daily recommended exhibitions

posted 27. Oct 2020

Taro Izumi. ex

02. Sep 202015. Nov 2020
Taro Izumi. ex 2. September – 15. November 2020 Kurator: Séverine Fromaigeat Unsere grosse Herbstausstellung lädt dieses Jahr zum Eintauchen in die wundersame und schalkhafte Welt des japanischen Künstlers Taro Izumi (*1976, Nara) ein. Izumi hat ein einzigartiges kreatives Universum geschaffen, ein organisches Ökosystem, das sich keiner etablierten Kunstgattung zuordnen lässt. Seine Ausstellungen lassen Skulptur, Installation, Performance und Videokunst miteinander verschmelzen: Eine Skulptur wird zu einer Installation, die ihrerseits als Kulisse für eine Performance dient, die wiederum auf zahlreichen Bildschirmen zu sehen ist. Die von Izumi verwendeten Materialien – wie Holz, Textilien, Pflanzen, Pelz oder auch Möbel und allerlei rezyklierte Elemente – verbinden sich zu "auf den ersten Blick zusammengeschusterten", tatsächlich aber präzise arrangierten Konstruktionen, die gleichermassen Ergebnis modernster Technologie und ausgiebiger Reflexion als auch spontaner Energie und einer gewissen Unmittelbarkeit sind. Taro Izumi ist ein Meister der Gegensätze, der Absurdes und Zufälliges auf spielerische und humorvolle Weise in seine Arbeit integriert. Die Ausstellung im Museum Tinguely entwarf Taro Izumi als Parcours. Jede einzelne Etappe funktioniert wie ein lebendiger Organismus innerhalb des und in Symbiose mit dem belebten Korpus der Ausstellung, die atmet, vibriert, sich bewegt, spricht, singt und leuchtet.

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Taro Izumi 
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posted 26. Oct 2020

Ross Bleckner - Quid Pro Quo

10. Sep 202007. Nov 2020
Ross Bleckner Quid Pro Quo 10. September - 7. November, 2020 Capitain Petzel freut sich, Quid Pro Quo von Ross Bleckner anzukündigen, die erste Einzelausstellung des Künstlers in der Berliner Galerie. Bleckner bringt in seinen Bildern sein Bewusstsein von Vergänglichkeit und gesellschaftlicher Veränderung zum Ausdruck, um von der menschlichen Existenz und ihrer Verwundbarkeit zu sprechen. Dieses Thema begleitet ihn, seit er mitten in der AIDS-Krise der 1980er Jahre bekannt wurde. Von Bilderserie zu Bilderserie erfindet sich der Künstler immer wieder neu und verweist dabei auf die Sehnsucht des Menschen nach dem metaphysischen Fluchtpunkt hinter der Welt der Erscheinungen. Der Tod ist im Oeuvre des Künstlers allgegenwärtig. Indem Bleckner Dunkelheit und Schönheit jedoch scheinbar nahtlos miteinander verbindet, entwickelt er eine einzigartige malerische Sprache voller Sinnlichkeit und Melancholie. Bleckner erklärt, dass sich sein Werk immer mit jenen Themen befasst habe, die zu Krisen in der Gesellschaft geführt hätten. In den 80er Jahren war dieses Thema die Epidemie, die er in seinen berühmten Cell Paintings behandelte. In seinen jüngsten Werken, die jetzt bei Capitain Petzel zu sehen sind, setzt sich Bleckner mit den Unzulänglichkeiten seiner eigenen Generation auseinander: „Diese Werke, die in der Einsamkeit meines Ateliers in East Hampton entstanden sind, reflektieren das Versagen meiner Generation, eine bessere Welt an die nächste weiterzugeben und den Versuch (...), dennoch mit einem Minimum an Frieden (und) Freude weiterzuleben.“ Quid Pro Quo erzählt von Bleckners eigener Suche nach Wahrheit und Schönheit. Sein Werk ist eine spirituelle Reise, die um das Emotionale, das Faktische und das Malerische kreist und dabei unsere Existenz in Frage stellt.

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Ross Bleckner 
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posted 25. Oct 2020

Nicolas de Staël

23. Jul 202008. Nov 2020
Nicolas de Staël 23.07.2020 - 08.11.2020 From 23 July to 8 November 2020, the Centre Pompidou Málaga is presenting a unique retrospective of the work of Nicolas de Staël (Saint Petersburg, 1914 - Antibes, 1955), a major artist of the French art scene from 1945 onwards. The exhibition aims, through several of his masterpieces, to present the exceptional career of this artist who placed the dialectic between abstraction and figuration at the heart of his extraordinary and all-too-brief oeuvre. Born in Russia, Nicolas de Staël studied in Belgium before moving to France in 1938 where he first became known through an exhibition at the Galerie Jeanne Bucher in Paris in 1944. Living and working in a period in which abstraction was triumphant, the artist returned to figuration in 1952 with cut-back and powerfully constructed forms. After moving to the South of France in 1953, his work was cut short at the height of its glory in March 1955, when the artist took his own life in his studio in Antibes. With a total of 25 works, including 9 paintings and 16 works on paper, some of which are large-format, the Centre Pompidou holds a reference collection of works by Nicolas de Staël. This entire collection is part of the exhibition presented in Málaga, offering a journey in four sequences. The first chapter (1946-1948) reveals the artist's painted and drawn production, based on an austere abstraction (La Vie Dure, 1946). The following section (1949-1951) shows the artist's evolution towards cutting the space of the painting into thick areas of paint (Les Toits, 1951-1952). The third section (1952-1953), where the artist's return to figuration manifests itself, allows us to take stock of the shock that the discovery of the Mediterranean light constituted for the artist (Le Lavandou, 1952). Its landscapes and nudes with abbreviated and powerfully masonry forms are distinguished by significantly more vivid colors. It was also the time when music played an important role in the work of Nicolas de Staël (Les Musiciens. Souvenir de Sidney Bechet and the monumental Orchestre, 1953). The end of the exhibition (1954-1955) presents his ultimate works on the theme of the workshop represented in a more fluid material (Workshop corner, blue background, 1955). Curatorial team Christian Briend, Curator, Head of the modern collections department, Musée national d'art moderne, Centre de création industrielle and Anne Lemonnier, assistant curator.
Centre Pompidou Málaga

Pasaje Doctor Carrillo Casaux, s/n 29016 Muelle Uno, Puerto de Málaga
Malaga

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posted 24. Oct 2020

Jasmina Cibic: The Foundation of Endeavour

01. Sep 202029. Nov 2020
+MSUM Museum of Contemporary Art Metelkova Jasmina Cibic: The Foundation of Endeavour Curated by Igor Španjol 01 September 2020 — 29 November 2020 The Museum of Contemporary Art Metelkova is proud to present The Foundation of Endeavour, a solo exhibition of new and recent work by Jasmina Cibic. First preview of the exhibition is on Tuesday, 1 September 2020 between 8 and 10 p.m. Due to the COVID-19 safety measures, the number of viewers is limited to 15 at a time. The artist will have a guided tour on Thursday, 3 September at 5 p.m. We've reached the guided tour capacity. For those who are unable to attain, we will publish a video recording of her guided tour. The exhibition runs until 29 November 2020. The exhibition centres on the artist’s ongoing investigation into the idea of political gifts of culture, exploring their role within national and political structures during moments of European crisis in the 20th century. The historical case studies the artist draws on speak directly to the present moment, in which culture has become a battleground for the forces of populism in their systematic attack on critical thought, bringing once again to the fore the complex relationship between culture and the state. Cibic is well known for her work examining the mechanisms of “soft power” and the strategies through which national culture is constructed and weaponised. Her projects, realised through films and theatrical installations, are the result of a meticulous process of archival research and collaborative production, conducted with the goal of exposing moments, patterns and effects that would otherwise remain invisible. For the artist, this is a form of performative practice: a critical exercise in the dissection of statecraft. The protagonists in this exhibition are a series of what Cibic calls “historical ready-mades”: cultural forms that were used as political devices during key post-traumatic moments in 20th-century European history. Rather than commissions, each of these examples was a gift – an offering made by the power-brokers right at the top of the political food chain, with the aim of preventing conflict and nurturing intra- and international cohesion. The exhibition begins with the first chapter of Cibic’s film The Gift. The film’s locations are themselves examples of political gifts: the buildings of the Palais des Nations in Geneva, Oscar Niemeyer’s French Communist Party Headquarters in Paris and Mount Buzludzha in Bulgaria. The narrative of the film follows three characters, the allegorical Gifts of Art, Music and Dance, during the final round of a competition that seeks to identify the perfect gift to unite a divided nation. The scripted dialogue is drawn from archival records of discussions about soft power and the role of cultural diplomacy that led to the creation of iconic architectural and artistic manifestations of political gifts within European space. The film’s themes spill out into a theatrical mise-en-scène occupying the adjacent spaces of the museum. In the first is a performative installation drawn from unrealised musical compositions donated to the Palais des Nations. Here, on the occasion of the exhibition’s opening, they will be performed for the first time, by a pair of percussionists in a looped rhythm exchange of anthems and marches: two forms of music that are integral to the nation state: to its formation and its dissolution. The snare drums are adorned with paintings of proposed designs for the League of Nations’ flag, another series of donations by international professional and amateur artists. No official flag was ever adopted, due to fears that a single emblem would stir nationalist sentiment within this major transnational project. In the second room, a salon-style installation presents two series of photographic still lifes of objects similarly infused with the symbolic power of the political gift, presented against curtained walls. The first set are images of batons used in the Relay of Youth, a popular annual event held in former Yugoslavia to celebrate the birthday of the federation’s president Tito. Young people from all six republics would come together to participate in this powerful effort to promote cohesion and anti-nationalist sentiment. From 1957 to 1987 the batons were crafted by artists and ceremonially presented to the president as gifts. The second set of images depict roses bred and named after founding fathers of the European project, including Sandro Pertini, Konrad Adenauer and Charles de Gaulle. Dramatically lit and shot against a dark backdrop, these loaded objects now carry an additional layer of meaning. Moths and other insects crawl across their surfaces – a nod to the tradition of still life or vanitas paintings, serving similarly as a reminder of the inevitable mutations of ideology and socio-political memory. The exhibition culminates with one final image: a photographic portrait of one of Slovenia’s most hotly contested national emblems: the Lipizzaner horse, the only horse breed developed in Slovenia. In 2009 the Lipizzaner 508 Neapolitano Thais XL was presented as an official state gift to Muammar Gaddafi, just two years before his death. This literal embodiment of the Trojan horse – a gift given with less-than-pure motives, in this case as a form of cultural diplomacy – reminds us how easily culture can become not only a pawn in soft power strategies, but also complicit in the production of ideology. Long after the demise of the beliefs and projects in the name of which these political gifts were given, these archival traces of a kind of socio-political “glue” may still be adapted and repurposed by new political agents – reminding us of what is at stake if the bond between culture and society is lost.

artist

Jasmina Cibic 

curator

Igor Spanjol 
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posted 23. Oct 2020

Herbert Brandl. 24/7

23. Oct 202024. Jan 2021
Herbert Brandl. 24/7 23.10.2020 — 24.01.2021 Kurator: Sandro Droschl Pressevorbesichtigung 20.10.2020, 09:30 Pressegespräch 22.10.2020, 13:00 Soft Opening 22.10.2020, 15:00–21:00 Mit seinen abstrakten Bildwelten entwirft Herbert Brandl, der zu den bekanntesten österreichischen Künstlern der Gegenwart gehört, atmosphärische Farbräume. Form, Farbe und Licht als Material und Methode der Kunst sind dabei für ihn zentral. In den abstrahierten Formen Brandls scheinen sich immer wieder Landschaften und Naturelemente abzuzeichnen – so halten sich seine Malereien in der Schwebe zwischen Abstraktion und Figuration. Mit dieser verkürzten, geläufigen Beschreibung seines Werkes werden wesentliche Teile des künstlerischen Ansatzes Brandls üblicherweise zu wenig gesehen, wie das konzeptuell begründete sowie breit gefächerte mediale Interesse, oder seine Vorliebe für abgründige und damit reizvolle Strukturen. Denn über sein zentrales Format – die Malerei – hinaus sind zahlreiche Arbeiten in den Medien Zeichnung, Aquarell, Skulptur und Video entstanden. Brandl offenbart sich damit als installativ über die Leinwand hinaus denkender, „universeller“ Künstler, der sich gleichzeitig der Spezifität des jeweiligen Mediums und seiner Materialien bewusst ist, und adäquat Kontexte und Fragestellungen innerhalb seines Schaffens reflektiert. Zum Vorschein kommt letztlich ein intuitiver, handwerklich mit allen Wassern gewaschener, „echter“ Maler, der seine Arbeit aus innerem Ansporn, aber auch konzeptuellen Überlegungen in medialer wie inhaltlicher Sicht erweitert hat. Sein fortlaufendes Interesse gilt seiner Umgebung und ihren möglichen Veränderungen, was insgesamt eine nachhaltige Auseinandersetzung mit Natur, Gesellschaft bis hin zu Politik erkennen lässt. Im Zentrum der Arbeit steht die Malerei, die Brandl seit Jahrzehnten mit unermüdlicher Energie vorantreibt. Wesentlich ist dabei die Gleichzeitigkeit unterschiedlicher Zugänge, den Bildern liegt keine Wertigkeit zugrunde. Brandl geht es um den Malprozess und das Bild an sich, dessen Produktion Intuition und Reflexion, also auch recht schonungslose künstlerische Arbeit gegenüber sich selbst verlangt. Ab dem ersten Pinselstrich ist er auf der Suche nach der Lösung des aktuellen, konkreten Problems, dem fertigen Bild. Wenn man wie Brandl über Jahrzehnte auf hohem Niveau arbeitet, stellt sich einem immer wieder die Frage des „Zeitgeists“ und der sich kontinuierlich verändernden Sehgewohnheiten, wobei dem Künstler bewusst ist, dass Malerei eine Form der Bildproduktion neben vielen ist, was die Sache nicht leichter macht. Was macht ein („gutes") Bild aus? Dieser zentralen Frage stellt sich Brandl wie ein Matador, ein Stierkämpfer der Malerei, der sich immer wieder neu der Arena stellt. Die Fragen, Anwürfe und Versuchungen kreisen um ihn, er kann sie nur mit einem roten Tuch bändigen, das unter sich ein Florett verbirgt, das den Stoff in Form bringt, ähnlich einem kleinen, beweglichen Bühnenvorhang, der seinen Manövern einen Rahmen gibt. In Bewegung, Konzept und Farbe bringen Leinwand und Farbe die Lösung – der Stier, das Tier in uns, gibt erschöpft und zufrieden auf. Danach findet er etwas Ruhe. In der Entspannung entsteht eine vage Idee, die in ihm langsam Gestalt annimmt, um schließlich eine neue Herausforderung zu suchen. Möglicherweise geschehen die wirklich wichtigen Dinge in diesen Ruhepausen, in der Zeit des Nachdenkens und des Überblendens der Ereignisse, die dem jeweils konkreten künstlerischen Zugang und der tatsächlichen Produktion konzeptuell vorausgehen. Die Ausstellung „24/7“ (Twenty-four/Seven) geht dem Intermediären in Brandls Werk nach: Seinem letzten Werkzyklus von 2020 aus 24 Monotypien (einmalige Abdrucke von Malerei) wird ein früher Zyklus von 7 Tuschearbeiten in Schwarztönen aus den späten1980er-Jahren gegenübergestellt, die jeweils Malerei zu sein scheinen, es aber nicht sind – oder etwa doch? Die Präsentation der sämtlichen noch nicht gezeigten Arbeiten wird in einer mit der spätmodernen „White-Cube“-Architektur des Ausstellungshauses spielenden Hängung gezeigt. Mit „24/7“ wird klar, worin Brandls Werk seine Anfänge genommen hat und worauf er sich weiterhin bezieht – auf die Konzeptkunst der 1970er-Jahre und ihre Hinterfragung des Werkbegriffes. Hinter aller vermeintlicher Bildmächtigkeit diverser realistischer oder abstrakter „Sujets“ und ihrer vermeintlich klar lesbaren „Bilder“ liegen Phantasmagorien und Vorstellungen, die unter nicht unerheblichem Aufwand auf die Idee eines Bildes verweisen – was („gute") Malerei und ihre „Politik“ ausmacht. Die Ausstellung wird von einem umfangreichen Rahmenprogramm begleitet, das Vorträge wichtiger Weggefährten des Künstlers nach Graz bringt. Weiters erscheint ein Katalog bei Koenig Books (London), der neben zahlreichen Abbildungen einen ausführlichen Werktext von Robert Fleck, eine kunsthistorische Einordnung von Christoph Bruckner sowie ein kuratorisches Statement beinhaltet. Herbert Brandl (*1959 Graz, lebt in Wien) studierte bei Herbert Tasquil und Peter Weibel an der Hochschule für Angewandte Kunst, Wien. Von 2004 bis 2019 war Brandl Professor an der Kunstakademie Düsseldorf. Seine Arbeiten waren unter anderem auf der Biennale de Paris (1985), Bienal internacional São Paulo (1989), Documenta IX (1992), in der Kunsthalle Basel (1999), der Neuen Galerie im Künstlerhaus Graz (2002), den Deichtorhallen, Hamburg (2009) und der Albertina, Wien (2011) zu sehen. 2007 vertrat Brandl Österreich auf der Biennale di Venezia. Katalog mit Texten von Robert Fleck, Christoph Bruckner, Sandro Droschl Koenig Books, London ISBN: 978-3-96098-784-0 Rahmenprogramm 29.10.2020 Peter Pakesch, Vortrag 05.11.2020 Günther Holler-Schuster, Vortrag 12.11.2020 Thomas Brandl aka Rosenbrot, Konzert 26.11.2020 Robert Fleck, Vortrag 04.12.2020 Silvie Aigner, Sandro Droschl, Rolf Johannsen, Barbara Steiner, Gespräch, ORF RadioKulturhaus, Wien 10.12.2020 Jordan Troeller, Daniela Zyman, Gespräch 17.12.2020 Sandro Droschl, Barbara Steiner, Kuratorenführung 12.01.2021 Christoph Bruckner, Vortrag 21.01.2021 Katalogpräsentation, Artist Talk Vermittlungsprogramm Unser Dank für die Unterstützung der Ausstellung und des Katalogs ergeht an: Galerie nächst St. Stephan Rosemarie Schwarzwälder, Wien; Galerie Bärbel Grässlin, Frankfurt; Knust Kunz Gallery Editions, München; Thomas Angermair, Wien

curator

Sandro Droschl 
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posted 22. Oct 2020

Julian Charrière. Towards No Earthly Pole

06. Sep 202003. Jan 2021
Julian Charrière. Towards No Earthly Pole 06.09.2020 – 03.01.2021 Mit Towards No Earthly Pole zeigt das Aargauer Kunsthaus eine Einzelausstellung des jungen Westschweizer Künstlers Julian Charrière (*1987 in Morges). Kernstück der Schau bildet der titelgebende, neue Film Charrières, mit dessen Realisierung der Künstler bereits 2017 begann. Dafür reiste er zu einigen der unwirtlichsten Gegenden unseres Planeten: in die Antarktis, nach Grönland und Island, aber auch in aussergewöhnliche heimische Topografien wie auf den Rhone- und Aletschgletscher oder den Mont Blanc. Sein filmischer Streifzug führt ihn dabei in historische Bereiche der Wissenschaftsgeschichte, der Entwicklung kultureller Medien oder des Romantizismus des Forscher- und Entdeckungsdrangs ebenso wie in die Aktualität: den Klimawandel und dessen Auswirkungen auf das globale Ökosystem. Mit zusätzlichen Arbeiten und Werkgruppen aus den Bereichen Fotografie, Installation, Objekt und Skulptur ergänzt, bietet die Ausstellung einen umfassenden Einblick in Julian Charrières Schaffen. Die Schau entsteht in Kooperation mit dem MASI (Museo d'arte della Svizzera italiana), Lugano, wo der Film Towards No Earthly Pole vom 27. Oktober 2019 – 15. März 2020 zu sehen ist.
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posted 21. Oct 2020

Alicja Kwade. Kausalkonsequenz

07. Sep 202018. Apr 2021
opening: 06. Sep 2020 12:00 pm
siehe auch: [kunstaspekte-special: **Gespiegelte Reflexionen verspiegelt, Alicja Kwade in der Langen Foundation, Neuss** ](https://kunstaspekte.art/special/gespiegelte) * **Alicja Kwade. Kausalkonsequenz** 07.09.2020 - 18.04.2021 Eröffnung: 06.09.2020, 12–17 Uhr Mit der Ausstellung Kausalkonsequenz zeigt die Langen Foundation eine umfassende Einzelausstellung der Künstlerin Alicja Kwade, die zu den wichtigsten bildenden Künstlerinnen ihrer Generation gehört. In intensiver Auseinandersetzung mit der klaren und Kontinuität ausstrahlenden Architektur der Langen Foundation hat die in Berlin lebende Künstlerin für diesen besonderen Ort eine Ausstellung konzipiert, die bis in das weitläufige Gelände hinein wirkt und den Übergang zwischen Innen und Außen betont. So wird zum ersten Mal die monumentale Treppe in Gänze bespielt und zu einer in beide Richtungen lesbaren Zeitskala. Kwades oftmals raumgreifende Installationen untersuchen Transitions-und Transformationsprozesse, unterschiedliche Daseins-Zustände und hinterfragen immer wieder unsere Wahrnehmung von Realität. Der Mensch als Bezugspunkt wird dabei individuell und auch gesellschaftlich als Teil eines Gesamtgefüges betrachtet. Die Arbeiten Alicja Kwades basieren auf Konzepten von Raum, Zeit, Wissenschaft und Philosophie. Es sind vornehmlich skulpturale Objekte, öffentliche Installationen im Außenraum, aber auch Video-und Fotografiearbeiten. Eine besondere Bedeutung haben für Kwade pure Materialien wie Gold, Kupfer, Kohle, Stein und Holz, sowie symbolisch aufgeladene Alltagsgegenstände wie Uhren und Lampen als Verweis auf Aspekte von Zeit, Energie und Materie. Sie kombiniert diese elementaren Materialien und kulturell geprägten objets trouvés in ihren konzeptuell-präzisen und immer auch poetisch-magischen Anordnungen. Es gelingt ihr dabei das scheinbar Offensichtliche als trügerisch vorzuführen und die Wahrnehmung des Betrachters zu irritieren. Alicja Kwades Werke finden große internationale Beachtung und werden in Einzel- und Gruppenaustellungen weltweit präsentiert. So nahm sie 2017 an der Biennale in Venedig teil, in jüngster Zeit wurden u.a. die umfangreichen Einzelausstellungen Linien Land im Haus Konstruktiv, Zürich (2018), Out of Ousiain der Kunsthal Charlottenborg, Copenhagen (2018), In Between Glances im MIT List Visual Arts Center, Cambridge, Massachusetts (2019) und die vielbeachtete Installation Para Pivot auf dem Dach des Metropolitan Museums, New York (2019) gezeigt.

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Alicja Kwade 
Langen Foundation, Neuss

Langen Foundation | Raketenstation Hombroich 1
41472 Neuss

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posted 20. Oct 2020

Aby Warburg: Bilderatlas Mnemosyne - Das Original

12. Sep 202030. Nov 2020
opening: 11. Sep 2020 07:00 pm
**Ausstellung 12.09.2020 - 30.11.2020, Eröffnung 11.09.2020 19:00** Aby Warburg: Bilderatlas Mnemosyne Das Original (02.04.2020 - 22.06.2020) In den 1920er Jahren entwickelte der Kunst- und Kulturhistoriker Aby Warburg (1866–1929) seinen sogenannten Bilderatlas Mnemosyne, der wiederkehrende visuelle Themen und Muster von der Antike über die Renaissance bis zur Gegenwartskultur nachzeichnet. Sein Ansatz ist Inspiration für die visuell und digital dominierte Welt von heute. Das HKW präsentiert die 63 Tafeln des Atlas – erstmals wiederhergestellt mit Warburgs originalem Bildmaterial. Aby Warburg studierte die Wechselwirkungen von Bildern aus verschiedenen Epochen und kulturellen Kontexten. Er entwickelte den Bilderatlas Mnemosyne, um die Einflüsse der Antike auf die Renaissance und weit darüber hinaus bildlich darstellbar zu machen. Der Atlas bestand aus 63 großen schwarzen Tafeln, auf denen Warburg fotografische Reproduktionen von Kunstwerken aus dem Nahen Osten, der europäischen Antike und der Renaissance neben zeitgenössischen Zeitungsausschnitten und Werbeanzeigen anordnete. In den Jahren vor seinem Tod 1929 experimentierten Warburg und seine engsten Mitarbeiter*innen Gertrud Bing und Fritz Saxl mit Form und Funktion des Bilderatlas. Ihr Ziel war eine Publikation, die für die Diskussion zwischen Expert*innen ebenso wie für das breitere Publikum gedacht war. Im Entstehungsprozess entwickelte sich der Atlas zu einem Erkenntnisinstrument. Warburgs Methodik setzte neue Maßstäbe: Sie bestand darin, kanonisierte Bilder neu anzuordnen und sie epochenübergreifend zu betrachteten; sein Projekt überschritt die Fachgrenzen zwischen Kunstgeschichte, Philosophie und Anthropologie und war grundlegend für die heutigen Disziplinen der Bild- und Medienwissenschaften. Heute bietet sein Umgang mit dem Bildgedächtnis Inspiration und alternative Routen durch eine von visuellen Medien bestimmte Realität. Die Ausstellung im HKW stellt die letzte dokumentierte Version des Atlas von 1929 nahezu vollständig mit den Originalabbildungen wieder her: Die Kuratoren Roberto Ohrt und Axel Heil haben dafür in Zusammenarbeit mit dem Londoner Warburg Institute den größten Teil der 971 Abbildungen in der 400.000 Objekte zählenden Fotografiensammlung und Bibliothek des Instituts aufgespürt – und zeigen zum ersten Mal nach Warburgs Tod sein gesamtes unvollendetes Hauptwerk. Eine Publikation im Folio-Format versammelt die 63 Bildtafeln von Warburgs Atlas – neu fotografiert mit dem originalen, vielfarbigen Bildmaterial, mit Texten von Axel Heil, Roberto Ohrt, Bernd Scherer, Bill Sherman, Claudia Wedepohl. Sie erscheint zur Ausstellung im Hatje Cantz Verlag. Ebenfalls bei Hatje Cantz erscheint im Herbst 2020 ein Textband mit ausführlichen Kommentaren der Kuratoren. Die Ausstellung wird kuratiert von Roberto Ohrt und Axel Heil in Zusammenarbeit mit dem Warburg Institute, London. Im Rahmen von Das Neue Alphabet

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Aby Warburg 

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Axel HeilRoberto Ohrt 
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posted 19. Oct 2020

Licht. Laurenz Berges, Bernhard Fuchs, Albrecht Schäfer

04. Sep 202013. Nov 2020
Licht. Laurenz Berges, Bernhard Fuchs, Albrecht Schäfer **VERLÄNGERT BIS 13. NOVEMBER 2020** 04.09.2020 -24.10.2020 DC-OPEN Freitag 04.09. 11-22 Uhr Samstag 05.09. 11-20 Uhr Sonntag 06.09. 11-18 Uhr „…so blieb ich eine gewisse Zeit auf demselben Platz, und das Auge zögerte unter den verschiedenen Helligkeiten; dann auf einmal setzte ich mich in Bewegung und ging sehr schnell landeinwärts wie einer, dessen Gedanken, nachdem sie lange nach allen Seiten hin und her getrieben worden war, anfangen sich zurechtzufinden; wenn sie sich dann in einer einzigen Idee zusammenfinden, bringen sie zugleich für seinen Körper den Entschluss einer bestimmten Bewegung und einer entschlossenen Haltung mit sich. …“ Paul Valéry, Eupalinos, 1923 Laurenz Berges‘ (*1966 in Cloppenburg) Fotografien erzählen mit einem aufmerksamen Blick für zahlreiche urbane Details und Zeichen von den vergehenden Stadtlandschaften unserer Zeit. Sie stellen Fragen zum notwendigen Umbau unserer Gesellschaft und dem damit verbundenen Strukturwandel, der sich in den Architekturen und Räumen unserer Städte ablesen lässt. Ist die funktionierende Stadtlandschaft eine überkommene nostalgische Idee, deren einziger Reiz in der blühenden Vergangenheit liegt, die von der Vorstellung einer funktionierenden und aufstrebenden Gesellschaft geprägt ist? Oder bietet der Verfall auch die Chance, der Anfang aller Veränderung zu sein? Die Fotografien von Bernhard Fuchs hingegen zeigen mit den Landschaften seiner Kindheit gänzlich anders konnotierte Orte – bestimmt durch die ländlich geprägte Kulturlandschaft im Mühlviertel in Österreich, wo der Künstler 1971 geboren wurde und aufwuchs. Und trotz der Weite der Landschaft, die allein durch Hügel, Wälder und den fernen Horizont begrenzt zu sein scheint, vermitteln die Fotografien Vorstellungen von Enge und Begrenzungen, von eingeschlossenen Räumen, bei denen es um die Dichotomie von Dunkelheit und Licht und die unendlichen, darin verborgenen Nuancen geht. Albrecht Schäfer, 1967 in Stuttgart geboren, richtet seinen Blick auf das, was ihm in seinen täglichen Beobachtungen am nächsten ist. So findet er die Motive seiner kleinformatigen, farblich reduzierten Ölgemälde ausschließlich in seinem Atelier. Dort baut er Modelle eben jener Räume und arrangiert seine zurückhaltenden Sujets. Über einen längeren Zeiträume hinweg nähert er sich diesen malerisch an, indem er sie einer scharfen Reduktion unterwirft, bis sie zu geheimnisvollen Flächen und gemalten Räumen werden, von denen eine faszinierende Konzentration und Ruhe ausgeht. Gemeinsam ist allen drei Positionen, dass sie in den gezeigten Arbeiten auf die Darstellung des Menschen verzichten, also auf diejenigen, die maßgeblich für die Gestaltung der Kulturlandschaften und Räume, der Städte und Häuser verantwortlich sind. Somit thematisieren die Werke implizit auch die Frage seines Verschwindens. Haben wir uns selbst durch langanhaltendes, falsches Verhalten ausgelöscht oder ist der Mensch einfach nur zum Beobachter dessen geworden, was er seit Generationen verändert und gestaltet? Die durch das Fehlen des Abbild des Menschen erfahrbare „Leerstelle“ ist aber dennoch zutiefst menschlich. Es geht von den Arbeiten eine Zuversicht aus, da wir durch den Blick des Künstlers auf das Objekt gelenkt werden und seine Liebe zum Gegenstand, zur Landschaft, zum Detail ebenso spüren wie seine Konzentration und die Notwendigkeit seines Schaffens. Petra Rinck Galerie
Petra Rinck Galerie, Düsseldorf

PETRA RINCK GALERIE | Birkenstrasse 45
40233 Dusseldorf

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posted 18. Oct 2020

Mohamed Bourouissa. Brutal Family Roots

17. Sep 202014. Nov 2020
Mohamed Bourouissa. Brutal Family Roots September 17–November 14, 2020 Mohamed Bourouissa’s solo exhibition pays homage to the psychiatrist, political philosopher and revolutionary Frantz Fanon and to his complex relationship with the city of Blida, Algeria, where the artist was born. Fanon’s contribution to the anti-colonial struggle and his deep analysis of the mechanisms of oppression and racism are articulated in different ways by the two installations that comprise Brutal Family Roots. Incomplete Herbarium (2020) and The Whispering of Ghosts (2018–20) both evidence Bourouissa’s unflinching attitude toward history and his bold approach to establishing collaborations and forms of dialogue with all kinds of subjectivities.
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posted 17. Oct 2020

Cordula Güdemann & 22 Studenten*innen aus 25 Jahren Akademie

17. Oct 202015. Nov 2020
opening: 17. Oct 2020 01:00 pm
Cordula Güdemann & 22 Studenten*innen aus 25 Jahren Akademie 17. Oktober bis 15. November 2020 Zur Eröffnung der Ausstellung am Samstag, 17. Oktober, 13–17 Uhr laden wir Sie und Ihre Freunde recht herzlich ein. Die Künstler*innen und die Professorin sind persönlich anwesend. Die Ausstellung wird von einer umfangreichen Dokumentation begleitet. In der Ausstellung zeigen wir Arbeiten von 22 Künstler*innen, sowohl von ehemaligen, seit vielen Jahren als freie Künstler*innen lebende als auch von derzeit Studierenden der Klasse für Malerei und Zeichnen von Prof. Cordula Güdemann des letzten Vierteljahrhunderts an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart. Beteiligte: Ilker Basirli, Nina Joanna Bergold, Karin Brosa, Stefanie Fleischhauer, Fabian Holzwarth, Anna Huxel, Yongchul Kim, Stefan Knaus, Tiin Kurtz, Jinjoo Lee, Johanna Mangold, Claudia Magdalena Merk, Arthur Metz, Nigatu Tsehay Molla, Agnes Mrowiec, Wolfgang Neumann, Alessia Schuth, Tesfaye Urgessa, Weiran Wang, Xianwei Zhu, Friedrich Zirm, Ivan Zozulya und Cordula Güdemann
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posted 16. Oct 2020

The Immanent Horizon

05. Sep 202001. Nov 2020
The Immanent Horizon Leda Bourgogne, Olivier Foulon & Alexander Lieck, Samuel Richardot, Charline Tyberghein 05.09.2020 - 01.11.2020 Der Kunstverein Bielefeld freut sich, mit The Immanent Horizon die künstlerischen Positionen von Leda Bourgogne, Olivier Foulon & Alexander Lieck, Samuel Richardot und Charline Tyberghein zu präsentieren. Die Ausstellung widmet sich dem Status quo malerischer Praxis und ihrem kritischen Potential. Die Entgrenzung der Malerei, das Verlassen ihres angestammten Platzes auf der Leinwand, vollzog sich in den späten 1960er Jahren und kritische Protagonist*innen stellten durch die radikale Öffnung von Werkformen ihre medienspezifische Rezeption infrage. Im Fokus der Auseinandersetzung der Institutionskritik stand die Sichtbarmachung der Mechanismen der Institution Kunst innerhalb des Ausstellungsraumes und damit die Neuvermessung der Rahmenbedingungen des Ausstellens. Vor diesem Hintergrund bemerkt Daniel Buren: „Nur wenn die verschiedenen, aufeinanderfolgenden Rahmen/Grenzen in ihrer Bedeutung erkannt sind, kann ein Werk/Produkt, wie wir es auffassen, sich zu diesen Grenzen in Beziehung setzen und sie entschleiern.“ Keineswegs sollte damit das von nun an immer wieder aufs Neue proklamierte Ende der Malerei behauptet, sondern vielmehr die der Kunst immanenten gesellschaftlichen Voraussetzungen erfahrbar werden. Gegenwärtig stellt sich die Frage nach der kritischen malerischen Perspektive unter geänderten Vorzeichen. Die Malerei hat die Kritik an sich längst aufgenommen und begonnen, den eigenen medialen Kontext zu befragen. The Immanent Horizon zeigt ein aktuelles Bildverständnis, das in diversifizierten künstlerischen Praktiken zum Ausdruck kommt und die Voraussetzungen der Malerei als Praxis reflektiert.
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posted 15. Oct 2020

SALON REAL / VIRTUAL 2# Salon: Natalia Gurova | Triggered silhouettes

08. Oct 202003. Nov 2020
opening: 08. Oct 2020 04:00 pm
**3# Kamingespräch:** Dienstag, 20. Oktober 2020, 19 - 20 Uhr Der Kurator und Kunstjournalist Walter Seidl im Gespräch mit der Künstlerin Natalia Gurova. Anmeldung unter info@galerie-stock.net unbedingt erforderlich, nur begrenzte Teilnehmerzahl! EINTRITT FREI * **SALON REAL / VIRTUAL 2# Salon: Natalia Gurova | Triggered silhouettes** 08.10.2020 – 03.11.2020 Eröffnung: Donnerstag, 8.10., 16-21h & Freitag, 9.10, 11-20h Timeslot alle 15 Minuten / ohne Anmeldung / come and go WO: galerie michaela stock, Schleifmühlgasse 18, 1040 Wien Performance SWEET ARCHIVE ongoing, partizipative Performance findet die ganze Zeit während der Ausstellung im SALON REAL / VIRTUAL statt, 8.10. - 3.11.2020 Vom 8. Oktober bis 3. November 2020 präsentiert die galerie michaela stock im SALON REAL / VIRTUAL unter dem Titel „Triggered silhouettes“ Werke der jungen, russischen Journalistin und Künstlerin Natalia Gurova. In ihrer aktuellen künstlerischen Arbeit beschäftigt sich Gurova mit Objekte und Strukturen, die Veränderungen im menschlichen Verhalten auslösen und changieren zwischen flacher Abbildhaftigkeit und Dreidimensionalität. Im Salon Real werden zwei Wandskulpturen von Natalia Gurova gezeigt, die sich mit der wandelbaren Oberflächenästhetik des Objekts beschäftigen, aber gleichzeitig sensibilisieren sie mit ihrer Haptik eine subjektive Wahrnehmung. Im Salon Virtual sind Skulpturen und Grafiken zu sehen, die zwischen beiden künstlerischen Techniken navigieren, und manchmal auch miteinander verschmelzen. Natalia Gurova bezieht sich in ihrer aktuellen Ausstellung sehr oft auf persönliche Erlebnisse. Dabei richtet sich ihr Blick nach Innen, auf das Übersehene und Unspektakuläre. Einen weiteren Schwerpunkt in ihrem Werk stellt für Natalia Gurova die Beschäftigung mit der komplexen Beziehung zwischen dem bewußten und unbewußten „Selbst“, seiner Gegensätzlichkeit und ihrem Zusammenspiel dar. Ihre skulpturalen Objekte mit Textkombinationen kreisen um die Frage, nach welchen Prinzipien die Benennung von Objekten geschieht. Einige Fragen, auf die die Künstler eingehen, sind: Was haben die Liebespfeile des römischen Gottes Amor und Liebespfeile von Schnecken oder architektonische Säulen mit Wirbelsäule gemeinsam? Aufgrund unserer Neigung, Objekte eher aus einer subjektiven Perspektive wahrzunehmen, als sie in umfassenderen Zusammenhängen zu betrachten, bleiben die meisten dieser Bezüge vorwiegend unbewusst. Natalia Gurovas ongoing, partizipatorische Performance „Sweet Archive“, die sowohl im SALON REAL als auch im SALON VIRTUAL stattfinden wird, trägt zum poetischen Ganzem bei und weist die Denkrichtung. An dieser Performance kann der Besucher sowohl im realen als auch im virtuellen Raum teilnehmen. Dabei geht es ihr um das Ineinandergreifen von realer und virtueller Welt und das Kombinieren von visuellen und haptischen Reizen und deren Verbindung zu und in beiden Welten. Curriculum Vitae Natalia Gurova ist in Belarus geboren, in Russland aufgewachsen und lebt und arbeitet heute in Wien. Sie hat in Moskau Journalismus studiert und erhielt 2009 ihren MA in Journalismus von der Moskauer Staatsuniversität. Danach arbeitete sie mehrere Jahre als politische Journalistin für verschiedene Print- und Onlinemedien sowie Radio und Fernsehen in Moskau. Seit 2018 studiert sie an der akademie der bildenden künste wien bei Julian Göthe. Zuvor hat sie an der Universität für angewandte Kunst Wien von 2014 bis 2018 bei Paul Petritsch studiert. Geführte Atelierbesuche auf Anfrage Die realen Kunstwerke können mit Michaela Stock im Atelier der Künstlerin besichtigt werden. Terminvereinbarung unter +43 699 19 20 77 78. Dokumentiert wird die virtuelle Ausstellung in Form von einer gedruckten Informationsbroschüre. Gleichzeitig können Kunstinteressierte von der Ausstellung ein limitiertes, signiertes Kunstplakat für € 20,- erwerben. SALON REAL / VIRTUAL ein neues Galerienkonzept: real vs virtuell Das Augenmerk liegt auf dem Ineinandergreifen von realer und virtueller Welt und ihrer Kombination von akustischen, visuellen, haptischen Reizen. Das Ziel ist es die reale Welt stärker und aktiver an der Schnittstelle zur virtuellen Welt anzudocken, um damit neue Denkansätze und Arbeitsprozesse in Gang zu setzen und auf diese Weise die interaktive Medienkunst weiter zu entwickeln
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posted 14. Oct 2020

LEUNORA SALIHU - Shifting Entities

31. Aug 202025. Oct 2020
opening: 30. Aug 2020 02:00 pm
LEUNORA SALIHU Shifting Entities 31.8. – 25.10.2020 Leunora Salihu entwickelt ihre skulpturalen Arbeiten anhand elementarer Themen der Bildhauerei, wie dem Verhältnis von Raum und Umraum, Bewegung in der statischen Form sowie Skulptur und Sockel. Dabei werden handwerklich seriell gefertigte Elemente zu modularen Systemen und skulpturalen Körpern verbunden. Salihus Objekte sind Fortführungen von vertrauten Formen, deren Ausgangspunkte sowohl Proportionen des menschlichen Körpers, als auch architektonische Urtypen der menschlichen Behausung sein können. Sich an diesen archetypischen Modellen orientierend, greift sie auf ursprüngliche, erdbasierte Materialien wie Keramik, Holz oder Metall zurück, die zugleich auch von einem industriellen Kontext geprägt sein können. Die Erfahrung, die sie mit charakteristischen Eigenheiten eines Stoffes macht, werden auf das nächste Material übertragen – so kann die Beschäftigung mit Ton, einem weichen, viele Prozesse durchlaufenden Material zu einer Suche nach dem Weichen und Beweglichen im zunächst starr erscheinenden Holz führen. Darüber hinaus stehen die Skulpturen in einem stetigen Spannungsverhältnis physikalischer Gegensätze wie Leichtigkeit und Schwere, Anziehung und Ausdehnung, die Salihu potenziert und austariert einander gegenüberstellt. Nichts bleibt isoliert, sondern steht immer in Beziehung zu einer anderen Kraft. Ihre experimentelle Arbeitsweise schafft ein nuanciert verknüpftes Ensemble an Skulpturen eines vielschichtigen Vokabulars aus organischen und konstruktiven Formen, deren Entwicklungen sich aneinander ablesen lassen und sich fortwährend an den Parametern des Materials orientieren. Nie hermetisch, stehen ihre Raumkörper in einem dynamischen Beziehungsgeflecht von Ein- und Ausschließung, welches das Verhältnis von Objekten und Subjekten thematisiert. Leunora Salihu arbeitet forschend, stets auf der Suche nach den Möglichkeiten von Form- und Materialentfaltung, die sie mit dem Raum und seinen Gesetzmäßigkeiten in einen Dialog setzt. Leunora Salihu wurde 1977 in Pristina, Kosovo geboren und lebt und arbeitet in Düsseldorf. Ihr Studium der Bildhauerei absolvierte sie an der Kunstakademie Düsseldorf. Zuletzt wurde Salihus Arbeit durch den Lothar-Fischer-Preis (2017) ausgezeichnet. Neben diversen Beteiligungen an internationalen Gruppenausstellungen, hatte sie Einzelausstellungen in Institutionen wie dem Museum Lothar Fischer (2018), der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, K21 (2017), The National Gallery of Kosovo (2017) sowie dem Lehmbruck Museum in Duisburg (2011/12). Zurzeit hält sie eine Gastprofessur für Bildhauerei an der Justus-Liebig-Universität in Gießen inne.
Sammlung PHILARA, Düsseldorf

PHILARA | Birkenstraße 47
40233 Dusseldorf

Germanyshow map
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posted 13. Oct 2020

Radikale Passivität: Politiken des Fleisches

11. Sep 202001. Nov 2020
Radikale Passivität: Politiken des Fleisches 11. September – 1. November 2020, täglich 12-18 Uhr, Freitag 12-20 Uhr Das Kooperationsprojekt widmet sich in Ausstellung und Veranstaltungsprogramm neuen Formen von Sensibilität und Fleischlichkeit in den Künsten. Mit: aLifveForms (cared for by J.P. Raether), Jimmy DeSana, Sophia Eisenhut/ Christian Kölbl, Till Gathmann, Oliver Husain/ Kerstin Schroedinger, Jeroen Jacobs, KAYA, Richard Kern/ Lydia Lunch, Jutta Koether, Andreas Langfeld, Deana Lawson, Lee Lozano, N.O. Madski, Sidsel Meineche Hansen, Henrik Olesen, Ovartaci, Vika Prokopaviciute, Eran Schaerf, Alina Szapocznikow, Paul Thek, Wu Tsang, Clemens von Wedemeyer, Marianne Wex, Andrea Winkler u.a. Die Ausstellung widmet sich in drei aufeinander folgenden ›Szenen‹ neuen Formen von Sensibilität und Fleischlichkeit in den Künsten. Das thematische Spektrum reicht von Auseinandersetzungen mit Schmerz, Sucht und Erregung (1. Szene) über die Idee eines neuen digitalen Fleisches (2. Szene) bis hin zu Fragen nach der gesellschaftlichen Formierung einer nicht mehr subjektzentrierten Empfindsamkeit (3. Szene). Ausgangspunkt für die Ausstellung ist Paul B. Preciados biopolitische These, die Machtform der heutigen Gesellschaft sei ›pharmakopornografisch‹: Die Weise, in der man gegenwärtig subjektiviert wird, verlaufe zum einen über Pharmazeutika – gemeint sind Medikamente, Hormone, Aufputschmittel, Tranquilizer und Drogen. Zum anderen funktioniere die heutige Machtform über Erregung, wobei nicht nur die Pornoindustrie gemeint ist, sondern auch andere gesellschaftliche Mechanismen, die der masturbatorischen Logik: ›Erregung – Frustration – Erregung‹ gehorchen. Adressat dieser Regulierungen ist das sensible Fleisch in seiner nervlichen Ausgesetztheit, Passibilität und Verwundbarkeit. Die gezeigten künstlerischen Arbeiten exponieren die Zusammenhänge von Macht, Krankheit, Sex, exzessiver Empfindsamkeit und Kunst. Sie lenken die Aufmerksamkeit auf das Unwillkürliche wie Hinfällige und hinterfragen Politiken der Affizierung. Neben Werken aus den 1960er und 1980er Jahren werden vor allem zeitgenössische Positionen gezeigt, die dasjenige thematisieren, was in Kunst und Leben nicht Gegenstand der Wahl und nicht im Möglichkeitsspielraum des Einzelnen vorgezeichnet ist. Schwäche, Altern, Erschöpfung oder Sterblichkeit, aber auch Geburt, Verletz- und Erregbarkeit sind Phänomene radikaler Passivität, die in ihrer künstlerischen Brechung als Kritik an einer vermeintlichen Regierbarkeit des fleischlichen Seins zu verstehen sind. Szene 1 »Ästhetiken der Affizierung: Schmerz und Erregung« ab 11. Sept. 2020 Szene 2 »Digitale Fleischlichkeit: Mensch-Maschine-Sex« ab 2. Okt. 2020 Szene 3 »Politiken des Fleisches: Formierungen des Körpers« ab 16. Okt. 2020 Ein Teil der Ausstellung wandert in die HGB-Galerie Leipzig. Ein Kooperationsprojekt der neuen Gesellschaft für bildende Kunst (nGbK) und der Gesellschaft für künstlerische Forschung in Deutschland (gkfd) Kuratorisches Team: Kathrin Busch und Ilse Lafer Kuratorische Mitarbeit: Jonas von Lenthe
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posted 12. Oct 2020

FELIX SCHRAMM. Transition

04. Sep 202024. Oct 2020
FELIX SCHRAMM. Transition Das Fragment einer Abformung, zu einer Seite hin offen und seinen Hüllencharakter kaum verbergend, schmiegt sich an eine Negativform und lässt so nuanciert Zwischenstadien einer skulpturalen Formbildung sichtbar werden, die ihre produktive Kraft wesentlich aus Momenten des Übergangs bezieht: zwischen Volumen und Leere, Innen und Außen, homogenem Ganzen und der Heterogenität seiner Teile. Was so in der titelgebenden Arbeit als Übergänge der Form ablesbar wird, setzt elementar das Moment des Blickwechsels voraus. Das skulpturale Element wird dann als ein aus zwei Teilen zusammengesetztes erkennbar, wenn wir die Position wechseln. Damit sind wir als Betrachtende selbst zum notwendigen Teil des skulpturalen Raumgefüges geworden. Von dieser grundlegenden Konstellation ausgehend sollen drei Momente des Übergangs in den gezeigten Arbeiten adressiert werden, die mit dem Ausdruck „Transition“ ebenso programmatisch wie provisorisch – selbst nur als Übergang fassbar – benannt sind. Übergänge der Form, die sich in einer ersten Annäherung an den Begriff des „Formlosen“ bei Georges Bataille anschließen lassen. Denn bei Bataille bezeichnet das „Formlose“ nicht die Negation von Form, sondern vielmehr das, wodurch sich dialektisch der Übergang von Form zu Form vollzieht. Ein Übergang indes, der in der Auflösung, Überschreitung und Deklassierung vorhandener Formen besteht. Freilich muss für das Formdenken Felix Schramms das Moment des Dialektischen betont werden. Denn was hier mit dem „Formlosen“ angesprochen ist, lässt sich zwar durchaus in die Nähe rücken zur vehementen Attacke Batailles gegen buchstäblich „die ganze Philosophie“: dass jedes Ding nur durch eine eindeutig zu klassifizierende Form zu definieren wäre. Vor allem aber ist es positiv gewendet das produktive Potential eines Begehrens nach dem Individuellen und Singulären, dem, was – nicht durch Begriff und Klassifikation einzuholen – sich durch Verschiebung und Übergang stattdessen in neuen Formen freisetzt. Übergänge im Verhältnis zwischen Objekten, wie sie innerhalb des räumlichen Bezugssystems einer Skulptur auftreten und die stets mit Übergängen und Verschiebungen von Zeige- und Präsentationsweisen verbunden sind. So in „accumulated (Loop)“, wenn durch die Platzierung eines metallummantelten Skulpturfragments oberhalb der Vitrine – diese kurzerhand zum Sockel verkehrend – einerseits Zeigeweisen aktiviert, diese andererseits in ihrer vertrauten Funktion hybrid werden. Wenn darüber hinaus nicht nur das Objekt selbst durch Techniken des Faltens und Stauchens unter eine immense Spannung gesetzt scheint, sondern ruckartig-unverhofft weitere Objekte aus dem Arsenal Schramm‘schen Formdenkens aus dieser Spannung nachgerade hervorplatzen, ergeben sich zusätzliche Verschiebungen durch den Einsatz weiterer Zeigetechniken. Ein auf Metallblech kaschiertes Stück Fototapete scheint auf die gegenüberliegende Arbeit „Multilayer 334“ zu deuten, die ihrerseits auf die Ausstellung „Soft Corrosion“ im Hamburger Bahnhof (2006) Bezug nimmt. Das eigene Ins-Werk-Gesetztsein wird hier mit ins Spiel gebracht wie das Element als raumgewordenes, auf Blech gebracht und gefaltet, zugleich die Kontingenz seines Gemachtseins als Bild ausstellt. Ein Rigips-Element, das als Modell auf ein Außerhalb der Skulptur und die größeren, katastrophisch-konstruktiven Rauminterventionen verweist wie es ebenso als Fragment einer für sich stehenden Arbeiten gelesen werden mag. Nicht zuletzt transponiert es das Innerhalb des in der Vitrine Gezeigten, das einen weiteren Strang der „Intersection“-Gruppe aufnimmt. Übergänge im Raum, bei denen der Blick selbst Teil der räumlichen Ordnung wird. So in der eingangs angesprochenen „Transition“-Arbeit im Arrangement mit Arbeiten aus der Serie „Dark Site“ im hinteren Raum der Galerie. Nicht nur changieren diese Arbeiten zwischen monolithischer Flächigkeit und quasi-vitrinenhaftem Präsentationswerkzeug für ein Diesseits und Jenseits der Fläche. Vor allem ziehen diese Arbeiten den Blick zusammen, bannen ihn mit ihren hinter Acrylglas gebrachten Kraterlandschaften aus oxidiertem Blattsilber, werfen ihn dann aber, nur einen Blick später, in den Raum zurück, stellen Blickachsen her, die stets allerdings auf dem Moment von Übergang und Wechsel der Betrachtung beruhen. Wenn dies in „Dark Site #35“ mit seinem an einer Stelle gebrochenen Acrylglas kurzzeitig zur Ruhe zu kommen, der Blick in der Öffnung einen Fixpunkt zu haben scheint, zieht die Skulptur ihn im nächsten Moment wieder weiter: von Übergang zu Übergang. Sebastian Hammerschmidt

artist

Felix Schramm 
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posted 11. Oct 2020

Alice Creischer, Kasia Fudakowski, Pakui Hardware

11. Oct 202024. Jan 2021
Alice Creischer, Kasia Fudakowski, Pakui Hardware Preisträgerin und Stipendiatinnen der Günther-Peill-Stiftung Kurator: Andreas Prinzing 11.10.2020 bis 24.01.2021 Eröffnung: Sonntag, 11. Oktober 2020, 12 Uhr Der mit 20.000 € dotierte Preis der Günther-Peill-Stiftung wurde 2018 der Künstlerin Alice Creischer verlie- hen. Für die zweijährigen Förderstipendien der Günther-Peill-Stiftung über je insgesamt 18.000 € wurden die Künstlerin Kasia Fudakowski und das Künstlerduo Pakui Hardware aus einer Reihe vielversprechender Positionen gewählt. Die Stiftung würdigte alle drei Künstler*innen über die finanzielle Förderung hinaus mit einer Ausstellung im Herbst 2020. Die Stipendiat*innen werden zusätzlich mit einer Begleitpublikation ge- fördert. Die Günther-Peill-Stiftung wurde von Carola Peill 1986 zu Ehren ihres Mannes Günther Peill ge- gründet. Seit 1987 vergibt die Günther-Peill-Stiftung zweijährige Stipendien. Alice Creischer Die Preisträgerin der Günther-Peill-Stiftung 2018, Alice Creischer, ist für eine künstlerische Praxis bekannt, die Installationen, Performances, Video, Malerei, Skulptur und andere Ausdrucksformen ebenso einschließt und miteinander kombiniert wie Texte und das Kuratieren von Ausstellungen. Alice Creischers Arbeit ist stets geprägt durch ihre kritische Auseinandersetzung mit Geschichte und Ge- genwart des Kapitalismus und dessen weltweiten Auswirkungen auf soziale und ökologische Lebensbedin- gungen. Die Narrative und Inhalte, die sich aus ihren Überlegungen und Erfahrungen ergeben, überträgt sie in Installationen, die an begehbare Bühnenbilder erinnern. Darin werden Bilder zu Text und Texte zu Bildern, beispielsweise in Form von Stickereien und Collagen. Creischers Bildsprache speist sich aus unterschiedlichsten Formen von Alltags- und Populärkultur. In ihren Filmen finden sich Motive, die aus Mär- chen und Sagen bekannt sind, ihre filigranen Papierinstallationen erinnern an Klöppelarbeiten. Malereien, Zeichnungen und Collagen nehmen stilistische Elemente aus der Volkskunst auf und schaffen auf diesem Weg Zugänglichkeit zu den formal und inhaltlich komplexen Thematiken. Alice Creischer (*1960 in Gerolstein) lebt und arbeitet in Berlin. Sie ist für kollaborative Arbeitsformen mit Künstler*innen, Wissenschaftler*innen und Kurator*innen wie Andreas Siekmann, Christian von Borries, der Grupo de Arte Callejero, Amelie von Wulffen und Josef Strau bekannt. Kasia Fudakowski Kasia Fudakowskis vielfältige künstlerische Praxis umfasst Skulptur, Installation, Performance, Film und Buch. Häufig eignet sie sich Bildwelten, Formensprache und Wortschatz spezifischer Milieus an, die von der Immobilien- und Einrichtungsbranche bis zur Unterhaltungsindustrie reichen und modifiziert diese in ihren Arbeiten auf überraschende Weise. In von Stand-Up-Comedy inspirierten Performances reflektiert Fudakowski ihre künstlerische Identität im Spannungsfeld von persönlichen und gesellschaftlichen Erwar- tungen. Ausgehend von der eigenen Situation unterzieht sie das Beziehungsgefüge von Künstlerin, Be- trachter*innen, Objekt und Raum einer spielerischen, feministisch grundierten Institutionskritik. In den Arbeiten, die auf einem schmalen Grat zwischen Humor und Ernsthaftigkeit balancieren, gilt der Sprache als Ausdrucksmittel besondere Aufmerksamkeit. So gelingt es Kasia Fudakowski, Unzulänglich- keiten, Zweifel und das Scheitern von Kommunikation als integrale Bestandteile künstlerischer Arbeit pro- duktiv zu machen. Kasia Fudakowski (*1985 in London) lebt und arbeitet in Berlin. Pakui Hardware Das Künstlerduo Pakui Hardware schafft skulpturale Versuchsanordnungen an der Schnittstelle von Kunst und Wissenschaft, die um die Beziehungen zwischen Mensch, Natur und Produkt kreisen. Anhand von multimedialen Installationen und Objekten thematisieren sie die technologische Transformation unserer Realität. Organische und anorganische Elemente verbinden sich zu ungewöhnlichen Konstellationen, die Assoziationen an Laborapparaturen oder Szenarien eines Science-Fiction-Films wecken. Ein hybrides Materialspektrum, das bis zum Einsatz von Luftbefeuchtern oder Mikroorganismen reicht, betont die sinnli- chen Aspekte von Skulptur und hinterfragt kategorische Trennungen zwischen Körper und Umwelt, Natürli- chem und Künstlichem. Die häufig prozesshaften Arbeiten von Pakui Hardware verweisen auf die mit der Digitalisierung vieler Le- bensbereiche, synthetischer Biologie, Robotik und Körperdesign einhergehenden Versprechen, Ängste und Gefahren. Wie verändert sich das Verhältnis zu Körper und Technik durch Biometrie und die sukzessive Übernahme von Alltagshandlungen durch intelligente Maschinen? Pakui Hardware (Neringa Černiauskaitė, *1984 in Klaipeda, und Ugnius Gelguda, *1977 in Vilnius, Lithau- en) lebt und arbeitet in Berlin und Vilnius.
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posted 10. Oct 2020

RAGNAR KJARTANSSON - The Sky in a Room

22. Sep 202025. Oct 2020
RAGNAR KJARTANSSON - The Sky in a Room September 22 – October 25, 2020 Church of San Carlo al Lazzaretto Largo Fra’ Paolo Bellintani 1, Milan In fall 2020, the Fondazione Nicola Trussardi will present The Sky in a Room by the Icelandic artist Ragnar Kjartansson (Reykjavík, 1976). The project, staged for the church of San Carlo al Lazzaretto in Milan, was conceived in the wake of the difficult lockdown affecting the public and private lives of millions of Italians—especially the citizens of Lombardy. With a strong symbolic value and taking place in the eighteenth year of the Fondazione Nicola Trussardi’s nomadic activities, the project, initiated by the President Beatrice Trussardi and the Artistic Director Massimiliano Gioni, opens up a dialogue with both the distant and recent past of the city of Milan. From September 22 to October 25, 2020, accompanied by the church organ of San Carlo al Lazzaretto (also known as San Carlino), professional singers will take turns to perform an ethereal arrangement of Il cielo in una stanza, the famous song by Gino Paoli, originally released in 1960. The piece will be repeated, uninterruptedly, for six hours a day, every day, like a never-ending lullaby. “Il cielo in una stanza is the only song I know that deals with the fundamental nature of visual art, which is its ability to transform space,” the artist explains. “So, in a way, it is purely conceptual. But I also love how it describes the power of the imagination, put on fire by love, to transform the world around us. It is a poem about how love and music can make a small confined space explode, letting in the sky and the trees... Love can read the writing in the remotest star, as Oscar Wilde said.” Kjartansson’s works—which alternate between video, performance, music, and painting—are characterized by a profound sense of melancholy. Often inspired by the twentieth-century traditions of Nordic theater and literature, they include references that may be traced back to the work of Tove Janson, Halldór Laxness, Edvard Munch, and August Strindberg, among others. Having grown up in an erudite artistic and musical context—his parents were successful theater actors; his godmother, a professional folk singer—while still an adolescent, Kjartansson undertook a career as a musician with various groups such as Kanada, Kósý, and Trabant, playing both in Iceland and internationally. Since 2007, he has been entirely dedicated to the visual arts, but his relationship with music and theater—as expressive tools and sentimental universes—remains central to many of his works. In particular, the repetition of sounds and gestures is a fundamental element in his compositions and choreographies, which have often been described as forms of meditation and reflection in which ritornellos, musical phrases, and arias are transformed into touching litanies and hypnotic mantras. After months spent sealed off in our homes, either alongside our nearest and dearest or far from families and loved ones—perhaps realizing our own loneliness, stuck with those that mistreat us, or grieving those lost to the pandemic—Kjartansson’s performance may be read as a poetic, contemporary memorial. The work is an unusual monument and a civil oratorio in memory of the painful months spent imagining the sky in a room and dreaming of new ways to be together and fight solitude and isolation. In this presentation, The Sky in a Room (a performance initially commissioned by Artes Mundi and the National Museum of Wales in Cardiff, with the support of the Derek Williams Trust and ArtFund) will be staged in the church of San Carlo al Lazzaretto—the history of which is closely connected with previous epidemics, from the plague of 1576 to that of 1630. The church was made famous in the novel The Betrothed by Alessandro Manzoni, who cites the Lazzaretto (the hospital and banishment area for plague victims) on various occasions and sets one of the most famous chapters of the story there. Initially conceived as a field altar in the heart of the Lazzaretto, built by the architect Lazzaro Palazzi, the church was designed by Pellegrino Tibaldi on the orders of Cardinal Carlo Borromeo in 1576. Originally open on all sides so as to allow the sick to attend services while remaining outside, the church was then transformed by the architect Giuseppe Piermarini around the turn of the nineteenth century. After surviving the transformations carried out over almost five centuries, San Carlino is a place that narrates the history of Milan through its deep layers of memories. In 2017, the church underwent complete restoration financed by the Fondazione Rocca in memory of Roberto Rocca. The Sky in a Room by Ragnar Kjartansson is part of a series of project carried out since 2013 by the Fondazione Nicola Trussardi: temporary shows, incursions, performances, and pop-up interventions that have brought international artists to Milan such as Ibrahim Mahama, Jeremy Deller, Sarah Lucas, Gelitin, Darren Bader, and Stan VanDerBeek. The Fondazione Nicola Trussardi is a private, non-profit institution, a nomadic museum designed for both the production and promotion of contemporary art in multiple contexts and through a wide range of channels. It was founded in Milan in 1996. Its activities are made possible thanks to the generosity of the founding members and that of a group of supporters who sponsor its projects. Thus, with The Sky in a Room, the path undertaken by the Foundation in 2003 continues to bring contemporary art into the heart of the city of Milan, rediscovering and reappraising forgotten or unusual venues. Other major solo shows include those by Allora & Calzadilla, Paweł Althamer, Maurizio Cattelan, Tacita Dean, Michael Elmgreen & Ingar Dragset, Urs Fischer, Peter Fischli & David Weiss, Paul McCarthy, Paola Pivi, Pipilotti Rist, Anri Sala, and Tino Sehgal, as well as two major thematic exhibitions: La Grande Madre (2015) and La Terra Inquieta (2017). Ragnar Kjartansson Born in Reykjavík in 1976, Ragnar Kjartansson is one of the best-known contemporary artists of his generation. Over the last ten years, Kjartansson’s work has been celebrated by many of the most important international museums. In 2019, he became one of the youngest artists ever to hold a solo show at the Metropolitan Museum in New York. He has displayed his work twice at the Venice Biennale, where he also represented Iceland in its official participation in 2009. His work has also been featured at the Hangar Bicocca in Milan, at the Fondazione Sandretto Re Rebaudengo in Turin and the EX3 in Florence, as well as at the New Museum in New York, the Kunstmuseum in Stuttgart, the Palais de Tokyo in Paris, the Barbican in London, and the Carnegie in Pittsburgh. Kjartansson has won major awards, among which the Ars Fennica Award in 2019 and the Performa Malcolm McLaren Award in 2011.
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posted 09. Oct 2020

Hito Steyerl. I Will Survive

26. Sep 202010. Jan 2021
opening: 26. Sep 2020 11:00 am
K21 siehe auch: kunstaspekte-special: **Im Netz digitaler Verführungen** kunstaspekte spot zur Ausstellung von Lothar Frangenberg [-website (ausführliche Version)](https://kunstaspekte.art/special/im-netz-digitaler-verfuehrungen) -- Hito Steyerl. I Will Survive 26.9.2020 – 10.1.2021 Eröffnungstag: Samstag, 26.9.2020, 11 – 20 Uhr im K21 Die Künstlerin, Filmemacherin und Autorin Hito Steyerl (*1966) gehört aktuell zu den zentralen Positionen, wenn es um die Reflexion der gesellschaftlichen Rollen von Kunst und Museum geht, um das Experimentieren mit medialen Präsentationsformen und die kritische Auseinandersetzung mit dem Einsatz von künstlicher Intelligenz. K21 gibt mit der großen, gemeinsam mit dem Centre Pompidou, Paris, entwickelten Ausstellung „I Will Survive“ einen Überblick über Steyerls Werk. Die Schau setzt mit frühen Arbeiten ein, die exemplarisch für den „documentary turn“ stehen, eine andere Auffassung des Dokumentarischen, dessen Begriffswandel Steyerl maßgeblich mitgedacht, formuliert und praktiziert hat. Steyerl hat in ihren Arbeiten der letzten dreißig Jahre die Mutationen der Kamerabilder verfolgt, vom analogen Bild und seinen vielfältigen Montagen hin zum geteilten, flüssig werdenden, digitalen Bild. Im Zentrum der Schau „I Will Survive“ steht zudem die neue multimediale Installation „SocialSim“, mit der Steyerl die Potentiale von Digitalität, Simulation und Künstlicher Intelligenz im Hinblick auf künstlerische Kreativität, museale Präsentationsweisen, soziale Verwerfungen und pandemische Bedingungen kritisch auslotet. Eine Zusammenarbeit organisiert von der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf und dem Centre Pompidou, Musée National d’Art Moderne, Paris. Die Ausstellung in Düsseldorf und Paris (3.2.–7.6.2021) wird maßgeblich von der Kulturstiftung des Bundes gefördert. Das Programm findet vorbehaltlich der aktuell geltenden, durch Corona bedingten Einschränkungen statt. PowerPflanzenOS ist eine Augmented-Reality-App und ergänzt Hito Steyerls Arbeit „Power Plants“ (2019), die in der Ausstellung zu sehen ist. Die App können Sie über den App Store oder Google Play kostenlos auf das eigene Smartphone (iPhone ab iOS 11.0, Android ab 7.0) herunterladen. Um zu beginnen, richten Sie die Kamera Ihres Smartphones auf die Siegel, die in der Installation innerhalb der Ausstellung aufgestellt sind. Bitte bringen Sie nach Möglichkeit Ihren eigenen Kopfhörer mit. Kurzbiografie Hito Steyerl Hito Steyerl wurde 1966 in München geboren. Sie studierte Dokumentarfilmregie am Japan Institute of the Moving Image (ehemals Yokohama Broadcasting Technological School, die 1975 von Sohei Imamura gegründet wurde) und später an der Hochschule für Film und Fernsehen in München. Das darauf folgende Studium der Philosophie an der Akademie der Künste, Wien, schloss sie mit Promotion ab. Sie hat an der UdK, Berlin, eine Professur für Experimentalfilm und Video inne und hat dort zusammen mit Vera Tollmann und Boaz Levin das Research Center for Proxy Politics gegründet. Steyerls Werke werden seit zwanzig Jahren im Kontext der bildenden Kunst ausgestellt und international rezipiert. 2004 wurde November auf der Manifesta 5 in San Sebastian gezeigt. Mit Lovely Andrea und Red Alert wurde sie auf der Documenta 12 (2007) in Kassel einem größeren Publikum bekannt. Mit Factory of the Sun war sie 2015 im deutschen Pavillon auf der Biennale von Venedig vertreten. 2016 nahm sie mit HellYeahWeFuckDie an der Biennale von Sao Paolo teil. Zu den jüngsten der zahlreichen Einzelausstellungen in Museen und Kunstinstitutionen weltweit gehören Ausstellungen im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid (Duty-Free Art, 2016), Museum für Gegenwartskunst, Basel (War Games 2018, zusammen mit Martha Rosler), Castello di Rivoli, Turin (The City of Broken Windows, 2018), Serpentine Gallery London (Power Plants, 2019), Park Avenue Armory, New York (Drill, 2019), Art Gallery of Ontario, Toronto (This is the Future, 2019). Auf der Biennale von Venedig 2019 war sie in der Hauptausstellung „May You Life in Interesting Times“ im Arsenal und in den Giardini mit mehreren Arbeiten vertreten, darunter This is the Future / Power Plants. Neben ihrer filmkünstlerischen Arbeit ist Steyerl als Autorin tätig, macht Interviews und hält Vorträge. Eine Auswahl ihrer an verschiedenen Stellen publizierten Essays sind in vier Büchern zusammengefasst: Die Farbe der Wahrheit (Turia Kant, Wien 2008), The Wretched of the Screen (Sternberg Press, Berlin 2012), Beyond Representation – Jenseits der Repäsentation (n.b.k., Berlin 2016), Duty Free Art – Art in the Age of Planetary Civil Wars / Kunst im Zeitalter des globalen Bürgerkriegs (en. Verso, London 2017 / dt. Diaphanes, Zürich 2018). Steyerl lebt und arbeitet in Berlin.

artist

Hito Steyerl 
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posted 08. Oct 2020

Gerwald Rockenschaub - astrobot(n)ic / philanthropic / this/that interlude (vision)

05. Sep 202030. Oct 2020
Gerwald Rockenschaub - astrobot(n)ic / philanthropic / this/that interlude (vision) 05.09.2020 – 30.10.2020 Die Galerie Krobath freut sich, die erste Einzelausstellung von Gerwald Rockenschaub (*1952 in Linz, lebt und arbeitet in Berlin) in ihren Räumen zu zeigen. Unter dem Titel „astrobot(n)ic / philanthropic / this/that interlude (vision)“ präsentiert Rockenschaub eigens für diesen Anlass entstandene Arbeiten, die zwischen Abstraktion und Gegenständlichkeit changieren und in denen der Künstler seine wahrnehmungspsychologische Untersuchungen weiterführt. Da wären zum einen großformatige Intarsienbilder aus Plexiglas, bei denen unterschiedliche Elemente derart passgenau zu einem Motiv zusammengesetzt sind, dass sie zu einer einheitlichen Ebene verschmelzen, was sich allerdings erst bei genauem Hinschauen erschließt. Die Frage, was hier eigentlich zu sehen ist, wird auch in der neuen Werkgruppe der Gravurenbilder behandelt. Sie gehören zu den subtilsten Arbeiten von Rockenschaub. Auf den ersten Blick scheint es sich um monochrome Plexiglasbilder zu handeln, deren glatte Oberflächen den Umraum reflektieren. Wechseln die Betracher*innen jedoch den Standpunkt, offenbaren sich fein-gefräste Zeichnungen, die verschiedene Assoziationen hervorrufen. Je nach Position und Lichteinfall ändert sich bei den Gravuerenbildern also das, was wir sehen oder zu sehen glauben. Das kann man politisch verstehen, etwa als Aufforderung, immer mal wieder die Perspektive zu wechseln. Aber auch eine andere Lesart wäre denkbar, wofür der Ausstellungstitel spräche: „astrobot(n)ic / philanthropic / this/that interlude (vision)“ wirkt wie Klangpoesie, deren Worte wie die minimalistischen Lineaturen der Gravurenbilder unzählige Verbindungen zur Realität ermöglichen. Aufgrund der rhythmischen Betonung kann man sich den kryptischen Slogan aber auch sehr gut als gerappten Refrain in einem Stück elektronischer Clubmusik vorstellen. Dann wären die neuen Gravurenbilder von Rockenschaub so etwas wie visuelle Musik oder musikalische Visionen, die uns in Bewegung setzen – und am Ende vielleicht sogar zum Tanzen bringen.
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