H R A, the first solo exhibition in London by Lauren Gault, a Glasgow-based artist born in Belfast. Through her experimentation with unorthodox materials, techniques and manufacturing processes, Gault's work explores the transitions between different states of matter and non-human time scales, while also addressing the ethical and political implications of our everyday interactions with the environment. In her sculptures, materials as diverse as polished horn, blown glass, pumped air, light, water or agricultural milk powder are transformed by processes involving pressure, tension and release. Her work evokes intangible encounters between radically different materialities and opens up a space for objects to communicate and resonate with one another. Following her residency at Gasworks, which took place between April and June 2019, the artist continues her empirical research and studio-based experiments concerning material suspension and boundary dissolution. As a point of departure for her new body of work, Gault is researching on the writings of Irish-born female explorer, visionary inventor and self-educated scientist Martha Craig (born 1866), including the unpublished manuscripts and rare editions of her lectures on scientific questions such as teleportation and the aurora borealis. A distant relative of the artist, Martha Craig’s long-forgotten science-fiction novel, The Men of Mars (anonymously published in 1907 under a mysterious pen name, ‘Mithra’), as well as her pioneering ideas about physics will form the basis for Gault's exhibition, C I T H R A —its title an allusion to the early Zoroastrian word for 'seed', 'species', 'livestock' or 'prototype'. Lauren Gault's exhibition will later travel to The Tetley in Leeds.

artist

Lauren Gault 
Gasworks London

GASWORKS | 155 Vauxhall Street
SE11 5RH London

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posted 18. Feb 2020

Naufus Ramírez-Figueroa: Asymmetries

25. Jan 202010. May 2020
Naufus Ramírez-Figueroa: Asymmetries 25.01.2020 - 10.05.2020 Curator: Lauren Barnes Assistant Curator: Justine Kohleal Canadian-Guatemalan artist Naufus Ramírez-Figueroa works across media, using forms including sculpture and performance that draw on literature, Latin American history, folklore and childhood memories. Referring to traumatic or tragic events – in particular Guatemala’s civil war (1960–96), which forced Ramírez-Figueroa and his family to immigrate to Vancouver as refugees in the 1980s – his works are imbued with a playful, sometimes dream-like spirit. Varied objects in sculptural installations, and the artist’s own body in performance works, become tools to consider the constructions of identity, architecture and history. The exhibition will encompass works from the past decade that reveal the range of Ramírez-Figueroa’s preoccupations, from conspiracy theories to bird song and Guatemala’s architectural history. It will also include a newly commissioned work, which takes as its starting point the cacaxte, a ladder-like tool for carrying objects on one’s back common among indigenous populations of Latin America. In this new work, Ramírez-Figueroa reinvents the object to consider its associations with colonial oppression alongside its mythical significance. Naufus Ramírez-Figueroa (b. 1978 Guatemala City, Guatemala, lives and works in Guatemala) holds a BFA from Emily Carr University and an MFA from the School of the Art Institute of Chicago. He was a post-graduate researcher at Jan Van Eyck Academie in 2013. He has had solo exhibitions at institutions including New Museum, New York (2018); Haus Esters, Krefeld, Germany (2017); CAPC Bordeaux, France (2017); IICD, Amsterdam (2016); Gasworks Gallery, London, UK (2015); and Tate Modern, London, UK (2015). He has participated in various group exhibitions including the 57th Venice Biennale (2017); The Conundrum of Imagination at the Leopold Museum, Vienna (2017); Illy Present Future at the Castello di Rivoli Museum of Contemporary Art, Turin, Italy (2013); the 32nd Bienal de Sao Paulo (2016); the 10th Gwangju Biennale (2014); Home Works IV: A Forum on Cultural Practices at Masrah Al Madina Theatre, Beirut, Lebanon (2008); and the 53rd International Short Film Festival, Oberhausen, Germany (2007). Ramírez-Figueroa is a recipient of a Guggenheim fellowship, a Franklin Furnace award, an Akademie Schloss Solitude fellowship, the ARCO Comunidad de Madrid for young artists, the DAAD Berliner Künstlerprogramm and the 2017 Mies Van der Rohe Award.
The Power Plant, Toronto

THE POWER PLANT CONTEMPORARY ART GALLERY | 231 Queens Quay West
ON-M5J 2G8 Toronto

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posted 17. Feb 2020

Koo Jeong A

26. Jan 202023. Feb 2020
opening: 26. Jan 2020 06:00 pm
Koo Jeong A 26.01.2020 - 23.02.2020 Opening on Saturday, 26.01.2020 18:00 - 20:00 Eva Presenhuber is pleased to present an exhibition project with South Korean artist Koo Jeong A. The work of Koo Jeong A incorporates objects with the capacity for transformation, still and moving images, sound and scent. These disparate mediums are combined with elements such as wind, gravity, and site-specific reconfigurations and interventions into architectural space. By placing these varying mediums into delicate and meticulous tension, Koo Jeong A’s installations trigger a certain energy in their encounter, asking the viewer to engage in a cryptographic unraveling of each artwork. Often using commonplace matter in order to conjure alternative realities, Koo Jeong A traces a certain poetic within the nature of forms that permeate the universe. What underpins the artist’s transient approach to making is an interest in the minute details of our earthly environments and the cosmic constellations that simultaneously connect and expand them. Koo Jeong A traverses these details with a flexible and rational movement, where order and disorder, perception and memory, beauty and practicality are always oscillating. Koo Jeong A’s solo exhibition at Eva Presenhuber, New York brings together a new body of work comprising works on paper and animation with a series of watercolors made in 2008, each considering the delicate nuances of image-making, representation, and gesture. Twelve watercolors are presented in the first gallery, depicting a sequence of bodies, faces, and shapes rendered in vivid washes of color. These fragmented figures appear caught in fleeting acts of movement – an elongated stretch, a step or leap forward, or a squat down towards the ground – while in others their bodies appear static, but with mouths gaping wide, crudely smiling, or gazing outward at the viewer. Each of these images speaks to a quiet observation on the part of their maker; by isolating these everyday gestures, such that the subjects appear to levitate off the paper, Koo Jeong A highlights a certain fragility within their movement and expression – a momentary glimmer of energy caught on a two-dimensional plane. Acts of appearing and disappearing are also embedded within a series of works on paper made using phosphorescent pigment. Titled Seven Stars, each composition is scattered with differing numbers of these five-pointed formations, emanating their green luminosity out of a black background to create an illusory depth within each image. The grounded gestures of the body that are portrayed in the series of watercolors in the first gallery are here transformed into cosmological activities in the sky, where the ephemeral movement of a shooting star is held within a fragile network. These new works continue Koo Jeong A’s interest in the innate connectivity between earthly and universal matter, and how the energies of our bodies and those of the stars are not only aligned but intricately woven together. Seven Stars is presented within a specially conceived installation that alternates between moments of light and dark, physical and immaterial spaces. Displayed alongside these works is a new 3-minute-long animation titled exit, which simultaneously activates the gallery with its resonant light while allowing the luminescence of Koo Jeong A’s stars to materialize in the blackness between its loops. Out of a blue-sky backdrop emerges a cartoon figure, whose lurid pink, Medusa-like hair dominates the frame as its body appears to float and glide in a suspended state of free-fall around the flare of a blinding sun. Koo Jeong A’s contemporary reference to the Gorgon of Ancient Greece connects to acts of looking and being looked at, which permeate this entire exhibition through the subtle gestures of human and otherworldly entities. Locked in acts of stargazing, visitors are drawn into a hypnotic, mutable, and mystical environment constructed by the artist, entering into a space where bodies can levitate and minds can float. Koo Jeong A was born in 1967 in Seoul, Korea. Koo Jeong A was named ‘2016 Artist of the Year’ by the Korean Culturel Centre UK, celebrated with a solo exhibition in London in October 2016. Recent solo exhibitions and commissions include: ajeongkoo, Art Sonje Center, Seoul (2017); Enigma of Beginnings, Yuz Project Room at Yuz Museum, Shanghai (2016); Koo Jeong A x Wheelscape: Evertro, Everton Park, Liverpool (2015); Annual Journey, Pilar Corrias, London (2015); Oussser, Fondazione La Raia, Novi Ligure (2014); Koo Jeong A: 16:07, Kunsthalle, Düsseldorf (2012); OTRO, Centre international d’art et du paysageIle de Vassivière, Vassivière (2011); E opened his eyes he is now walking, CCA KITAKYUSHU Project Gallery, Kitakyushu (2011); Constellation Congress, DIA Art Foundation, Dia:Beacon, Beacon, The Dan Flavin Art Insitute, Bridgehampton, NY (2010); Koo Jeong A, Aspen Art Museum, Aspen, CO (2008); Flash Cube at Leeum, Samsung Museum of Art, Seoul (2007). Joseph Constable

artist

Koo Jeong-A 
Eva Presenhuber, New York

39 Great Jones Street
NY 10012 New York

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posted 16. Feb 2020

Sagmeister & Walsh: Beauty

15. Dec 201926. Apr 2020
Sagmeister & Walsh: Beauty 15. Dezember 2019 bis 26. April 2020 Was ist Schönheit und warum fühlen wir uns von ihr angezogen? Philosophie, Wissenschaft, Psychologie und nicht zuletzt Kunst und Gestaltung streiten seit der antiken Ästhetik kontrovers über das Wesen der Schönheit, ihre Wirkung auf die menschliche Wahrnehmung und unser daraus resultierendes Verhalten. Diesem Diskurs widmet sich das Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MKG) mit dem neuen Ausstellungsprojekt Beauty von Stefan Sagmeister, dem in New York lebenden Superstar des Grafikdesigns. Gemeinsam mit Jessica Walsh stellt Sagmeister ein ganz persönliches, und visuell beeindruckendes Plädoyer für die Lust am Schönen vor. Nahezu im gesamten 20. und 21. Jahrhundert war und ist Schönheit im Designdiskurs eher negativ besetzt. Diesem Ressentiment setzen Sagmeister und Walsh empirisch fundierte Argumente genauso wie subjektive Beobachtungen entgegen und machen Schönheit als einen zentralen, funktionalen Aspekt ansprechender Gestaltung erlebbar. Nach dem großen Erfolg seiner Happy Show nimmt Stefan Sagmeister die Besucher*innen nun mit spektakulären interaktiven und multimedialen Installationen mit auf eine sinnlich-vergnügliche Expedition in seinen Kosmos des Schönen. Eine Mischung aus eigens für die Ausstellung produzierten Installationen und Beispielen aus Produktdesign, Stadtplanung, Architektur und Grafikdesign animiert die Besucher*innen zum Sehen, Riechen und Fühlen. Unterstützt von Erkenntnissen aus der psychologischen Ästhetik vertreten Sagmeister & Walsh den Standpunkt, dass Schönheit mehr ist als eine rein oberflächliche Strategie: Sie beeinflusst unseren Alltag, stimuliert unsere Wahrnehmung und macht die Welt zu einem besseren Ort. Gegliedert in sechs Ausstellungsthemen – „Was ist Schönheit?“, „Die Geschichte der Schönheit“, „Im Auge des Betrachters“, „Schönheit erleben“ und „Transformierende Schönheit“ – entfachen rund 70 Objektgruppen einen ästhetischen Diskurs zur Schönheit als Paradigma für hochwertige Gestaltung. Den Abschluss der Ausstellung bildet ein von Sagmeister & Walsh kuratiertes „Schönheitsarchiv“ mit von ihnen als besonders schön bewerteten Exponaten aus der über 500.000 Werke umfassenden Sammlung des MKG. Das Best-of umfasst über 60 Objekte aller Gattungen aus verschiedenen Kulturen und Epochen, von der antiken Skulptur und Kunstkammer-Schätzen der Renaissance über Grafiken von Albrecht Dürer, Mode von Christian Dior, Spielzeug von Lyonel Feininger bis zu Fotografien, Möbeln oder einem Hightech-Rennrad. Das spektakuläre Haupttreppenhaus des MKG wird unter anderem mit einer imposanten Installation aus 216 „atmenden“ Kunststoff-Tüten des Künstlers Nils Völker bespielt und führt schon beim Betreten des Museums zur zentralen Frage: „Was ist Schönheit?“. Die von unzähligen Philosoph*innen und Wissenschaftler*innen diskutierte Frage, was Schönheit ausmacht, beantworten Sagmeister & Walsh mit Fakten: Schönes wirkt unmittelbar auf die Dopamin-Rezeptoren und auf das Empfinden, somit kann schöne Gestaltung als funktionell verstanden werden. Symmetrie definieren Sagmeister & Walsh als universelle Komponente des Schönheitsempfindens. Diese These untermauern sie mit mehreren Installationen: Unter anderem können Besucher*innen mit einer interaktiven App symmetrische Strukturen generieren und bedruckte Tragetaschen bestellen. Ein auf Großleinwand projizierter Vogelschwarm, der sich in seiner Dichte und Geschwindigkeit kontrollieren lässt, belegt, dass ausbalancierte Muster tendenziell bevorzugt werden. Schönheit ist seit jeher ein bestimmendes Moment für die Partner*innenwahl, die Reproduktion und die Evolution. Wir empfinden positive Emotionen, wenn wir Schönes sehen. Beispiele aus allen Epochen der Menschheitsgeschichte lassen im Ausstellungsbereich „Die Geschichte der Schönheit“ keinen Zweifel am Begehren nach Schönheit. Sexuell anziehend ist nicht nur physische Schönheit, sondern auch die Fähigkeit, schöne Dinge zu kreieren. Das war schon in der Frühgeschichte so: Für den symmetrischen Schliff von Steinäxten gab es keine Begründung, allerdings gewannen die Hersteller*innen dieser Werkzeuge mit ihrem Gefühl für symmetrische Gestaltung und mit feinmotorischem Können an Attraktivität. Auch die Ablehnung von Schönheit wird im Rahmen dieses Ausstellungsbereichs umfassend thematisiert. Das ästhetische Empfinden ist nach Sagmeister & Walsh weniger subjektiv als gemeinhin angenommen. In dem Ausstellungsbereich „Im Auge des Betrachters“ werden bemerkenswerte Ähnlichkeiten in verschiedenen Kulturen und Epochen aufgespürt. Wie universell das Schönheitsempfinden ist, verdeutlicht unter anderem die Visualisierung von Untersuchungen des Psychologen Chris McManus am University College London: 85 Prozent der Proband*innen können auf Anhieb ein Werk von Piet Mondrian von der leicht abgeänderten Fälschung unterscheiden. Einmal mehr laden Sagmeister & Walsh hier zur Interaktion ein: Die Eintrittskarte ist mit geprägten Münzen versehen, mit denen die Besucher*innen an verschiedenen Stationen über unterschiedliche Formen, Farben und Gerüche abstimmen können. Schönheit hat das Potenzial, die Welt zu verbessern, wie Sagmeister & Walsh im Ausstellungsbereich „Transformierende Schönheit“ deutlich machen. Unter anderem zeigt die Installation From Garbage to Functional Beauty, wie der unkonventionelle französische Designer Thierry Jeannot gemeinsam mit mexikanischen Müllsammler*innen einen wunderschönen Kronleuchter aus Plastikmüll schafft. Im Bereich „Schönheit erleben“ können die Gäste Schönheit mit allen Sinnen entdecken: Ein Sound-Raum zelebriert die Kombination aus einem analogen Plattenspieler, audiophilen Kopfhörern und einem besonders schönen Musikstück. Mit der Virtual Reality Station Tyranny of the Tool der Firma Unbound können Besucher*innen eigene dreidimensionale Skulpturen erschaffen. Philip Beesleys Installation Nebula Prototype: Liminal Architecture nimmt einen ganzen Raum ein und wird ergänzt von außergewöhnlichen Outfits der Modedesignerin Iris van Herpen. Der mit intensiven, blau-rosafarbenen Mustern überzogene Color Room wird regelmäßig mit einem speziellen Licht beleuchtet, das bestimmte Farbtöne grau erscheinen lässt und mit der Farbwahrnehmung spielt. Das Ergebnis: Farbigkeit wird als schöner empfunden. Publikation: Zur Ausstellung ist die Publikation Sagmeister & Walsh: Beauty. Schönheit als Schlüsselkonzept für die Gestaltung der Zukunft von Stefan Sagmeister und Jessica Walsh erschienen, Deutsch und Englisch, 284 Seiten mit 377 farbigen Abbildungen, Verlag Hermann Schmidt, Mainz 2018, um 39,80 Euro Sagmeister & Walsh: Beauty ist eine Ausstellung des MAK, Wien, und des Museum Angewandte Kunst, Frankfurt am Main. Die Ausstellung wurde kuratiert von Kathrin Pokorny-Nagel (MAK, Wien) und wird im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg von Dennis Conrad und Simon Klingler realisiert. Die Hamburger Station wird ermöglicht durch Mittel aus dem Ausstellungsfonds der Freien und Hansestadt Hamburg, der Hubertus Wald Stiftung und der Justus Brinckmann Gesellschaft.

artists & participants

Stefan Sagmeister,  Jessica Walsh 
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posted 15. Feb 2020

Lahore Biennale 2020

26. Jan 202029. Feb 2020
Lahore Biennale 2020 between the sun and the moon January 26–February 29, 2020 Local and international artists and curators, public figures and patrons gathered with art lovers over the weekend to open the second edition of the Lahore Biennale (LB02) on January 26, 2020. The inauguration ceremony took place amidst majestic surroundings in Hazuri Bagh, a garden in the city’s historic fort. Newly commissioned projects were unveiled alongside important works of contemporary art: Diana Al Hadid’s remarkable public sculpture in the gardens of Divan-e-Aam, inspired by the popular legend of Anarkali; installations by diaspora artists Hajra Waheed, Haroon Mirza and Khadim Ali and paintings by Ethiopian artists created in Lahore. In the Summer Palace, dozens of participating artists and curators visiting Pakistan for the first time mingled with the public as they viewed Wael Shawky’s Cabaret Crusades, exhibited alongside sculptures by Dagestan’s Taus Mackacheva. Chief guest Dr. Arif Alvi, the President of Pakistan, thanked Hoor Al Qasimi, President and Director of the Sharjah Art Foundation, for her efforts in curating the Biennale. “The world has to understand what the history of Lahore is,” explained Al Qasimi to journalists. A key objective of the Lahore Biennale, she added, is to illuminate the rich diversity of culture within the region whilst stimulating dialogue between nations and regions of the global South, not least South and West Asia. “I was very interested [in curating LB02],” said Al Qasimi, “because there is a long history between Pakistan and the UAE.” Several projects such as Reem Falaknaz’s exploration of popular pigeon racing highlight little known and forgotten ties of cultural and historical exchange. An influential figure and visionary within the world of contemporary art, Al Qasimi is known for having transformed Sharjah into an international art capital. “I have blind faith in her curatorial skills,” said Mia Eldib, Sotheby’s Middle East consultant on Contemporary Arab Art, on her first visit to Lahore, adding: “I am here because I know she will deliver a spectacular show.” Al Qasimi’s collaboration with the Lahore Biennale Foundation, overseen by its founder and driving force Qudsia Rahim, is thought to have genuinely transformative potential for the art scene in Pakistan. Art historian and LBF advisory board member Iftikhar Dadi reflected on its significance within the history of global art exhibitions, alongside Mohsin Hamid’s carefully calibrated reminder of art’s critical role in society, which added a sobering note of concern about the challenges faced by exponents of free expression. Titled between the sun and the moon, LB02 is a cultural event of unprecedented scale in Pakistan, bringing over 80 artists’ projects from all over the world to numerous sites in the city of Lahore. A centerpiece of the Biennale is an ambitious, immersive multimedia installation on Islamic cosmology at the PIA planetarium. Created by Berlin-based, Kazakhstan-born artist Almagul Menlibayeva, it is inspired by the astronomical discoveries made by Islamic astronomers in Samarkand. Site-specific performances by the Amsterdam-based sound artist German Popov and Russian artist Inna Artemova have added to its sublime effect, mesmerizing visitors on subsequent days with the help of classically trained local musicians. Other noteworthy performances included a stunning musical experiment by Haroon Mirza in Gaddafi Stadium’s Alhamra Amphitheatre. Veteran artists Rasheed Araeen and Anwar Saeed were honored with special awards. As the curatorial concept explains, the Biennale’s focus encompasses a search for sustainable ecology within the South, a search that involves revisiting our understanding of the cosmos itself. Commenting on this theme, Al Qasimi said: “For centuries, inhabitants of these regions oriented themselves with reference to the sun, the moon and the constellations. How do we reflect on our place within the universe today, at this junction of climate crisis and polarities between societies?”

curator

Hoor Al Qasimi 
Lahore Biennale

13B Block D, Block A New Muslim Town
54000 Lahore

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posted 14. Feb 2020

In Real Life

16. Jan 202029. Mar 2020
In Real Life Jan 16 — Mar 29, 2020 The Museum of Contemporary Photography at Columbia College Chicago (MoCP) presents In Real Life from January 16 – March 29, 2020. As the powerful technology behind artificial intelligence grows more sophisticated, machines have developed the capacity to not only capture images but to “see” them as well. In Real Life is an exhibition seeking to examine the real-world impact of computer vision—from the murky ethics of data collection and surveillance to the racial and gender biases that abound in facial recognition technology.

Highlights from the exhibition include pieces by Stephanie Dinkins, whose work grapples with the intersection of artificial intelligence and race. In Conversations with Bina48 (2015), Dinkins converses with the social robot prototype Bina48, who responds to her questions about life, social equity, and racism. Her other piece on view which addresses similar concerns is Not the Only One (N’TOO) (2017), a voice-interactive chatbot that is equipped to converse about the black experience by telling the multigenerational story of the artist’s own family. Trevor Paglen’s Behold These Glorious Times! (2017) also explores the unsettling nature of machine learning, juxtaposing photos and videos that are used to train AI to “see” objects, people, gestures, and emotions. Other works in In Real Life examine how technology and surveillance increasingly inform our daily lives, particularly videos by artists Liam Young and Xu Bing. In Liam Young’s Where the City Can’t See (2016), workers in a fictionalized Chinese-controlled Detroit Economic Zone (DEZ) move through their dystopic city in a driverless taxi, searching for spaces beyond the surveilled city. In Xu Bing’s Dragonfly Eyes (2016), 10,000 hours of actual surveillance footage is woven together to tell a story that is voiced by actors, blurring the lines between fiction and perceived reality. In Real Life includes works by Stephanie Dinkins, Trevor Paglen, Leo Selvaggio, Maija Tammi, José Orlando Villatoro, Xu Bing, and Liam Young, and features photography, video, and mixed media installations. These seven artists explore the increasingly fraught relationship between humans and technology, with an emphasis on the social and aesthetic ramifications of machine “seeing.” With a charged underpinning of human biases, these pieces, many of which were generated through algorithmic technology, present a speculative near-future wherein the socio-political consequences of AI have already begun to compromise how we visualize the world—and our humanity. In Real Life is organized by MoCP executive director Natasha Egan. The MoCP will present a lecture by Stephanie Dinkins on February 13, 2020. This exhibition has received funding from the Efroymson Family Fund.

curator

Natasha Egan 
MoCP Chicago

Museum of Contemporary Photography / Columbia College Chicago | 600 S. Michigan Ave
IL-60605 Chicago

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posted 13. Feb 2020

PATRICK HUGHES "Geometry in Motion"

22. Jan 202007. Mar 2020
opening: 22. Jan 2020 06:30 pm
PATRICK HUGHES "Geometry in Motion" Paintings and Multiples Anlässlich des 80. Geburtstages des Künstlers 22.01.2020 – 07.03.2020 Zur Eröffnung am Mittwoch, den 22. Januar 2020 um 18.30 Uhr laden wir Sie und Ihre Freunde herzlich ein. Es spricht Prof. Dr. h.c. mult. Peter Weibel, ZKM Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe Der Künstler ist anwesend. "For the first thirty years of my career I was saying paradox is the thing, I was pushing a paradoxical kind of art, with contradictory images like the ouroboros and the solid rainbow, but when I started making a paradoxical and contradictory perspective, a reverse perspective, then I was no longer telling my viewers things but allowing them to experience contradictory perceptions and so letting the art watcher find out the magic for themselves." Patrick Hughes * Patrick Hughes „Geometry in Motion“ – Paintings and Multiples by Patrick Hughes Als Maler des Paradoxen hat sich der 1939 in Birmingham geborene englische Künstler Patrick Hughes einen internationalen Ruf erworben. Seine Arbeiten befinden sich in internationalen Sammlungen weltweit. Anlässlich seines 80. Geburtstages widmet die Galerie Boisserée ihm erneut eine Einzelausstellung. Sie umfasst 16 auf Holz gemalte Unikate der letzten Jahre sowie eine umfangreiche Sammlung seiner Multiples – darunter zahlreiche frühe und inzwischen vergriffene Arbeiten. Zur Ausstellung erscheint ein Katalog mit über 50 farbigen Abbildungen und einem Vorwort von Peter Weibel, dem Direktor des ZKM Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe. Wahrnehmung von Illusion und Wirklichkeit sowie optische Irritationen sind die zentralen Themen seiner Kunst. In illusionistischen Kompositionen konfrontiert er den Betrachter mit dem Spiel sich ständig verändernder Perspektiven. Die Mittel und Methoden erscheinen paradox – sind dabei dennoch von bestechender Konsequenz. Der perspektivische Blick war eine der wichtigen Errungenschaften der Renaissance und hatte größten Einfluss in der Geschichte der westlichen Kunst. Das perspektivische Bild ist heute allgegenwärtig. Seine Dominanz lässt jedoch vergessen, dass es keineswegs unser natürliches Sehen abbildet. In paradoxer Weise bildet das perspektivische Bild auf einer Fläche, die in der Natur gar nicht vorkommt, den dreidimensionalen Raum ab. Der perspektivische Raum im Bild wird nur im Blick und für den Blick erzeugt, denn es gibt ihn nur auf einer Fläche, die von Hause aus nicht Raum ist und nicht Raum hat. Patrick Hughes‘ dreidimensionale Bildobjekte sind „sich bewegende“ Bilder, die die umgekehrte Perspektive, die sogenannte reverspective, als gestalterisches Mittel einsetzen und durch sie eine neue Perspektive (einen neuen Blick) auf die Perspektive selbst werfen. Frontal und aus der Ferne betrachtet, vermitteln die Bildobjekte zunächst den Eindruck einer Fläche. Erst aus der Nähe betrachtet, erkennt man ihre Beschaffenheit. Die desorientierende Wirkung setzt ein, sobald der Betrachter seine Position leicht verändert. Der reliefartige Bildgrund verstärkt den Eindruck der Raumtiefe und das Gesehene scheint sich mit dem vorbeigehenden Betrachter zu bewegen. Die irritierende Wirkung erzielt Hughes, indem er mit dem Effekt der optischen Täuschung arbeitet. Die räumliche Situation wird falsch eingeschätzt. Es kommt zu Wahrnehmungsirritationen. Die bevorzugten Motive seiner Gemälde und Multiples sind Architekturansichten, wobei eine Vorliebe für Gemäldegalerien und Kombinationen von Türen und Landschaftsansichten zu erkennen ist. In Hughes‘ Werk dient die Tür ebenso als kunsthistorisches Motiv wie auch als Metapher für Erkenntnis. Die Gemäldegalerien erinnern an die Kunstkabinette früherer Zeiten. „[...], er aber entleert diese gewissermaßen, indem er sie nur mit Ikonen der modernen Kunst [...] ausstaffiert. Seine Wunderkammern stellen nicht die Welt, sondern die Kunst der Moderne aus.“1 „Alle Referenzen von Hughes – seien es kunsthistorische, von Renaissance bis Op-Art, seien es visuelle Paradoxien, von Piranesi zu Escher und Magritte, [...] dienen dem Ziel, Malerei als Erkenntnisprozess zu betreiben. Visuelles Vergnügen, retinale Reize, sinnliche Stimuli genügen Patrick Hughes so wenig wie Magritte und Duchamp. Wie seine Vorbilder Ucello und Vermeer belebt Patrick Hughes mit der Wissenschaft der Perspektive und insbesondere mit seiner von ihm entwickelten Darstellungsweise der sogenannten reverspective auch die Malerei als Wissenschaft. „Visual pleasure“ verbindet sich bei Hughes mit kognitiver Erkenntnis“. 2 Wissen ersetzt das Sehen nicht. Wir sehen die Täuschung auch dann noch, wenn wir sie bereits erkannt haben. Und selbst bei wiederholter Betrachtung sieht man sie immer wieder mit Erstaunen: die Irritation der Wahrnehmung. So zeigt sich denn, dass die Faszination am Ungewissen und der Irritation ungebrochen ist. Die Eröffnung findet am 22. Januar 2020 um 18:30 Uhr in Anwesenheit des Künstlers statt. Zur Ausstellung erscheint ein Katalog mit 105 Seiten, 53 farbigen Abbildungen und einem einführenden Text von Prof. Dr. h.c. mult. Peter Weibel, ZKM Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe. Für den Betrag von Euro 10 senden wir Ihnen den Katalog im Inland gerne zu. Der Katalog ist ebenfalls in der Galerie Boisserée erhältlich. Besondere Öffnungszeiten: K1-Galerien-Matinée Sonntag den 26. Januar 2020 von 11.00 bis 16.00 Die Galerie bleibt über Karneval vom 20. bis 25. Februar 2020 geschlossen.
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posted 12. Feb 2020

Tobias Spichtig. HI IS JUST ANOTHER WORD FOR HELLO

10. Jan 202014. Feb 2020
Tobias Spichtig. HI IS JUST ANOTHER WORD FOR HELLO 10.01.2020 – 14.02.2020 The show HI IS JUST ANOTHER WORD FOR HELLO—featuring a series of new paintings and a site-specific installation of disused electric appliances—expands on Spichtig’s ongoing fascination with environmental interventions, conceived as claustrophobic scenarios where the viewer feels like an intruder. Inspired by tattoos, typography and ornaments, Spichtig’s paintings investigate the duality of the sign, intended both as global and personal at the same time. The canvases— deriving from vinyl prints of appropriated images and iPhone shots heat pressed onto the surface and subsequently painted with oil—investigate the nature of the painting as the ultimate luxury: an image that will last forever. Spichtig’s works are often installed in spaces that he fills wall-to-wall with multiples of a single type of domestic consumer good—mattresses, kitchen tables, refrigerators, couches —so that the paintings themselves are partially blocked from the visitor’s view. In his exhibition at Spazio Maiocchi, the artist will incorporate a wall of second-hand air conditioners, a discarded commodity chosen for the immaterial, invisible quality of its task: transforming air and energy. A billboard commission in the courtyard of Spazio Maiocchi completes the exhibition. Caroline Busta
Spazio Maiocchi, Milan

Via Achille Maiocchi, 7
20129 Milan

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posted 11. Feb 2020

BERTIEN VAN MANEN / BOOK STORIES

11. Jan 202007. Mar 2020
BERTIEN VAN MANEN / BOOK STORIES 11.01.2020 - 07.03.2020 Eröffnung am Freitag, den 10. Januar 2020, um 19 Uhr Bertien van Manen, eine Ikone der Dokumentarfotografie, wird in ihrer Heimatstadt Amsterdam im Frühjahr mit einer umfangreichen Retrospektive im Stedelijk Museum geehrt. Die Robert Morat Galerie freut sich sehr, diese große Museumspräsentation mit einer Übersichtsausstellung in Berlin unter dem Titel „Book Stories“ begleiten zu können. Die renommierte niederländische Fotografin Bertien van Manen (*1942, Den Haag) hat im Laufe ihrer langen Karriere immer wieder vor allem durch ihre Publikationen auf sich aufmerksam gemacht. Ihre beiden ersten Fotobücher, „One Hundred Summers, One Hundred Winters“ (De Verbeelding, Amsterdam,1994) und „East Wind, West Wind“ (De Verbeelding, Amsterdam, 2001), haben nicht nur ihren Ruf als kompromisslose Dokumentaristin und Fotokünstlerin begründet, sondern sind heute auch gesuchte und teuer bezahlte Sammlerstücke am Fotobuchmarkt. Zu großer internationaler Anerkennung führte das Buchprojekt „Give me your Image“ (Steidl, Göttingen, 2006) mit Einzelausstellungen unter anderem im Museum of Modern Art in New York, dem Museum für Gestaltung in Zürich, dem Fine Arts Museum in Boston oder dem Museum Ludwig in Budapest. Seit 2011 veröffentlicht van Manen ausschließlich mit MACK Books in London. Das erste Buch dort trug den Titel „Let’s sit down before we go“ (Mack Books, London, 2011), es folgte „Easter and Oak Trees“, (Mack Books, London, 2013), „Moonshine“ (Mack Books, London, 2014), „Beyond Maps and Atlases“ (Mack Books, London, 2016) und „I will be Wolf“ (Mack Books, London, 2017). Die Ausstellung umfasst Einzelbilder und Werkzusammenhänge aus sämtlichen publizierten Serien und will einen Überblick bieten über 25 Jahre fotografischen Schaffens und im Besonderen die einflussreiche Rolle Bertien van Manens als Fotobuch-Künstlerin unterstreichen.
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posted 10. Feb 2020

Matti Braun. Ku Lak

17. Jan 202022. Feb 2020
Matti Braun Ku Lak 17.01.2020 - 22.02.2020 Esther Schipper freut sich Ku Lak, die sechste Einzelausstellung von Matti Braun mit der Galerie anzukündigen. Die Ausstellung umfasst 16 Werke einer neuen Serie von Seidenarbeiten und etwa 25 neue Glasarbeiten, die auf drei vom Künstler entworfenen runden Tischen präsentiert werden. Matti Brauns Praxis ist geprägt von einer ständigen Verhandlung zwischen konkreten Bezügen und weitreichenden Verweisen, zwischen poetischer Vergänglichkeit und einer fast beunruhigenden sinnlichen Unmittelbarkeit. Sein Werk untersucht die unerwarteten, oft wenig bekannten Auswirkungen kulturübergreifender Dynamiken und macht Muster künstlerischer Migrationen und kultureller Verkennung sichtbar. Seit 2014 entwickelt Matti Braun Seidenarbeiten mit nahtlosen Farbabstufungen in leuchtenden Pastellfarben und später in kräftigen, tief gesättigten Farbkombinationen. Die neue Werkgruppe bildet einen Abschluss dieser Serie: Mit ihren Verläufen zwischen Hell- und Dunkelgrau kehrt Braun zu den selbstauferlegten Grenzen eines schwarz-weißen Farbschemas zurück, das in seinen frühen Batikarbeiten erforscht wurde, aber mit der fast üppig anmutenden Sinnlichkeit seiner jüngsten Serie auf geschmeidiger, fein gewobener Seide. Das Produktionsverfahren von Brauns Gemälden hat seine Wurzeln in der Erforschung und Aneignung traditioneller Techniken der Textilherstellung, vor allem solcher, die für religiöse oder rituelle Zwecke verwendet werden. Während seine früheren Patola- oder Batikserien Hinweise auf die ikonographischen Spuren ihrer Quellen enthielten, tun die neueren Gemälde dies nicht. Anfänglich auf Rohseide, enthielten diese Serien bunte Passagen oder kreisförmige Farbflächen, die an die Malerei der post-painterly Abstraktion denken ließen. Die nahtlosen Farbverläufe der späteren Seidenarbeiten, jetzt auf glatten, fein gewebten Seidenpaneelen, verwenden entweder eine sehr reduzierte oder eine ausgesprochen gesättigte Farbpalette. Gleichzeitig verweist die Graustufe dieser neuen Serie von Seidenarbeiten auch indirekt auf Brauns Interesse am Beton, den er immer wieder in einzelne Werke und auch in seine Ausstellungsarchitekturen integriert hat. Darüber hinaus können die grauen Modulationen an die Farbgebung von Schwarz-Weiß-Fotografien und Archivbildern erinnern, die in der Praxis des Künstlers eine wichtige Rolle spielen. Während das reduzierte Farbschema der Ausstellung die Spannung zwischen Serialität und Einzigartigkeit hervorhebt, verbirgt sich hinter der scheinbaren Leichtigkeit und formalen Einfachheit der Arbeiten ein Prozess, der ein hohes Maß an Kontrolle voraussetzt, aber dennoch unkontrollierbare Ergebnisse produziert. Auf diese Dichotomie verweist auch die neue Serie von Glasarbeiten. Die mundgeblasenen Glasobjekte, die in traditionellen Glashütten unter der Aufsicht des Künstlers hergestellt wurden, spielen mit ihrem hybriden Status als Skulptur und handwerklichem Produkt und mit der Spannung, die traditionell zwischen diesen beiden Produktionsbereichen - der Kunst und dem Handwerk - besteht. Die lichtdurchlässigen Glasobjekte erinnern an Augen, insbesondere an die hervorstehenden "Bug-eyes", die in populären Darstellungen der übertriebenen Physiognomie außerirdischer Wesen zu finden sind. Jede dieser Arbeiten wird durch spezifische Eigenschaften ihrer Materialität und Ausführung bestimmt, aber ihre endgültige Form, die exakten physikalischen Eigenschaften und ihre spezifische Farbe manifestieren sich erst vollständig, wenn das Glas ausreichend abgekühlt ist. Gleichzeitig greifen Matti Brauns Glasarbeiten auch auf ein dichtes Netz von Referenzen und Assoziationen zurück, das für die Praxis des Künstlers charakteristisch ist: Eine frühe Glasarbeit wurde in seiner Inszenierung seines Theaterstücks The Alien (basierend auf dem nicht realisierten Filmprojekt von Satyajit Ray, das Steven Spielbergs Film E.T. inspiriert haben soll) als Requisite verwendet. Auf der materiellen Ebene besteht Glas zudem letztlich aus Sand—einem weiteren wiederkehrenden Element in Brauns Ausstellungen—und es ist farbecht. Die Farbe eines tausende Jahre alten Glassplitters verblasst weder noch verfärbt sie sich. Auch die Farbe der Skulpturen von Matti Braun wird bis in ferne Zukunft erhalten bleiben und, vergleichbar mit zeitreisenden Besuchern, dort außerhalb der Kontrolle des Künstlers über ihr Schicksal und ihre Interpretation existieren. Die Projekte von Matti Braun sind oft um ein konkretes Beispiel der Aneignung herum konzipiert und gehen von einem weitgespannten Netz interdisziplinärer Assoziationen aus. Seine neue Monographie, die im Februar 2020 bei Snoeck erscheint, umfasst seine künstlerische Produktion der letzten zehn Jahre und ist paradigmatisch für diesen Ansatz. Ausgangspunkt der Publikation ist die Auseinandersetzung des Künstlers mit den vielfältigen Zusammenhängen des Werkes von Rabindranath Tagore, Vikram Sarabhai oder Satyajit Ray, und indischer und bengalischer Science Fiction. Die zugrunde liegende narrative Logik solcher Zusammenführungen historischer, kultureller und biographischer Bezüge dient nie zur Erklärung einzelner Kunstwerke, sondern zeigt vielmehr deren Polysemie auf. So geht es in Brauns Werk um die Unfähigkeit von Objekten die Bedeutung, die wir ihnen aufbürden zu transportieren - und um die Vielfalt der Interpretationen, mit der persönliche und kulturelle Erfahrungen unsere Wahrnehmung prägen. Seine Verweise sind nie illustrativ oder didaktisch, sondern machen die kulturelle Entwicklung eines Objekts und die Mechanismen einer gegenseitigen kulturellen Beeinflussung sichtbar. Matti Braun wurde 1968 in Berlin geboren. Er studierte an der Städelschule, Frankfurt und an der Kunsthochschule Braunschweig (HBK). Der Künstler lebt und arbeitet in Köln. 1994 wurde Braun mit dem Peter-Mertes-Preis des Bonner Kunstvereins und 2004 mit dem Förderpreis des Landes Nordrhein-Westfalen für Bildende Kunst ausgezeichnet. Zu den institutionellen Einzelausstellungen des Künstlers gehören: A Lost Future: Matti Braun, The Rubin Museum of Art, New York (2018-19); Lak Sol, Kunstverein Heilbronn, Heilbronn (2016); Gost Log, Arnolfini, Bristol (2012); Salo, Kunstverein Braunschweig, Braunschweig und La Galerie - Contemporary Art Center, Noisy-le-Sec (2010); Kola, Kunstmuseum Liechtenstein, Vaduz (2009); Özurfa, Museum Ludwig, Köln und Museion - Museum für moderne und zeitgenössische Kunst, Bozen (2008). Braun's Werk ist unter anderem in den folgenden Sammlungen vertreten: Sammlung zeitgenössischer Kunst der Bundesrepublik Deutschland, Berlin; Finnish National Gallery, Helsinki; Kunstmuseum Liechtenstein, Liechtenstein; Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen; Museion - Museum für moderne und zeitgenössische Kunst, Bozen.

artist

Matti Braun 
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posted 09. Feb 2020

Liebesgrüße aus Havanna. Zeitgenössische kubanische Kunst im internationalen Kontext

09. Feb 202014. Jun 2020
Liebesgrüße aus Havanna. Zeitgenössische kubanische Kunst im internationalen Kontext 09.02.2020 - 14.06.2020 Da das Bild von Kuba bis in die Gegenwart durch den Kalten Krieg geprägt ist, verweist der Titel Liebesgrüße aus Havanna auf den James-Bond-Klassiker Liebesgrüße aus Moskau, der 1963 kurz nach der Kuba-Krise im Oktober 1962 gedreht wurde. Der Fall der Berliner Mauer 1989 und der Zerfall der Sowjetunion 1991 sowie die Wende der Ostblockländer zum Kapitalismus hatten für den Karibikstaat enorme wirtschaftliche Folgen. Bedeutende Teile der in Kuba entstandenen Kunst beziehen sich daher auf die besondere Geschichte und Realität des Landes. Die Globalisierung hat nicht nur in der kubanischen Gesellschaft, sondern auch in der Kunst eine Öffnung für Themen und Perspektiven geschaffen, die man nicht als eindeutig »lokal« bezeichnen kann. Für einen vertiefenden Einblick in die komplexe und besondere Situation der Gegenwartskunst des Karibikstaates beleuchtet die Ausstellung aktuelle Entwicklungen. Die Ausstellung Liebesgrüße aus Havanna. Zeitgenössische kubanische Kunst im internationalen Kontext entsteht in Zusammenarbeit von Dr. Beate Kemfert, Sammler Robert Funcke und dem Künstler und Kritiker Tonel (Antonio Eligio Fernández). Es werden sowohl Leihgaben der Sammlung Funcke als auch neue Werke von Künstlerinnen und Künstlern aus Kuba gezeigt. Publikation: Zur Ausstellung erscheint eine Publikation im Verlag Hartmann Books Stuttgart. Kurator*innen: Dr. Beate Kemfert, Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen Rüsselsheim mit Tonel (Antonio Eligio Fernández), Künstler und Kritiker, und Robert Funcke, Sammler Künstler*innen der Ausstellung: Juan Carlos Alom, Iván Capote, Yoan Capote, Los Carpinteros, Marco Castillo, Ariamna Contino, Susana Pilar Delahante Matienzo, Humberto Díaz, Felipe Dulzaides, Ricardo G. Elías, Adrián Fernández, Adonis Flores, Alex Hernández Dueñas, Glenda León, Ernesto Oroza, Marta María Pérez Bravo, Carlos Quintana und Tonel.
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posted 08. Feb 2020

Dhaka Art Summit 2020

07. Feb 202015. Feb 2020
Dhaka Art Summit 2020 07.02.2020 - 15.02.2020 Seismic Movements: Dhaka Art Summit 2020 February 7–15, 2020 50 million years ago the Eurasian and the Indian plates collided and created the Himalayas which rise north of the delta of Bangladesh and span across South Asia from Afghanistan to Myanmar as a geographic marker. Inspired by a geological reading of the word “summit” as the top of a mountain, and Seismic Movements: Dhaka Art Summit 2020 looks at movements generated by energy released from pressure—geologically, socially and politically. While Bangladesh has no mountains within its borders, DAS has risen from this delta as a movement over the past eight years as its collaborators and community grow and maintain their engagement with the platform. More than just an exhibition, DAS is a platform to catalyse a rich context for research and artistic production in the future by empowering artists and the public through its exhibitions, education, and public programmes. This will be a summit of humanist potential rising above geopolitical boundaries. Just as seismic movements don’t adhere to a singular timeframe or scale and can build up slowly or erupt in an instant, the event plays with time in non-linear ways and builds on layers of ideas and collaborations born in its previous four editions. “I propose the planet to overwrite the globe,” writes Gayatri Spivak. Elaborating on this notion, artist Shuddhabatra Sengupta of Raqs Media Collective speaks of the word “planet” as an allusion to the past, present, and future of the wandering star we struggle upon. In this sense, DAS is expanding its geographic and temporal scope to consider Bangladesh from a planetary perspective, looking at the world from the immediate and near to the unfathomably far, destabilising the human by shifting the time scales. Significantly, both Spivak and Sengupta have participated in previous editions of DAS. Samdani Art Foundation Artistic Director Diana Campbell Betancourt returns as the Chief Curator of DAS 2020, thinking collectively with leading curators, artists, and academics: “Inspired by the 1414 gift of a giraffe by the Sultan of Bengal to Emperor Yongle of China, I hope this summit will widen its view to look at historical layers of connectivity across Asia, Africa and the Indian Ocean, becoming a platform where former colonial subjects can come together without a western intermediary to imagine new futures from Dhaka inspired by similar utopian movements of the past. The word “summit” calls to mind the physical signs of plate tectonics, and ideas of Pangea and existences far beyond the span of a human lifetime or even the cumulative history of mankind. How can we as artists, curators, writers, art’s many supporters and publics come together to make a constellation of seismic shifts toward a better world outside of the myopic individual interest that is threatening our existence on this planet?” Free to the public and ticketless, DAS brings together over 300,000 people to discuss ideas for alternative futures and more informed histories outside of national frameworks through the arts. While DAS began as a South Asian art platform, given tightening borders in the region, the idea of the region as one is untenable today and insufficient to understand the complex context of Bangladesh, especially from the perspective of climate change. DAS 2020 connects widely across the global south based on shared struggles rather than current geopolitical definitions. The title of DAS is inspired by art historian Dr Zahia Rahmani’s The Seismography of Struggles, a sound and visual inventory of non-European critical and cultural journals produced in the wake of revolutionary movements at the end of the 18th century up to the watershed year of 1989. A seismography of human and non-human struggles grounded in Bangladesh and spanning past, present, and speculative futures will comprise the immersive exhibition curated by Diana Campbell Betancourt linking together ideas found across the Summit’s varied programs and collaborations. As in the past, portions of the exhibition will be co-commissioned and co-curated with international partners, and DAS is delighted to be partnering again with Artspace, Sydney and further partners will be announced in September 2019. Returning to DAS 2020, The Otolith Group curates a film programme spanning nine days entitled To welcome the end of the world as we know it. The recurrent task of the Black Feminist Critic and the Black Feminist Poet, according to philosopher Denise Ferreira da Silva, is to work towards “the end of the world produced by the tools of reason.” Working towards the end of a certain kind of world, which is decolonization, requires the emancipation of “the category of Blackness from the scientific and historical ways of knowing that produced it in the first place.” Emancipated from narratives of science and history, Blackness “wonders about another praxis” as it “wanders in the World’ guided by the “ethical mandate of opening up other ways of knowing and doing.” Inspired by Ferreira da Silva’s Feminist Poethics of Blackness, To welcome the end of the world as we know it assembles wandering sounds and wondering images that open up other ways of knowing and doing. A Cinema that imagines politics released from the grip of universal reason. A Cinema that imagines a World that precedes space and time but which operates in space and time. The art scene of Bangladesh thrives on the energy and infrastructure built by artist-led initiatives who have developed networks and spaces to support their practice in the absence of centrally funded institutions and a local market for contemporary art. The Samdani Art Foundation supports many of these dynamic organisations through its Samdani Artist Led Initiatives Forum and grant programme. Working collaboratively with Kathryn Weir (Cosmopolis, Centre Pompidou Paris), Gudskul (Jakarta), a public learning space established by ruangrupa, Serrum and Grafis Huru Hara (Jakarta), Para Site (Hong Kong), and RAW Material Company (Dakar), the Samdani Art Foundation will expand this platform at DAS, bringing together over thirty collectives from Bangladesh and Bangladesh and across Australia, Asia, Africa, Central and South America, and Oceania. The resulting platform is a confluence of exhibition programming and workshops between and across the collectives and the public on how to build and sustain grassroots institutions in contexts with little existing local infrastructure and how to work collaboratively. The entire second floor of the Bangladesh Shilpakala Academy, in Gudskul’s words, will transform into a “learning space established to practice an expanded understanding of collective values, such as equality, sharing, solidarity, friendship and togetherness.” Parallel but connected to this platform, Bangladeshi writer Mustafa Zaman will curate a historical exhibition entitled Nobody Told Me There'd be Days Like These exploring the vibrant work of art, architecture, film, literature, and theatre collectives active in Bangladesh around the 1980s years of Martial Law. Diana Campbell Betancourt will curate with advisors Sean Anderson (Assistant Curator, Department of Architecture and Design, Museum of Modern Art New York) and Nurur Khan (Architect and Director, Muzharul Islam Archive) an exhibition that engages the vision of contemporary artists to allow for new readings of Bangladeshi modernist architect Muzharul Islam’s (1923-2012) work and the movements he catalyzed. A research initiative supported by the Getty Foundation in collaboration with Cornell University’s Institute for Comparative Modernities and the Asia Art Archive, Connecting Modern Art Histories in and across Africa, South and Southeast Asia, ensures visiting curators learn from established and emerging scholars in the region and bridges the growing gap between exhibition-making and academia. The team for this initiative is led by Dr Iftikhar Dadi (Associate Professor of History of Art and Director of the South Asia Programme, Cornell University) with a guest faculty of Dr Elizabeth Giorgis (Director of Gebre Kristos Deta Center, Addis Ababa University), Dr Simon Soon (Senior Lecturer, Visual Art Department, University of Malaysia), Dr Ming Tiampo (Professor of Art History, Carleton University), Dr Salah Hassan (Professor of African and African Diaspora Art History and Visual Culture, Cornell University), and Dr Sanjukta Sunderason (Art History and South Asian Studies Lecturer, University of Leiden) with support from organisers Amara Antilla (Curator, Solomon R Guggenheim Museum) and Diana Campbell Betancourt (Artistic Director, DAS), and the Asia Art Archive team led by John Tain (Head of Research, AAA) and his team of researchers, Dr Sneha Ragavan, Dr Chuong-Dai Vo and Michelle Wong. Conceptualized by the UC Berkeley South Asia Art Initiative and the Subir & Malini Chowdhury Center for Bangladesh Studies, Indian Ocean Imaginaries as World History, returns to the Indian Ocean Littoral, in the past and in the present, to recover modes of being in the world that exceed Westernism’s conceptual projections. The interdisciplinary and intermedial program is led by historian Dr Munis D. Faruqui (Associate Professor, Sarah Kailath Chair of Indian Studies, and Director of the Institute for South Asia Studies), art historians Dr Atreyee Gupta (Assistant Professor of Global Modern Art, South and Southeast Asian Art) and Dr Sugata Ray (Associate Professor, South and Southeast Asian Art), artist Asma Kazmi (Assistant Professor, Department of Art Practice), and political scientist Dr Sanchita Saxena (Director, Subir and Malini Chowdhury Center for Bangladesh Studies). The program will unfold in close collaboration with artists, activists, and art and architecture historians in Bangladesh. Bishwajit Goswami, a visual artist and educator in the Faculty of Fine Arts, University of Dhaka, will curate an intergenerational exhibition speaking to transfers of knowledge across students and teachers in Bangladesh, including pioneering artist educators such as Rashid Choudhury and Zainul Abedin. In partnership with the Goethe Institut Bangladesh, the Samdani Art Award will be curated by Philippe Pirotte (Rector, Art History and Culture Education Department, Stäedelschule) and the 12 short listed artists will be commissioned to make new work for the exhibition. The 2020 Short List includes: Ariful Kabir, Ashfika Rahman, Faiham Ebna Sharif, Habiba Nowrose, Najmun Nahar Keya, Palash Bhattacharjee, Promoti Hossain, Soma Surovi Jannat, Sounak Das, Sumana Akter, Tahia Farhin Haque, and Zihan Karim. The winner of the prize will receive a funded residency at the Delfina Foundation in London, and will be selected by an jury chaired by Aaron Cezar (Director, Delfina Foundation) with Adrián Villar Rojas (artist), Carolyn Christov-Bakargiev (Director, Castello di Rivoli), Julie Mehretu (artist), and Sunjung Kim (President, Gwangju Bienniale Foundation). Sristi Binash (Bangla for “create and destroy”) is an international, cross-cultural and cross-disciplinary research project aimed at developing new tools and methodologies for creating culturally rooted, ecologically sustainable, and socially responsible exhibition displays. The project is funded by Pro-Helvetia Swiss Arts Council, and led by the Swiss design research practice common-interest in collaboration with DAS. Its team is comprised of Shawon Akand (freelance artist and researcher, Bangladesh), Huraera Jabeen (architect, PhD, Brac University), Prem Krishnamurthy (exhibition maker, Wkshps), Khan Md. Mobinul (engineer, Dhaka Art Summit), Nina Paim (design researcher, common-interest), Ashfika Rahman (freelance artist, Bangladesh), Asifur Rahman (architect, Dhaka Art Summit), Dries Rodet (architect, Truwant+Rodet) and Inteza Shariar (freelance architect, Bangladesh).
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posted 07. Feb 2020

Alex Wissel – die Pest

14. Dec 201909. Feb 2020
opening: 13. Dec 2019 07:30 pm
siehe auch: [**- kunstaspekte-Special** zur Ausstellung](https://kunstaspekte.art/special/pest) [**- #instagram**](https://www.instagram.com/p/B7_WnoeIa79/) * Do, 6.2.2020, 17:00 Letzte Führung von Alex Wissel durch seine Ausstellung * **Alex Wissel – die Pest** 14.12.2019 - 26.01.2020 - verlängert bis 09.02.2020 Eröffnung: Freitag, 13.12.2019 19:30 Uhr Begrüßung: Marianne Schirge, Leiterin des Kulturamtes der Landeshauptstadt Düsseldorf Renate Ulrich, Vorstand Eva Birkenstock, Direktorin Zum Abschluss unseres Ausstellungsprogramms im Jahr 2019 stellen wir Ihnen die Arbeiten der diesjährigen Förderpreisträger*innen für Bildende Kunst der Landeshauptstadt Düsseldorf 2019 – Hedda Schattanik und Alex Wissel – in zwei umfangreichen, parallel stattfindenden Einzelausstellungen vor. Hedda Schattanik präsentiert in Unterhaltung auf Kosten eines Traurigen gemeinsam mit Roman Szczesny Videoarbeiten sowie eigens für diesen Anlass entwickelte Raumskulpturen und Fotografien; Alex Wissel zeigt wiederum in seiner mit Die Pest betitelten Ausstellung eine ortsspezifische Installation aus Zeichnungen, Skulpturen und Text, ausgehend von Recherchen zu historischen Düsseldorfer Künstlerfesten und der Geschichte des Grabbeplatzes. Von nun an soll die künstlerische Arbeit der Preisträger*innen in jährlich wechselnden Institutionen Düsseldorfs vorgestellt werden. Wir freuen uns außerordentlich mit dem Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf den Auftakt machen zu dürfen, nicht zuletzt, da es sich um Künstler*innen handelt, die unserem Haus durch vergangene Ausstellungsbeteiligungen bereits sehr verbunden sind

artist

Alex Wissel 

curator

Eva Birkenstock 
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posted 06. Feb 2020

DREAM BABY DREAM

02. Feb 202020. Dec 2020
DREAM BABY DREAM 02.02.2020 - 20.12.2020 kuratiert von Gesine Borcherdt Das Haus der Kindheit ist ein Ort der Fantasie, des Schutzes und des Spiels, aber auch des Traumas, der Gewalt und der Angst. Hier entscheidet sich, wer wir sind, was wir werden und was wir verdrängen. Der Impuls des Kunstmachens rührt bei vielen Künstlern aus der Kindheit. Frühe, ureigene Erfahrungen werden in Kunst und somit in etwas Größeres transformiert, das unseren Blick auf die Welt erneuert, weitet und ändert. Die Ausstellung Dream Baby Dream zeigt Künstler, deren Werke aus einer solchen Vorstellungskraft heraus entstanden sind. Sie weisen eine starke Bindung zur Zeit des Aufwachsens auf – als gestalterische Inspiration, aber auch als Metapher für physische, psychologische und soziale Konflikte. In ihrem Zusammenspiel entsteht eine Atmosphäre, in der die dunklen Seiten von Kindheit und Jugend neue Formen annehmen. Der Titel der Schau geht zurück auf den Song des einflussreichen Elektro-Duos Suicide, Pioniere des Post-Punk und Vorläufer von Techno. Der dunkle Sound des Songs und die Elvis-artige Stimme des Sängers Alan Vega lassen den „American Dream“, der unser Denken bis heute prägt, zu einer Alptraumschlaufe werden – und zugleich zu einem tranceartigen Hoffnungsschimmer. Rebellion und Sehnsucht, Angst und Fantasie greifen ineinander. Das Haus Mödrath blickt selbst auf eine lange Geschichte mit Kindern sowie auf einen entscheidenden Moment in der elektronischen Musik zurück. Erbaut Anfang des 19. Jahrhunderts als Herrenhaus einer Farbholzmühle mitten im Wald bei Köln, wurde es in den 1920er-Jahren in ein Wöchnerinnenheim verwandelt, wo der Pionier der elektronischen Musik Karlheinz Stockhausen geboren wurde. Unter den Nazis diente das Haus als Schulungsheim, im Krieg kamen hier Flüchtlingsfamilien unter, danach entstand ein Kinderheim mit bis zu 60 Kindern, und nach mehreren Jahren Leerstand zog eine Familie mit 15 Kindern ein. 2017 wurden daraus die Räume für Kunst. Die Ausstellung Dream Baby Dream ist die dritte Ausstellung, die hier stattfindet. U.a. mit Jean-Marie Appriou, Lynda Benglis, Susan Te Karuhangi King, Mike Kelley, Veit Laurent Kurz, Paul McCarthy, Charlemagne Palestine, Wong Ping, Barbara Rossi, Laurie Simmons, und Jean-Luc Verna. Gesine Borcherdt ist Redakteurin beim Kunstmagazin BLAU / BLAU International in Berlin sowie Kuratorin des Projektraumes CAPRI in Düsseldorf.
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posted 05. Feb 2020

IEPA #04. Pauline Castra, Dennis Siering

24. Jan 202008. Mar 2020
opening: 23. Jan 2020 07:00 pm
IEPA #04. Pauline Castra, Dennis Siering 24.01.2020 bis 08.03.2020 Eröffnung Donnerstag, 23.01.2020 19:00 uhr Öffnungszeiten Dienstag - Freitag 11:00 - 19:00 Uhr Samstag, Sonntag 12:00 - 18:00 Uhr Ort basis e.V. Gutleutstraße 8-12 60329 Frankfurt am Main IEPA (International Exchange Program or Visual Artists) ist ein dreimonatiges Arbeitsstipendium für bildende Künstler*innen, das in Kooperation von basis und NEKaTOENEa jährlich ausgeschrieben wird. Ziel ist es, den künstlerischen Austausch zwischen den Partnerregionen Nouvelle-Aquitaine in Frankreich und dem Land Hessen zu fördern. Die Ausstellung zeigt die jeweils vor Ort in Frankfurt und Hendaye entstandenen künstlerischen Arbeiten der IEPA-Stipendiat*innen 2019 Pauline Castra und Dennis Siering. Beide Stipendiet*innen haben sich sich während ihres Aufenthaltes in der jeweiligen Partnerstadt auf unterschiedlichen Ebenen mit kulturellen Fragestellungen, sowie der Übertragung vor Ort gefundener Formen beschäftigt. Pauline Castra setzt sich in ihrer skulpturalen Praxis mit uns umgebenden, jedoch vernachlässigten kulturellen Objekten sowie mit deren Geschichte und Zeitlichkeit auseinander. Innerhalb dieser „Archäologie des Alltags“ stehen insbesondere die Widerbelebung sowie der Verwahrung der vergessenen Formen und Fragmente im Mittelpunkt. Im Rahmen ihres Stipendiums in Frankfurt verhandelt die französische Künstlerin die Frage, inwieweit Objekte ohne ihre physische Anwesenheit sichtbar und archiviert werden können. Dabei entwirft sie indirekte Zeugnisse von Fragmenten und Bruchstücken, die in teils verborgenen, teils unscheinbaren Orten in Frankfurt ruhen und als Ausgangspunkt ihrer künstlerischen Auseinandersetzung vor Ort dienten. In seinen installativen Arbeiten beschäftigt sich Dennis Siering mit dem Verhältnis des Menschen zur Natur. Dabei spielt insbesondere die Frage nach einer immerwährenden Kultivierung der Natur durch den Menschen eine zentrale Rolle, die er durch die visuelle Verbindung einer technoiden Ästhetik mit vermeintlich natürlichen Abformungen und deren Gegenüberstellung zur Diskussion stellt. In seiner Installation No Maps for These Territories (2018 - 2020) bilden Riff-Abgüsse sowie gebogene Aluminiumröhren ein abstraktes kartografisches System, in dem Organisches und Anorganisches zusammengeführt werden. Im Rahmen seiner dreimonatigen Residenz in Hendaye entwickelte Siering diese Arbeit weiter, die mithilfe der Abformung von Teilen der baskischen Küste vor Ort um eine zusätzliche Klimazone und deren lokale geologische Eigenheiten erweitert wird. Der Austausch erfolgt im Rahmen der Partnerschaft des Landes Hessen und der Region Nouvelle-Aquitaine. In Kooperation von basis und NEKaTOENEa , mit freundlicher Unterstützung durch das Hessische Ministerium für Wissenschaft und Kunst, die Région Nouvelle-Aquitaine, das Institut français, Perspektive und le contrat de filière pour les arts visuels en Nouvelle-Aquitaine

artists & participants

Pauline Castra,  Dennis Siering 
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posted 04. Feb 2020

Virgil Abloh: “Figures of Speech”

12. Nov 201908. Mar 2020
Virgil Abloh: “Figures of Speech” 12.11.2019 - 08.03.2020 This fall, the High presents the first museum exhibition devoted to the work of Virgil Abloh, the modern, genre-bending artist and designer who became creative director of Louis Vuitton’s menswear in 2018. Virgil Abloh: “Figures of Speech” offers an unprecedented survey of Abloh’s creative work over nearly two decades and pulls back the curtain on his process. The exhibition presents prototypes alongside finished artworks, product designs, and fashion to reveal his myriad inspirations—from centuries-old paintings to commonplace construction signs. Running throughout the exhibition is an emphasis on dialogue, which Abloh creates through his inventive use of language and quotation marks, turning the objects he designs and the people who wear his clothing into “figures of speech.” The works on view will offer an in-depth look at the defining highlights of Abloh’s career, including his recent designs for Louis Vuitton menswear collection, video documentation of his most iconic fashion shows, and his distinctive furniture and graphic design work. Virgil Abloh (American, born 1980) has made a career of questioning assumptions and subverting expectations. Raised in the Chicago area, Abloh trained as an architect but found his calling as a fashion designer. Since then he has continued to work across disciplines, collaborating with graphic and furniture designers, musicians, and contemporary artists, as well as other fashion designers. In undertaking projects in new fields, he not only influences the conversations within them but also expands their traditional audiences, reaching millions through social media.

artist

Virgil Abloh 

curator

Kevin Tucker 
High Museum of Art, Atlanta °

THE HIGH | 1280 Peachtree Street, N.E.
30309 Atlanta

United States of Americashow map
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posted 03. Feb 2020

Whitney Bedford. Reflections on the Anthropocene

11. Jan 202022. Feb 2020
Whitney Bedford. Reflections on the Anthropocene 11.01.2020 - 22.02.2020 Vielmetter Los Angeles is thrilled to announce Reflections on the Anthropocene, a solo exhibition by Los Angeles-based artist Whitney Bedford. Reflecting upon how humans have chosen to record images of the natural world, Bedford's new landscapes draw upon an archive of historical landscape paintings to illustrate how images from the past underscore the dire reality of climate change and shifting ecosystems in the present. In this series of paintings, all titled Veduta after the tradition of "view paintings" made for travelers on their world tour in the years before photography, Bedford literally renders, reinterprets, and collaborates with landscapes made by Avery, Constable, Sargent, and others; bringing a sense of urgency to the idea of painting as souvenir. The historical paintings she has chosen to reinterpret capture sublime or bucolic visions of Europe and North America, without evidence of industrialization. Originally painted to serve as reminders of places visited, spiritual inspiration, or postcards from yet to be conquered frontiers, the paintings that Bedford reinterprets in these Vedute serve as collectively legible reminders of a time before human exploitation of natural resources shaped a new geological epoch. As she translates these landscapes into her own hand, she also intervenes in their composition, arranging precisely drawn desert plants on stages and behind glass walls in the foreground of each work; sirens from an arid, anxious future. Known for precisely rendered landscapes and shipwrecks whipped into painterly frenzy by her expressive brushwork, Bedford has an ongoing interest in how images can act as votives for significant ideas and experiences, political or emotional. These new works mark a shift from Bedford's previous landscape paintings, in which her painterly skill was most often deployed as an emotionally evocative contrast to her drawing; meticulously rendered scenes disrupted or intensified by energetic gestures. Previous landscapes often featured a low horizon, gentle palms, and more recently compositions of Southern California flora that could be interpreted as re-enactments of the figurative compositions of monumental 19th century history paintings. These allegories of potential and of the emotional experience of making a place one's home have given way to a more critical approach to landscape. Whereas in historical landscapes, and in Bedford's own previous work in the genre, open expanses of land represent opportunity and utopia, these Vedute ask the viewer to reconsider viewing the natural world as available for immediate occupancy. Or at the least, to consider the effects of this perspective on current circumstances. Bedford’s process has also shifted in these works. In past paintings, drawing was used to create an architecture for gesture. Here, though the paintings technically begin with the drawings, a painstaking process of masking and unmasking pushes the drawn flora to the fore and places the viewer at a further remove from the pastoral scenes behind or outside of the space of drawing. The distance created between painting and drawing underscores Bedford's archival research and careful selection of images that seem to belong to a lost or disappearing world. The sense of loss that these paintings convey is powerfully rendered in a painting titled Veduta (Sargent,) 2019. Inside what appears to be a glassed-in viewing platform, an acid-orange tree gazes out at a rich green forest populating the gently sloping banks of a small stream. Bedford's interpretation of Sargent's Wooded Landscape emphasizes the fluid brushiness of the original painting, leaving the impression that light and leaves merge into an atmosphere of breezy, buoyant energy. The velvety ground of the forest is rich with plant life, abundant, emerald, while inside the viewing platform, this lone tree, rendered in a color reminiscent of caution signs stands on a flat, subtly metallic brown ground more reminiscent of a corporate office building than the loamy soil of the iridescent wild. This contrast between idealized images of verdant landscapes and the resilient plants of the West perform the psychology of our turbulent times, rendering the anxiety of a changing climate into dramatic tableaux. Through this meeting on Bedford’s panels, the historical representation of the sublime, the bucolic, the tranquil, the land ripe for the taking, is suddenly tinged with an edge of terror, a suggestion of the consequences of man’s desire to record and then dramatically change the landscape to serve their own purposes. Bedford received her MFA from the University of California, Los Angeles in 2003. She was the winner of the 2001 UCLA Hammer Museum Drawing Biennale and received a Fulbright Graduate Fellowship from Hochschule der Kuenste, Berlin in 1999. She has had solo exhibitions at Art:Concept, Paris, France; Carrie Secrist Gallery, Chicago, IL; D’Amelio Terras Gallery, New York; and Starkwhite, Auckland, New Zealand. She has been included in group exhibitions at the Pizzuti Collection, Columbus, OH; the Jewish Museum, New York; Massachussetts Museum of Contemporary Art, North Adams; and the Museum of Contemporary Art, Denver. Bedford’s work is included in the Jumex Collection, Mexico City, Mexico; the De La Cruz Collection, Miami, Florida, USA; The Saatchi Collection, London, England; the Francois Pinault Collection, Paris, France; the Eric Decelle Collection, Brussels, Belgium; and the Collection Ginette Moulin/Guillaume Houze, Paris, France. Bedford is a painting instructor at both Chapman University and the University of California, Riverside. The gallery is located at 1700 S Santa Fe Avenue, south of the 10 freeway. Parking is available in the north and south parking lots adjacent to the building. Gallery hours are Tuesday through Saturday from 10 am to 6 pm and by appointment.
Vielmetter Los Angeles

1700 S Santa Fe Ave #101
CA 90021 Los Angeles

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posted 02. Feb 2020

Richard Mosse. Incoming

26. Oct 201917. Feb 2020
Richard Mosse. Incoming 26.10.2019 - 17.02.2020 From 2014 to 2016, artist Richard Mosse documented the mass migration and displacement of people unfolding across Europe, the Middle East, and North Africa in an attempt to find “adequate images” for today’s society. Filmed with a military-grade camera that detects and images body heat across great distances, these powerful scenes are on view in the exhibition Richard Mosse: Incoming. Epic in scope and by turns lyrical and vivid, and harrowing and violent, the three-channel video projection Incoming depicts major flows of migrants from regions in Africa and the Middle East to emergency shelters in Europe. The heat-vision camera used creates otherworldly footage that renders covert viewing visible and implicates us — the audience — in seeing our fellow humans as others. This immersive video installation will be accompanied by panoramic photographs from The Castle, a series of “heat maps” or digital composites of refugee camps.

artist

Richard Mosse 
SFMOMA San Francisco Museum of Modern Art

SFMOMA | 151 Third Street
CA-94103-3159 San Francisco

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posted 01. Feb 2020

First, Second, Third Person

18. Jan 202016. Feb 2020
opening: 19. Jan 2020 06:00 pm
PIEROGI 155 Suffolk Street First, Second, Third Person A group exhibition 18.01.2020 — 16.02.2020 Opening Reception: Sunday, 19.01.2020 18:00 - 20:00 A group exhibition including work by: Justin Amhrein, Dawn Clements, Brian Conley, Hugo Crosthwaite, Brian Dewan, James Esber, Jen Hitchings, Sermin Kardestuncer, David Kramer, Mark Lombardi, Ati Maier, John O’Connor, Jenny Polak, David Scher, Dread Scott, Ward Shelley, Christophe Thompson, and Tricia Townes. Also included will be a selection of works from Pierogi’s Flat Files.
PIEROGI New York / BOILER Brooklyn

155 Suffolk Street
NY 10002 New York

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posted 31. Jan 2020

Sonja Gangl. I borrowed optimism from the past

01. Feb 202002. Apr 2020
opening: 31. Jan 2020 06:00 pm
Sonja Gangl. I borrowed optimism from the past Würdigungspreis des Landes Steiermark für bildende Kunst 01.02.2020 - 02.04.2020 Eröffnung: 31.01.2020, 18:00 Ed Foxtrott & Walter Slowfox / DJ Set Kuratorin: Jana Franze Katalog: Revolver Verlag, Berlin Das künstlerische Werk von Sonja Gangl zeugt von einer intensiven Auseinandersetzung mit unserer medialisierten Lebenswirklichkeit. Die Künstlerin macht unsere Welt zu ihrem Motiv und lässt dabei keine ihrer vielen Facetten außer Acht. Bekannt ist die österreichische Künstlerin vor allem für ihre herausragend naturalistischen Zeichnungen und die konsequente Hinterfragung dieses Mediums. Mit ihrer Einzelausstellung „I borrowed optimism from the past“ im Künstlerhaus, Halle für Kunst & Medien schlägt Gangl nun ein neues Kapitel in ihrem künstlerischen Schaffen auf und wendet sich mit einer umfassenden Neuproduktion der Abstraktion zu. Im Zentrum der Ausstellung steht der Werkzyklus „Supra-Linien“ (2019/20). Die in Vorbereitung des Projekts entstandenen 15 großformatigen Gemälde zeigen grafitfarbene Schraffuren unterschiedlicher Stärken auf weißem Grund. Ihre Kompositionen erscheinen zunächst zufällig. Bei näherer Betrachtung verkehrt sich dieser Eindruck jedoch in sein Gegenteil: Die gemalten Motive der Serie gehen auf Blei- und Farbstiftzeichnungen zurück, welche die Künstlerin während ihrer Arbeit an früheren naturalistischen Bildsujets anfertigte, um das Zeichenmaterial im Sinne des Ausprobierens der Stärke und Qualitäten der verwendeten Stifte zu präparieren – die von ihr so benannten „Supra-Linien“. Als künstlerisches Konzept überführt Gangl hier die Zeichnung in einem Transformationsprozess in das Medium der Malerei und eröffnet damit eine Art Zoom in die Struktur des Materials. Zugleich lehnen sich die „Supra-Linien“ an das kunsthistorische Vorbild des Abstrakten Expressionismus der späten 1940er bis frühen 1960er Jahre an und übertragen dessen politische Botschaft in die Gegenwart. Sie sind gekennzeichnet durch einen Gleichschritt mit ihren künstlerischen Ahnen, die den Folgen des 2. Weltkrieges und dem Exil in Übersee mit einer Konzentration auf monumentale Formate, einem starken Freiheitsdrang und einem emotional geleiteten Schaffensakt begegneten. Gangl borgt sich dabei nicht nur den Optimismus der nordamerikanischen Kunstrichtung aus, sondern auch die Bildformate von Künstler_innen wie zum Beispiel Lee Krasner, Barnett Newman und Mark Rothko. Jedes ihrer Gemälde steht so in direkter Referenz zu einem kunsthistorischen Meisterwerk und stellt immer wieder aufs Neue die Frage nach dem Zustand der Mitte des 20. Jahrhunderts erstrittenen Errungenschaften im künstlerischen, aber auch im gesellschaftlichen Feld. Im Schlaglicht der Show steht mit den „Supra-Linien“ auch einer der ein Bild konstruierenden geometrischen Grundfaktoren, die Linie. Diese Weiterführung eines Ortes (Punktes) bedeutet immer einen Weg, eine Richtung. Schon der Ausstellungstitel „I borrowed optimism from the past“ lässt vermuten, dass es Sonja Gangl ausgehend von der erläuterten Interpretation der Kunstgeschichte um den Weg durchs und die Sicht aufs Hier und Jetzt geht. Die Zeichnung und die ihr innewohnende Fokussierung und Reduktion auf das Detail und das Wesentliche verbindet seit Jahrhunderten die Kunst mit der Wissenschaft. Es ist also nicht verwunderlich, dass die künstlerische Aneignung der Realität der Zeichnerin Sonja Gangl einer Studie, einer Untersuchung, gar einer Sezierung gleichkommt. Dies ist auch bei Werken bemerkbar, die an sich gar keine Zeichnungen sind: Die Videoinstallation „Who´s Afraid of Flies, Flies and Flies“ (2018/2020) in der Apsis des Künstlerhauses zeigt die dreifache Projektion einer schwarz-weißen Nahaufnahme einer Fliege. In einem starken Hell-Dunkel-Kontrast offenbart sich das detailreiche Abbild des Insekts mit seinen fragilen Flügeln und Beinen. Die überlebensgroßen Körper vollziehen den Putzvorgang wie die mehrstimmige Choreografie eines Kanons: Die Fliegen setzen zu unterschiedlichen Zeitpunkten ein, putzen nie synchron, sind nie auf einer Linie, obwohl sie sich doch so gleichen. Sonja Gangls Werke fordern mit ihren konzeptuellen Methoden die Betrachter_innen dazu auf, genau hinzusehen und das bisher Unbeachtete in den Fokus zu nehmen, Gegensätzlichkeit zu erkennen, vielleicht auch um die Ecke zu denken und imaginäre Grenzen zu durchbrechen. Das durch den Bezug zur Historie entstandene Fluidum ihrer „Supra-Linien“ impliziert die Hinwendung zu Gefühl, Spontanität und dem unablässigen Vergrößern von Freiheitsräumen, ist aber ebenso als Plädoyer gegen die Einschränkung dieser bedeutenden Werte zu lesen. Gleichzeitig wird die Stubenfliege aus „I borrowed optimism from the past“ zum Symbol der Diversität auserkoren und fungiert damit als Verweis auf die unzählbaren Möglichkeiten und Perspektiven unserer Gegenwart, im Umkehrschluss aber auch auf die aktuellen Probleme und Aufgaben, die unser Sehen und damit auch unser Denken bestimmen. Die Vergangenheit im Rücken, könnten ihre Fluglinien die Fliege überall hintragen. In welche Richtung es in Zukunft genau geht, lässt Sonja Gangl bewusst offen. Sie jedenfalls fährt die optimistische Linie, die Supra-Linie. Das Ausstellungsprojekt „I borrowed optimism from the past“ wird im Nachklang des Würdigungspreises für Bildende Kunst des Landes Steiermark ausgerichtet. Die mit 10.000 Euro dotierte Auszeichnung wird alle drei Jahre einmalig an eine Künstlerin oder einen Künstler als Anerkennung eines ausgezeichneten künstlerischen Gesamtschaffens vergeben. Im Jahr 2018 ging diese Würdigung an Gangl, deren Œuvre von der Jury als herausragende zeichnerische Position der Gegenwart betont wurde. Im Rahmen der Ausstellung erscheint im Verlag revolver ein Katalog, der neben Werks- und Ausstellungsansichten Texte von Sandro Droschl (KM– Graz), Jana Franze (KM– Graz), Robert Geimer (Freie Universität Berlin), Elsy Lahner (Albertina Wien) und Robert Woelfl (freier Schriftsteller, Wien) beinhaltet. Zudem veröffentlicht das Online-Magazin des Hauses, das KM–Journal, neben weiterführenden Beiträgen ein Video-Interview mit der Künstlerin. Sonja Gangl (*1965 Graz, lebt in Wien) studierte an der Akademie der bildenden Künste Wien bei Markus Prachensky und an der Universität für angewandte Kunst Wien bei Ernst Caramelle. Sie ist seit 2003 Mitglied der Wiener Secession. Ihre Ausstellung „Dancing with the End“ (2013/14) war die erste Einzelpräsentation, die das Albertina Museum in Wien einer weiblichen Künstlerin widmete. Gangls Arbeit war darüber hinaus in zahlreichen Institutionen zu sehen und ist über die Grenzen Österreichs bekannt. Unter anderem zeigte sie Einzelausstellungen im Studio der Neuen Galerie Graz (1998), im Kunstverein Wolfsburg (1999, 2000), am Museum Moderner Kunst Kärnten (2016) und mehrfach im Atelier Contemporary in Graz (2009, 2014, 2019) und der Galerie Krobath in Wien (2015, 2018). Neben dem Würdigungspreis für Bildende Kunst des Landes Steiermark (2018) ist Sonja Gangl unter anderem mit dem Kunstförderungspreis für bildende Kunst der Stadt Wien (1992), dem Kunstförderungspreis der Stadt Graz (2002), dem Förderungspreis des Landes Steiermark für zeitgenössische bildende Kunst (2004), dem BAUHOLDING-STRABAG Art AWARD (2005), dem Kunstpreis der Stadt Graz (2008) und dem Preis der Stadt Wien für Bildende Kunst (2016) ausgezeichnet worden. * Rahmenprogramm 05.03.2020, 18:00 Elsy Lahner (Albertina Wien), Malerei als große Zeichnung, Vortrag 19.03.2020, 18:00 Peter Geimer (Freie Universität Berlin), Lob der Fliege. Begegnungen mit einem rätselhaften Insekt, Vortrag 02.04.2020, 18:00 Sonja Gangl, I borrowed optimism from the past, Katalogpräsentation

artist

Sonja Gangl 

curator

Jana Franze 
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