daily recommended exhibitions

posted 24. Sep 2020

Study of Things

08. Aug 202008. Oct 2020
Study of Things Or a Brief Story About Fountain, Brick, Tin, Coin, Stone, Shell, Curtain, and Body 8 Aug → 8 Oct 2020 Artists Guy Ben-Ner, Cheng Xinhao, Andreas Fogarasi, Hu Wei, Hu Yun, Aki Lee, Tuan Mami, Nabuqi, Riar Rizaldi, Tan Jing, Wang Sishun Curated By Tan Yue In today’s digital age, we have grown increasingly accustomed to understanding the world through fragmented information presented on screens. Rapid developments in transportation, communication, and media have also exacerbated the fracturing and destabilizing of society. Zygmunt Bauman used the term “liquid society” to describe the current volatile state of our society. As social structures dissolve, seemingly from solid to liquid, and periodic reforms accelerate to constant change, instability permeates all levels of our lives. Moreover, global capitalism continues to consume us, labeling materials and things with trademarks and prices to produce commodities. The relationship binding humans to things has become increasingly tenuous, and the ontological status of things are reduced to either pure sensory stimulation or hallucinations on identity. The alienation and commodification of people have also resulted from this. Whether we are rethinking old materialist views of the separation between human and nature, material and consciousness, examining the dynamism of things in the production of relationships, or immersed in the nostalgia for lost objects and skills, it is not enough to merely mend the modern by stitching up ruptures in society due to the relentless expansions of symbols and vantage points. Perhaps a better way is to withdraw from the vortex of fetishization and to coexist with things through a new method—namely, the Study of Things. To investigate the phenomena of things in order to understand their nature. Furthermore, since the beginning of the twenty-first century, the ecological crisis has become increasingly severe and irreversible. The structure of pop- ulations, geopolitics, and political economy have all changed drastically. The development of science and technology has left biopolitics and ethics in urgent need of discussion. Therefore, the human being, which has served as the measure all things since the age of Enlightenment, has become increasingly suspect. Our understanding of today’s world is challenged. Theories and words have abandoned anthropocentric discourse and turned to matter. Bruno Latour’s Actor-Network Theory and American scholar Jane Bennett’s Vital Materialism provided the inspiration for the current exhibition. The former holds that both humans and nonhumans are actants, and that the network of connections and interactions between these actants serve as drivers of social and natural development. The latter em- phasizes that objects have lives and are alive. A They are alive in a non-biological sense, owing to the existence of interaction, entanglement, and action-oriented relationships that form open variables among things. At the same time, things have acquired political significance, not simply to conjure material contexts or material ends to political subjects, but to participate in the political process as active subjects akin to people. Art as an activity of production maintains a strong interest in materials. It also faces a posthuman dilemma under the dual pressures of technological acceleration and global neoliberalism. Resuming the discussion of material and materiality under the wave of material turns across disciplines and geographic restrictions, what kind of revelation can we bring to the artist’s work and practice beyond thought and theory? What cognitive perspectives appear when we no longer look at a specific thing in isolation, but place it in a dynamic network of relationships? Proceeding from this, the exhibition will return to the intersection of material and imagination, gathering eleven artists’ fetishistic longings and thoughts on the Study of Things. They focus on things that are within our reach, tracking their vitality and materiality, and follow the flow of things that transgress borders of time, history, and nationstate. Here, the flow of things is the process of their discovery, mining, production, distribution, and consumption; it can also be regarded as the flow of transregional society and culture, even that of the geological age. After examining an object’s symbolic meaning, we go back to the formation process of its value. We question the current value system: How does the active nature of material function as a resource shaping behavioral tendencies in the development of modern humanity? Behind the trajectory of these things, how do we gain insight into the more complex social mechanisms, power structures, interests, and the cause and effect of internal power relations present in objects? We attempt to stage things as the protagonist to tell a series of stories that are parallel and intertwined.

curator

Tan Yue 
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posted 23. Sep 2020

underneath

12. Sep 202017. Oct 2020
opening: 11. Sep 2020 07:00 pm
ort: Ausstellung in die Galerie Nord underneath mit Arbeiten von Annika Hippler, Soo Youn Kim und Marion Orfila Eröffnung: Freitag 11. September, 19 Uhr Begrüßung und Einführung: Veronika Witte und Ulrike Riebel Ausstellung: 12. September - 17. Oktober 2020, Di-Sa 12-19 Uhr (Im gleichen Zeitraum präsentieren wir an der Außenfassade der Galerie Nord die Fotoausstellung "SPREE-CUTS. Porträt einer StadtFlussLandschaft" von Götz Lemberg, worüber wir Sie in einer gesonderten Pressemitteilung informieren.) Mit überwiegend zeitbasierten und ortsspezifischen Arbeiten konzentriert sich die Ausstellung „underneath“ auf prozessuale Übergange von Realräumen zu fiktionalen Erlebniswelten. Die Innenräume der Galerie sind in Dunkelheit gehüllt, die Öffnung zur Straße weggenommen. Das künstliche Licht sperrt das Natürliche aus, eine Neu-Orientierung im Raum ist unumgänglich. Diese spezifische räumliche Situation der Galerie Nord ist der Ausgangspunkt für eine Ausstellung, die sich mit Raum und Zeit auseinandersetzt. Mit Licht als ephemerem Material zeichnet Annika Hippler Linien als unendlichen Weg durch den Raum und definiert diesen damit neu. Sie experimentiert mit dem Zusammenspiel von mangelndem natürlichen Licht und künstlicher Intervention. Das Moment der Übersetzung spielt in den Zeichnungen und Klang-Arrangements von Soo Youn Kim eine zentrale Rolle. Sie überträgt die vier Zeitpunkte der Sonne und des Mondes in ein eigenes Notationssystem und interpretiert musikalisch die grafische Partitur. Marion Orfila schafft einen zusätzlichen Boden, der die Wahrnehmung des eigenen Körpers im Raum beeinflusst, indem sie ihn teilweise unter der Oberfläche verschwinden lässt. Diese künstliche Membran aus hauchdünnem Beton teilt den Raum in zwei Ebenen – eine zu niedrig für eine Decke, die andere zu zerbrechlich, als dass wir darauf gehen könnten. Zu Beginn ist der Durchgang durch den Raum blockiert und erst nach und nach wird die Fläche für den Besucher aufgebrochen und es werden neue Wege geschaffen. Die ausgewählten zeitbasierten und ortsspezifischen Installationen spielen mit Helligkeit und Finsternis, Künstlichkeit und Realität, Sichtbarkeit und Versteck, Orientierungslosigkeit und physischer Neuverortung im Raum. Kuratiert von Ulrike Riebel

artists & participants

Annika Hippler,  Marion Orfila,  Soo Youn Kim 

curator

Ulrike Riebel 
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posted 22. Sep 2020

SHANNON BOOL. Crimes of the Future

04. Sep 202024. Oct 2020
SHANNON BOOL. Crimes of the Future 04.09.2020 – 24.10.2020 What is a body to do with itself in a space like this? (Shannon Bool) The title of the upcoming show "Crimes of the Future" and of the eponymous large-format tapestry cites the movie by David Cronenberg released in 1970. Shannon Bool focuses on architecture as a projection screen and choreographer of the actions and identity of the bodies of the protagonists that are at first “meaningless”. The architectural style of “brutalism” plays a central role. The term “brutalism” derives from the French “béton brut”, meaning “raw concrete”. Evolving in the 1920s as a modernist movement, brutalism aimed at providing the experience of “mental liberation”, “true seeing”, “sensuality instead of commerce”. Opening during the dc-open weekend Fri 04 Sep 11 am—10 pm Sat 05 Sep 11 am—8 pm Sun 06 Sep 11 am—6 pm The motif of Shannon Bool’s tapestry "Crimes of the Future" was generated on the computer and is based on a photograph of a presentation at the Yves Saint Laurent Museum in Paris. Shannon Bool arranges the modernist-minimalist figurines, which themselves are already a surrogate of the female body, to a new projection screen by creating a collage on the “inside” of the silhouettes with detailed views of sacred architectures of brutalism, such as the Wotruba Church in Vienna or the Second Goetheanum by Rudolf Steiner. The motif triggers a cascade of associations. The original figurines as “pure” projection screens were already compared to Madonnas of consumerism. This “nakedness of meaning” is now replaced by the nakedness of brutalism’s concrete architecture. The computer-generated motif is produced with the highly technologized Jacquard weaving method that translates digital space into a haptic relief. Shannon Bool’s tapestry thus gives rise to a paradoxical corporeal experience between digital and real space, which literally “collapse” in the mental space of the viewer. Shannon Bool’s series of abstract “grid” and “waffle” paintings are based the architecture of different brutalist structures built in the 1960s, which were deconstructed on the computer. The compositions are “collaged” on the computer turning the functional architecture into an abstract pattern. Having cast off its “sacred transcendence” in this way, a tongue-in-cheek, savvy play with the “sacredness” of abstract art begins. The grid structures are created as “blind painting.” The support is covered with wax and removed only after the painting process is over. It is semitransparent and conceals a mirror that subtly reflects the surroundings of the work. The actual space and body of the viewer become components of the work. Shannon Bool’s conceptual painting originates in a precise work process that simultaneously involves the “unforeseeableness” of abstract painting. Born 1972 in Canada, Shannon Bool has been living in Germany since 2001. She is professor of Painting at Academy of Fine Arts in Mainz, Germany. Her works are part of renowned museum collections such as Kunstmuseum Bonn, Metropolitan Museum New York, LBBW Collection, Museum of Modern Art Frankfurt, Collection of the Federal Estate of Germany, Lenbachhaus Munich or The National Gallery of Canada. Recent solo exhibitions have been at Kunstverein Braunschweig, Centre Culturel Canadien in Paris (both 2019), Mus.e Joliette Canada (2018). She has participated at internationally renowned group exhibitions such as „Germany is no Island“ at Bundeskunsthalle Bonn, „I am a Problem“ at Museum of Modern Art Frankfurt (2017), „Mentally Yellow“ at Kunstmuseum Bonn (2017), La Biennale de Montr.al (2017) and at „In the Picture: Overpainted Photography“ at Sprengel Museum Hannover (2019). In 2020 her next solo exhibition is at Agnes Etherington Art Centre, Kingston, Canada.

artist

Shannon Bool 
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posted 21. Sep 2020

Claudia Wieser. Lobby

04. Sep 202002. Oct 2020
opening: 04. Sep 2020 11:00 am
Claudia Wieser. Lobby Sep 4th — Oct 2nd, 2020 Opening Friday, Sep 4th, 2020, 11 am—10 pm Special opening hours for DC Open: Friday, Sep 4th, 2020, 11 am - 10 pm Saturday, Sep 5th, 2020, 11 am - 8 pm Sunday, Sep 6th, 2020, 11 am - 6 pm When you enter an installation by Claudia Wieser, you become immersed in a Gesamtkunstwerk. Geometric, often serial forms made of mirrored surfaces and bright colours, wooden pedestals and platforms covered with tiles, wall prints with details of found, casual looking photographs are all arranged to form loose stages. We move through a world of memories, rediscoveries and pure fantasy. The classical avant-garde, from Constructivism to Bauhaus, is as much a part of this as are references to interior design, film sets and theatre backdrops - Wieser's art essentially consists of creating atmospheres that make us think and feel our surroundings in a new way. For her fourth exhibition at Sies + Höke Galerie, she has separated the main room into small compartments: Mini-cabinets, covered in wallpaper, are placed along the gallery walls, with a feel of private rooms or relaxation areas. "Lobby" is the title of her exhibition - and with this association the artist already goes beyond the parameters of beauty, aesthetics, and harmony that are frequently ascribed to her work. Her 5 x 5 cm tile pictures, for example, have the effect of concrete thanks to a special glaze; smaller mirror works made of stainless steel and copper exude a smooth coolness, while artificial leather upholstery appears in other places. The lobby - a passageway and waiting area which does not give permission to linger, which we are familiar with from hotels, commercial venues and official institutions - becomes the open frame of a picture, in which we can abandon ourselves to a dreamlike relationship game of clear shapes, essential materials and figurative hints. "I always work in dialogue - be it with the space, with the exhibition title or with an experience such as a play or film. But this trigger is less important for the viewer than for myself," says Wieser. References to design, architecture and materials as well as to film, theatre and art, which Wieser has in mind when working, are therefore never named directly - rather they are like ghosts that the visitor senses intuitively. "My works are not didactic. I want to touch the viewer. Our existence, the human dilemma is always a background noise, even if it is never directly visible." In order to better understand Wieser's work, one has to consider her four-year apprenticeship at the famous blacksmith's workshop Bergmeister in Ebersberg, which she completed before taking up her studies with Axel Kasseböhmer and Markus Oehlen at the Munich Academy of Fine Arts. The workshop specialises in simple, early modern designs for clerical, cultural and political institutions. Wieser has never lost this connection to craftsmanship, in which pragmatic and artistic ideas merge (brought to perfection by the Bauhaus). With her, pedestals and mirror pieces, photo wallpapers, wall reliefs and podiums are always to be seen within a wider context, as elements in space that evoke a certain mood - and here we have come full circle, to Wieser's long-standing work in the field of set design for film. Works of art, in her opinion, are never to be viewed in isolation, but are part of a certain atmosphere. Scenes and cultural cross references take place in front of the viewer's inner eye, removing us from reality and allowing us to focus our attention on things that suddenly acquire qualities quite different from those that everyday life would ever have taught us. Just as one can read a reference to Romanticism and irrationality into classical modernism - one only has to think of Hilma af Klint and Emma Kunz's inspirations through spiritual sessions, or the influence of Theosophy and occultism on artists such as Kandinsky, Klee, and Mondrian - Wieser's works, in all their colourful patterned geometry and collage-like aesthetics, also have a tendency towards the dream, the atmospheric, and a departure from the everyday. Even if it is only a "lobby".
Sies + Höke, Düsseldorf

Poststr. 2 / Poststr. 3
40213 Dusseldorf

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posted 20. Sep 2020

GARTENDERGEGENWART

18. Jun 202008. Nov 2020
**Ort: Rothenbaumchaussee 145, 20149 Hamburg** GARTENDERGEGENWART 18.06.–08.11.2020 Am Donnerstag, dem 18. Juni eröffnet die Skulpturenausstellung GARTENDERGEGENWART. Mitten im Herzen der Stadt Hamburg, im Garten der Rothenbaumchaussee 145, werden Außenskulpturen von 28 Künstler*innen präsentiert, u.a. von Katharina Grosse und Anselm Reyle. In den vergangenen Wochen und Monaten sind viele Ausstellungsmöglichkeiten verloren ge- gangen, ebenso wie die Möglichkeit, mit Kunst in Kontakt zu kommen. Aus dieser Situation heraus ist die Idee zum GARTENDERGEGENWART entstanden: In einer zuvor ungenutzten Freifläche im Hamburger Stadtteil Eimsbüttel erkannten die Initiator*innen Margarita und Christian Holle eine außergewöhnliche Präsentationsmöglichkeit und stellten kurzer Hand eine hochkarätige Skulpturenausstellung zusammen. Angesichts der Beteiligung einer Viel- zahl renommierter Künstler*innen, die bereits in internationalen Museen ausgestellt haben, werden Hamburger Kunstinteressierte hier auf Ihre Kosten kommen. Unter freiem Himmel und bei kostenlosem Eintritt wird der GARTENDERGEGENWART Besucher*innen bis zum 8. November offenstehen. Seit 2011 veranstalten Margarita und Christian Holle bereits den gemeinnützigen salondergegenwart, ein jährliches Ausstellungformat zur Förderung junger Malerei. Anknüpfend an ihr bisheriges Engagement schaffen sie mit dem GARTENDERGEGENWART ein Format, dass unter den aktuellen Umständen eine Vielfalt aktueller künstlerischer Positionen öffentlich zugänglich macht und so zur Wiederbelebung des kulturellen Lebens in der Stadt bei- trägt. Die Einhaltung der geltenden Hamburgischen Maßnahmen zur SARS-CoV-2-Eindämmung werden mithilfe eines Online-Buchungssystems und der Vergabe von Zeitfenstern zur Be- sichtigung der Ausstellung gewährleistet. **Ein Besuch ist daher nur nach vorheriger Anmel- dung möglich.** Künstler*innen: Nevin Aladağ – Jan Albers – Axel Anklam – Christian Awe – Tjorg Douglas Beer – Matthias Bitzer – Jonas Burgert – Claudia Comte – Jose Dávila – Henrik Eiben – Fort – Henriette Grahnert – Anna Grath – Katharina Grosse – Jeppe Hein – Gregor Hildebrandt – Fabian Knecht – Lilia Kovka – Alicja Kwade – Ruprecht Matthies – Olaf Metzel – Paul Morrison – Timo Nasseri – Ewa Partum – Anselm Reyle – Pia Stadtbäumer – Stefan Strumbel – Hoda Tawakol Anmeldung und Öffnungszeiten unter gartendergegenwart.de/anmeldung/ Weitere Informationen unter gartendergegenwart.de Das Projekt GARTENDERGEGENWART wird unterstützt von der BELVEDERE Vermögensver- waltung GmbH & Co. KG, der Alfred Toepfer Stiftung F.V.S., dem Bezirksamt Eimsbüttel, der Carl-Toepfer-Stiftung sowie der Sparkassen-Stiftung Holstein.
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posted 19. Sep 2020

Dorothea Lange. Words & Pictures

09. Feb 202019. Sep 2020
**Through Sep 19** Dorothea Lange Words & Pictures (09.02.2020 - 02.05.2020) Toward the end of her life, Dorothea Lange (1865–1965) reflected, “All photographs—not only those that are so called 'documentary’...can be fortified by words.” A committed social observer, Lange paid sharp attention to the human condition, conveying stories of everyday life through her photographs and the voices they drew in. Dorothea Lange: Words & Pictures, the first major MoMA exhibition of Lange’s in 50 years, brings iconic works from the collection together with less seen photographs—from early street photography to projects on criminal justice reform. The work’s complex relationships to words show Lange’s interest in art’s power to deliver public awareness and to connect to intimate narratives in the world. In her landmark 1939 photobook An American Exodus—a central focus of the show—Lange experiments with combining words and pictures to convey the human impact of Dust Bowl migration. Conceived in collaboration with her husband, agricultural economist Paul Taylor, the book weaves together field notes, folk song lyrics, newspaper excerpts, and observations from contemporary sociologists. These are accompanied by a chorus of first-person quotations from the sharecroppers, displaced families, and migrant workers at the center of her pictures. Presenting Lange’s work in its diverse contexts—photobooks, Depression-era government reports, newspapers, magazines, poems—along with the voices of contemporary artists, writers, and thinkers, the exhibition offers a more nuanced understanding of Lange’s vocation, and new means for considering words and pictures today. Organized by Sarah Meister, Curator, with River Bullock, Beaumont and Nancy Newhall Curatorial Fellow, assisted by Madeline Weisburg, Modern Women’s Fund 12-Month Intern, Department of Photography.
MOMA - The Museum of Modern Art, New York

MOMA | 11 West 53 Street
NY-10019 New York

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posted 18. Sep 2020

COSIMA VON BONIN. HETERO

15. Aug 202019. Sep 2020
COSIMA VON BONIN. HETERO August 15th - September 19th, 2020 Gaga, Los Angeles presents: Cosima von Bonin HETERO August 15th–September19th, 2020 Gaga is pleased to present HETERO, the secondexhibitionofCosima von Boninat GAGA, first in our LA location.As it wasthe case with Shit and Chanel, HETERO is the result of anexpansiveWhatsApp dialoguebetweenthe artist and thegallerists.Thistime, unlike the last, eventhe install was done through video calls.This year plans have changed foreveryone, we have had to change dates and locations for this show twice andthe artist could not make her way to Los Angeles. But maybe the show has embedded in it the traces of this moment, marked by remote working and new socializing modes.We can’t avoid missing her physical presence. But who knows, by being presentin every decision and detail in the show, we have the feeling that we can hear herlaugh and maybe find her in this gingerbread house for adult Hansels and Gretels. As one walks into the gallery, the first thing we encounter is LOVE/HATE behind which hides a secret (furtive) smoker lounge that serves as ananteroomto an amusement parkof hard to decipher amusements. We do not know if we are entering the house of horrors or a fun house. Probably none of the above or both at the same time: the house ofmirrors where we see the deformed and therefore an even more precise reflection of the adult children we are. Fragile and shy like the characters we see in the show, but voracious,seducedand fascinated by the gingerbread house that has its real place in our subconscious. And just like that the installation unfolds emphasizing the back side of the works which become just as important, or even more important, than the front side for those who like to see ́the other side of things ́. Screens createcrushing spaces. Fences make sure we keep our distance but at the same time invite us in. More than a script (discourse, meaning or slogan) Cosima has elaborated on a color palette, worthy of the most exquisite interior decorator, theperfect set for our interior and themise-en-scene of our most shameful desires and nightmares. Herenothing is what it seems which could be said in another way; that a rose is not a rose is not a rose. Front / back, love / hate, more than opposites in tension, binaryposed or confronted, the work seems toembrace kindly thecontradictions andeverything in between. Hetero? Heterosexual or Heterodox?A rose is not a rose but sometimes a rose that is not a rose could also be a rose. Flags that are not banners but axes, axes that are notweapons but toys, toys that are words, and wordsthat are sculptures. Sculptures that become fences and fences that become hashtags.Hashtagsthat are not trending, nor proposing any slogan, but some tarot card of ambiguous significance, radical surfaces that work as a screen where we project. Magicmirrors. Luis Felipe Fabre, Mexico DF 15 de Agosto 2020 Fernando Mesta Los Angeles, August 2020
La Gaga & Reena Spaulings Los Angeles

2228 W 7th St
90057 Los Angeles

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posted 17. Sep 2020

My Body Holds Its Shape

25. May 202020. Sep 2020
Tap Chan, Thea Djordjadze, Jason Dodge, Eisa Jocson, Pratchaya Phinthong My Body Holds Its Shape May 25–September 20, 2020 The space becomes a living body from the first hour to the last. A 12-meter-long steel needle, piercing through the air, points towards the temporary opening of the fire escape. A new view appears in this exhibition space, Tai Kwun’s F Hall, built as a printing house in 1900 and later served to confine female inmates. In its third incarnation as a contemporary art center, the “white cube” is cut out, casting light and movement through the window. Part of Thea Djordjadze’s new installation, this endeavor to expand existing enclosures and rules lies at the heart of this exhibition—looking in and out of the box, weighing the limits, walking on both sides. In the metaphorical shape of a body, the exhibition conceives of “I” and “us” as individuals, things, beings, collectives, and countries. It reflects on how eagerly we seek to tie our world together, in maneuvring in the world and exercising authority over others. New works by the five artists circle around the expansion of limits and constraints, to serve as an artistic framework rather than as objects of antagonism. Experimenting with concepts of “sculpture,” the artworks are ways of relating our multifaceted facts and ecologies, spanning lived-in stories and realized imaginations. Constraints often imply boundaries; they mark out a field of warning signs, of where we ought not go near. When we look upon this zone of intimidation, should we think of how fearful it is to look down from the skies, or merely enjoy the dizzying vertigo? Such distances from the earth to the atmosphere are translated through weavers’ palms in Jason Dodge’s "Above the Weather" series, making the unimaginable physical and tender. Or another sign: in the breathing bodies of dancers in Eisa Jocson’s new work Zoo—a durational performance researching the laboring gestures of theme park animal performers—in conjunction with material studies of caged animals in zoos and quarantined humans, the scores are interpreted by dancers moving like shape shifters, and led by the artist livestreaming from her confined home in Manila. Constraints are walks of awakening and dreaming with Tap Chan, whose kinetic sculptures spin at the speed of night as a memento of where reality is anchored. And Pratchaya Phinthong’s alchemy brings bomb shells from polluted farmlands in Laos, transforming nightmarish materials into screws for installation support and a sculpture of two sides—a peaceful mirror surface and melted-down chaos. Within the body of this exhibition, no walls or fixtures are added; this is one of the principal premises. The artworks rely on each other and yet are autonomous on their own. The exhibition comes alive when visitors flow in, when dancers activate moments with routines and off-track improvisations, practicing to perfection until the very last hour, holding it in place. Artists: Tap Chan, Thea Djordjadze, Jason Dodge, Eisa Jocson, Pratchaya Phinthong Curator: Xue Tan

curator

Xue Tan 
Tai Kwun, Hong Kong

10 Hollywood Road, Central
Hong Kong

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posted 16. Sep 2020

Stefan Müller & Min Yoon

12. Sep 202017. Oct 2020
opening: 11. Sep 2020 03:00 pm
Stefan Müller & Min Yoon 12 September – 17 October 2020 Opening: Friday, September 11th 2020, 3–9 pm In cooperation with Galerie Lars Friedrich, the exhibition is part of VARIOUS OTHERS Munich. 9 September – 11 October 2020 Stefan Müller is an artist who, regardless of what is happening in the context of what Max Horkheimer once called the "culture industry", follows his own timeline. This is not a sovereign attitude, but rather corresponds to the difficult survival of the weak and unfinished in the whirlwind of medialization, which now encompasses all areas of life. The apparent openness of the media society subjects everything to calculation. How many clicks, how many users, how many followers? After ‚improvisation' was made fully marketable by YouTube and Instagram, improvised biographies beyond the mainstream no longer count today. Müller meets hard facts with soft tones. He doesn't improvise for money, but out of self-defense. He often seems to deal carelessly and destructively with his fabrics and materials, for example when he throws his canvases on the studio floor in order to walk on them while working. Müller crosses out the days, more like a child waiting for Christmas than the delinquent in prison. The lightness of his new paintings is also their strength. It is directed against the exclusion of the abjected. Min Yoon, born 1986 in Cheonan, South Korea, lives and works in Vienna. In his installations, sculptures and pictures, he explores processes of identity formations within art, its production, exhibition and reception, using balancing forms of reflection, rather than conflicting forms.

artists & participants

Stefan Müller,  Min Yoon 
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posted 15. Sep 2020

Unfolded Perceptions - Markus Butkereit

24. Jul 202020. Sep 2020
opening: 24. Jul 2020 05:00 pm
Unfolded Perceptions - Markus Butkereit Opening: July 24, 2020 from 17h00 to 22h30 Duration: July 24 to September 20, 2020 When lightning strikes, closely knit particles — (any very small subatomic piece) — separate. Dissolving from their previously closeness, a great charge releases from the separation. In Markus Butkereit’s show UNFOLDED PERCEPTIONS a theme emerges: the rearrangement and distribution of particles. UNFOLDED brings to the forefront a dialogue between particles role with space, consciousness, and wind; and points to particles as the foundation of a belief system, where the question is raised — can distribution of these infinite numbers of very small matter be the basis of existence and the reason for every single thing that happens to us, and outside of us? In it, there is a reflective quality of weather, how the fissuring of particles mirrors all communication flowing and scattering. Since every action causes a reaction, Markus Butkereit substantiates and affirms this law by showing how particles are broken up in the eye of a storm only to separate and spread to us. Like a tornado, chaos often ensues in the aftermath of disaster. The work distributes particles, which then moves with the wind. UNFOLDED PERCEPTIONS is always on the move, from the artist to the table to up and away from you. Space is the absence of the other; but what if in actuality hidden in what seems to be nothing is a presence so strong the very actions taken by you are dictated by the vacuum’s “nothingness”? In between each person, interaction, and occurrence are an astronomical number of small parts which move. Particles we cannot see, feel, touch, smell, or find, yet are there. Drawing from the physics of particle presentation, Buterkeit derives the installation UNFOLDED PRECEPTIONS from a tornado, and here, opens the realm to space. With the reservation and finesse of particles, the installation stands as a call for wind, power, and particles to be released and explored. In the center of the transportation medium, the production of wind moving, flowing, and exiting through a corridor into the chamber whips particles into a special formation. The air changes. New fields are excited into creation. Here is where the development of energy is key, as the field mixes movement and creates an entirely new mode of presence, existence, and state. From the pieces of the audience to dust trapped in the air, the installation is akin to a tornado’s possibility for disrupting and rearranging a setting. The moderator is the installation itself, with a program centering around the audience being the new creators of infinite forms of potential. As people move, so does the dispersion of particles. Markus Butkereit (1976) is an artist presenting in museums and exhibitions in over ten countries. His broad range of activities centralise in the presentation of large-scale multimedia installations and activities based on a spectra of operations spanning art and society. Based on changing structures from within, there are layered revolving structures which wreck the environment as first noted; and ultimately, demanding more from the space in which they are presented. From his work building large-scale rube goldberg machines to finessing the explosions of a series of chairs, Butkereit is known for detailed and precise finesse that results in chaos. He builds accessible discussions between people by using fundamental laws appearing in physics and society by resting the installations on a foundation of absolute and objective reality. Informed and knowledgeable, Butkereit unapologetically disrupts and resolves questions related to knowledge and speculation; chance and determinism; order and chaos. Text by Rose Pacult Gr_und will of course follow the current social-distancing and hygiene regulations. the courtyard will be open in order to create an entry and an exit. The number of participants is limited to 50 people. http://www.markusbutkereit.de/works/works.html
gr_und Berlin

Seestr. 49
13347 Berlin

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posted 14. Sep 2020

Luca Monterastelli. Old Masters

05. Sep 202018. Oct 2020
Luca Monterastelli. Old Masters 5 September 2020 — 18 October 2020 KETELEER GALLERY is presenting Old Masters, the first solo exhibition with the gallery by the Italian artist Luca Monterastelli. Monterastelli was born in Forlimpopoli in 1983 and now lives and works in Milan. Over the course of the past 10 years, he has been developing an entirely individual, contemporary, sculptural vocabulary. In recent years his work has been shown at various prestigious exhibitions, such as the Venice Biennale in 2015. At the beginning of 2017, Alessandro Rabottini, artistic director of the miart fair, nominated Monterastelli as one of the five best Italian artists under the age of 40. Monterastelli's sculptures are monumental and awe-inspiring. They form an accumulation of geometric entities that each contain multiple potential meanings. His sculptures often consist of vertical, vaguely anthropomorphic forms, which create formal paradoxes that encourage the viewer to explore the work from up close. The starting point for Monterastelli’s first solo show at the KETELEER GALLERY is the idea of how easy it is to cross the line between use and abuse; how something vital, like art, can be used as a threat or a way for authority to impose itself. Monterastelli has always preferred sculpture, because it is the perfect language with which to betray this construct. It is one of the preferred mediums that authority likes to use to build its epic narrative, the narrative that radiates from the architecture and monuments that form the identity of a city and legitimate the nature of power. During one of his visits to Antwerp, Monterastelli noticed how most of the city's buildings are presented with a bird of prey clinging on to them, its prey between its claws. There is an ancient beauty in this science of submission, in what mankind can exchange to cover his basic needs. So the title Old Masters refers to the tendency to corrupt the forces presented in the original idea, deforming it into something subjugating.
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posted 13. Sep 2020

Not Working – Artistic production and matters of class

12. Sep 202022. Nov 2020
opening: 11. Sep 2020 07:00 pm
Not Working Künstlerische Produktion und soziale Klasse 12. September – 22. November 2020 Eröffnung: 11. September, 19 Uhr Ausstellung mit Adrian Paci, Angharad Williams, Annette Wehrmann, Gili Tal, Guillaume Maraud, Josef Kramhöller, Laura Ziegler und Stephan Janitzky, Lise Soskolne, Matt Hilvers, Stephen Willats Filmprogramm mit Agnès Varda, Ayo Akingbade, Barbara Kopple, Berwick St Collective, Max Göran, Lucrecia Martel ausgewählt von Nadja Abt, Simon Lässig, u.a. Begleitprogramm mit Cana Bilir-Meier, Phasenweise nicht produktiv, Ramaya Tegegne, Tirdad Zolghadr, u.a. Publikation mit Beiträgen von Annette Wehrmann, Dung Tien Thi Phuong, Josef Kramhöller, Laura Ziegler und Stephan Janitzky, Leander Scholz, Lise Soskolne, Mahan Moalemi, Marina Vishmidt und Melanie Gilligan, Steven Warwick Ausstellung mit Adrian Paci, Angharad Williams, Annette Wehrmann, Gili Tal, Guillaume Maraud, Josef Kramhöller, Laura Ziegler und Stephan Janitzky, Lise Soskolne, Matt Hilvers, Stephen Willats Filmprogramm mit Agnès Varda, Ayo Akingbade, Barbara Kopple, Berwick St Collective, Max Göran, Lucrecia Martel ausgewählt von Nadja Abt, Simon Lässig, u.a. Begleitprogramm mit Cana Bilir-Meier, Phasenweise nicht produktiv, Ramaya Tegegne, Tirdad Zolghadr, u.a. Publikation mit Beiträgen von Annette Wehrmann, Dung Tien Thi Phuong, Josef Kramhöller, Laura Ziegler und Stephan Janitzky, Leander Scholz, Lise Soskolne, Mahan Moalemi, Marina Vishmidt und Melanie Gilligan, Steven Warwick Diesen September präsentiert der Kunstverein München das Projekt Not Working – Künstlerische Produktion und soziale Klasse, welches internationale Künstler*innen, Theoretiker*innen und Autor*innen zusammenbringt, die in ihrer Praxis die gegenseitige Bedingtheit von künstlerischer Produktion und sozialer Klasse verhandeln. Jede Form, auch die künstlerische, ist Terrain für die Verhandlung von Klassenverhältnissen. Formensprache ist dabei immer auch lesbar in Bezug auf Privilegien und ökonomische Zusammenhänge, die bestimmten Materialien, inhaltlichen Auseinandersetzungen und (Re-)Präsentationsmodi eingeschrieben sind und sie durchziehen. Die komplexen Strukturen und Verschärfung sozialer Ungleichheiten – besonders deutlich geworden im Zusammenhang mit der aktuellen Pandemie – hat zu unterschiedlichen Verwendungen und Konnotationen des Klassenbegriffes geführt. Soziologisch verstanden als Zuordnung von Individuen zu Gruppierungen innerhalb einer Gesellschaft, die sich durch objektive Merkmale wie beispielsweise die Erwerbs- und Berufsstellung auszeichnen, hat der Begriff jedoch jenseits von einem ökonomischen auch einen symbolischen Gehalt: Spricht man heute von Klasse, so wird basierend auf ihrer historischen Konstitution zumeist von weißen, vornehmlich männlichen Gruppierungen ausgegangen. Deutlich geworden ist jedoch, dass Klasse den Kategorien von ethnischer Zugehörigkeit und Geschlecht – im Englischen die weitaus geläufigeren Begriffe „Race“ und „Gender“ – nicht nur inhärent ist, sondern diese Kategorien vielmehr bestimmende Elemente von Klassenverhältnissen darstellen. Welche Formen nehmen künstlerische Praktiken an und wie geben diese Auskunft über Konditionen, unter denen sie entstanden sind? Die Werke in der Ausstellung dokumentieren oder appropriieren nicht kulturelle Zeichen der Arbeiter*innenklasse, sondern sind geprägt durch ein Bewusstsein um die Verflochtenheit von Herkunft, Sozialisierung, Ausbildung und künstlerischer Praxis. Sie ermöglichen somit eine Auseinandersetzung mit diesen Kategorien im Verhältnis zu den tatsächlich gelebten Realitäten ihrer Produzentinnen. Anhand feiner Unterschiede ist jedoch fraglich, warum zeitgenössische Kunst zumeist immer noch vor dem Hintergrund einer vermeintlichen „Klassenhomogenität“ präsentiert und diskutiert wird und so Komplizin der Reproduktion und Verdeckung bestehender Verhältnisse bleibt, die sie eigentlich zu überwinden vorgibt. Der Begriff der Klasse ist auffallend abwesend in Diskursen, die eine politische Relevanz und kritisches Potenzial beanspruchen. Wenn er zum Thema wird, werden die ökonomischen Disparitäten und Ungleichheiten jedoch allzu oft unbeholfen im gleichen Kontext reproduziert. Der Titel Not Working dient dabei als Verweis auf die oft verherrlichte Prekarität, die der Figur des*r Künstler*in innewohnt, sowie auf das Klischee, dass die ökonomischen Regeln für ihre Form der Arbeit keine Anwendung finden. Darüber hinaus skizziert der Titel, dass der auf die grundlegende Prekarisierung der meisten seiner Produzent*innen ausgelegte Kunstbetrieb ein dysfunktionale System darstellt. Wie andere Kunstvereine zu Beginn des 19. Jahrhunderts als Mitgliederbasierte Institution gegründet, diente der Kunstverein München zunächst als Forum der Selbstorganisation einer neu entstehenden bürgerlichen Öffentlichkeit. Er war demnach nicht nur ein Ort der Präsentation von Kunst, sondern vor allem auch der Bildung einer „Gesellschaft des Geschmacks“. Der Kunstverein München ist in eines der teuersten städtischen Gefüge eingebunden, welches durch enorm hohe Mieten und Lebenshaltungskosten geprägt und immer weniger in der Lage ist, ein für die kulturelle Produktion förderliches Umfeld zu bieten. Die veränderten sozio-politischen sowie ökonomischen Rahmenbedingungen, unter denen der Kunstverein heute agiert bzw. agieren muss, zogen nicht nur eine programmatische Neuausrichtung sowie Hinterfragung des Modells selbst und folglich eine Repositionierung im zeitgenössischen Kunstbetrieb nach sich. Sie machen ihn auch zu einem prädestinierten Ort für die Verhandlung von Fragen nach der Verschränkung von Ökonomien, Kunstproduktion und Repräsentation. Schließlich sind Kunstvereine eine reiche Quelle für historische Informationen über die Motivationen ihrer Protagonist*innen und darüber, wie diese Motivationen von einem bürgerlichen Kunstbegriff bestimmt werden, der sich vermeintlich autonom und unabhängig von sozialen Faktoren, einschließlich der sozialen Klasse, verstanden wird. In der Ausstellung, einem umfassenden Film- und Begleitprogramm sowie der Publikation geht es nicht darum, traditionelle Modelle linker Politik und den Klassenbegriff auf ihre Aktualität oder Überholtheit hin zu überprüfen oder die Kunst als politisches Werkzeug zu verstehen. Vielmehr geht es darum, ihn produktiv im Hinblick auf seine Verflochtenheit mit künstlerischer Produktion zu betrachten und Impulse zur Auseinandersetzung mit dieser komplexen Materie zu schaffen.
Kunstverein München

k.m | Galeriestraße 4
80539 Munich

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posted 12. Sep 2020

JR: Chronicles

04. Oct 201918. Oct 2020
JR: Chronicles October 4, 2019–October 18, 2020 Over the past two decades, JR has expanded the meaning of public art through his ambitious projects that give visibility and agency to a broad spectrum of people around the world. Showcasing murals, photographs, videos, films, dioramas, and archival materials, JR: Chronicles is the first major exhibition in North America of works by the French-born artist. Working at the intersections of photography, social engagement, and street art, JR collaborates with communities by taking individual portraits, reproducing them at a monumental scale, and wheat pasting them—sometimes illegally—in nearby public spaces. This soaring multimedia installation traces JR’s career from his early documentation of graffiti artists as a teenager in Paris to his large-scale architectural interventions in cities worldwide to his more recent digitally collaged murals that create collective portraits of diverse publics. The centerpiece of the exhibition is The Chronicles of New York City, a new epic mural of more than one thousand New Yorkers that is accompanied by audio recordings of each person’s story. All of the projects on view honor the voices of everyday people and demonstrate JR’s ongoing commitment to community, collaboration, and civic discourse. In addition to works by JR presented at the Museum, a monumental public mural featuring The Chronicles of New York City was on view in Domino Park, Williamsburg, Brooklyn. The project has been conceived in collaboration with LOT-EK, which designed Triangle STACK #2 to help bring JR's mural into the city's open space. JR’s murals are also on view at Kings Theatre in Flatbush and the Brooklyn Academy of Global Finance in Bedford-Stuyvesant, with more planned for the run of the exhibition. JR: Chronicles is curated by Sharon Matt Atkins, Director of Exhibitions and Strategic Initiatives, and Drew Sawyer, Phillip Leonian and Edith Rosenbaum Leonian Curator, Photography, Brooklyn Museum. Leadership support for this exhibition is provided by Clara Wu Tsai. Major support for this exhibition is provided by the Ford Foundation. Generous support is provided by the Brooklyn Museum’s Contemporary Art Committee, the FUNd, Stephanie and Tim Ingrassia, and Perrotin. Additional support is provided by the Cultural Services of the French Embassy, Emily Glasser and William Susman, Carol and Arthur Goldberg, the Hayden Family Foundation, the May and Samuel Rudin Family Foundation, Inc., Pace Gallery, and the Robert Mapplethorpe Foundation. This exhibition is part of Brooklyn Falls for France, a cultural season organized by the Cultural Services of the French Embassy and FACE Foundation in partnership with Brooklyn venues.

artist

JR Jean René 
Brooklyn Museum

200 Eastern Parkway
NY-11238 Brooklyn

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posted 11. Sep 2020

Transparenz und Dichte

22. Aug 202011. Oct 2020
Transparenz und Dichte Laufzeit 22.08.-11.10.2020 Kooperationsausstellung des Westdeutschen Künstlerbundes e.V. mit den Flottmann-Hallen Herne. Etablierte KünstlerInnen stellen in diesem Projekt zusammen mit BildhauerInnen der jungen Generationen aus. Sie präsentieren zumeist großdimensionierte Arbeiten im Innenbereich der Ausstellungshalle und im Aussenbereich bzw. Im Skulpturenpark. Kuratoren dieser Ausstellung sind Jutta Laurinat, Ausstellungsleiterin und der Düsseldorfer Bildhauer Andreas Bee.
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posted 10. Sep 2020

o.T.

20. May 202031. Oct 2020
o. T. 20.05. - 31.10.2020 Die von Dieter Bogner kuratierte Hauptausstellung "o. T." zeigt Geometrien, Systeme und Konzepte aus sieben Jahrzehnten. Zu sehen ist eine Auswahl von malerischen, plastischen, kinetischen, digitalen bzw. akustischen Werken österreichischer Künstlerinnen und Künstler aus den Jahren 1950 bis 2020, die auf einem kompositorisch freien, gesetzmäßig strukturierten bzw. konzeptionell entwickelten Umgang mit elementaren Formen, klaren Farben und einfachen Gegenständen oder primären Materialien aufbauen. Neben Werken aus der Sammlung Liaunig werden Leihgaben von Künstlerinnen und Künstlern, Museen und Privatsammlungen gezeigt, die einen umfassenden Einblick in die Vielzahl künstlerischer Konzepte im Bereich elementarer österreichischer Kunst gewähren, wie er bisher weder in der zeitlichen Dimension noch in derartiger medialer Vielfalt zu sehen war. Was die Sammlung Liaunig – und damit auch die Ausstellung "o. T." – auszeichnet, ist die Zahl großer Skulpturen und Objekte, die aus allen Perioden stammen. Die durch alle Jahrzehnte mögliche Kombination von zwei- und dreidimensionalen Kunstwerken ist für das Verständnis des Kunstgeschehens von den 1950er-Jahren bis in die Gegenwart von großer Bedeutung. Dazu trägt auch die punktuelle Integration von oftmals viel zu wenig Berücksichtigung findenden analogen, digitalen und akustischen Werken bei. Die Gliederung der Ausstellung in drei von einem zentralen Einführungsraum ausgehende Bereiche ergibt sich aus der architektonischen Struktur des Gebäudes. Unschärfen und Überschneidungen zwischen den drei Bereichen werden bewusst in Kauf genommen, ja, sie sind sogar Teil des Konzepts. Zweifellos gibt es viele andere Möglichkeiten, die ausgewählten Werke in den Ausstellungsräumen anzuordnen. Im die Ausstellung begleitenden Katalog werden die Kunstwerke konsequent nach ihrem Entstehungsjahr abgebildet. Dadurch ergibt sich ein zufälliges Neben- und Nacheinander unterschiedlicher Künstlergenerationen und künstlerischer Entwicklungsstränge, aber auch von Techniken und Medien. Die daraus resultierenden Kombinationen bieten manche Überraschung und fordern zu einer präzisen analytischen Betrachtung und Interpretation der einzelnen Werke heraus. Dieter Bogner im Katalog: Die Verwendung des Kürzels "o. T." als Titel für eine Ausstellung bedarf einer Begründung. Es handelt sich um eine gängige Bezeichnung für Kunstwerke moderner und zeitgenössischer Kunst, die dann Verwendung findet, wenn Künstlerinnen und Künstler einem Werk keinen Titel geben wollen. Die Aufmerksamkeit der Betrachterinnen und Betrachter soll sich unvermittelt auf das Werk richten. Diese Aufforderung zu einer Werkbetrachtung, die durch keinen Orientierungshinweis beeinflusst wird, ist einer der Gründe für die Verwendung des Titels "o. T.". Der zweite Anlass für diese Entscheidung liegt in der Schwierigkeit, aus der Vielzahl von Begriffen, die seit nahezu hundert Jahren für Phänomene elementaren Gestaltens in Gebrauch waren – und zum Teil noch heute sind –, eine begründbare Entscheidung für eine auf die Gesamtheit der in der Ausstellung gezeigten Werke gültige "Dachmarke" zu treffen. Die groß angelegte Schau mit dem Titel "o. T.", der impulsgebend für eine gesamtheitliche Neubetrachtung von sieben Jahrzehnten elementarer und konzeptueller Kunst in Österreich sein soll, präsentiert 147 Arbeiten von 76 Künstlerinnen und Künstlern. Gezeigt werden Werke von Marc Adrian, Josef Bauer, Hans Bischoffshausen, Anna-Maria Bogner, Hellmut Bruch, Friedrich Cerha, Waltraut Cooper, Josef Dabernig, Inge Dick, Heinrich Dunst, Manfred Erjautz, Wolfgang Ernst, Gottfried Fabian, Hans Florey, Gerhard Frömel, Johann Fruhmann, Heinz Gappmayr, Jakob Gasteiger, Tibor Gáyor, Roland Goeschl, Dorothee Golz, GRAF+ZYX, Hans Grosch, Karl Hikade, Kurt Ingerl, H+H Joos, Gerhard Kaiser, Walter Kaitna, Thomas Kaminsky, Michael Kienzer, Edgar Knoop, Peter Kogler, Willi Kopf, Kurt Kren, Eric Kressnig, Richard Kriesche, Hans Kupelwieser, Maria Lassnig, Bernhard Leitner, František Lesák, Helmut Mark, Dóra Maurer, János Megyik, Josef Mikl, Melitta Moschik, Gerhardt Moswitzer, Walter Obholzer, Hermann J. Painitz, Florentina Pakosta, Fritz Panzer, Ferdinand Penker, Hubert Pfaffenbichler, Helga Philipp, Franz Pichler, Josef Pillhofer, Markus Prachensky, Karl Prantl, Oskar Putz, Arnulf Rainer, Gerwald Rockenschaub, Georg Salner, Peter Sandbichler, Eva Schlegel, Günther Selichar, Rudi Stanzel, Oswald Stimm, Esther Stocker, Erwin Thorn, Jorrit Tornquist, Markus Wilfling, Fritz Wotruba, Heimo Zobernig und Leo Zogmayer 


curator

Dieter Bogner 
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posted 09. Sep 2020

Thierry Geoffroy / Colonel: THE AWARENESS MUSCLE TRAINING CENTER

01. Sep 202020. Sep 2020
Thierry Geoffroy / Colonel: THE AWARENESS MUSCLE TRAINING CENTER Eine Ausstellung des Museums VILLA STUCK Kurator: Michael Buhrs 1. – 20. September 2020 AWARENESS MUSCLE (Emergency Room Dictionary von Thierry Geoffroy) Tägliches Training ist notwendig, aber wie trainiert man? Das kritische Scannen der Nachrichten könnte eine Übung sein. Die tägliche Debatte mit anderen über Politik könnte eine andere sein. Die Betrachtung anderer Gesichtspunkte führt normalerweise zu erheblichen Verbesserungen. Vorurteile zu bekämpfen ist eine hervorragende Übung. Der in Frankreich geborene und in Kopenhagen lebende Künstler Thierry Geoffroy / COLONEL (geboren 1961) konzipiert für das Museum VILLA STUCK das THE AWARENESS MUSCLE TRAINING CENTER. Die Ausstellung verfolgt zwei Ziele: für drei Wochen können die Besucher*innen an den bereitgestellten Fitnessgeräten trainieren, während sie sich mit aktuellen gesellschaftspolitischen Fragestellungen auseinandersetzen. Gleichzeitig werden zum ersten Mal fast vierzig CRITICAL RUNS gezeigt, die Thierry Geoffroy über einen Zeitraum von zwanzig Jahren auf der ganzen Welt durchgeführt hat. Auch in diesen Läufen werden zwischen den Teilnehmer*innen aktuelle Themen debattiert. In seiner künstlerischen Praxis beschäftigt sich Thierry Geoffroy mit der Gegenwart, mit dem aktuellen Zustand und den Notständen der Welt, mit der Frage, wohin wir uns als Gesellschaft bewegen und wie wir uns mit den Problemen auseinandersetzen, die uns auf diesem Weg begegnen. In seinem Manifest aus dem Jahr 1989 legt Geoffroy den Grundstein für seine Arbeit. Er setzt den Standard der Moving Exhibition, der „Ausstellung in Bewegung“ und legt verschiedene Formen von Partizipation fest, indem er Kategorien definiert wie den type bourgeoise, den type offensive oder den type exhibitionniste. Grundannahme ist dabei: „Die Ausstellung in Bewegung ist mobil im Raum und mobil in ihrem Ausdruck, sie passt sich dem Leben an.“ Während der Künstler im type bourgeoise fern von der Öffentlichkeit arbeitet, wendet sich der type semi-bourgeoise an eine Öffentlichkeit im Kunstkontext. In diesem Sinne steigert Geoffroy mit jedem neuen Typ die Hinwendung an die Öffentlichkeit bzw. sogar deren Unterwanderung (type exhibitionniste). Neben dem zugrundeliegenden Manifest ist es die Variation des sog. ART FORMAT, welches das Werk von Geoffroy charakterisiert. „Das ART FORMAT ist die künstlerische Antwort auf die Globalisierung“, so der Künstler selbst. Von Mitte der 2000er-Jahre an konzipiert Geoffroy die verschiedenen Formate und aktiviert sie weltweit, u.a. die EMERGENCY ROOMS und CRITICAL RUNS oder die Formate DEBATE RAVE, PENETRATION und BIENNALIST. Das für seine Ausstellung im Museum VILLA STUCK ausgewählte Format des THE AWARENESS MUSCLE TRAINING CENTER verfolgt das Ziel, den kollektiven Muscle of Awareness zu trainieren. Es verwendet den Akt des körperlichen Trainings als Metapher für das Training des Bewusstseins und des kritischen Denkens. Der Künstler wird hierzu während der gesamten Dauer in der Ausstellung präsent sein, als Stimulateur fungieren, Reflexion und Diskussion anregen und die Besucher*innen mit Debatten über aktuelle Themen konfrontieren: wie gehen wir, vor dem Hintergrund der noch immer allgegenwärtigen Pandemie und einer in dieser Form einzigartigen Einschränkung des öffentlichen Lebens und des gesellschaftlichen Miteinanders, mit drängenden Problemen der Gegenwart um: mit der Flüchtlingskrise, dem Klimawandel, mit Rassismus und Fremdenfeindlichkeit. Im Erdgeschoss der Ausstellung befindet sich das eigentliche THE AWARENESS MUSCLE TRAINING CENTER, eigens konfektionierte Fitnessgeräte und ein vom Künstler entwickeltes Display aus Neonarbeiten, Plexiglas, Spiegeln und Teppichen. Thierry Geoffroy selbst bezieht sein Headquarter in der Ausstellung auf dem Mezzaningeschoss und wird von dort aus jeweils aktuelle Themen in die Ausstellung einbringen. Die Beziehung zwischen ART FORMAT, Raum und Zeit verändert sich. Ein in einem Museum eingerichtetes ART FORMAT unterscheidet sich von einem in einer Galerie aktivierten ART FORMAT. Andere äußere Faktoren, die das ART FORMAT verändern, könnten das politische Klima sein: ein in einem totalitären Staat aktiviertes ART FORMAT würde sich von demselben ART FORMAT in einem demokratischen Staat unterscheiden. (Thierry Geoffroy) Im Obergeschoss der Ausstellung befindet sich der sog. Energy Room, ein kreisrunder Raum, in dem auf verschieden großen Screens eine Auswahl von CRITICAL RUNS zu sehen ist, die für die Ausstellung in München eigens editiert wurden. Jeder CRITICAL RUN beschäftigt sich mit einer vorab festgelegten Fragestellung. Diese wird von den Teilnehmer*innen während des Laufens diskutiert. CRITICAL RUNS haben bislang in über dreißig verschiedenen Ländern mit etwa 100 verschiedenen Debatten stattgefunden: z.B. New York, Kairo, London, Istanbul, Athen, Peking, Hanoi, Paris, Kopenhagen, Moskau, Sydney, Venedig, Berlin, Toronto und nicht zuletzt München. Die Einladung an Thierry Geoffroy nimmt ihren Ursprung in der Veröffentlichung von sieben Handlungsfeldern durch den Münchner Kulturreferenten Anton Biebl im Sommer des vergangenen Jahres. Sie beinhalten Themen wie Demokratie stärken, Diversity leben oder Digitalen Wandel gestalten. Im Rahmen des THE AWARENESS MUSCLE TRAINING CENTER sollen diese Handlungsfelder und die damit verbundenen Begriffe öffentlich diskutiert werden. Wo liegt das kritische Potenzial von Begrifflichkeiten, die scheinbar eindeutig sind, durchaus jedoch unterschiedlich interpretiert werden? Wie leben wir Diversity, wo doch die Defizite in der Umsetzung auf der Hand liegen, was sich an den aktuellen Debatten zu strukturellem Rassismus beweist? Das THE AWARENESS MUSCLE TRAINING CENTER wird im Rahmen der aktuell im Kulturbereich geltenden Hygiene- und Mindestabstandsvorschriften umgesetzt. \#THIERRYGEOFFROYMVS

curator

Michael Buhrs 
Museum Villa Stuck, München

Museum Villa Stuck | Prinzregentenstr. 60
81675 Munich

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posted 08. Sep 2020

Bruce Nauman. Modelle

04. Sep 202013. Dec 2020
Bruce Nauman. Modelle 04.09.2020 – 13.12.2020 Kuratiert von Dieter Schwarz Bruce Nauman denkt in Modellen – in der Möglichkeitsform –, und deshalb nimmt die Zeichnung in seinem Werk und in dieser Ausstellung eine zentrale Funktion ein. Zeichnungen veranschaulichen das Wesentliche, sie verweisen auf Denkbares. Zeichnung wie Modelle sind stilistisch ungebunden und eröffnen Räume für die Vorstellung. Ende der 1970er Jahre entwarf Nauman Modelle für unterirdische Räume. Circle ist das erste Modell; der Tunnelbau hätte einen Durchmesser von bis zu 200 Metern. Da die Realisierung außer Frage stand, sollte das Modell dazu anregen, sich den Raum zu denken. Es zeigt die äußere Form; wie würde der Raum sich von innen darstellen, und wie würde man sich darin verhalten? Zum Kreis kamen ein Dreieck und ein Quadrat; erstmals sind die drei geometrischen Arbeiten hier zusammen ausgestellt. Das vierte Modell, Equilateral Triangle, besteht aus drei sternförmig angeordneten Achsen, deren Kreuzungspunkt sie in verschieden lange Stücke teilt. Nauman beschäftigte die unterschiedliche psychologische Wirkung der Formen; das Dreieck schafft einen unbehaglichen Raum, während Kreis und Quadrat Sicherheit suggerieren. Die Modelle sind in Eisen gegossen und wirken wie definitive Skulpturen. Doch Nauman sucht nicht die Stabilität sondern das Potential des Modells; er interessiert sich für die Zweideutigkeit der Erscheinung, für den Zwischenraum, der sich zwischen Realität und Vorstellung auftut. Darum geht es auch in den Arbeiten mit Händen, die in der Ausstellung das intime Gegenstück zu den großen Modellen bilden. Hände sind nicht ausführendes Instrument allein, sie sind zugleich Gegenstand der Handlung – im Klavierstück, das aus Fingerübungen hervorgeht, oder in den Handpaaren, die in Verschränkungen gezeigt werden. Auch diese Werke sind Modelle für die Entzweiung des Selbstverständlichen. Dieter Schwarz

artist

Bruce Nauman 

curator

Dieter Schwarz 
Skulpturenhalle Neuss

Raketenstation Hombroich | Berger Weg 16
41472 Neuss

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posted 07. Sep 2020

Sigmar Polke. Road trip through the Middle East

04. Sep 202002. Oct 2020
Sigmar Polke. Road trip through the Middle East Pictorial Photography from Afghanistan and Pakistan Sep 4th — Oct 2nd, 2020 at Sies + Höke, Düsseldorf Opening Friday, Sep 4th, 2020, 11 am—10 pm Special opening hours for DC Open: Friday, Sep 4th, 2020, 11 am - 10 pm Saturday, Sep 5th, 2020, 11 am - 8 pm Sunday, Sep 6th, 2020, 11 am - 6 pm Sigmar Polke died ten years ago, he would have turned 80 next year. Sies + Höke Düsseldorf and Kicken Berlin commemorate one of the most important German artists of his generation with a series of almost 20 unique photographs, which - like so much of his oeuvre - surprisingly has been little explored to this day and is still largely unknown to the wider public. In order to understand the images, we need to take a look back at the early 1970s, when Polke radically turned his back on his life around the Düsseldorf Art Academy, his wife and his two children. Together with his new partner Mariette Althaus, he moves into a farm to experiment with a crircle of like-minded people with art, drugs and relationships. When this partnership also breaks up, Polke starts an adventurous journey on the "Hippie Trail" with two friends in a Buick convertible that will last for six months. Its destination: Afghanistan and Pakistan. As always, Polke has his camera with him. What he does not suspect is that the pictures from this journey will become a milestone in his work - and in German photography in general. Having known Polke until a few years ago primarily for his painting, and having overlooked his countless objects, drawings, prints, films, and above all his incredible photographs, this series of the latter is probably the most extraordinary, perhaps the most underestimated, but in any case the most visually impressive part of a work that cannot be grasped at any end. Polke is fascinated by the archaic, foreign world and its rituals. With his photographs of bear fights and groups of men, he ties in with 19th-century Oriental photography. But Polke would not be Polke if he did not take the historical, clichéd view of the cosmos into which he immerses himself into account. Particularly in the opium caves of the Pakistani city of Quetta, images of such intimacy and intensity emerge like no one has ever been seen before - certainly not in the way Polke transforms them: A few years after his return, he takes another look at them and begins to work on them with chemicals, scratches and bends them, or paints them with bright colors. The results from these manipulations are absolute masterpieces in Polke's oeuvre, and unique in the history of photography. Not only show these pictures an almost tender view at close range, which certainly was not granted to every tourist, but which, in addition to the fascination, show the highest respect. But also through the change, through the inscription of mistakes and bright colors that give the pictures a supernatural sound, we get a feeling for the mental states of the portrayed persons - and perhaps of the photographer himself - that are removed from reality. In these pictures, Polke turns the cliché of Oriental photography on its head: the shuddering joy in the foreign that traditionally runs down the back of the Western viewer is given a new, almost spiritual dimension here, one that is removed from the voyeuristic gaze. The foreign has become completely incomprehensible in the fog of intoxication. Polke creates irritations about what these images actually are: painting or photography, documentation or staging, dream or reality. Whoever looks at these ghostly and beautiful works today can hardly escape their spell. Polke is ahead of his time when he simultaneously serves and overrides the stereotypes of scenes and people in the Middle East. He does this in an immensely poetic, gentle and devoted way, full of melancholy and enthusiasm for a world beyond any petty-bourgeois reality. His play with the deductions is devotion and reverence, appreciation and appropriation at the same time. Polke's spirit haunts these pictures - in a way he had never done before and never did thereafter. Based on the text by Gesine Borcherdt in the catalogue published for the exhibition * The exhibition is part of DC Open, the joint season openings of galleries in Düsseldorf and Cologne. Special opening hours for DC Open Friday, September 4th, 2020, 11am - 10pm Saturday, September 5th, 2020, 11am - 8pm Sunday, September 6th, 2020, 11am - 6pm

artist

Sigmar Polke 
Sies + Höke, Düsseldorf

Poststr. 2 / Poststr. 3
40213 Dusseldorf

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posted 06. Sep 2020

IM BLICK: LANDSCHAFTEN UND DENKRÄUME & STREET GALLERY

05. Sep 202024. Oct 2020
IM BLICK: LANDSCHAFTEN UND DENKRÄUME & STREET GALLERY Prägungen und Projektionen 05.09.2020 - 24.10.2020 Künstler: Ada Kobusiewicz, Assunta Abdel Azim Mohamed, Annette Phlip, Barbara Schmid, Resul Jusufi, Willy Rast Kuratoren: Elisabeth Saubach, MA & Irmi Horn Landschaft im Kontext der bildenden Kunst wird immer über Projektionen des jeweiligen Zeitgeistes generiert, der sich über kulturelle Prägungen definiert. Landschaften und Denkräumen sind also Konstrukte einer gesellschaftsimmanenten Kultur, die Natur respektiert oder vernichtet. Die Künstler*innen vermitteln unterschiedliche Eindrücke, die einen gemeinsamen Nenner haben: auf die Qualität der Aufmerksamkeit als Tugend, als Vernetzungsinstrument unserer Sinne hinzuweisen. Ada Kobusiewicz ist in Polen geboren. 2004 übersiedelte sie nach Spanien, wo sie an der Universität Granada an der Fakultät für Philosophie und Kunst studierte, wie auch am Andalusischen Institut der Künste, wo sie sich v.a. mit Lichtdesign beschäftigte. 2012 schloß sie ihr Studium in Kunst, Forschung und Produktion an der Kunstakademie in Granada ab und erhielt ihren Master of Arts in Novisad, Serbien, in Lichtdesign. Seit April 2014 schreibt sie ihren PhD in “Research in Art” an der Baskischen Universität in Spanien. Sie stellt in Österreich, Spanien, Serbien, Italien, Kroatien, BosnienHerzegowina, Finnland und UK aus; ihre Arbeiten wurden bei Festivals in den USA, Schweden, England, Österreich, Serbien, Frankreich, Portugal, Deutschland, Mexico, Spanien, Griechenland, Südkorea und Polen. Sie lebte und arbeitet in Spanien, Österreich, Serbien und Polen. Nun lebt und arbeitet als freischaffende Künstlerin in Graz. Sie ist Medien- und Installationskünstlerin und arbeitet mit ortsspezifischen Umgebungen, hauptsächlich im öffentlichen Raum. Ihre Arbeit schlägt eine Brücke zwischen Licht und kinetischer Installation und Videokunst. Ihr Fokus liegt vor allem auf Raum, Bewegung, Körper und Licht. Ihr Werkbegriff ist immer mit Dynamik und Bewegung verbunden. Seit 2018 organisiert und kuratiert sie zusammen mit dem mehr licht Verein Ausstellungen im Grazer Schlossbergstollen. Außerdem leitet sie an der Architekturabteilung der Universität Graz und an der Kunstakademie der Universität Pais Vasco in Spanien Workshops zu verschiedenen künstlerischen Techniken rund um die Themen Lichtkunst und öffentlicher Raum. Gezeigt wird das Video SOLID von FOUR STATES OF MATTER 2020. Alle Materie lebt. Im gesamten Universum gibt es nicht das kleinste Partikel, das stillsteht. Die Sterne, Planeten, Ebbe und Flut, unsere Herzen und Gedanken, unsere Träume, alles ist in Bewegung, vibriert und geht unaufhaltsam weiter. Die Arbeit zeigt eine Choreographie als Verbindung verschiedener Körper in Zeit und Raum und macht alle möglichen dynamischen Konstellationen sichtbar. Assunta Abdel Azim Mohamed (* 1993 in Klagenfurt am Wörthersee) ist eine österreichische bildende Künstlerin. Sie erlangte ihr Diplom im Juni 2017 bei Jan Svenungsson, Professor, Leiter der Abteilung für Grafik und Druckgrafik Head of Department for Graphics and Printmaking an der Angewandten in Wien. Ihr Markenzeichen ist die Kugelschreiber-Zeichnung sozio-kultureller Phänomene, doch malt sie auch mit anderen Techniken wie Filzstift oder Tusche.Sie gehört der jüngsten Generation der Kunstszene Österreichs an und beschäftigt sich in ihren Werken mit Studien menschlichen Zusammenlebens. Mithilfe der Verschiebung ins Ironische und mit zahlreichen Anspielungen auf Musik, Film, Literatur und Kunst bricht sie zahlreiche Tabus. Übergriffe, schmerzhafte Verletzungen und erotische Anspielungen sind auf ihren Bildern an der Tagesordnung. Heraus kommen Menschen, deren Geschichten mehrdeutig und ungeklärt scheinen. Die Technik ihres Malgerätes, durch das monochrome, sehr plakative Szenen entstehen, macht diese meist schweren Themen luftig und transparent und fordern die eigene Wahrnehmung immer wieder heraus. Wir freuen uns, ihre Arbeit zum ersten Mal in Graz zeigen zu können - Street Gallery (Courtesy Galerie Ernst Hilger, Wien). Annette Philp lebt in München. Sie beobachtet in ihren Arbeiten den Prozess nationaler Identitätsveränderung. Sie untersucht in ihren Videos das Geflecht aus Geschichte, Landschaft und Industrie an verschiedenen Orten und hinterfragt damit die Grundlagen des Fortschritts. Ihr beruflicher Werdegang gründet sich auf dem Studium der Kunst (Akademie der Bildenden Künste München), dem Studium der Kunstgeschichte, Kunsterziehung und Orientalistik (München und Braunschweig) und einem Max-Imdahl-Stipendium für Kunstvermittlung. Daran schlossen der Aufbau des Bereiches Kunstvermittlung am Kunstmuseum Liechtenstein, Vaduz und die Arbeit als freiberufliche Kunstvermittlerin für Museen in München, weiters ein Lehrauftrag im Seniorenstudium der Uni München. Philp ist Autorin im Bereich zeitgenössische Kunst und Photographie. Aktuell ist sie an der Universität Braunschweig tätig. Es entstanden zahlreiche Filme: Reihe Deutschlandlieder und 300 Kurzfilme, denen etliche Screenings folgten. Hier zeigt sie INSECTS 2019 und AUROVILLE 2016. Barbara Schmid, die 1964 in Bregenz geboren wurde, lebt und arbeitet in Graz. Sie besuchte 1984-1988 die Fachschule für keramische Formgebung in Graz, 1991 die Sommer Akademie für Bildende Kunst bei Kiki Kogelnik in Salzburg, 1995 folgten Studienaufenthalte bei Katsuyuki Sakazume in Nakajo, Japan, sie studierte 2005-2007 an der Meisterschule für Kunst und Gestaltung in Graz und 2009-2014 an der Universität für künstlerische und industrielle Gestaltung Linz, Abteilung Plastische Konzeptionen/Keramik. Seit 2015 arbeitet sie in den Kunst-Ateliers der Stadt Graz im ehemaligen Taggerwerk. In ihrer Arbeit konzentriert sie sich oft auf das Material Ton in seinen vielfältigen Erscheinungs- und Zustandsformen und nutzt diese, um Themen zwischen Gesellschaft und Kunst zu untersuchen. Ihre Arbeiten brachten ihr Kunstpreise, Ankäufe und Stipendien ein. Sie ist Mitglied der IG Bildende Kunst. Sie wird keramische Objekte im kunstGarten platzieren. Resul Jusufi, geb.1968 in Kosovo, studierte an der Technischen Fakultät der Universität in Pristina (Kosovo), an der Kunstakademie in Tirana (Albanien) und an der Film- und Fernsehakademie in Warschau (Polen). Sein surrealistisches Buch „Neser“ („Morgen“) wurde 1995 in Tirana veröffentlicht. Er gründete mehrere Theatergruppen und inszenierte Pantomime-Theaterstücke. Als Produzent, Regisseur und Schauspieler arbeitete er in Kurzfilmen und Werbespots. Weitere Kunst-Darstellungen zeigte er in Form von Installation, Performances und Workshops. Vor 20 Jahren fand er zur abstrakten Malerei und nahm seitdem an zahlreichen Einzel- und Gemeinschaftsausstellungen teil. Seine Kunst präsentierte er in Kosovo, Albanien, Polen, Schweiz, Frankreich, Belgien, Niederlanden, Deutschland und Österreich. Seit 2017 lebt Resul Jusufi in Graz (Österreich) und wurde vielfach ausgestellt. Er zeigt Landschaften 2020: Abstrakte Flächen, mit expressionistischer Geste aufgetragen, vielschichtig, belebt von Übermalungen, bis die Bilder homogen erscheinen. Zum Teil versehen mit »Markern«, die Figurales hinzufügen und in einer letzten Schicht Ziffern und Zeichen setzen, die dem Betrachter vor Augen führen mögen, wie sehr unsere Welt von Kalkulation geprägt sei: Vorausbestimmt, festgelegt, begrenzt ... Willy Rast wurde 1954 in Graz geboren. Er lebt und arbeitet in Graz. 1976 bis 1980 besuchte er die HTL für Grafik und Meisterschule für Malerei in Graz 1980 bis 1982 war er in Wien als Maltherapeut im Steinhof und Restaurator in Kirchen und im Stift Melk tätig. 1986 folgte ein Bühnenbildstudium an der Musikhochschule Graz Seit 1980 ist er freischaffender Bildender Künstler. Zahlreiche Ausstellungen seit 1980. Der künstlerische Wegbegleiter Erwin Michentaler (1956 - 2019) schrieb über ihn: Das Thema von Willy Rast war immer schon die Menschenwelt und ihre emotionellen Aggregatzustände, die er in Gestik, Farbe und Beziehungsgeflecht am Bild gewichtet und die sich auch in unterschiedlich ausformu- lierten Konstitutionen in seinem Bildraum zeigen, der oft keinen physikalischen Geset- zen zu unterliegen scheint, sondern der eher einen gedanklichen Raum suggeriert, mit Er- innerungen, Schwebezuständen, Bedenklich- keiten, Entwurzelungen, Andeutungen, auch Wärme und Kälte gibt es, Revisionen, Überlagerungen ...
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posted 05. Sep 2020

THERE IS ANOTHER WAY OF LOOKING AT THINGS

05. Sep 202024. May 2021
THERE IS ANOTHER WAY OF LOOKING AT THINGS 05.09.2020–24.05.2021 "THERE IS ANOTHER WAY OF LOOKING AT THINGS" (Es gibt eine andere Art, die Dinge zu betrachten) – dieser Satz steht als Titel und Motto über unserer Ausstellung. Das Zitat entstammt der gleichnamigen Neonarbeit von Maurizio Nannucci aus dem Jahr 2012, deren Text in seiner Aktualität nichts eingebüßt hat. Ganz im Gegenteil, er ist aktueller denn je. Zehn Werke aus der Sammlung Schaufler stehen im Fokus des aktuellen Diskurses. Es sind Arbeiten von: Ai Weiwei, Lee Bul, Tony Cragg, Jeppe Hein, Lori Hersberger, Maurizio Nannucci, Giulio Paolini, Mario Schifano und Erwin Wurm. Die Werke geben Aufschluss darüber, was zeitgenössische Kunst nicht nur in Krisenzeiten macht: Sie beziehen Stellung, indem sie über das Leben und die Werte unserer Zeit nachdenken.
SCHAUWERK Sindelfingen

SCHAUWERK SINDELFINGEN | Eschenbrünnlestraße 15/1
71065 Sindelfingen

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