daily recommended exhibitions

posted 26. May 2020

Mondrian and De Stijl

13. May 202014. Sep 2020
Mondrian and De Stijl 13.05.2020 - 14.09.2020 Holland at the beginning of the last century was the birthplace of a totally new form of art, an abstract art based on strict relations between rectangular forms, color planes, and straight lines. In October 1917, during the First World War, a group of young artists in neutral Holland joined forces to create a magazine. Called De Stijl, it presented and promoted this new, innovative art. The new art proved able to demolish the boundaries between disciplines, painting becoming architecture, applied arts becoming sculpture, design becoming art. Artists from all over the world adopted multidisciplinarity and worked together with intensity. It was refreshingly modern: they communicated via the magazine, letters, and mailings, just as artists today use modern forms of communication to reach one another. Piet Mondrian was the founding father of the new art. A generation older than most of the others, he started in 1892 as an old-fashioned Dutch landscape painter, acquiring incredible skills over a period of almost twenty years. After 1905 he concluded that the quest for beauty—the ultimate objective of every painter—resides not in the subject or in the representational function of painting but in the way forms and colors produce a pictural plasticity that is perfectly able to speak directly to the eye of the beholder. For a while he presumed the source of beauty was hiding inside the painting. This at first led him to erratic ventures in theosophy, but by 1914 his experiments had brought him to the conclusion that beauty resides on the surface, in the structure and composition of color and line. He would need another three years to figure out exactly how it worked, but in 1918 the new abstract art was born. The new plasticity showed how painting could break free of the frame and influence and even determine the environment in which it is presented. The visual arts of the twentieth century were thus redefined as a new form of geometrical abstract art conquered the world and shaped modernity. The show brings together examples of the work of Mondrian and his fellow artists. The accompanying catalog will shed new light on the way Mondrian looked for ways of presenting his work that would elucidate its meaning and allow onlookers to discover a clear, meaningful relationship both to it and, by extension, to the world that surrounds it. He was well aware that the works he chose for exhibitions could signal his intentions, could say something about his position relative to the work of his fellow artists. His selections also articulated the development in his own art. Mondrian continually broke down his own theories and principles, creating an ever freer, more dynamic, and lively art that still shapes the future.

artists & participants

De Stijl,  Piet Mondrian 
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posted 25. May 2020

Mario Sala. Frau Kern erhöht den Druck, 1

22. May 202018. Jul 2020
Mario Sala. Frau Kern erhöht den Druck, 1 22.05.2020 - 18.07.2020 Diesen Morgen wurde alles anders. Nach dem Lappen mit frischem, kaltem Wasser im Gesicht von Frau Kern, erhöht sich ihre Pulsfrequenz. Der Deckel der Tagescrème Dose hebt leicht an und ein Stück geballte Salbe dringt durch den Deckel und schaut Frau Kern ins Gesicht. Sie hört ihre eigenen Atemzüge in den Ohren und dreht sich beschwingt aus dem Badezimmer zum Herrgotts-Bild im Foyer. Das hat sich vervielfältigt in nie gesehenen Sequenzen und Ausformungen. Frau Kern zieht sich sofort in ihre ausgeglichenste Form zusammen und sieht überwältigende, pulsierende Bildnisse ihrer gegenwärtigen Welt nach dem Befall.


Mario Sala 
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posted 24. May 2020

Claudia Wieser. Generations

15. Apr 202015. Aug 2020
Claudia Wieser. Generations Curated by Rachel Adams **EXTENDED THROUGH AUGUST 15, 2020 Opening date to be announced soon.** **Claudia Wieser: Generations Virtual ARTalk** Wednesday, April 15, 2020 12:00 pm - 1:00 pm Referencing the history of space and form through architecture, design, and imagery, Claudia Wieser considers the coexistence of abstraction and the physiological experience through her spatial installations. With a nod to Modernist geometric constructions inspired by the Bauhaus and influenced by spirituality within an artistic practice like artists Hilma af Klint, Wassily Kandinsky, and Paul Klee before her, Generations will encompass Wieser’s distinctive, multi-faceted practice. This will include hand-painted and patterned ceramics, carved wooden sculptures, tiled mirrored sculptures, fine colored pencil and gold leaf drawings, and large and small plinths that act as both sculptures for display and sculptures themselves. Wieser will create a new wallpaper for the exhibition undulating with imagery of historic sculpture and architecture, as well as imagery from both popular culture and the lesser-known avant-garde. Collaged together from her vast archive, the combination of textures, surfaces, and spliced imagery allows the viewer to create new histories, and in turn, see themselves both within that history and adding to it. Wieser approaches art-making through combining geometric abstraction and found images, asking her viewers to look at ourselves looking, and what that means in the self-reflexive time in which we currently live. Through spending time with the work, Wieser’s interest in narrative emerges as she “attempts to find forms and arrangements which narrate more than concrete material and forms you can see.”1 The artist uses abstraction not only as a process tool but as a conceptual one as well. By stitching a constellation of elements together through kaleidoscopic forms, Wieser aims to change the visual interpretation of the viewer and give them a vastly new experience. Claudia Wieser: Generations is co-curated by Rachel Adams, Bemis Chief Curator and Director of Programs and Jennifer Carty, Associate Curator of Modern and Contemporary Art, Smart Museum of Art. Claudia Wieser: Generations is organized by Bemis Center for Contemporary Arts and the Smart Museum of Art at the University of Chicago. Sponsored, in part, by Douglas County, Nebraska; The Goethe-Institut; Nebraska Arts Council and Nebraska Cultural Endowment; Omaha Steaks; and Streck. Claudia Wieser: Generations is on view at the Smart Museum of Art at the University of Chicago September 22–December 13, 2020.
Bemis Center for Contemporary Arts, Omaha

724 South 12th Street
NE 68102 Omaha

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posted 23. May 2020

Julije Knifer. Kompromisslos

24. Apr 202030. Aug 2020
opening: 23. Apr 2020 07:00 pm
Julije Knifer. Kompromisslos 04.2020 – 30.08.2020 Eröffnung: 23.04.2020 19:00 Uhr Koordiniert von Peter Peer Neue Galerie Graz In Kooperation mit MSU – Museum für zeitgenössische Kunst, Zagreb Julije Knifer war einer der international renommiertesten kroatischen Künstler nach 1945. Ab 24.04. werden seine Werke in der Neuen Galerie Graz mit der Ausstellung Julije Knifer. Kompromisslos zu sehen sein. Julije Knifer (1924 in Osijek – 2004 in Paris) nimmt eine signifikante Position in der Kunst bzw. konzeptuellen Malerei nach 1945 ein. Ausgehend von den postexpressiven, konzeptuell-minimalistischen Strömungen der Malerei in Europa und den USA gelangte Knifer um 1960 mit den „Mäander“-Bildern zu seinem ureigensten und ausschließlichen Motiv. Mit der grundlegenden Intention der Schaffung eines „Antibildes“, die ihn eng mit der von ihm mitbegründeten Gorgona-Gruppe (1959–1966) verband, verstand Knifer den Mäander jenseits aller Gegenständlichkeit als reine „Idee (...) ohne Rücksicht auf seine physische und visuelle Existenz.“ Knifer bestritt Ausstellungen in den prominentesten Institutionen der internationalen zeitgenössischen Kunst, seine Werke befinden sich in exklusiven Privat- und Museumssammlungen. Mit der Neuen Galerie Graz ist Julije Knifer durch seine Teilnahme an trigon 77 (Der kreative Prozeß) verbunden.   Die Ausstellung findet in Kooperation mit dem MSU –Muzej Suvremene Umjetnosti/Museum für moderne und zeitgenössische Kunst, Zagreb, aus Anlass der EU-Ratspräsidentschaft Kroatiens im ersten Halbjahr 2020 statt.


Julije Knifer 


Peter Peer 
Neue Galerie Graz / Universalmuseum Joanneum

NEUE GALERIE / BRUSEUM Joanneumsviertel, Kalchberggasse
8010 Graz

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posted 22. May 2020

Eileen Gray

29. Feb 202012. Jul 2020
**March 20, 2020 Update Regarding COVID-19 BGC buildings on West 86th Street remain closed.** Eileen Gray—on view at the Bard Graduate Center Gallery, located at 18 West 86th Street in New York City, from February 29 through July 12, 2020—is the first in-depth exhibition in the United States to examine the total oeuvre of designer and architect Eileen Gray (1878-1976). The exhibition, curated by Cloé Pitiot, is comprised of approximately 200 works, including never before publicly exhibited furniture, lacquer works, architectural drawings, and archival materials. The exhibition offers new insights about Gray’s long and distinguished career that began in the early 1900s and continued until her death in 1976, with particular attention to her practice as an architect. Rarely seen architectural drawings and photographs elucidate how Gray designed her most famous house, E 1027, and other architectural projects. Eileen Gray is organized in five thematic sections that consider critical stages of Gray’s career. It begins with her early training as a painter in London at the dawn of the twentieth century, alongside contemporaries such as Wyndham Lewis, and her arrival in France in 1902, where she would spend the rest of her life. It follows her early experiments in lacquer and weaving, and the establishment of Galerie Jean Désert in Paris. Special emphasis is given to to Gray's architectural projects from private houses for leisure to proposals for public facilities. Throughout the exhibition, Gray’s seminal works are presented alongside a rich trove of photographic and archival documents, some never before shown in public. The exhibition is accompanied by a fully-illustrated catalogue designed by Irma Boom and distributed by Yale University Press.


Eileen Gray 


Cloe Pitiot 
Bard Graduate Center Gallery, New York

18 West 86th Street
NY 10024 New York

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posted 21. May 2020

Statement #09: Michaela Schwenter — re-ASSEMBLY

21. May 202010. Jun 2020
Statement #09: Michaela Schwenter — re-ASSEMBLY Performative Setzung, 18.–20. Mai 2020 Präsentation, 21. Mai–10. Juni 2020 Aufgrund der Maßnahmen zur Eindämmung der COVID-19-Pandemie ist ein Besuch des performativen Settings re-ASSEMBLY vom 18. bis 20. Mai 2020 nur gegen Voranmeldung möglich. Die anschließende Präsentation von 21. Mai bis 10. Juni 2020 ist zu den regulären Öffnungszeiten des Kunstraums für maximal fünf Personen gleichzeitig zugänglich. Historische, politische und soziale Mechanismen sind einem permanenten Wandlungsprozess unterworfen. Richtet man den Blick auf Details, stellen sich bestimmte gesellschaftliche Bewegungsmuster heraus. Die performative Installation re-ASSEMBLY von Michaela Schwentner erprobt, inwiefern diese Prozesse in den Ausstellungsraum überführt und damit sichtbar gemacht werden können. Dafür nutzt die Künstlerin vor Ort vorgefundenes Material und Elemente des Alltags und (re-)formatiert den Kunstraum Lakeside über mehrere Tage, wobei sie auf die Potenziale des im Titel angesprochenen Begriffs von „assembly“ als Versammlung, Ansammlung und Zusammenstellung verweist. Michaela Schwentner (* 1970 in Österreich) lebt und arbeitet in Wien. www.jade-enterprises.at
Kunstraum Lakeside, Klagenfurt

Lakeside Science & Technology Park, Lakeside B02 (Eingang EG West)
A-9020 Klagenfurt

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posted 20. May 2020

Sigmar Polke "ZEITREISE"

06. Mar 202030. May 2020
Sigmar Polke "ZEITREISE" Photographs 1966 – 1986 | Collection Georg Polke 06.03.2020 – 30.05.2020 Galerie Max Hetzler, Berlin: Goethestraße 2/3 Galerie Max Hetzler is pleased to announce the solo exhibition "ZEITREISE" – Photographs 1966 – 1986. Collection Georg Polke with photographs by Sigmar Polke from the Collection Georg Polke at Goethestraße 2/3. In his early photographs, Sigmar Polke proves to be an experimental quick-change artist and alchemist in the darkroom. Most of the photographs have only recently been revealed, characterising Sigmar Polke as a protagonist of the art world and perceptive chronicler with a unique sense of humour. The broad set of photographs points to a life of constant companionship with the camera, and takes its viewer on a journey back in time to the late 60s and 70s up until Polke's participation in the 1986 Biennale. In numerous photographs Polke depicts his immediate surroundings: in his home, at first in Düsseldorf, from 1972 onwards at the Gaspelshof in Willich, later on in Cologne, and also of visits to vernissages and of travels. This creates “incredible documents of being present” (Bice Curiger), which bear witness to the photographer's zest for life and compassion, his alertness and presence. Life and art merge into one another in his images, whereby the Rhenish art scene of the 1970s always tended to stage itself in front of the lens. Polke defies rules in an extremely carefree way in his photography, constantly searching for ways to escape the triviality of everyday life. By processing his photographs with various technical and photochemical interventions, Polke explores the limits of the medium, leaving the sentiment of photography as a mere form of documentation far behind. He purposely blurs and disrespects exposure time, solarises, erases certain parts of the image and plays with double exposure. Spontaneously manipulating and superposing negatives, on occasion under the influence of hallucinatory substances, contributes to giving his work a particular mystical glow. Through the processing, the motifs become ambiguous and ambivalent, at the same time they are alienated by a surreal picture language and undergo a superelevation, whereby Polke's photography significantly gains characteristics of his paintings. “Polke uses deliberately produced 'mistakes' and random effects as a kind of catalyst. By doing so he creates humorous images that break from everyday life and endow a mysterious aura to the trivial.” (Dr. Fritz Emslander, Stellvertretender Direktor, Museum Morsbroich, Leverkusen, 2018) Some of the photographs in the Georg Polke Collection derive from the photographic laboratory at the Gaspelshof in Willich, which Sigmar Polke partly left to his son Georg in 1978, while another part was given to Georg Polke by his father in 1986. For many years the photographs remained fairly unknown and first came into the public eye in 2018 in the exhibition Sigmar Polke. Fotografien 70-80 at the Museum Morsbroich, Leverkusen, and were presented the following year in the exhibition Sigmar Polke's Photographic Infamies at LE BAL, Paris. The exhibition is complemented by a large-scale vitrine showcasing almost all monographic publications by and about Sigmar Polke. The vast collection (Prigge Collection, Eifel) spans all exhibition catalogues and publishing house publications as well as the majority of distributed invitation cards, leaflets and other ephemera. Apart from this it comprises rare catalogue editions, catalogues with original drawings by Polke and limited edition artist books. The bibliophile collector Thomas Prigge has been following Polke's exhibitions and publications intensively since the late 1960s and assured that he "always kept everything". Prigge's large archive cabinet contains the entire Polke collection published to date, spanning from Polke's first publication on the occasion of his first solo exhibition at the Galerie Rene Block (Berlin, 1966) to the most recent exhibition catalogues. Over many years the passionate collector rounded off his archive with true rarities – including for example the typescript of Polke's self-interview in 1966, the artist booklet on the occasion of the legendary exhibition Fünf in Köln (Kölnischer Kunstverein, 1979), published in only a few photocopies, as well as unique works, such as Polke's collaged comic Diabolik (1979) and his randomly executed klecksographs ohne Titel (Stenogramme) in a binder from 1985. The numerous publications on Sigmar Polke's photographic oeuvre are presented in display cases. Sigmar Polke (1941 - 2010), lived and worked in Düsseldorf, Cologne and Hamburg. Polke's work was part of solo and group exhibitions in renown institutions, such as Museum für Gegenwartskunst, Siegen (2018); Museum Frieder Burda, Baden-Baden (2017); Städel Museum, Frankfurt am Main (2016); Museum Abteiberg, Mönchengladbach (2015); Tate Modern, London; The Museum of Modern Art, New York (both 2014); Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand, São Paulo (2011); Hamburger Kunsthalle, Hamburg (2009); Städtische Galerie, Karlsruhe (2008); J. Paul Getty Museum, Los Angeles (2007); The National Museum of Art, Osaka, Japan (2006); Ueno Royal Museum, Tokyo (2005) and Dallas Museum of Art, Dallas (2002), among others. His works are in the collections of the Centre Georges Pompidou – Musée National d'Art Moderne, Paris; Guggenheim Museum Bilbao, Bilbao; The J. Paul Getty Museum, Los Angeles; San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco; The Metropolitan Museum of Art, New York; Museum für Moderne Kunst, Frankfurt; The Museum of Modern Art, New York; The National Museum of Art, Osaka; Stedelijk Museum, Amsterdam and Tate Modern, London, among others.


Sigmar Polke 
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posted 19. May 2020


02. Feb 202020. Dec 2020
**HAUS MÖDRATH ist wieder geöffnet Ab 16. Mai 2020** DREAM BABY DREAM 02.02.2020 - 20.12.2020 kuratiert von Gesine Borcherdt Das Haus der Kindheit ist ein Ort der Fantasie, des Schutzes und des Spiels, aber auch des Traumas, der Gewalt und der Angst. Hier entscheidet sich, wer wir sind, was wir werden und was wir verdrängen. Der Impuls des Kunstmachens rührt bei vielen Künstlern aus der Kindheit. Frühe, ureigene Erfahrungen werden in Kunst und somit in etwas Größeres transformiert, das unseren Blick auf die Welt erneuert, weitet und ändert. Die Ausstellung Dream Baby Dream zeigt Künstler, deren Werke aus einer solchen Vorstellungskraft heraus entstanden sind. Sie weisen eine starke Bindung zur Zeit des Aufwachsens auf – als gestalterische Inspiration, aber auch als Metapher für physische, psychologische und soziale Konflikte. In ihrem Zusammenspiel entsteht eine Atmosphäre, in der die dunklen Seiten von Kindheit und Jugend neue Formen annehmen. Der Titel der Schau geht zurück auf den Song des einflussreichen Elektro-Duos Suicide, Pioniere des Post-Punk und Vorläufer von Techno. Der dunkle Sound des Songs und die Elvis-artige Stimme des Sängers Alan Vega lassen den „American Dream“, der unser Denken bis heute prägt, zu einer Alptraumschlaufe werden – und zugleich zu einem tranceartigen Hoffnungsschimmer. Rebellion und Sehnsucht, Angst und Fantasie greifen ineinander. Das Haus Mödrath blickt selbst auf eine lange Geschichte mit Kindern sowie auf einen entscheidenden Moment in der elektronischen Musik zurück. Erbaut Anfang des 19. Jahrhunderts als Herrenhaus einer Farbholzmühle mitten im Wald bei Köln, wurde es in den 1920er-Jahren in ein Wöchnerinnenheim verwandelt, wo der Pionier der elektronischen Musik Karlheinz Stockhausen geboren wurde. Unter den Nazis diente das Haus als Schulungsheim, im Krieg kamen hier Flüchtlingsfamilien unter, danach entstand ein Kinderheim mit bis zu 60 Kindern, und nach mehreren Jahren Leerstand zog eine Familie mit 15 Kindern ein. 2017 wurden daraus die Räume für Kunst. Die Ausstellung Dream Baby Dream ist die dritte Ausstellung, die hier stattfindet. U.a. mit Jean-Marie Appriou, Lynda Benglis, Susan Te Karuhangi King, Mike Kelley, Veit Laurent Kurz, Paul McCarthy, Charlemagne Palestine, Wong Ping, Barbara Rossi, Laurie Simmons, und Jean-Luc Verna. Gesine Borcherdt ist Redakteurin beim Kunstmagazin BLAU / BLAU International in Berlin sowie Kuratorin des Projektraumes CAPRI in Düsseldorf.
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posted 18. May 2020


04. Apr 202006. Jun 2020
opening: 04. Apr 2020 04:00 pm
IBRAHIM MAHAMA | VANISHING POINTS 2014 - 2020 04.04.2020 - 06.06.2020 ERÖFFNUNG: SAMSTAG, 4. APRIL 16 - 20 UHR LEIPZIG | 04179 SPINNEREISTRASSE 7 BUCHPRÄSENTATION UND ARTIST TALK: 23. MAI Für seine monumentalen Kunstwerke wiederbelebt Ibrahim Mahama ausrangierte Materialien aus kommerziellem Handel und dem Alltag Ghanas - von zerschlissenen Jutesäcken über Schulmobiliar, Schuhputzkästen, bis hin zu getrockneten Fischskeletten. Aus urbanen Umgebungen bezieht er die Werkstoffe für seine vielschichtigen Materialassemblagen die Themen von Warenverkehr, Migration und wirtschaftlichem Austausch verhandeln. Mahama weist dem Allgegenwärtigen und Alltäglichen Bedeutung zu, und beschreibt ein komplexes Archiv der Weltgeschichte und ihrer Fehlentwicklungen. Bekannt ist der Künstler vor allem für seine architekturbezogenen Großinstallationen für die er ganze Gebäude - Theater, Museen und andere monumentale Wahrzeichen - in sein Markentextil hüllt: benutzte Jutesäcke. Hergestellt in Südostasien und verwendet, um Kakao, Kaffee, Reis, Bohnen und Holzkohle auf der ganzen Welt zu vertreiben, werden die Säcke während ihrer Lebensdauer vielfältig eingesetzt. Jeder Sack wird von unzähligen Webern, Packern und Verladern angefasst, die ihren Schweiß, aber auch Namen, Daten und Koordinaten auf dem Stoff hinterlassen. In Zusammenarbeit mit lokalen Mitarbeitern näht Mahama diese Jutesäcke zu gewaltigen Stoffplastiken zusammen. Im Material manifestieren sich die Spuren von Welthandel, dem immer auch Ungleichheit und Ausbeutung innewohnen. Mahama sagt: „...mich interessiert, wie Krise und Versagen in diesem Material aufgefangen werden, mit einem starken Bezug zu globalen Transaktionen und wie kapitalistische Strukturen funktionieren“. Ibrahim Mahama, 1987 in Tamale, Ghana, geboren, lebt und arbeitet zwischen Accra, Tamale und Kumasi. Der Künstler bezieht sich in seiner Arbeit häufig auf sein Land und dessen Geschichte und leistet einen wichtigen Beitrag zur aufstrebenden zeitgenössischen Kunstszene des Landes. Im Jahr 2017 gründete er das privat finanzierte Savannah Center for Contemporary Art (SCCA) in Tamale, das Ausstellungs-, Bildungs- und Forschungszentrum, Kulturspeicher und Künstlerresidenz ist. Mahama war in der 56., 57. und 58. Ausgabe der Biennale von Venedig (2015-2019) vertreten; Seine Arbeit »A Straight Line Through the Carcass of History 1649« war ein zentraler Bestandteil des ghanaischen Debütpavillons im Jahr 2019. Zur documenta 14 (2019) in Kassel und Athen hüllte der Künstler historische, öffentliche Gebäude und Plätze für Installationen und Performances in Kohlesäcke und Planen. Im selben Jahr ersetzte er in einer Intervention für die Frieze Sculpture, die 192 UN-Flaggen die den Rockefeller Plaza in New York flankieren durch Fahnen aus Jutesäcken. Weitere wichtige internationale Ausstellungen fanden in der Norval Foundation in Kapstadt (2019); im K21, Düsseldorf (2015); im The Broad, Michigan (2015); und im Tel Aviv Art Museum, Israel (2016) statt. In 2020 wird Mahama unter anderem an der Sydney Biennale teilnehmen und eine neue ortsspezifische Installation für R E I T E R in der Spinnerei - einer historischen Baumwollspinnerei in Leipzig - realisieren. Es wird die erste Solo-Galerie-Ausstellung des Künstlers in Deutschland sein. Sie beginnt am 4. April 2020. Zum Ende der Ausstellung erscheint eine Dokumentation in Buchform.
REITER | Leipzig

Spinnereistraße 7 / Halle 6
D-04179 Leipzig

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posted 17. May 2020

Ann Greene Kelly

16. Feb 202014. Jun 2020
Ann Greene Kelly 16.02.2020 - 14.06.2020 Los Angeles–based artist Ann Greene Kelly (b. 1988) looks to the tradition of the readymade (common objects displayed as works of art), combining everyday items, such as mattresses and tires, with plaster, stone, and other sculptural materials. These unique combinations invest the objects with a sense of affection and understanding that is both distinctive and familiar, while simultaneously opening up new and engaging modes of sculpture. Likewise, her drawing practice explores the relationship between domestic, interior space; the urban, industrial landscape; and personal experience. This exhibition marks the artist’s first solo institutional presentation. Ann Greene Kelly is organized by Jamillah James, Curator. ICA LA is supported by its Curator’s Council, Fieldwork, and 1717 Collective.


Jamillah James 
ICA Los Angeles [temporarily closed]

ICA LA | 1717 E. 7th Street
CA 90021 Los Angeles

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posted 16. May 2020


16. May 202026. Jul 2020
opening: 15. May 2020 07:00 pm
MARY-AUDREY RAMIREZ 16.05.2020 - 26.07.2020 Eröffnung: Freitag, 15.05.2020 19:00 Uhr Mary-Audrey Ramirez' (*1990 in Luxemburg, lebt und arbeitet in Berlin) installative Inszenierungen belagern lebensgroße, selbstgenähte wilde und zugleich gezähmte Tierwesen, die gemeinsam mit Videos, Objekten und Stoffbildern eine fantastische Welt voller popkultureller Zitate erzeugen: Filme wie Hitchcocks Die Vögel (1963), Serien wie Game of Thrones (2011-2019) und Videospiele wie Tomb Raider (1996-2018) beeinflussen als Teile des kollektiven Bildergedächtnisses mehr oder minder subtil unsere Sicht auf Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft sowie auf Gesellschaftsstrukturen und Geschlechterverhältnisse. Wie Menetekel der Auswirkungen der technischen Revolution auf die conditio humana veranschaulichen Ramirez‘ Arbeiten die animierten Parallelwelten als Surrogate unserer Sehnsüchte, Bedürfnisse und Träume. Gleichwohl zeugen sie aber auch von der Faszination, Lust und Freude an eben jenem Eskapismus. Kuratiert von Linda Schröer


Linda Schröer 
Dortmunder Kunstverein

Dortmunder Kunstverein | Park der Partnerstädte 2 / Brinkhoffstraße 2
44137 Dortmund

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posted 15. May 2020

John Akomfrah: Purple

13. Mar 202005. Jul 2020
John Akomfrah: Purple 13.03.2020 - 05.07.2020 Die Arbeiten des britischen Künstlers, Filmemachers und Autors John Akomfrah (*1957 in Accra, Ghana) zeichnen sich durch bildmächtige Recherchen zum Postkolonialismus, zu Erfahrungen im Umfeld globaler Migration und durch Meditationen über die weltweite ökologische Zerstörung aus. Sie weisen komplexe simultane Erzählstrukturen auf, die den Fundus kollektiver Erinnerungen befragen und in der schichtweisen Überblendung von Archivmaterial, eigenen Aufnahmen, Naturpanoramen und strukturierendem Sound höchste Wahrnehmungsintensitäten erzeugen. Im Museum Kurhaus Kleve zeigt John Akomfrah sein bisher ambitioniertestes Projekt: die einstündige 6-Kanal-Video-Projektion Purple aus dem Entstehungsjahr 2017. Sie wurde bisher gezeigt in der Barbican Art Gallery London, im Museo Nacional Thyssen-Bornemisza Madrid, im Bildmuseet Umeå, im Museo Coleção Berardo Lissabon, im Institute of Contemporary Art Boston, im Museum of Contemporary Art Garage in Moskau und hat nun in Kleve ihre deutschlandweite Premiere. Diese Arbeit kreist in eindringlichen Bildern und hypnotischen Sound-Schleifen um Aspekte des Klimawandels und dessen Auswirkungen auf menschliche Gesellschaften. Gleichwohl erschöpft sie sich nie in politischen Verlautbarungen, sondern wirkt als audiovisueller Assoziationsstrom heutiger Weltdurchdringung.


John Akomfrah 
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posted 14. May 2020

Oliver Ressler - Carbon and Captivity

16. Apr 202031. May 2020
Oliver Ressler Carbon and Captivity April 16–May 31, 2020 **link** [Film von Oliver Ressler: Carbon and Captivity](https://www.e-flux.com/video/326144/entre-presents-oliver-ressler-nbsp-carbon-and-captivity/) Entrée is pleased to present the online premiere of Oliver Ressler's new film Carbon and Captivity, on view at e-flux Video & Film from April 16 through May 31, 2020. For decades, nation states and politicians have proven unable to decarbonize the economy. Oil corporations have funded climate change denial for a quarter century while their own scientists plied them with proofs of disaster. At a moment when most people feel the effects of climate change in their own lives, oil corporations have changed their strategies and are now pushing for the generalized use of technological procedures that would allow them to continue extracting oil whilst claiming to be sustainable. Carbon capture and storage (CCS) is presented as technofix to prevent catastrophic global warming. The idea is to extract carbon dioxide in the refinery process and to transport and store it in sub-seabed formations. But CCS remains a relatively immature technology: investigations in 2013 showed cracks in North Sea seabed rocks where carbon was stored in field tests. This suggests the likelihood of leakage and the release of carbon into the atmosphere. The technology also requires a huge amount of energy and is therefore far too expensive to be applied on a meaningful scale. The world’s largest facility for testing carbon capture technologies on an industrial scale is the Technology Centre Mongstad (TCM), 67 km north of Bergen in Norway. This new film by Oliver Ressler was shot there. TCM has operated since 2012 and is a joint venture between the Norwegian state, Equinor, Shell and Total. The appeal of CCS for the fossil industries lies in the huge new subsidies it promises. The oil and gas should be left in the ground and a fully funded transition to a post-oil economy begun immediately, but the large-scale introduction of CCS would delay the necessary decarbonization, deepening our dependence on the fossil fuel industry. The film’s title refers to humanity’s “captivity” within the logic of capitalism, which seems to carry extractivism onward to the point of no return. Carbon and Captivity is structured in four chapters, introducing various perspectives through spoken voices. The film interweaves footage shot at and around the Technology Centre Mongstad with a tour through the site, a poetic-political narration text and a dense sound design. The film was planned to premiere in Oliver Ressler’s solo exhibition at Entrée, but has been moved online due to the current Covid-19 situation. On view at Entrée is a large-scale work by Oliver Ressler, visible to the public on the windows of the gallery located in the heart of the city of Bergen. Oliver Ressler (b.1970, Austria) is a filmmaker and artist based in Vienna, who works on issues such as economics, democracy, global warming, forms of resistance and social alternatives. He has completed 34 films that have been screened worldwide in thousands of events of social movements, art institutions and film festivals. He had comprehensive solo exhibitions at Centro Andaluz de Arte Contemporaneo – CAAC, Seville; Wyspa Institute of Art, Gdansk; Lentos Kunstmuseum, Linz; MNAC – National Museum of Contemporary Art, Bucharest; SALT Galata, Istanbul and at Cultural Centre of Belgrade. Ressler has participated in more than 350 group exhibitions, including Museo Reina Sofía, Madrid; Centre Pompidou, Paris; the biennials in Prague (2005), Seville (2006), Moscow (2007), Taipei (2008), Lyon (2009), Venice (2013), Quebec (2014), Jeju (2017), Kyiv (2017), Gothenburg (2019), Stavanger (2019), and at Documenta 14, Kassel, 2017 (exhibition organized by EMST).
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posted 13. May 2020


21. Mar 202016. Aug 2020
opening: 20. Mar 2020
**ab 5. Mai wieder geöffnet Die Ausstellung wird bis zum 16. August 2020 verlängert.** * **SUBJEKT und OBJEKT. FOTO RHEIN RUHR** 21.03. – 14.06.2020 Die Ausstellung SUBJEKT und OBJEKT. FOTO RHEIN RUHR betrachtet erstmalig die Bezüge der unterschiedlichen fotografischen Positionen, die sich im Gebiet der rheinländischen Metropolen sowie dem Ruhrgebiet und den dort ansässigen Kunsthochschulen seit den 1960er-Jahren herausgebildet haben. Das Besondere an diesem Ansatz ist dem Umstand geschuldet, dass sich im Westen Deutschlands eine so reichhaltige Fotoszene entwickeln konnte, welche über die letzten 70 Jahre immer wieder neue und innovative künstlerische Positionen mit zum Teil sehr unterschiedlichen fotografischen Ansätzen hervorgebracht hat. Dies geht, so die These, einerseits auf die Dichte der Kunsthochschulen und Werkschulen zurück, die sich an Rhein und Ruhr nach dem Zweiten Weltkrieg herausbildeten. Andererseits aber auch auf die künstlerische Sozialisation durch einen intensiven kunsthistorischen Diskurs, die parallel stattfindende künstlerische Entwicklung innerhalb der bildenden Kunst und die Auseinandersetzung mit Positionen der internationalen Kunst, die in den großen Institutionen in Düsseldorf, Essen, Köln, Krefeld und Mönchengladbach gezeigt wurden. Die Ausstellung vereint zentrale Positionen dreier Künstlergenerationen und zeigt die Gemeinsamkeiten und Unterschiede ihrer künstlerischen Ansätze. Vor allem werden aber auch bisher weniger betrachtete Positionen in diesem Kontext präsentiert und diskutiert und die Entwicklung einer künstlerischen Fotografie im Gebiet Rhein/Ruhr nachgezeichnet. SUBJEKT und OBJEKT. FOTO RHEIN RUHR nimmt zum ersten Mal eine methodologische wie auch chronologische Untersuchung dieser Entwicklung vor. Gezeigt werden insgesamt 90 Positionen darunter Bernd & Hilla Becher, Frank Berger, Laurenz Berges, Anna & Bernhard Blume, Rudolf Bonvie, Frank Breuer, Joachim Brohm, Hans-Peter Feldmann, Bernhard Fuchs, Andreas Gursky, Beate Gütschow, Candida Höfer, Jürgen Klauke, Astrid Klein, Detlef Orlopp, Timm Rautert, Thomas Ruff, Jörg Sasse, Otto Steinert, Thomas Struth, Martin Zellerhoff u.a. Kuratiert von Ralph Goertz mit Gregor Jansen und Dana Bergmann Mit Adler, Gosbert; Basile, Alexander; Baumgarten, Lothar; Becher, Bernd & Hilla; Beck, Max; Becker, Boris; Berges, Laurenz; Bertram, Eva; Blume, Anna + Bernhard; Bonvie, Rudolf; Borowsky, Natascha; Bottländer, Wendelin; Breuer, Frank; Brohm, Joachim; Brueck, Ralf; Brügger, Susanne; Clement, Louisa; Döhne, Volker; Dusend, Sabine; Erhard, Christine; Evers, Jan Paul; Faulhaber, Julian; Feldmann, Hans-Peter; Frick, Annette; Fuchs, Bernhard; Gelpke, André; Glischke, Edith; Goldbach, Philipp; Grebe, Stefanie; Gursky, Andreas; Gursky, Willy; Gütschow, Beate; Hanzlová, Jitka; Heinze, Volker; Hewel, Katlen; Höfer, Candida; Hütte, Axel; Jansen, Arno; Jansen, Bernd; Kamp, Irmel; Klauke, Jürgen; Klein, Astrid; Kurceren, Fatih; Lay, Alwin; Lorenz, Tamara; Maron, Knut Wolfgang; Meisterklasse Timm Rautert 2005; Mettig, Klaus; Miller, Peter; Muller, Christopher; Neuke, Angela; Neumann, Thomas; Nieweg, Simone; Neudörfl, Elisabeth; Orlopp, Detlef; Piller, Peter; Post, Johannes; Rautert, Timm; Regenberg, Max; Reich, Johanna; Riebesehl, Heinrich; Riemer, Sebastian; Robbins, Andrea + Becher, Max; Romey, Alexander; Ronkholz, Tata; Rosswog, Martin; Ruff, Thomas; Sailer, Gregor; Sasse, Jörg; Sauter, Martina; Schäfer, Morgaine; Schmidt, Michael; Schneider, Stefan; Schneidereit, Berit; Schulz-Dornburg, Ursula; Schürmann, Wilhelm; Schweizer, Helmut; Sieverding, Katharina; Steinert, Otto; Struth, Thomas; Stuth, Anett; Taleb, Niklas; Thomann, Peter; Vogel, Anna; Vogel, Walter; Wandel, Malte; Wegwerth, Moritz; Westermeier, Christoph; Williams, Christopher; Wittmar, Petra; Wolleh, Lothar; Zellerhoff, Martin
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posted 12. May 2020

Keith Sonnier, Files, Shields and Neons

24. Jan 202015. May 2020
Keith Sonnier, Files, Shields and Neons 24.01.2020 - 15.05.2020 Galerie Mitterrand is delighted to announce a new exhibition from American artist Keith Sonnier. The exhibition, entitled Files, Shields and Neons, will take place from 24 January to 28 March 2020, bringing together both early and more recent works, completed by the artist between 1968 and 2005. Keith Sonnier is a post-minimalist American artist who began his career in New York City in the 1960s, alongside other artists from Rutgers University. Sonnier redefined sculpture by using materials and techniques that were previously restricted to the hardware store. Although he may share some of the ideas of anti-illusionist sculpture with Carl Andre, Dan Flavin, or Sol LeWitt, his works have always offered a more narrative and literary aspect than those of minimalists. Early in his career, Sonnier worked with a wide variety of materials such as latex, fabric, and found objects to create sculptures which had an ephemeral and transitory quality. Starting in 1968, he was among the first artists to explore the effect of incorporating light in his work. Initially using light bulbs (incandescent light) and introducing arched neon that wrapped around the bulbs, he began creating a dialogue between architecture, environment, and lines drawn in space. For this new exhibition dedicated to Keith Sonnier's work, Galerie Mitterrand, who has represented Sonnier since 2008, is showing seven wall sculptures from the Files, Shields, and Neon Wrapping Incandescent Series. The works Veiled File I (1968) and Flocked File (1968) belong to the File series that Keith Sonnier began in 1966, before he became known for his use of light. From the starting point of a cardboard nail file wrapped in string in 1966 (Small File Study), he produced many versions of this simple form, sometimes recognizable but at times veiled, hidden, disguised, covered, or even stuffed. With these works, deliberately created with limited resources, the artist experimented with the tactile and sensual implications of surface, manually coating, wrapping, or filling. Keith Sonnier says of the origin of this series: "The idea of isolating an object in this way made me think about redefining the shape by wrapping it, kind of like adding drawing on top of it, but essentially wrapping it like a mummy. Then other ways of developing the work for the File series came after that. Things were layered. Things were stuffed. Things were filled. Touch, as opposed to concept, was crucial."1 With Neon Wrapping Incandescent I (1970), the artist entered a more emblematic and expressionist period with works that incorporated light bulbs, as well as his famous curved neon tubes. In these pieces, whose titles quite simply describe the materials and the actions involved, Keith Sonnier's lines, arches, and upstrokes reflect the sensual, or even sexual, element of his work. Three more recent works from the Botswana Junction and Elliptical Shields Series complete this overview of Keith Sonnier's work. Botswana Junction I, Botswana Junction II and Elliptical Shield Extended Arm (all completed in 2005) were inspired by the artist's interest in Africa in general, and in tribal shields in particular, whose elongated forms are replicated in these works. Since the start of his career, Keith Sonnier has been interested in the primitive arts of Africa and Asia. His appropriation and integration of these forms contributes to blurring the line between minimal and primitive art. Keith Sonnier was born in 1941 in Mamou, Louisiana, in the United States. He lives and works in New York. Since the 1980s, he has received some twenty public commissions. His work has been the subject of numerous solo exhibitions, notably at the Pompidou Centre, Paris, in 1979; the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC, in 1989; at the Neue Nationalgalerie, Berlin, 2003; and more recently at MAMAC, Nice, 2015 and at the Parrish Art Museum, Water Mill, New York, 2018. His works are included in the collections at the Whitney Museum of American Art and MoMA in New York, the Hara Museum of Contemporary Art in Tokyo, and the MOCA in Los Angeles, among others. - 1 Keith Sonnier, interview by Barbara Bertozzi Castelli in Keith Sonnier: Files, (New York: Leo Castelli, 2011).


Keith Sonnier 
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posted 11. May 2020

Le Kitsch - Matthias Schaufler & Anna Fasshauer

28. Mar 202030. May 2020
Le Kitsch with works by the painter Matthias Schaufler (*1964) and the sculptor Anna Fasshauer in cooperation with Galerie Nagel Draxler 28.03.2020 - 16.05.2020 Robert Grunenberg is pleased to announce the double feature exhibition “Le Kitsch” with works by the painter Matthias Schaufler (*1964) and the sculptor Anna Fasshauer (*1975) – two artists, who both represent an original position in their respective discipline through their intensive formal and discursive engagement with the figurative and the abstract. Where Schaufler explores the possibilities and limits of oil painting, Fasshauer experiments with the material aluminum in space. “Le Kitsch” is Schaufler’s first Berlin exhibition since 2014 and shows over 20 paintings in a variety of sizes from the past five years – a kind of mini retrospective. In the three rooms of the gallery, the show is laid out as a chronological tour from 2016 to 2020, which at the same time provides an overview of Schaufler’s latest work, as well as the development of his practice, which documents a balancing act between abstraction and figuration. “I often relate to myself negatively,” says Schaufler, describing his self-referentiality, “insofar as I do not continuously develop solutions to the problem that I once found.” Thus Schaufler always tries out new color combinations, tools such as spatulas or razor blades, sometimes he dilutes the colors, sometimes he works with more white space, sometimes he fills the canvas almost completely. Nevertheless, all of his works have a high recognition value, a signature that seems to lie in the energetic mark making of the color. For Schaufler, the act of painting often requires the use of the body. The strong movement in front of the canvas, which can range from mere gestures to physical aggression, sometimes creates brute, but also sensual and poetic forms of expression. Schaufler’s pictures are juxtaposed with four large-format sculptures by Anna Fasshauer from this year, which have a similarly high level of abstraction. In their material experiments, Fasshauer works with raw aluminum, such as is used in drywall and trade fair construction. To shape her pipe sculptures, she uses machines that are normally used for the industrial bending of metal. The wound, knotted and tangled sculptures appear as if they were sketches thrown onto paper, that then grow into three dimensions – like something that was created provisionally with a light hand. Therefore the weight, the dimensions and the machinability of the work could not be in a greater contrast. With other sculptures Fasshauer uses her body to model by literally hugging them, as in the case of the pink cuboid seen in the exhibition. The coloring comes before the molding. The mostly monochrome lacquer color of Fasshauer’s sculptures blurs the industrial character of the material from which they are made, sometimes it is in the greatest possible contrast to it, such as in the work “Tactical Reserve,” in which metallic hardness and pastel softness meet, and with its handle makes one think of a man-sized travel bag. Similar to Schaufler, Fasshauer plays with the association potential of form, which is just figurative enough that it stimulates the imagination to relate to real things. She succeeds in creating playful and humorous objects from the originally cool, technical material. The title of the exhibition is a borrowed phrase from the Austrian poet Friederike Mayröcker. She lets this phrase appear in her breathless stream of consciousness whenever poetry threatens to become too clear, because it aims to create a certain feeling without going through the mind and thus threatens to become kitsch. The works in the exhibition also have a dual nature: they are based on a high degree of reflection, at the same time they reach the senses and feelings without detour. Similar to Mayröcker’s poetry, Schaufler and Fasshauer operate outside of defined narratives that lie outside of art itself. Their art is about art and at the same time tells us something about life. Matthias Schaufler 1964 born in Laichingen, Germany lives and works in Berlin. Schaufler studied Fine Art at Hochschule für Bildende Künste Hamburg (class of Erhard Walther and Mike Hentz) and at Städelschule Frankfurt (class Martin Kippenberger). Anna Fasshauer 1975 born in Cologne, Germany lives and works in Berlin. Fasshauer studied Fine Art at the De Montfort University Leicester and received a Master of Fine Arts at the Chelsea School of Art and Design, London.

artists & participants

Anna Fasshauer,  Matthias Schaufler 
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posted 10. May 2020

Jenny Holzer - FOR YOU

23. Nov 201905. Jul 2020
Jenny Holzer FOR YOU MMCA Commissioned Project November 23, 2019–July 5, 2020 The MMCA Commissioned Project showcases large-scale installations by leading contemporary artists who advance a new discourse and progressive vision for contemporary art. For the 2019 project, MMCA is collaborating with American artist Jenny Holzer, who employs language in various public spaces to address collective concerns and private anxieties. For the MMCA Commissioned Project FOR YOU: Jenny Holzer, the artist presents new works at MMCA Seoul (Seoul Box / lobby) and MMCA Gwacheon (outdoor space). Holzer’s works expand the museum space by encouraging debate and reflection on an array of contemporary and historical issues. When Holzer came to prominence in the late 1970s and early 1980s, the United States was experiencing rapid, radical cultural and political change, sparked by factors such as the rise of consumer culture; increasing awareness of race-, class-, and gender-based discrimination; a lack of faith in government in the wake of the Vietnam War; and the AIDS crisis. This was the context in which Holzer’s best-known series, Truisms (1977–79), first appeared. Printed as cheap posters, the Truisms—comprising over 250 concise, aphoristic statements concerned with the construction of personal and societal beliefs, mores, and truths—were pasted anonymously throughout downtown Manhattan, inviting pedestrians to consider the contradictions within absolutist beliefs and socially conditioned truths. In the 1980s, Holzer began to explore new mediums, including LED displays, transforming text with light, color, and movement. She presented messages such as "ABUSE OF POWER COMES AS NO SURPRISE" and "PROTECT ME FROM WHAT I WANT" on an immense electronic billboard in New York’s Times Square in 1982 and again in 1985, reaching a wide public audience and turning a tool of advertising and mass media into a surprising, alternately confrontational and introspective work. In the 1990s, Holzer began working with large-scale light projections, casting scrolling text onto cityscapes, such as the Arno River bank in Florence (1996), and natural landscapes, such as the beach in Rio de Janeiro (1999). Since then she has projected onto countless landmarks and sites of interest around the world, including the Spanish Steps in Rome, the Louvre Pyramid in Paris, the Guggenheim Museums in New York and Bilbao, and City Hall in Singapore. When presented in its many forms, from Styrofoam cups, postcards, and T-shirts to immense projections on building facades and the natural environment, Holzer’s text immediately draws attention and elicits open conversations and multiple interpretations. Her work invites public discussion of current issues as well as universal concerns ranging from political conflict and war to love and sex, often providing a public platform for marginalized and excluded voices. FOR YOU: Jenny Holzer presents texts by Holzer and other authors selected by the artist on posters, a robotic LED display, and stone carvings. Created especially for this project, a new monumental LED artwork, FOR YOU, foregrounds the voices of women, featuring texts in Korean and English by five contemporary writers: Kim Hyesoon, Han Kang, Emily Jungmin Yoon, Svetlana Alexievich and Hawzhin Azeez. Examined together, the work of these authors reflects on diverse accounts of vulnerability and abuse of power, life and death, and the ways gender and sexuality play into violence and oppression. The sculpture resonates with our turbulent era of ongoing wars, terrorism, and violence, and the unforgettable pain of those suffering. Holzer actively engages with and addresses pressing concerns, maximizing her messages in public spaces and emphasizing their urgency and immediacy. MMCA anticipates that this project will inspire you to ask the questions evoked by the texts and listen to the voices resonating within you.


Jenny Holzer 
MMCA National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea

National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea | 30 Samcheong-ro, Sogyeok-dong, Jongno-gu
03062 Seoul

Korea (Republic of)show map
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posted 09. May 2020

An Art of Changes: Jasper Johns Prints, 1960–2018

16. Feb 202020. Sep 2020
An Art of Changes: Jasper Johns Prints, 1960–2018 16.02.2020 - 20.09.2020 Curator: Joan Rothfuss, guest curator, Visual Arts When Jasper Johns’s paintings of flags and targets debuted in 1958, their unprecedented combination of textured surfaces and recognizable images established him as a fresh new voice in American art. Although best known for those early paintings, Johns (b. 1930) has also produced hundreds of lithographs, intaglios, and screenprints since 1960. In celebration of the artist’s 90th birthday, An Art of Changes surveys Johns’s printmaking practice through a selection of some 90 works in a variety of mediums. Beginning with his first lithograph, Target (1960), viewers can trace the artist’s exploration of common motifs as they are recycled, revised, or rendered differently over the course of six decades. The exhibition is arranged into four thematic sections, showcasing familiar symbols and alphabets, abstract patterns borrowed from the environment, examinations of artists’ tools and materials, and later works teeming with more personal imagery. The range of prints reflects an important aspect of Johns’s complex body of work—often considered one of the most influential of 20th-century American art. Exhibition Tour: Carnegie Museum of Art, Pittsburgh: October 12, 2019–January 20, 2020 Walker Art Center, Minneapolis: February 16–September 20, 2020 Grand Rapids Art Museum, Michigan: October 24, 2020–January 24, 2021 Tampa Art Museum, Florida: April 28–September 6, 2021 Parrish Art Museum, Long Island, NY: May 1–July 31, 2022 An Art of Changes: Jasper Johns Prints, 1960–2018 is organized by the Walker Art Center, Minneapolis. Major support is provided by Martha and Bruce Atwater and Judy Dayton. Additional support is provided by Robert and Rebecca Pohlad and Annette and John Whaley.


Jasper Johns 


Joan Rothfuss 
Walker Art Center, Minneapolis

WAC | 725 Vineland Place
MN-55403 Minneapolis

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posted 08. May 2020

Exakte Vertrauensgrenzen. Thomas Neumann [WIEDER GEÖFFNET]

13. Mar 202024. May 2020
opening: 13. Mar 2020 07:00 pm
**Die Ausstellung wurde verlängert bis 24.5.2020. ** „EXAKTE VERTRAUENSGRENZEN“ Thomas Neumann. Fotografie seit 1994 // Im WELTKUNSTZIMMER Der Fotograf Thomas Neumann zeigt seine Schau im Weltkunstzimmer ab sofort per Video. In Zeiten von Corona baut das WELTKUNSTZIMMER auf digitale Zugänge zur Kultur. Die Ausstellung „EXAKTE VERTRAUENSGRENZEN. Thomas Neumann. Fotografie seit 1994.“ fällt mit ihrer Laufzeit vom 13.3. bis 19.4.2020 genau in die landesweite Schließung der Kulturinstitutionen. Um sie dennoch zugänglich zu machen, hat das WELTKUNSTZIMMER nun persönliche Führungen mit dem Künstler per Video aufgezeichnet. Als erste Ausstellung im Rahmen von düsseldorf photo+ stand im Weltkunstzimmer eine Retrospektive des Düsseldorfer Fotografen Thomas Neumann auf dem Programm. Unter dem Titel „Exakte Vertrauensgrenzen“ verhandelt der Meisterschüler Thomas Ruffs hier seine persönliche Auseinandersetzung mit dem politischen Wandel nach dem Fall des Eisernen Vorhangs in den Ländern der ehemaligen Sowjetunion. Durch die derzeitige Schließung aller Kulturinstitute kann sie leider nicht vor Ort besucht werden. Um die Werke trotzdem zu präsentieren, hat der Künstler nun acht Videos aufgezeichnet, in denen er dazu einlädt, ihn bei einem Gang durch die Ausstellung zu begleiten. Dabei gibt er spannende Einblicke in den Entstehungsprozess der Arbeiten, die in den vergangenen 25 Jahren durch Reisen in die Länder der ehemaligen Sowjetunion und begleitende Recherchen zu Philosophie, Städtebau und Selbstverständnis des auf Ewigkeit angelegten, aber letztlich kollabierten Systems angeregt wurden. Ein gleichnamiges, von Neil Holt gestaltetes Buch ermöglicht zudem, sich die Arbeiten für eine kontemplative Betrachtung nach Hause zu holen. Es präsentiert noch mehr Werke als die Ausstellung und liefert zusätzlich ausgewählte Texte zum Thema. Dazu zählen ein Gedicht von Durs Grünbein, ein Auszug aus „Das Sowjetische Jahrhundert“ von Karl Schlögel und ein Text von Eva Pluharova-Grigiene, der Fragmente aus dem Interviewprojekt „Transformationsbiografien“ von Gabriele Muschter und Uwe Warnke enthält. „Exakte Vertrauensgrenzen“ erscheint im Hatje Cantz Verlag, Berlin. Man kann es direkt über den Künstler unter www.neumannthomas.com/book-edition und auf der Verlagshomepage www.hatjecantz.de zum Preis von 40 Euro bestellen. Die Publikation ist gebunden mit Schutzumschlag und umfasst 128 Seiten mit 127 Abbildungen, 29,00 x 21,50 cm. Die Texte sind deutsch/englisch. Die Videos sind verfügbar auf: https://vimeo.com/weltkunstzimmer https://www.instagram.com/weltkunstzimmer/ https://www.facebook.com/WELTKUNSTZIMMER * **Exakte Vertrauensgrenzen. Thomas Neumann** 30 Jahre nach dem Mauerfall und der folgenden Wiedervereinigung ist die Ost-West-Ausrichtung der Geschichte mitnichten zu Ende. Dies gilt insbesondere für Deutschland, wo es zwei Erfahrungsräume in einem Land gibt. Auch bei Thomas Neumann laufen biographische, historische und künstlerische Stränge in dieser Zeit des Wandels zusammen. 1975 in Cottbus geboren, blickt der in Düsseldorf lebende Fotograf zurück auf Arbeiten, die in den vergangenen 25 Jahren entstanden sind: Noch als Schüler in den 1990er Jahren begann er die Länder der ehemaligen Sowjetunion zu bereisen und dort zu fotografieren. Bis 2019 sind so Arbeiten entstanden, die in der Ausstellung und Publikation „Exakte Vertrauensgrenzen“ in einen übergreifenden Zusammenhang gestellt werden. Neumann folgt den Spuren der Bild- und Sinnwelten des sowjetischen Sozialismus vor Ort, nachdem sich deren Versprechen von Fortschritt und einer strahlenden Zukunft erledigt hatten. Seine Herkunft lässt ihn mit einem bestimmten Wissens- und Erfahrungsschatz, aber auch mit einer skeptischen Neugier reisen. Fragen kommen auf nach dem Selbst und seiner Eingebundenheit in die kollektive Erfahrung eines abrupt beendeten ideologischen Systems, welches eigentlich auf die Ewigkeit ausgelegt war. Möglich ist dabei allenfalls eine Annäherung, wie bei der „exakten Vertrauensgrenze“ der Wahrscheinlichkeitsberechnung, welche auch in dem Titel einer Arbeit von 1998 wiederzufinden ist. Neumanns Archiv erzählt kein zusammenhängendes Narrativ, weder der Entwicklung in den Nachfolgestaaten der Sowjetunion, noch der Formierung des Selbst. Seine zurückhaltenden bildlichen Beobachtungen laden ein, auf eine Reise mitzukommen, bei der die Deutungshorizonte offen bleiben. Ausstellungsdauer 13.3. – 19.4.2020 Öffnungszeiten Do - So 14 - 18 Uhr und nach Vereinbarung Eintritt Frei Rahmenprogramm Do 19.03.2020, 19 Uhr Buchpräsentation „Exakte Vertrauensgrenzen“ Gespräch „Fotokunst und Biografie“ - Thomas Neumann mit Dr. Eva Pluharová-Grigiene (Kunst- und Bildhistorikerin, Europa-Universität Flensburg), Gabriele Muschter (Kunstwissenschaftlerin, Publizistin, Kuratorin, Berlin) und Uwe Warnke (Autor, Verleger und Herausgeber von Entwerter/Oder) Do 02.04.2020, 19 Uhr Gespräch in der Ausstellung „Ort, Landschaft, Fotografie“ Thomas Neumann mit Axel Hütte (Fotokünstler, Düsseldorf) und Dr. Anja Schürmann (kulturwissenschaftliches Institut Essen)

HANS PETER ZIMMER STIFTUNG | Ronsdorfer Straße 77a
44233 Dusseldorf

Germanyshow map
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posted 07. May 2020


09. Feb 202024. May 2020
**WIR HABEN WIEDER GEÖFFNET: ** "REQUIEM" BIS 24. MAI 2020 Wir freuen uns sehr darüber, unsere Ausstellungsräume wieder für den Besucher*innen-verkehr öffnen zu dürfen. Ab 5. Mai können Sie das Kunsthaus Dresden wieder zu den gewohnten Zeiten besuchen. Wir zeigen die aktuelle Ausstellung REQUIEM verlängert bis zum 24. Mai. Die im Anschluss geplante Ausstellung Eine Schwalbe macht noch keinen Sommer beginnt nun etwas verschoben am 19. Juni 2020. Eine Vorraussetzung für die Wiederöffnung der Ausstellungsräume ist es, dass beim Besuch der Ausstellung die Abstandsregeln gewahrt werden. Besucher*innen werden gebeten, eine Mund- und Nasenbedeckung zu tragen. Wir danken Ihnen für die gemeinsame Umsetzung dieser Schutzmaßnahmen! * **BLICKE IN DIE AUSSTELLUNG VI** Mit Fragen, die an den Begriff Gemeinschaft geknüpft sind und mit der Verbindung von Menschen, Orten und deren Geschichte, haben sich die Künstler Artúr van Balen / Tools for Action Foundation und Tomas Espinosa in der Performance Signals 3.0 auseinandergesetzt, die am 9. November 2019 in Dresden stattfand. Die daraus entstanden Videoarbeit Wir ist in unserer aktuellen, jedoch vorübergehend geschlossenene Ausstellung REQUIEM - zeitgenössische künstlerische Perspektiven zu Trauer und Gedenken zu sehen und soll in der sechsten Ausgabe von Blicke in die Ausstellung vorgestellt werden. Im lebendigen Gedenken an die Ereignisse der 9. November 1918, 1938 und 1989 bildeten am selben Tag des Jahres 2019 insgesamt 80 Performer*innen mit Leuchtskulpturen und zahlreiche weitere Beteiligte mit Fahrradlampen, Taschenlampen oder Handys in der Abenddämmerung und bis zum Eintritt der Dunkelheit einen leuchtenden Schwarm am Elbufer. Mehrere Hundert Dresdner*innen versammelten sich für die Performance am Goldenen Reiter und verfolgten das Geschehen. Den Impuls für Signals 3.0 als Experiment im Stadtraum gab der niederländisch-ungarischen Künstler Artúr van Balen gemeinsam mit dem kolumbianischen Künstler Tomas Espinosa und der Tools for Action Foundation. Ein öffentliches Gesprächs- und Veranstaltungsprogramm mit zahlreichen Zeitzeug*innen sowie Proben, ging dem aufwändigen Performanceprojekt voran. Im Fokus der Veranstaltungen stand die Erinnerung an die ‚friedliche Revolution’ des Jahres 1989 und die Ereignisse, die zu dieser geführt haben, ebenso, wie die Fragen nach der Bedeutung der Revolution 1918, mit der bis heute der Ursprung der Demokratie in Deutschland verbunden ist. Auch die Pogromnacht des 9. November 1938 war Thema der Veranstaltungen. Im Rahmen dieser Auseinandersetzung standen die folgenden Fragen im Vordergrund: Wie sind Menschen und Orte mit Geschichte und Erinnerung verbunden? Wie können durch die gemeinsame Bewegung von Körpern aktuelle Perspektiven auf Vergangenes entstehen? Die Performance wurde von Artúr van Balen dokumentiert und zu der Videoarbeit Wir zusammengefasst: [VIDEO](https://vimeo.com/387870873) Die Choreografie der Performance, die an beiden Elbufern stattfand und von einem großen Heliumobjekt begleitet wurde, wurde eigens für diesen Anlass und in mehreren Workshops mit den Choreografinnen Claudia de Serpa Soares und Floor van Leeuwen in Zusammenarbeit mit 15 Performer*innen in Dresden entwickelt. * **BLICKE IN DIE AUSSTELLUNG V ** Die Auswirkungen bewaffneter Konflikte und kriegerischer Handlungen sind auch in diesen Tagen weiter spürbar. Tagtäglich sind unzählige Menschen mit den gewaltvollen Auswirkungen, die Kriege auf ihr Leben haben, konfrontiert. Mit der Frage, wie sich Machtverschiebungen über Kriegshandlungen in das Alltagsleben von Gesellschaften fortsetzen und dort bleibende Spuren hinterlassen, setzten sich die Arbeiten der Künstler*innen Simon Wachsmuth und Susan Donath auseinander, die wir in Blicke in die Ausstellung V vorstellen wollen. Politische Konflikte werden seit Jahrhunderten zu Lasten der Unversehrtheit und des Lebens der Zivilbevölkerungen ausgetragen – Traumata, Tod, Vertreibungen und Fluchtbewegungen sind die wiederkehrenden Folgen militärisch ausgetragener Machtfragen – die Prothese in der Arbeit O Crudele Spectaculum! steht hierfür als Sinnbild. Brechts Auseinandersetzung mit dem Dreißigjährigen Krieg (1618-1648) und dem Westfälische Frieden (1648) waren Ausgangspunkte für Simon Wachsmuths Frage danach, wie sich historische künstlerische Darstellungen von Krieg in unsere Kulturen eingeschrieben haben. Brechts Figur der Mutter Courage verliert bei dem Versuch, als Marketenderin mit einem Handwagen durch den Krieg zu kommen und sich durch den geschickten Handel mit der Not durchzuschlagen, alle ihre drei Kinder. Das Stück, das Brecht 1938/9 im schwedischen Exil verfasste, formulierte eine damals wie heute hochaktuelle Warnung vor dem Geschäft mit dem Krieg. O Crudele Spectaculum! greift anhand der archetypischen Motive des Wagens aus Brechts Mutter Courage und der Prothese die aktuelle Wiederholung der archaischsten Muster von Gewalt und der Instrumentalisierung von Zivilbevölkerungen heute auf. Die Fotografie erfasst eine von Susan Donath vorgefundene Situation in einem Ortsteil der tschechischen Kleinstadt Úštěk. Die Stadt mit der Teilgemeinde Lhota liegt im nördlichen Böhmen. Nachdem sie bis zu deren Auflösung im Jahr 1918 zum Gebiet der Habsburgermonarchie gehörte, wurde sie danach Teil der demokratischen Tschechoslowakei. 1938 wurde die Stadt vom nationalsozialistischen Deutschland besetzt und in Folge dessen zum Protektorat Böhmen und Mähren erklärt. Was bleibt dokumentiert die Ratlosigkeit im Umgang mit Gedenkanlagen, wie sie in großer Zahl in vielen Gemeinden in Europa gefunden werden können und deren Form und Aussage so weit von gesellschaftlichen Realitäten und Bedürfnissen, wie auch heutigen Geschichtsauffassungen entfernt ist, dass eine sinnvolle Verbindung sich kaum mehr herstellen lässt. **BLICKE IN DIE AUSSTELLUNG IV** Transinflabe 2018 – 19 ist ein aktuelles Projekt, das sich für das Gedenken an und der Trauer um ermordete Mitglieder der transsexuellen Community, Sexarbeiter*innen und Obdachlose sowie drogenabhängige Menschen in Bogotá einsetzt. Der in der Ausstellung gezeigte Film ist eine experimentelle Collage, die zwei Stimmen miteinander vereint: Die von Daniela Maldonado, langjährige Aktivistin der Red Comunitaria Trans und die des Künstlers Tomas Espinosa. Das Anliegen beider ist es einerseits, ,auf die lebensbedrohenden Gefahren, die Leben transsexueller Menschen in Lateinamerika begleiten, aufmerksam zu machen. 2015 fand erstmals eine große Trauer- und Gedenkprozession für die Menschen statt, die seit Mitte der 1980er in Santa Fe, einem zentralen Viertel von Bogotá, ermordet wurden. Die Opfer dieser Morde waren und sind bis heute ungezählte Mitglieder der transsexuellen Community, Sexarbeiter*innen und Obdachlose sowie drogenabhängige Menschen. Da transsexuellen Menschen in Lateinamerika der Zugang zu regulären Berufen ebenso wie Kranken- oder Sozialversicherung verwehrt wird, bleibt Prostitution eine der wenigen Möglichkeiten, ein Einkommen für das Überleben zu erwirtschaften. Die durchschnittliche Lebenserwartung liegt derzeit bei 29 Jahren. Die Prozession war auch ein Protestmarsch, der sich gegen die willkürliche Ermordung durch nächtliche Überfallkommandos in den Straßen ihres Viertel wehrte und eine Demonstration für die grundlegenden Rechte transsexueller Menschen sowie das Recht aller Menschen auf selbstbestimmte Identität und Sexualität. Anderseits ist aber auch ihr Anliegen, eine Sprache für die besondere Schönheit transsexueller Menschen zu finden, die nach einer Befreiung von gewalttätigen Normen sucht und von der Selbstbestimmung eines jeden Individuums handelt. Seit mehreren Jahren arbeitet die Red Comunitaria Trans mit internationalen Organisationen sowie mit Künstler*innen zusammen, um gemeinsam für die Menschenwürde und das Selbstbestimmungsrecht von transsexuellen Menschen zu kämpfen. Die durch den Regisseur Juan David Cortés H. oz/co aus zwei Dokumentarfilmen zusammengeführten Aufnahmen zeigen unter anderem die Zusammenarbeit mit dem niederländischen Künstler Artúr van Balen und der Gruppe Tools for Action gemeinsam mit dem kolumbianischen Künstler Tomás Espinosa aus dem Jahr 2018, anlässlich der dritten, seit 2015 jährlich im Juli veranstalteten, Gedenkdemonstration. Ihr Leitmotiv La Primavera Trans steht für einen selbstbewussten Aufbruch, „Sie können wohl alle Blumen abschneiden, aber sie können den Frühling nicht verhindern“ (Pablo Neruda) bildete einen der zentralen Leitsätze. Film Transinflabe 2018-19 https://vimeo.com/398969742 Regie und Umsetzung: Juan David Cortés H. oz/co Text: Daniela Maldonado, Tomas Espinosa. (la pesada) Stimme: Daniela Maldonado Dauer: 5:08 min. Alle Aufnahmen wurden den Dokumentarfilmen „La Primavera Trans“ und „La Red“ in Regie von Juan David Cortés H. oz/co und der fortlaufenden Arbeit der Red Comunitaria Trans mit ihrem gesamten Team entnommen. Diese Gemeinschaftsarbeit wurde Dank der Zusammenarbeit mit H-X-Y-Actiefonds, dem Goethe Institut und vielen anderen beteiligten und unterstützenden Personen in Bogotá wie auch überall auf der Welt möglich. Gefördert durch die Kulturstiftung des Freistaates Sachsen. * **BLICKE IN DIE AUSSTELLUNG III** Wir freuen uns, nun die dritte Ausgabe unserer Blicke in die Ausstellung zu versenden und bedanken uns für die positive Resonanz. Optimismus und starke Nerven wünschen wir aus dem Home-Office für den ungewohnten Alltag in dieser Zeit. Auch die polnische Künstlerin Karolina Freino setzt sich mit den Fragen zu öffentlichem Gedenken und kollektiver Erinnerung auseinander – so auch in der künstlerischen Intervention Cataract / Katarakta von 2016, in der sie der verworrenen Geschichte eines Denkmals in der polnischen Stadt Katowice nachgeht. Das Denkmal Confluence. Monument to Emma Goldman ist der gleichnamigen Friedensaktivistin gewidmet und wurde 2017 in der litauischen Stadt Kaunas installiert. Für REQUIEM stellt die Künstlerin eine Videoinstallation zur Verfügung, die auf das Denkmal zurückgeht und dieses im Ausstellungsraum erlebbar macht. Schauplatz der künstlerischen Intervention Cataract / Katarakta von Karolina Freino ist ein Fundament, das – auf dm Platz der Freiheit (Plac Wolno ci) der polnischen Stadt Katowice und innerhalb einer Zeitspanne von rund hundert Jahren – nacheinander fünf sehr unterschiedlichen Denkmalen als Sockel diente. Dabei handelte es sich in unmittelbarer Folge um ein preußisches Denkmal, ein Denkmal für die schlesischen Aufstände, einen durch die Nationalsozialisten aufgestellten Obelisk zur Ehrung deutscher Soldaten und zwei weitere Denkmäler, die zu Ehren der Roten Armee aufgestellt wurden. Nach den politischen Veränderungen in Polen und den damit einhergehenden Protesten der Anwohner*innen, wurden die Figuren des Denkmals im Jahr 2014 auf den sowjetischen Militärfriedhof verlegt. Jeder politische Machtwechsel, dem der Ort gesehen hatte, ging mit einer Überarbeitung der Symbole einher, die dort verankert wurden. Im Zentrum des Platzes verbleibt heute ein riesiger, leerer Sockel, der auf eine neue, formalisierte Interpretation der Geschichte der Stadt wartet. Mit der künstlerischen Intervention Cataract / Katarakta verhüllt Karolina Freino den Sockel in Nebelschwaden. In der Medizin bezeichnet Begriff Katarakt (auch Grauer Star) eine graduell fortschreitende Trübung der Linse im menschlichen Auge. Im Rahmen der Intervention bezieht sich der Begriff auf einen instrumentellen und ideologischen Umgang mit Geschichte und die Austauschbarkeit von Helden*innen, die eher die Zielsetzungen der jeweils Regierenden illustrieren und dabei Geschichte verschleiern, als diese zu vermitteln. Freino_2 Karolina Freino, Confluence. Monument to Emma Goldman, Foto: Karolina Freino Die Videoinstallation dokumentiert das 2017 in Kaunas errichtete Denkmal für die 1869 in Litauen geborene Friedensaktivistin und Frauenrechtlerin Emma Goldman. Die Arbeit besteht aus einer Boje, die mit einem Lichtsignal fortlaufend Goldman Autobiografie Living My Life morst – über eine Webübertragung und eine App wird der Text für die Besucher*innen des Denkmals lesbar. Die in einer jüdischen Familie in Kaunas geborene und aufgrund der Pogrome gegen die jüdische Bevölkerung nach St. Petersburg ausgewanderte Emma Goldman emigrierte 1885 in die Vereinigten Staaten und wurde dort zu einer der herausragenden Persönlichkeiten im Kampf für Frauenrechte und soziale Gerechtigkeit. Die Aktivistin und Schriftstellerin widmete ihr Leben dem Kampf für Freiheit und sprach sich gegen das Patriachat, Kapitalismus und religiöse Dogmen aus. Ihre Schriften beschäftigen sich mit einer Vielzahl von Themen, darunter Atheismus, Redefreiheit, Militarismus, Kapitalismus, Ehe, freie Liebe und Homosexualität. Sie setzte sich für Geburtenkontrolle und die Unabhängigkeit der Frauen ein. Ihre Vorlesungen zogen ein großes Publikum an. Die Stärke von Einigkeit und Solidarität waren wichtige Denkfiguren Goldmans. Heute, in Zeiten, in denen in vielen Ländern Europas sowie in den USA eine Rückentwicklung und Krise der freiheitlichen Auffassungen von Demokratie zur Diskussion gestellt werden, sind ihre Gedanken von damals von erhöhter Relevanz. Gefördert durch die Kulturstiftung des Freistaates Sachsen. * **BLICKE IN DIE AUSSTELLUNG II** Trotz der aktuellen Situation und der vorübergehenden Schließung des Kunsthauses wollen wir unsere aktuelle Ausstellung REQUIEM - zeitgenössische künstlerische Perspektiven zu Trauer und Gedenken für den Austausch und Begegnungen öffnen. Möglicherweise ist es gerade jetzt wohltuend und hilfreich, kulturelle Perspektiven über den ungewohnten Alltag hinaus im Blick zu behalten. Deshalb werden wir an dieser Stelle nach und nach einzelne Werke vorstellen und per Abbildung - und wenn möglich Video-Link - zugänglich machen. **REQUIEM_Susan Donath** Die Künstler*innen Susan Donath und Ulf Aminde zeigen in der Ausstellung REQUIEM Entwürfe zu ihrer künstlerischen Auseinandersetzung mit öffentlichem Gedenken. In beiden Arbeiten geht es um Formen der Erinnerung an die Opfer der Terrorgruppe Nationalsozialistischer Untergrund (NSU). Die Beiträge gehen auf Ausschreibungen zurück, die Künstler*innen dazu aufforderten, sich mit der Umsetzung von Mahnmalen und Orten der Erinnerung auseinanderzusetzten. Jedoch lässt sich auch hier ablesen, welche Unsicherheiten und Unwägbarkeiten in den Fragen von öffentlichem und kollektivem Gedenken und Trauern bestehen. Mehmet Turgut wurde am 25. Februar 2004 von Mitgliedern des NSU in Rostock erschossen. Der 25jährige war das fünfte Opfer einer Mordserie an neun Personen mit migrantischem Hintergrund und einer Polizistin im Zeitfenster von 2000 bis 2007. Die Künstlerin Susan Donath reichte den in der Ausstellung gezeigten Entwurf 2013 anlässlich eines von der Stadt Rostock ausgeschriebenen Wettbewerbes ein. Bis heute bleibt ein angemessener Umgang mit dem öffentlichen Gedenken an die Opfer der Terrorgruppe NSU aus. Wie viele Angehörige berichtet Mehmet Turguts Bruder von den fatalen Folgen, die die über Jahre ins Leere laufenden Ermittlungen und die damit einhergehenden Verdächtigungen für die Familie hatten. Nachdem Angehörige jahrelang von der Justiz diskriminiert und kriminalisiert wurden, ist auch nach der Aufklärung der Morde keine Form der öffentlichen Trauer, in Abstimmung mit den Familien, gefunden worden. Susan Donaths Entwurf sah die Aufrichtung einer grünen Fahne in Kombination mit einer Texttafel vor. Die Wahl der Farbe Grün stand vermittelnd zwischen den verschiedenen Religionen: Grün als die Farbe des Paradieses im muslimischen Glauben wie auch der Hoffnung und des Friedens hier ebenso wie im Christentum. An der Außenfassade des Kunsthauses ist während der Dauer der Ausstellung eine grüne Fahne zu sehen sein. Sie steht auch für die Frage, welche Tragweite dieses gewaltsam beendete Leben für ganz Deutschland hat und verweist auf ein möglicherweise notwendiges, dezentrales Gedenken. **REQUIEM_Ulf Aminde** Am 9. Juni 2004 detonierte in der Köln-Mülheimer Keupstraße eine ferngezündete Nagelbombe. 22 Menschen wurden verletzt, vier davon schwer. Der Friseursalon, vor dem die Bombe explodierte, wurde durch die Wucht der Detonation und ein anschließendes Feuer verwüstet. Mehrere weitere Ladenlokale und zahlreiche parkende Autos wurden durch die Explosion und herumfliegende Nägel erheblich beschädigt. Seit der Selbstenttarnung im November 2011, wird der Anschlag der rechtsextremen Terrorgruppe NSU zugeordnet. Im späteren NSU-Prozess wurde die ausländerfeindliche Motivation festgestellt, während in den Ermittlungen bis 2011, vor allem Anwohner*innen und Opfer verdächtigt wurden. 2016 veranstaltete die Stadt Köln einen künstlerischen Wettbewerb für ein Mahnmal. Ausgewählte wurde der Entwurf des Berliner Künstlers Ulf Aminde. Dieser basiert auf Gesprächen mit Anwohner*innen und Initiativen in Köln verbindet die Idee eines Mahnmals mit einem Ort der Begegnung: Herkesin Meydanı — Platz für Alle. Geplant ist eine Bodenplatte aus Beton, deren Größe dem Fundament des von der Nagelbombe getroffenen Hauses entspricht. Diese Bodenplatte soll am Eingang der Keupstraße gebaut werden. Ein weiteres Element des Mahnmals ist eine App, die per WLAN auf das Mobiltelefon geladen werden kann. Mit der App und einer Augmented Reality Technologie entstehen entlang dieser Bodenplatte virtuelle Wände, die ein Haus beschreiben. Dort können Filme aktiviert und auf dem Handy abgespielt werden. Die Beiträge zeigen unterschiedliche Perspektiven auf Migration Rassismus-Erfahrung. So erläutern zahlreiche Beteiligte gemeinsam mit dem Künstler den historischen Kontext, in dem der NSU seine Anschläge und seine Morde verüben konnte. Auch beleuchten sie das politische Klima und die Geschichte der rassistischen Gewalt, in die der Bombenanschlag fällt. Betroffene Anwohner*innen sind ebenso dazu eingeladen sich an dem Projekt zu beteiligen, wie Schüler*innen oder Studierende. Das ist eine zentrale Idee dieses Mahnmals, denn aus den Filmbeiträgen entsteht ein kritisches Archiv des migrantischen Widerstands. Demnach beschäftigt sich das Mahnmal mit dem Bombenanschlag in der Keupstraße, ist aber zugleich eine Erinnerung an die NSU-Morde und deren Aufklärung. Und es ist der Erinnerung an rassistische Strukturen in unserer Gesellschaft gewidmet. Die Realisierung des Mahnmals am geplanten Standort kommt jedoch nicht voran. Denn auch die vorliegenden stadtpolitischen Beschlüsse können nichts mehr daran ändern, dass das Areal mittlerweile in den Händen von Investor*innen liegt, die andere Pläne haben: Sie wollen ein lukratives Gewerbequartier errichten und das Kunstprojekt an einen weit entfernten Standort verdrängen. Die Initiativen und Gruppen ‚IG Keupstraße‘, ‚Keupstraße ist überall‘ und das Tribunal ‚NSU-Komplex auflösen‘ treten, genau wie der Künstler selbst, für die Errichtung am geplantenStandort ein und erheben ihre Stimmen gegen eine erneute Verdrängung der Opfer-Perspektive. * **REQUIEM Eine Ausstellung zeitgenössischer künstlerischer Perspektiven zu Trauer und Gedenken** 09.02.2020-26.04.2020 Mit Arbeiten von Ulf Aminde (Berlin), Aram Balakjan (London), Marit Bente Norheim (Hirthals), Susan Donath (Dresden), Karolina Freino (Wroclaw), Tomas Espinosa (Bogota), Artúr van Balen (Berlin), Šejla Kamerić (Sarajevo), Simon Wachsmuth (Berlin) und spot_the_silence (Christian Obermüller und Rixxa Wendland)   REQUIEM ist eine Ausstellung zu aktuellen Perspektiven und neuen künstlerischen Formen des Gedenkens in Europa und Welt vor dem Hintergrund des 75. Jahrestages der Kriegszerstörung des Dresdens im Februar 1945. Trauer und Gedenken haben seit Jahrhunderten Formen und Rituale hervorgebracht, konkrete Orte und kollektive Erfahrungen, wie beispielsweise das Requiem. In ihrer Widmung an die Verstorbenen ging es zugleich darum, einen gemeinsamen Erfahrungsraum zu schaffen, der stets der Zukunft der Lebenden zugewandt war. Insofern ist auch das Requiem, der Epitaph oder die Gedenkstätte eine kulturelle Form, die Vergangenheit zu verarbeiten und einen gemeinschaftlichen Raum für – und eine Botschaft an – die Lebenden zu formulieren. Was bedeutet es, sich heute für einen angemessenen und zugleich zeitgemäßen Umgang mit einer Kultur des Gedenkens und der Trauer auseinanderzusetzen? Welchen Perspektiven sind es, die uns hierzu heute als Gesellschaften beschäftigen ? Während die individuelle Trauer mit einer konkreten Beziehung verbunden ist, richtet sich das Gedenken an die Gemeinschaft, um sie zu mahnen, und eine gemeinsame Position für die Zukunft zu stärken. Rassismus, Gewalt und Diskriminierung wie auch Erfahrungen von Krieg und Flucht sind gegenwärtige Perspektiven weltweit, zu denen sich aktuelle Gedenkperspektiven in Beziehung setzen müssen. Die Ausstellung Requiem im Kunsthaus Dresden zeigt neue künstlerische Perspektiven zu Trauer und Gedenken, die sich auf aktuelle Anlässe des Gedenkens wie auch der Trauer beziehen. REQUIEM begleitet das mobile Gedenkprojekt und Kolloquium im Rahmen von # WOD und ist Teil des vom Kunsthaus initiierten Langzeitprojektes und der Zeitung „Ruhe in Frieden“,  entwickelt im Rahmen der Bewerbung Dresden um den Titel der Europäischen Kulturhauptstadt 2025.   In Zusammenarbeit mit dem Museum für Sepulkralkultur Kassel. Gefördert von der Kulturstiftung des Freistaates Sachsen.
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