daily recommended exhibitions

posted 15. Jul 2020

Lichtparcours Braunschweig 2020

13. Jun 202009. Oct 2020
opening: 13. Jun 2020 09:30 pm
Lichtparcours Braunschweig 2020 15 Kunstwerke 4 Monate 1 Stadt 13.06.2020 - 09.10.2020 Eröffnung: Samstag, 13. Juni 2020, 21.30 Uhr Im Zentrum des Lichtparcours 2020 steht - auch als Reminiszenz an den ersten Parcours 2000 - die künstlerische Auseinandersetzung mit dem Wasserlauf der Oker und seinen 24 Brücken. Die charakteristische Topographie der von historischen Wasserläufen umgebenen Innenstadt ist auch für den 5. Lichtparcours Ausgangspunkt unterschiedlicher Positionen. 15 Arbeiten, skulpturale wie filmische, sind ortspezifisch von internationalen Künstlerinnen und Künstlern entwickelt worden. Kraftvolle, farbintensive, abstrakte Gebilde konterkarieren den in Städten von Werbung durchdrungenen öffentlichen Raum. Im Mittelpunkt des Lichtparcours 2020 steht der Wasserlauf der Oker mit seinen zahlreichen Brücken. Indes nicht ausschließlich als reine Lichtinstallationen der Brücken, sondern das Wasser – in Kombination mit Licht – steht im Vordergrund. Auch für den Lichtparcours 2020 wurden neben nationalen auch internationale Künstlerinnen und Künstler eingeladen, ergänzt um Positionen aus der Region. Vom 13. Juni bis zum 9. Oktober heißt es also für alle Kunstfreundinnen und -freunde, den Lichtparcours zu Fuß, auf dem Rad und über den Wasserweg zu entdecken. Ergänzt wird die Ausstellung durch ein vielseitiges Begleitprogramm, bestehend aus Workshops, Konzerten, Lesungen, Sportangeboten und Führungen.
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posted 14. Jul 2020

James Turrell

11. Feb 202014. Aug 2020
opening: 10. Feb 2020 06:00 pm
**Feb 11–Aug 14, 2020 ** James Turrell (Feb 11 – Mar 27, 2020) Opening Reception: Monday, February 10, 2020, 6–8 PM Pace Gallery is honoured to present its second solo exhibition of new works by Light and Space master James Turrell at 6 Burlington Gardens. The exhibition will be on view from 11 February to 27 March 2020. Turrell is among the most influential artists of the past fifty years and Pace is proud to continue its long commitment to him stretching back to 1967. This is the gallery’s ninth exhibition of Turrell works. Influenced by the notion of phenomenology in pictorial art, Turrell focused, in his earliest work, on the dialectic between constructing light and painting with it, building on the sensorial experience of space, colour, and perception. These interactions became the foundation for Turrell’s oeuvre, which evolved to an investigation of the immateriality of light itself. Turrell’s exhibition at Pace features four new works from the Constellation series staged in site-designed chambers. The works will feature elliptical and circular shapes with a frosted and curved glass surface animated by an array of technically advanced LED lights, which are mounted to a wall and generated by a computer programme. The light changes are subtle and hypnotic, one colour morphing into the next. The programme runs on a loop that is imperceptible to the viewer, prompting a transcendental experience. With these new works, Turrell continues his exploration of technological possibilities combined with sensory practices and gradient colours. “To some degree, to control light I have to have a way to form it, so I use form almost like the stretcher bar of a canvas… When I prepare walls, I make them so perfect that you actually don’t pay attention to them. This is true of the architecture of form I use: I am interested in the form of the space and the form of territory, of how we consciously inhabit space.” James Turrell. Since his earliest Projection Pieces (1966–69), Turrell’s exploration has expanded through various series, including Skyspaces (1974–), Ganzfelds (1976–), and perhaps most notably, his Roden Crater Project (1977) near Flagstaff, Arizona. Representing the culmination of the artist’s lifelong research in the field of human visual and psychological perception, Roden Crater is a controlled environment for the experiencing and contemplation of light and stars, a shared interest with Pace’s exhibition in London. Fundraising is underway to complete the construction and open it to the public. Turrell’s practice has equally materialized in small-scale works, including architectural models, holograms, and works on paper. His inspiration draws from astronomy, physics, architecture and theology. James Turrell: Passages of Light is currently on view until 29 March 2020 at Fundación Jumex, Mexico City. James Turrell (b. 1943, Los Angeles) attended Pomona College, where his studies concentrated on psychology and mathematics. Since 1966, he has created art works made primarily out of light. In 1973 he received a master's degree in art from Claremont Graduate School. His work is represented in international public collections including the Tate Modern, London; Los Angeles County Museum of Art; Museum of Fine Arts, Houston; the Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Whitney Museum, New York; Chichu Art Museum, Naoshima Island, Japan; The Museum of Modern Art, New York; and the Israel Museum, Jerusalem. Turrell’s first one-person exhibition, James Turrell: Light Projections, was held in the fall of 1967 at the Pasadena Art Museum, curated by John Coplans. An accompanying catalogue essay, written by Coplans, was also published in the October 1967 issue of Artforum. This seminal exhibition positioned Turrell at the forefront of the Light and Space movement and set the stage for nearly 200 one-person exhibitions and 250 group shows worldwide. Notable recent one-person exhibitions include James Turrell, held at the Solomon R. Guggenheim Museum, New York (2013) as well as James Turrell: The Light Inside, Museum of Fine Arts, Houston (2013). These exhibitions were held concurrently with James Turrell: A Retrospective, organized by the Los Angeles County Museum of Art, California (2013), which subsequently traveled to the National Gallery of Australia, Canberra (2014), before closing at the Israel Museum in Jerusalem (2015). Another retrospective of his work was exhibited at Mass MoCA, North Adams, Massachusetts (2017). In 2018, The Substance of Light was organized by Museum Frieder Burda, Baden-Württemberg, Germany (2018), and in 2019 Asia Society, Hong Kong, presented Yukaloo. In addition to twenty-two permanent installations at institutions such as the Henry Art Gallery, Seattle; Fine Arts Museums of San Francisco, de Young Museum; and P.S. 1, Long Island City, New York, James Turrell’s work is held in over eighty collections throughout the United States and abroad. In 2009, the Hess Art Collection inaugurated the James Turrell Museum in Colomé, Argentina, housing a collection devoted exclusively to the artist’s oeuvre. Turrell has been the recipient of numerous awards and honors throughout his artistic career, beginning with a grant from the National Endowment for the Arts (1968, 1975). Turrell received a Guggenheim Fellowship (1974), which, coinciding with the loss of his studio, allowed him to initiate the Roden Crater Project. Other awards and honors include The John D. and Catherine T. MacArthur Foundation Fellowship (1984); Chevalier des Arts et des Lettres (1991); as well as the Commandeur de l’Ordre des Arts et des Lettres (2006), conferred by the French government. Turrell was elected member of the American Academy of Arts and Letters, New York (2011), and presented with the National Medal of Arts, awarded by President Obama (2013). In 2017, Turrell received The School of the Museum of Fine Arts at Tufts University Medal Award. James Turrell has received honorary doctorates from several academic institutions, including the Art Institute of Chicago (1999); Claremont Graduate University, California (2001); Royal Academy of Art, London (2002); and Pratt Institute, New York (2015). Pace has represented James Turrell since 2002. The exhibition is organised in collaboration with Kayne Griffin Corcoran.


James Turrell 

6-10 Lexington Street
W1F 0LB London

United Kingdom of Great Britain and Northern Irelandshow map
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posted 13. Jul 2020

… Hallo Köln!

21. Apr 202031. Jul 2020
**21.04.2020 - 31.07.2020** Galerie Anke Schmidt presents Hallo Köln! Opening: March 21, 4PM curated by Rolf Ricke Rey Akdogan, Michael Bause, Thea Djordjadze, Lydia Dona, Guy Goodwin, Tishan Hsu, Mahomi Kunikata, Fabian Marcaccio, Carl Ostendarp, Andreas Karl Schulze, Sarah Sze, Marianne Thoermer, Christoph Weber


Rolf Ricke 
Anke Schmidt, Köln

Schönhauser Strasse 8
50968 Cologne

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posted 12. Jul 2020

Tai Shani. Tragodía

13. Mar 202004. Sep 2020
**Nach einer vorübergehenden Schließung aufgrund der Coronavirus-Pandemie wird der Grazer Kunstverein ab 27. Mai 2020 von Mittwoch bis Freitag von 11 bis 18 Uhr wieder geöffnet sein. ** Tai Shani. Tragodía 13.03.2020 - 04.09.2020 Tai Shani arbeitet in ihrer multidisziplinären, künstlerischen Praxis mit den Medien Skulptur, Installation, Performance, Bewegtbild, Text, gesprochenem Wort und virtueller Realität. Mit den Formen von Science- Fiction, Anthropologie, feministischer und queerer Theorie verzerrt Shani Tatsachen und Fiktion, imaginiert kulturelle Archetypen neu und interpretiert ihre Narrative mit Erotik, Gewalt und Fantasie. In ihrer neu beauftragten Arbeit Tragodía denkt sie über die Themen Verwandtschaft, Fürsorge, Sterblichkeit und Intimität nach und erkundet dabei die Frage, inwiefern Intimität ein Ort für radikale Transformation sein kann. Shani hat ein episches virtuelles Reality-Stück mit Sounddesign von Maxwell Sterling entwickelt, in dem wichtige persönliche und philosophische Ideen thematisiert werden. Shani verwendet dabei das narrative Mittel der virtuellen Realität und kombiniert dieses mit erlesenen skulpturalen Artefakten, die wie Requisiten über eine traumähnliche Landschaft gelegt sind. So untersucht die Künstlerin die Konstruktion von Subjektivität, familiäre Beziehungen und die Zentralität von Liebe und Tod in einer post-patriarchalen Realität. In Tragodía hält der Tod alles zusammen. Shani kreiert hier – in Form eines virtuellen Reality-Stücks, das sich im Zusammenspiel mit einer erlesenen skulpturalen Installation entwickelt – ein spekulatives Portal, das in den unbekannten Raum zwischen Leben und Tod hineinreicht, in dem Verwandtschaft, Intimität, Liebe und die Ganzheit des Daseins in einer lebendigen Nahaufnahme kontempliert werden können. Das Stück erzählt die Geschichte des tragischen Todes eines Einzelkindes, das nach einem brutalen Autounfall stirbt. Sie lässt nach ihrem Tod ihre ihr eng verbundenen Angehörigen zurück: Großmutter, Tante, Mutter und Oedipuss die Katze, die alle von der Gewalt der Trauer und Liebe zu ihr erschüttert sind. Durch das narrative Mittel der virtuellen Realität erfahren wir das Stück aus der inneren Perspektive des sterbenden Geistkinds, das in einem Traumreich irgendwo zwischen unserem eigenen Körper, dessen posthumaner Existenz und dem metaphysischen Jenseits schwebt. Gleichzeitig, als atmende Köper in der materiellen Welt, sind wir im Ausstellungsraum von einer sakralen lilafarbenen Landschaft aus Gegenständen umgeben; Totenmasken, Amulette, Relikte, Talismane, Knochen, Haar und Kristalle liegen verstreut über einer Schaltkarte aus Verbindungen. Diese uralte archäologische Ruine wird zu einer Begräbnisstätte für das verstorbene Kind und seine Lieben, die sich angestrengt bemühen, in einer greifbaren, konkreten Realität alle möglichen Zukunftsaussichten und Vergangenheiten zusammenzuhalten. Shani ist Künstlerin, Welterschafferin und Seherin alternativer Realitäten. Ihre Vision einer post-patriarchalen, feministischen Zukunft schafft Raum für neue Subjektivitäten und wirft mit Dringlichkeit und Hoffnung Licht auf ein mögliches Morgen. Tai Shani (geboren 1976) ist eine in London lebende Künstlerin. Inspiriert von historischen Charakteren und Narrativen erschafft Shani dunkle utopische Welten und sucht nach Femininität, während sie darüber nachdenkt, was von der Geschichte der Femininität gerettet werden kann. 2019 gehörte sie zu den vier KünstlerInnen, denen der prestigeträchtige Turner Prize verliehen wurde. Shani hat ihre Arbeit weiträumig im United Kingdom und im Ausland präsentiert, zu ihren jüngsten Ausstellungen und Aufträgen gehören die Netwerk Aalst (2019), die Fondazione Sandretto Re Rebaudengo (2019), die Biennale in Athen, (2018), die Nottingham Contemporary (2018), das Glasgow International (2018), Wysing Arts Centre (2017), die Tensta Konsthall, Stockholm (2016), die RADAR commission, Loughborough University (2016), die Serpentine Galleries (2016), die Tate Britain (2016), die Schirn Kunsthalle, Frankfurt (2015), das Southbank Centre, London (2014–15), das Arnolfini, Bristol (2013), die Matt’s Gallery, London (2012), das FRAC Nord-Pas de Calais sowie das Loop Festival, Barcelona (2011), The Barbican, London (2011), ICA, London (2011). Shanis Ausstellung im Grazer Kunstverein stellt ihre erste Show in einer Institution in Österreich dar. Tragodía Credits: Soundtrack: Maxwell Sterling. SynchronsprecherInnen: Geistkind: Maya Lubinsky, Großmutter Eve, Mutter, Tante: Eva Eklöf, Oedipuss die Katze: Dasha Loyko. VR Production: partyTime.jpeg (Adam James Sinclair, Mikhail Polshaw). Gesichtsperformance: Lotti V Closs. Koproduktion mit Temple Bar Gallery + Studios, Dublin, und Jindřich Chalupecký Society, Tschechien.


Tai Shani 
Grazer Kunstverein, Graz

Palais Trauttmansdorff Burggasse 4
A-8010 Graz

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posted 11. Jul 2020

Melike Kara - where we meet

04. Jun 202022. Aug 2020
opening: 04. Jun 2020
Melike Kara - where we meet 04.06.2020 – 22.08.2020 Opening days : June 4 – 6 Jan Kaps is pleased to present Melike Kara’s new exhibition where we meet. Born to a Kurdish-Alevi family, Kara shows how notions of “home” transcend national borders, how identity becomes hybrid, between home and homeland. Does one feel at home where one lives? Or is home what is transmitted to you through stories and histories from older generations? Kara’s new works find traces of the past in the present as they unpack the bags of the previously migrated. Which story, poem, song did they carry with them on their journey? How is a heritage kept alive far from its natural place of origin? This exhibition is an exercise in following roots, an investigation of the processes of recollecting. It is an extension of what happens when we look at old photographs, keep rituals alive, and ask ourselves what remnants of a former life mean to us today. Can we grasp the exact experiences of generations that came before us? And if so, what meaning holds a precise recovery of their past in our present given that we all are exposed to constant change? Melike Kara presents a new series of paintings that blur the lines between lived stories and myths, between what is, what was and what can be. The paintings are inspired by historical motives like tapestry patterns, which Kara weaves together into their transition to the here and now. Suggestive of traditional tapestry art itself, in which all the warp threads are hidden in the completed work and where weft yarns are typically discontinuous, Kara’s new series visualizes firm bonds between otherwise fading roots, as well as the dissolution and recovery of memory. With a variety of interventions such as wallpapers, photography, and installations, Melike Kara exhibits silent observations of people who, even though losing their land, have kept their heritage alive from generation to generation through oral renditions in the diaspora. Despite the history of the Kurds being one of wars, oppression, persecution, displacement and genocide, Kara’s exhibition sheds light on the mostly neglected and hidden beauties in Kurdish history. Moving beyond her own family’s experience of the Kurdish plight, the artist brings together artefacts that have survived amid all the tornness and dedicates the exhibition to the myriad ways the uprooted preserve their roots. By recreating the pilgrimage site of the Alevis in Dersim or the mythological figure of the serpentine woman, who is considered the protector of wisdom and history, Melike Kara’s works become a space where the present meets the past, where the spirit and magic of a lost land is transported and revived in the here and now, where we meet. Imprinted by her own family history and the recurrence of contemporary waves of migration, Melike Kara’s exhibition is a homage to collective memories that we carry with us wherever we go and however uprooted we may seem. Rosa Burç


Melike Kara 
Jan Kaps, Köln

Jülicher Strasse 24a
50674 Cologne

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posted 10. Jul 2020

Lucia Kempkes & Ossian Fraser. Mount Analogue

29. Jun 202030. Aug 2020
**29.06.2020 – 30.08.2020** Lucia Kempkes & Ossian Fraser. Mount Analogue Arnsberg in den Alpen? In einer Zeit, in der sich das Träumen als lebensnotwendige Praxis erweist, lädt die Ausstellung zum Gedankenspiel und zur imaginären Reise. Im Zentrum steht der Berg, den Entdecker und Romantiker zur Metapher für Freiheit und Abenteuer, für innige Natur-, Welt- und vor allem Selbsterfahrung stilisierten. Kempkes und Fraser zeigen: Auch heute lebt dieses Bild in unseren Köpfen und Wohnzimmern.

artists & participants

Ossian Fraser,  Lucia Kempkes 
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posted 09. Jul 2020

Tony Conrad

14. Feb 202012. Jul 2020
**14.02.2020 - 12.07.2020** Tony Conrad Eröffnung: Freitag, 14. Februar, 19 Uhr 21 Uhr Filmvorführung Tony Conrad “The Flicker”, 1966, 16mm-Film, s/w, 30 Min. Tony Conrad (1940-2016) ist Experimentalkünstler und gilt als Schlüsselfigur für Medienkünstler wie Tony Oursler oder Mike Kelley. Er war als Violinist einer der Mitbegründer der Minimal Music und zusammen mit La Monte Young und John Cale Pionier von Drone-Musik. Als zentrale Figur der Avantgarde, dessen Karriere sich über sechs Dekaden spannt, strahlt sein Werk über Amerika hinaus und wird mit dieser Ausstellung einem europäischen Publikum nach seiner Teilnahme an der documenta 5 wieder in seiner Vielschichtigkeit vergegenwärtigt werden. Mit seinem ersten Film “The Flicker” (1966) schuf er eine Ikone des strukturellen Films. Seine musikalische Arbeit – in Komposition, Performances, selbst hergestellten Musikinstrumenten – ist unweigerlich mit seinem Werk als bildender Künstler verbunden. Der Kölnische Kunstverein realisiert diese erste groß angelegte Ausstellung, Performance- und Musikreihe in Deutschland, die Tony Conrads künstlerische Arbeit ehrt. Sie folgt einer Retrospektive, die 2018 und 2019 in der Albright-Knox Gallery, Buffalo, im MIT List Visual Arts Center und Institute of Contemporary Art at the University of Pennsylvania ausgerichtet wurde. Als zentrale Figur der Avantgarde erreichte Conrad nicht nur Anerkennung durch seine Vorreiterrolle mit Beiträgen als Violinist zur Minimalistischen Musik und zum Strukturellem Film in den 1960ern, er war auch tonangebend für die unterschiedlichsten kulturellen Bereiche, Rockmusik und öffentliches Fernsehen mit eingeschlossen. Conrads erster Film “The Flicker” (1966), ein stroboskopisches Experiment, das für seinen Angriff auf das filmische Medium und die Sinne seines Publikums berühmt ist, führte bald zu Projekten, in denen er Film als skulpturales und performatives Material behandelte. In “Sukiyaki Film” (1973) brachte Conrad beispielsweise kurz angebratenen Film auf die Leinwand und in seinen “Yellow Movies” von 1972/73 strich er Papieroberflächen mit billiger Farbe und präsentierte sie als sich langsam verändernde Filme. Er bahnte den Weg für Drone-Musik und beeinflusste die Gründung von Velvet Underground. Conrad war zugleich ein kämpferischer Kritiker der Medien und ihrer Überwachungswerkzeuge. In den achtziger Jahren kritisierten seine ehrgeizigen Filme über Machtverhältnisse in der Armee und in Gefängnissen, was er als aufkommende Kultur der Überwachung, Kontrolle und Eindämmung empfand. Seine kollaborativen Programme, für das öffentliche Fernsehen in den 1990er Jahren geschaffen, machten ihn zu einer einflussreichen Stimme innerhalb der Gesellschaft (ersichtlich in der Installation “Panopticon” von 1988 oder “WiP”, mit Filmen von Tony Oursler und Mike Kelley, 2013). Conrad war Meister des „Crossovers“, der Überbrückung und Verbindung verschiedener Disziplinen, sodass es unmöglich scheint die gegenseitige Abhängigkeit zwischen Kunst, Film, Musik und Performance in zeitgenössischer Praxis ohne ihn zu denken. Außerdem war er leidenschaftlicher Pädagoge – seine 40jährige Tätigkeit als Professor am Medien-Department in der University in Buffalo provozierten und inspirierten Generationen von Studierenden bis heute. Die Ausstellung ist eine Kooperation zwischen Kölnischem Kunstverein, Köln, und dem MAMCO, Genf. Sie basiert auf der retrospektiven Ausstellung, die von der Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York 2018/19, organisiert wurde. Die Ausstellungsarchitektur im Kölnischen Kunstverein entstand in Zusammenarbeit mit Milica Lopicic. Das wiederverwendbare Stellwandsystem wurde ermöglicht durch die Imhoff Stiftung.


Tony Conrad 
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posted 08. Jul 2020

Corita Kent___Joyful Revolutionary

30. May 202011. Oct 2020
opening: 30. May 2020 11:00 am
**30.05.2020 - 11.10.2020** * **Corita Kent__Joyful Revolutionary** Eröffnungswochenende mit freiem Eintritt: Sa, 30. Mai – Mo, 1. Juni 2020 (Sa–Mo 11–18 Uhr)** Die Siebdrucke von Corita Kent (1918–1986) vereinen diverse visuelle und textuelle Quellen und komponieren sie grafisch auf unerwartete Weise. Ästhetische Erfahrungen des Alltags, spirituelle Botschaften, Zitate aus Literatur, Popkultur und den Massenmedien werden farbintensiv nebeneinandergestellt und im Sinne sozialer Gerechtigkeit politisch mobilisiert. In ihren Arbeiten geraten Buchstaben und Sprache zur Form und zum Bild, die Form und das Bild zum Inhalt. Kents Serigraphien können als Pop Art und als Wegbereiter der Pictures Generation angesehen werden. Im Alter von 18 Jahren trat Kent der Vereinigung von Glaubensschwestern der Immaculate Heart of Mary in Los Angeles bei, deren Ordensmitglied sie für drei Jahrzehnte blieb. Am dortigen College avancierte sie zur renommierten Kunstprofessorin und leitete schließlich die Kunstabteilung. Leidenschaftlich setzte sie sich für Frieden und soziale Gerechtigkeit ein und wurde seit den 1960ern als Künstlerin, Pädagogin und Persönlichkeit des öffentlichen Lebens zur lebenden Legende, die 1967 mit dem Titel „THE NUN: GOING MODERN“ (Die Nonne auf dem Weg in die Moderne) auf dem Cover der Newsweek erschien. Ihr Engagement im Feld der neu aufkommenden Pop Art mit all den kulturellen Veränderungen, die diese bezüglich der Zusammenführung von Hoch- und Populärkultur einläutete, speiste sich aus Kents Interesse und Einsatz für die vom Zweiten Vatikanischen Konzil angestoßene Revitalisierung und Erneuerung religiösen Lebens. Das eine wurde in Kents Arbeiten in den Dienst des anderen gestellt und führte zu ihrer einzigartigen und alle Klassifizierungen herausfordernden Kunst. Seit den frühen 1950er Jahren arbeitete Kent hauptsächlich mit Serigraphien, die sie als eine erschwingliche und demokratische Kunstform erachtete. Während frühe Werke figurative und religiöse Motive enthalten, entwickelte sich ihre Kunst in den 1960ern Jahren zunehmend politisch. Sie integrierte aus Massenmedien appropriierte Fotografien von Persönlichkeiten wie Martin Luther King Jr., Coretta Scott King, César Chávez und Daniel und Philip Berrigan in ihre Siebdrucke, um damit ihre Unterstützung für soziale und politische Kämpfe wie zum Beispiel die Bürgerrechts- und Anti-Vietnamkriegs-Bewegung zu bekunden. Beispielhaft zeigt sich in ihrer Arbeit american sampler, wie ihre künstlerische Strategie im Umgang mit Farbe und Referenzen es ihr erlaubt, politische Komplexität sichtbar zu machen: Der Stempel-Schriftzug in Rot, Weiß und Blau bezieht sich sowohl auf die Farbgebung der amerikanischen Flagge als auch die Typographie von Fahndungsplakaten des „Old West“. Das spielerische Verweben von Vorder- und Hintergrund zerlegt einzelne Wörter in ihre Bestandteile und offenbart damit eine zweite Bedeutungsordnung innerhalb des expliziten Textes – eine, die an die individuelle und moralische Verantwortung der Betrachter_in appelliert. Kent spielt beispielsweise damit, dass das Wort „ASSASSINATION“ (Attentat) die Wörter „SIN“ (Sünde), „I“ (ich) und „NATION“ enthält. Mit Corita Kent___Joyful Revolutionary präsentiert das TAXISPALAIS Kunsthalle Tirol erstmals eine Einzelausstellung der Künstlerin in Österreich. Im Fokus stehen dabei Kents Siebdrucke aus den 1960er Jahren, die mittels vielschichtigem Archiv- und Dokumentationsmaterial kontextualisiert werden. Die Arbeiten aus dieser Schaffensperiode sind dezidiert politisch, sie verdanken sich Kents kritischem Blick auf soziale Fragen und verströmen zugleich spirituelle Zuversicht. Damit resonieren die Serigraphien mit aktuellen Fragestellungen zum gesellschaftskritischen Potential von Kunst und zu Veränderungsmöglichkeiten in gewachsenen Traditionen. Kuratiert von Nina Tabassomi Dank an das Corita Art Center, Immaculate Heart Community, Los Angeles


Corita Kent 


Nina Tabassomi 
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posted 07. Jul 2020

Tacita Dean

02. Jun 202002. Aug 2020
**02.06.2020 - 02.08.2020** Tacita Dean (February 26–May 3, 2020) The main exhibition this spring at EMMA showcases key works from the career of Tacita Dean, one of the internationally most prestigious contemporary artists of today. Some of the works in Dean’s first-ever solo exhibition in Finland receive their debut at EMMA, including Dean’s latest film, A Cloud makes itself. The show will be open from February 26 to May 3, 2020. Tacita Dean (b. 1965) is one of the most highly acclaimed contemporary artists of our day. She is known best for films shot on 16mm and 35mm and her work for the preservation of analogue film. She also creates large, spatially engaging chalkboard drawings as well as works on slate, photographs, print images and works made with found materials. The exhibition, curated by EMMA director Pilvi Kalhama, borrows from Dean’s existing body of work, in addition to which the artist has created several new pieces for this show. The show features recent key works in which Dean explores portraiture, painting, the ephemerality of natural events and the layers of time. Dean, a champion of slowness and concentration, draws attention to details and encourages us to stop and observe the world. The exhibition rewards the viewer who is prepared to give time to the works. The exhibition includes seven films, the latest of which, A Cloud makes itself, receives its premiere at EMMA. The works featured in the exhibition include Dean’s ambitious chalkboard drawing Chalk Fall (2018), her recent series of 80 monoprints on found postcards, Pantone Pairs (2019), displayed for the first time at EMMA and two works from the Saastamoinen Foundation ́s art collection, Quatemary and A Book End of Time. ”It is a great pleasure to be showing for the first time in Finland and always exciting to have the opportunity to show new works as well as to revisit older ones.” Tacita Dean Tacita Dean describes herself as a British European artist and divides her time between Berlin and Los Angeles. She was nominated for the Turner Prize in 1998 and later was awarded the Hugo Boss Prize in 2006 and the Kurt Schwitters Prize in 2009. In 2018, three London museums, the National Gallery, the National Portrait Gallery and the Royal Academy of Arts presented an unprecedented collaboration that consisted of three distinct exhibitions by Tacita Dean, entitled LANDSCAPE, PORTRAIT, STILL LIFE. Dean’s designs for The Dante Project, a new ballet choreographed by Wayne McGregor and composed by Thomas Adès, will première in May at the Royal Opera House in London.


Tacita Dean 


Pilvi Kalhama 
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posted 06. Jul 2020

Rubén Martín de Lucas "Stupid Borders - Minimal Republics"

27. Jun 202022. Aug 2020
opening: 27. Jun 2020 10:00 am
Rubén Martín de Lucas "Stupid Borders - Minimal Republics" 27.06.2020 - 22.08.2020 Die Eröffnung findet am 27.06.2020 in der Zeit von 10 bis 16 Uhr statt. Die Galerie Boisserée zeigt erstmals die Arbeiten des spanischen Künstlers Rubén Martín de Lucas in Deutschland. Unmittelbar nach Abschluss seines Studiums des Bauingenieurwesens begann Rubén Martín de Lucas mit seiner künstlerischen Arbeit. Bereits in ersten Projekten, die er zusammen mit dem Künstlerkollektiv "Boa Mistura" erarbeitete, widmete er sich der Realisierung von Kunstprojekten mit klarem Bezug zum öffentlichen Raum und zur Natur. Seine Werkreihe STUPID BORDERS, in der er sich in Konzepten und Aktionen mit dem Sinn von Grenzen und dem Begriff "Nation" auseinandersetzt, entsteht seit 2015 als Soloprojekt. Die Arbeiten des 1977 in Madrid geborenen Künstlers wurden bereits mit Preisen ausgezeichnet und befinden sich in öffentlichen wie privaten Sammlungen in Europa, USA und Südamerika. Nach musealen Ausstellungen vorwiegend in Europa, fand im vergangenen Jahr im Museum of Photography in Lianzhou, China eine erste Einzelausstellung der Werke aus STUPID BORDERS im asiatischen Raum statt. Das kritische Hinterfragen der künstlichen und vergänglichen Beschaffenheit von Grenzen sowie der Idee von Nationen ist die Grundlage der MINIMAL REPUBLICS, die Teil der Reihe STUPID BORDERS sind. Es handelt sich um Projekte, in denen Martín de Lucas die Bedeutung von Grenzen ad absurdum führt, indem er selbst ein definiertes Stück Land besetzt. Diese Landnahme basiert auf immer gleichen und bewusst simplen Grundlagen. Für 24 Stunden grenzt er eine 100 m2 große Fläche im öffentlichen Raum, auf Feldern oder auf dem Wasser einer geometrischen Form entsprechend ein und bewohnt sie in dieser Zeit allein. Absurdität und Einfachheit dieser Inbesitznahme regen dazu an, über die eigentliche Natur von Grenzen und über die Bedeutung von Landbesitz zu reflektieren. Luftaufnahmen und Videos dokumentieren diese Aktionen und lassen die künstlerische Arbeit von Rubén Martín de Lucas nachvollziehbar werden. Parallel zur Ausstellung zeigen wir in den anderen Galerieräumen eine Accrochage.
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posted 05. Jul 2020

Eine Schwalbe macht noch keinen Sommer

20. Jun 202004. Oct 2020
opening: 20. Jun 2020 11:00 am
Sonntag, 5. Juli 2020 | 11.30 Uhr **Matinee-Gespräch Iza Tarasewicz** Moderation: Christiane Mennicke-Schwarz, Leiterin Kunsthaus Dresden. Aufgrund der beschränkten Personenanzahl bei Veranstaltungen ist eine Anmeldung bis zum 3. Juni 14 Uhr erforderlich. "Wir freuen uns, dass ab morgen die polnische Künstlerin Iza Tarasewicz ihr aus lebenden Pilzen und anderen konstruktiven Elementen bestehendes, raumgreifendes, künstlerisches Werk THE MEANS, THE MILIEU im Kunsthaus installieren wird. Besucher*innen können der Künstlerin bei der Arbeit an der vielteiligen und komplexen Installation begegnen, während die Arbeit bis zum kommenden Sonntag in alle Räume der aktuellen Ausstellung hinein ‚wächst’." Iza Tarasewicz lebt und arbeitet in Kolonia Koplany im Nordosten von Polen, nahe der Grenze zu Weißrussland. Ihre künstlerischen Installationen und Performances greifen komplexe, natürliche Systeme und deren Visualisierung in naturwissenschaftlichen Modellen auf. Die Installation THE MEANS, THE MILIEU ist ein künstlerisches Langzeitprojekt der Künstlerin, das sich mit Recherchen über Prinzipien der Informationsübermittlung und des Überlebens befasst. Der Pilz, der den Ausgangspunkt ihrer künstlerischen Forschung bildet und auch Material ihres Werkes ist, ist der in Ostasien als Heilmittel eingesetzte Glänzende Lackporling oder Reishi-Pilz. Der chinesische Name des Pilzes Ling Zhi bedeutet „Geist-Pflanze“, andere gebräuchliche Namen sind „Pilz der Unsterblichkeit“ und „Zehntausend-Jahre-Pilz“. Der Pilz, dessen Wirksamkeit in verschiedenen Studien bestätigt wurde, wird in China auch als „König der Heilpflanzen“ angesehen und seit über zweitausend Jahren für eine Vielzahl medizinischer Behandlungen eingesetzt. Anwendung findet der Pilz bei neurologischen Erkrankungen sowie in der Gynäkologie, der Kinder- und Jugendmedizin und bei Erkrankungen des Herz-Kreislaufsystems oder Problemen im Hals-Nasen-Ohren-Bereich. Außerdem wird der Pilz eingesetzt, um das Immunsystem zu stärken, unter anderem bei der Behandlung von Krebspatient*innen. * **Austellung Eine Schwalbe macht noch keinen Sommer** 20.06.2020 - 04.10.2020 Am Eröffnungswochenende, Samstag und Sonntag, dem 20. und 21. Juni ist der Eintritt von 11 bis 19 Uhr frei, kommen Sie also gerne und besuchen Sie uns in der Ausstellung. An beiden Tagen wird das kuratorische Team, bestehend aus Christiane Mennicke-Schwarz, Vincent Schier und Robert Thiele sowie als Vermittlungsteam Peter Krüger und Liam Floyd da sein und in der Ausstellung willkommen heißen. * Mit den Debatten um Subventionen zur Wiederbelebung der Wirtschaft, oder einer möglichen Neuorientierung, ist das Thema der Ausstellung aktueller denn je – wie sichern wir mit dem Überleben der Natur auch die menschliche Existenz? Eine Schwalbe macht noch keinen Sommer ist eine weitverbreitete Bauernweisheit. Beziehungen zur Natur prägen unsere Sprachen und Kulturen – aber ist dieses Wissen noch gültig? Lässt sich anhand des Vogelzugs noch der Sommer bestimmen? Gezeigt werden unter anderem Werke der in Amsterdam und New York lebenden Künstlerin Melanie Bonajo, die die Niederlande auf der Venedig Biennale 2022 vertreten wird. Mit Werken des im März verstorbenen österreichischen Künstlers Lois Weinberger wird auch die Arbeit eines visionären Pionieres der poetischen ‚Feldarbeit’ gezeigt, dessen mitunter provokatives Werk Mensch und Natur stets als Einheit gezeigt hat. Die Südtiroler Künstlerin Gabriela Oberkofler arbeitet in der Ausstellung unter anderem mit einem in der Dresdner Heide gefällten abgestorbenen Baum, die polnische Künstlerin Iza Tarasewicz wird, sobald Reisen wieder möglich sind, ihre Arbeit in die bereits eröffnete Ausstellung „hineinwachsen lassen“. Eine Schwalbe macht noch keinen Sommer ist Teil des vom Kunsthaus initiierten Langzeitprojektes Nachbarschaften und gefördert durch die Ostdeutsche Sparkassenstiftung und die Ostsächsische Sparkasse Dresden.
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posted 04. Jul 2020

NORA TURATO - what do you make of this? did you make this up?

07. Feb 202026. Jul 2020
opening: 06. Feb 2020 06:00 pm
**07.02.2020 – 26.07.2020** NORA TURATO - what do you make of this? did you make this up? (07.02.2020 - 26.04.2020) Opening: 6. Februar 2020, ab 18.00 Uhr Der Nukleus von Nora Turatos Werken liegt in der Verwendung von Sprache. In ihren Videos, skulpturalen Installationen,Künstler*innenbüchern, Wandgemälden und SpokenWordsPer-formances überlagert sie phonetische, semantische sowie bildliche Qualitäten von Sprache. Aus dem alltäglichen Tohuwabohu des Informationsflusses aus Presseartikeln, Chatverläufen, Untertiteln und Werbebotschaften entnimmt Nora Turato Satzfragmente und verdichtet diese zu einem konzentrierten, sprachlich-visuellen Geflecht. Was die Künstlerin tagtäglich umspült, fließt auch in ihre Arbeit ein. In diesem Verfahren ist sie demokratisch. Gleichermaßen können politische Aussagen wie auch Kardashian-Zitate in ihr Konglomerat eingebettet werden. Die entstehende Parallelität reflektiert ein Netzwerk aus sozialen Beziehungen, Vermarktungsstrategien, Konsumhaltungenund ihrer eigenen Subjektivität. Neben dem gezielten Einsatz und Umgang mit Typographiekonnotationen, verwendet Turato auch ihre Handschrift als maßgebende typographische Formel. Dieses Konzept spielt mit der romantischen Idee der Autorenschaft derKünstlerinsowie mit den schriftlichen Überarbeitungsspuren in Vorbereitung auf ihre Performances. Die Handschrift bildet ein persönliches, visuelles Signum, welches im digitalen Schriftverkehr zu verschwinden droht. Nora Turato kanalisiert die Auswürfe unserer Smartphones, wobei sie die Flüchtigkeit von Inhalten nachvollziehbar macht und die ursprünglicheMacht von Sprache und den Verlust dieser Fähigkeit akzentuiert.Sie porträtiert ein Zeitalter, in dem Sprache von ihrer informativen Funktion zum deformativen Getöse geworden ist -basierend auf einem Pool aus Wortfragmenten. „Jeder Pool spiegelt nicht nur das kulturelle Klima und die Ereignisse auf der Welt wider, sondern auch, mit wem ich interagiere und wie ich meine Zeit verbringe.“ (Nora Turato) Nora Turato wurde 1991 in Zagreb geboren und lebt und arbeitet in Amsterdam. Sie studierte an der Gerrit Rietveld Academiein Amsterdam, gefolgt von einem Master an der 'Werkplaats Typografie' in Arnheim. Von 2017-2019 war sie Stipendiatinan der Rijksakadmie van Beeldende Kunsten in Amsterdam. 2019 hatte sie Einzelausstellungen im Kunstmuseum Liechtenstein und in der Beursschouwburg in Brüssel. NachTuratos Einzelausstellung in der Sammlung Philara im Jahr 2020 werden Solopräsentationen im Centre Pompidou in Paris und im MGLC in Ljubljana folgen.


Nora Turato 
Sammlung PHILARA, Düsseldorf

PHILARA | Birkenstraße 47
40233 Dusseldorf

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posted 03. Jul 2020

Flint House Lizard. Ani Schulze

03. Jul 202031. Jul 2020
Flint House Lizard. Ani Schulze Dauer: 3.07.2020 - 31.07.2020 Künstlerin: Ani Schulze Kuratorin: Christin Müller Unter dem Titel Flint House Lizard versammelt Ani Schulze den gleichnamigen Film sowie installative Stoffarbeiten und Zeichnungen in einer Ausstellung bei basis. Sie bilden eine fragmentarische Erzählung, bei der die Auswirkungen der Sonne auf unser menschliches Verhalten als Ausgangspunkt dienen. Die filmische Arbeit Flint House Lizard (2019) kreiert einen surrealen Mikrokosmos, in dem sich Körper, Natur und Technik gegenseitig durchdringen und beeinflussen. Er referiert auf eine Theorie des russischen Wissenschaftlers und Kosmisten Alexander Chizhevsky (1897-1964), die besagt, dass soziale Entwicklungen und Massenbewegungen mit periodischen Sonnenzyklen zusammenhängen und von diesen beeinflusst werden. Im Film finden wir uns in einer scheinbar natürlichen Landschaft mit wurmartigen Gestalten und menschlichen Wesen wieder, die jenen Zyklen zu folgen scheinen. Vom Erwachen über das kollektive Erstarken bis hin zur anschließenden Apathie und Vereinzelung verbleiben die Figuren in einer Art Trancezustand. Der Film ist geprägt durch seinen Spannungsaufbau und der immerwährenden Durchbrechung eines einheitlichen Settings oder einer logischen Narration sowie durch einen Wechsel der filmischen Techniken und intensive Soundkompositionen. Die scheinbar entrückte Welt des Films bleibt bis zum Ende nicht greifbar, und doch zieht sich die Eidechse als konstantes Sinnbild der Erneuerung und Wiedergeburt durch den Film, der selbst einem geschlossenen Kreislauf zu folgen scheint. Einzelne Formen und Elemente aus der filmischen Arbeit finden sich ebenso in den Zeichnungen sowie den Textilarbeiten der Künstlerin wieder. Unter dem Titel Durst referieren die Zeichnungen auf ein natürliches und existenzielles Bedürfnis, das sowohl als treibende Kraft oder verbindendes Grundbedürfnis verstanden werden kann, während die bedruckten Textil-Arbeiten auf eine körperliche Hülle sowie kultische Rituale verweisen. Auf verschiedenen Ebenen taucht Ani Schulze ein in die Bedeutung der Sonnenzyklen und die Frage, wie sich diese auf mythologischer, technischer und wissenschaftlicher Ebene fassen lässt. Dabei gibt es keine eindeutige Antwort. Vielmehr erweisen sich die einzelnen Arbeiten in ihrer Zusammenstellung als fragmentarische Verweise auf einen Prozess von Kontrolle sowie auf das andauernde Verhandeln mit sich selbst und anderen. Die Werke erzählen weiterhin von einer unbestimmten Kraft und setzen damit körperliche Ermächtigung und kollektives Handeln in einen komplexen Bezugsrahmen. Beides verbleibt dabei in einem Schwebezustand zwischen kosmologischer Aufladung und technisierter Steuerung. Ani Schulze (*1982) studierte an der Städelschule in Frankfurt am Main, an der Glasgow School of Arts sowie an den Kunstakademien Düsseldorf und Karlsruhe. Ihre Arbeiten waren bereits in einer Reihe von Einzel- und Gruppenausstellungen, Screenings und Talks, unter anderem im Salzburger und im Kölnischen Kunstverein, im I: Project Space in Beijing, in der Kunsthalle Schirn in Frankfurt, in der Galerie Nagel Dragxler/ Reisebürogalerie in Köln, auf dem Kurzfilmfestival Oberhausen sowie in der Extra City Kunsthal in Antwerpen zu sehen. Die Ausstellung wurde unterstützt von: Kulturamt Frankfurt Der Film wurde unterstützt von: innogy Stiftung


Ani Schulze 
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posted 02. Jul 2020

HI­ER UND JET­ZT im Mu­se­um Lud­wig. Dy­namische Räume

06. Jun 202030. Aug 2020
HIER UND JETZT im Museum Ludwig. Dynamische Räume 06.06.2020 – 30.08.2020 KünstlerInnen: Contemporary And, The Nest Collective, CUSS & Vukani Ndebele, Nkiruka Oparah, Frida Orupabo Für die sechste Ausstellung der Reihe „HIER UND JETZT im Museum Ludwig“ ist das Kunstmagazin „Contemporary And“ (C&) in Köln zu Gast. Gegründet von Yvette Mutumba und Julia Grosse, versteht sich C& als „dynamischer Ort, an dem Themen und Informationen zu zeitgenössischer Kunstpraxis aus afrikanischen Perspektiven reflektiert und vernetzt werden.“ Für ihre vielfältigen Aktivitäten ist die mehrsprachige Internetseite ein Knotenpunkt, zweimal jährlich erscheint ein gedrucktes Magazin. Im Museum Ludwig steht das Langzeitprojekt „C& Center of Unfinished Business“ im Mittelpunkt der Ausstellung. Es handelt sich um eine partizipative Bibliothek, die durch Videos und Publikationen die Spuren kolonialer Machtverhältnisse und deren Wirken bis in die Jetztzeit sichtbar macht. Die Kölner Version des „C& Center of Unfinished Business“ ist ganz auf ihren Standort bezogen. In der für den Museumsraum entwickelten Bibliotheksarchitektur kommen C&s eigene Bestände sowie von C& ausgewählte Publikationen aus der Kunst- und Museumsbibliothek Köln zusammen. Das Projekt knüpft damit dynamische Verbindungen zum Museum, dessen Standort und seinen Besucher*innen. Daneben sind in der Ausstellung Videoarbeiten afrikanischer Künstler*innenkollektive aus der Rubrik „C& Commissions“ sowie Werke afrodiasporischer Künstler*innen zu sehen. Auch diese eröffnen dynamische Räume voller Bilder, die aktuelle Erfahrungen Schwarzer Identität aufgreifen, fremdbestimmende Blicke offen legen und neue Entwürfe gegen stereotype Vorstellungen setzen. Kuratorin: Romina Dümler #HIERUNDJETZT #dynamischeraeume


Romina Dümler 
Museum Ludwig Köln

Bischofsgartenstr. 1
50667 Cologne

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posted 01. Jul 2020

1:1 - Begegnung mit Originalen aus der Sammlung

20. Jun 202030. Aug 2020
1:1 - Begegnung mit Originalen aus der Sammlung 20. Juni – 30. August 2020 Kunst ist ein Versuch, dich einen halben Zentimeter über dem Boden schweben zu lassen. (Yoko Ono) Mit Arbeiten von Richard Joseph Anuszkiewicz, Hella Berent, Rainer Gross, Katharina Grosse, Raymond Hains, Peter Hutchinson, Juergen Klauke, Sherrie Levine, Eva tom Moehlen, Arnold Odermatt, Robyn Page, A. R. Penck, Sigmar Polke, Norbert Prangenberg, David Rabinowitch, Gerhard Richter, Jean-Paul Riopelle, Edward Ruscha, Nora Schattauer, Michael Schoenholtz, Ben Schonzeit, Ursula Schultze-Bluhm, Andreas Slominski, William Turnbull, Troels Wörsel und Rémy Zaugg Kuratiert von Fritz Emslander, kommissarischer Leiter von Museum Morsbroich. Pressekonferenz: Donnerstag, 18. Juni 2020, 11 Uhr Wenn wir nach vielen Wochen des Entzugs endlich wieder das Museum betreten, wird uns klar, was uns – auch im Zeitalter unbegrenzter digitaler Reproduzierbarkeit – gefehlt hat: Das Kunstwerk, das uns nach wie vor mit seiner materiellen Präsenz packen kann. Es bezaubert uns, begeistert uns ästhetisch und berührt uns emotional. Ein Kunstwerk ist aber auch eine Herausforderung, ein Original mit unvergleichlicher Ausstrahlung, ein Gegenüber im Hier und Jetzt! Die Ausstellung 1:1 inszeniert dieses große Wiedersehen mit den einzigartigen Kunstwerken unserer Sammlung auf allen drei Etagen des Museum Morsbroich. In jedem Raum wird nur eine Arbeit ausgestellt und so der Rahmen für ebenso intensive wie exklusive Begegnungen geschaffen. Meet the art work: Treffen Sie unsere Werke ganz persönlich, erleben Sie die Originale wieder unmittelbar und live! Kunst ist nicht nur eine Schule der Wahrnehmung, in der wir auf unser eigenes Sehen oder Nicht-Sehen zurückverwiesen werden. Indem (gute) Kunst weder vom Künstler noch vom Museum auf nur eine Deutung festgelegt wird, sondern sich wesentlich für verschiedene Sichtweisen und Interpretationen öffnet, schafft sie zudem auch „einen freien Raum für den Menschen, wo dieser seine Freiheit üben kann“ (Rémy Zaugg, 2000). Die Ausstellung ist von Samstag, 20. Juni 2020, 11 Uhr, für das Publikum geöffnet. Ciceroni-Aktion: Am Sonntag des Eröffnungswochenendes (21. Juni) sowie an den Sonntagen 26. Juli und 30. August erwarten die Besucher jeweils in der Zeit von 13 bis 16 Uhr unsere Ciceroni (Kunstvermittler) in verschiedenen Räumen der Ausstellung, um mit den Werken und Ihnen ins Gespräch zu kommen und Ihre Fragen zu beantworten. Corona-Hinweis: Das Tragen von Mund-Nasen-Schutz im Museum ist weiterhin verpflichtend. Wir bitten die Besucher die Hinweise zu Hygiene- und Verhaltensregeln zu beachten. Ein Wegeleitsystem ermöglicht die Einhaltung des Mindestabstands.


Fritz Emslander 
Museum Morsbroich, Leverkusen

Gustav-Heinemann-Strasse 80
51377 Leverkusen

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posted 30. Jun 2020

Sue Williams

05. Jun 202025. Jul 2020
Sue Williams 05.06.2020 - 25.07.2020 I visited Sue Williams’ studio on March 8. That means she was among the last people (aside from my wife) with whom I spent any time in person before the Covid-19 pandemic drastically reconfigured our social and working lives to eliminate face-to-face meetings. And her paintings were the very last I saw in person (aside from the ones that hang in my own home). I’m glad it was Sue that I saw, and I’m really glad that I was able to spend that time with her paintings, which have been recurrent in my memory and imagination and helped me sustain what little equilibrium I’ve been able to muster since then. Those paintings, or even just my memory of them, turn out to be good company in catastrophe. They somehow know how I feel living a life turned upside down, a life in which it’s now hard not to feel that calamity has been preparing itself in innumerable abuses of power, whether they take place in the intimate realms of gender and the family or in the geopolitical realm in which governments continue to work behind the scenes to ensure that no good crisis will ever go to waste. Sue is not the only artist whose work has evoked these facts of our collective existence, of course, but the way she brings them into her work is unique, because she has no interest in persuading us of the seriousness of her concerns, or of the importance of her treatment of them; she has never cultivated a style that is austere, grim, or lugubrious, even in the bluntest of her early works. The tone of her work is neither apocalyptic nor mournful. It has always been imbued with humor, but over time the humor has becomes less visceral, more elegant. It’s hard to think of any painter working today whose work is so high-spirited, free-spirited, more buoyant. With her bright, translucent colors, wittily virtuosic and unpredictable line, and lightness of touch, not to mention her anti-gravitational sense of composition in which up, down, and sideways are all one, Sue’s aesthetic might be defined as a Rococo of distress, or as what protest art would be if it could be part of a tradition that somehow encompassed both Florine Stettheimer and Cy Twombly. I’ve remarked before about Sue’s penchant for describing the aesthetic of even her most obscene paintings as “pleasant,” even as “happy.” I think I know what she means: The painting should not take as its model the will to domination that might be its subject. It shouldn’t lean on the viewer, should not pummel the viewer into submission. No. Rather, the painting should lighten the load its viewer carries, not by distracting us from our troubles but by showing that what oppresses us can be made smaller than the spirit that bears witness to it and knows the oppression for what it is. I think that’s why the multitude of distinct images that flow together in each of Sue’s recent works are so petite—because while she can never forget the wrongs and absurdities they chronicle (and nor does she want anyone else to forget them)—she knows that according to the scale of consciousness, they can become puny. What’s “pleasant” in Sue’s paintings is not what the merely pleasant in art usually is, the lie that’s more agreeable than the truth, but rather the triumph of the truth-teller’s art (and what truth could there be without art?) over the very bitterness that is at the heart of the real. To me, that pleasantness—that pleasure—lends the courage to persist. Sue Williams was born 1954 in Chicago Heights, IL, US, and lives and works in New York, NY, US. Her first solo exhibition with Eva Presenhuber took place in 1999. Williams’ work is represented in major museums and private collections worldwide, including the Museum of Modern Art, New York, NY, US; Whitney Museum of American Art, New York, NY, US; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C., US; the Art Institute of Chicago, IL, US; and Sammlung Goetz, Munich, DE. In the fall of 2015, a retrospective monograph was released by JRP|Ringier. Solo exhibitions in museums include Vienna Secession, Vienna, AT; IVAM Valencia, SP; Geneva Center for Contemporary Art, Geneva, CH; and Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, Baden-Baden, DE. Williams participated in 3 consecutive Whitney Biennials in 1993, 1995, and 1997. Major institutional group shows include Comic Abstraction, Museum of Modern Art, New York, NY, US (2007); Rebelle, Museum voor Moderne Kunst Arnhem, Arnhem, NL (2009); Keeping it Real, Whitechapel Gallery, London, UK (2010); Figuring Color, The Institute of Contemporary Art, Boston, MA, US (2012); Take it or leave it, Hammer Museum, Los Angeles, CA, US (2014); America is Hard to See, Whitney Museum of American Art, New York, NY, US (2015); and Painting 2.0, Museum Brandhorst, Munich, DE (2015-16). Barry Schwabsky


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posted 29. Jun 2020

Elmgreen & Dragset. SHORT STORY

16. May 202002. Aug 2020
Elmgreen & Dragset. SHORT STORY ST AGNES NAVE 16.05.2020 – 02.08.2020 Für ihre erste Einzelausstellung in Berlin seit 15 Jahren und der ersten in der KÖNIG GALERIE am 16. Mai präsentieren Elmgreen & Dragset drei neue figurative Skulpturen in einer immersiven Umgebung, die das visuelle Erscheinungsbild der NAVE, dem Kirchenschiff von St. Agnes, transformiert. WICHTIGER HINWEIS: Aufgrund der aktuellen Situation im Zusammenhang mit der Covid-19-Epidemie kann die Ausstellung nur nach Buchung eines Zeitfensters besucht werden. Die Galerie lässt eine begrenzte Anzahl von Besuchern gleichzeitig in die Räumlichkeiten, um die Gesundheit aller Gäste zu wahren. Short Story eröffnet die Bühne für ein Spiel zwischen zwei Jungen. Beim Betreten des Galerieraums trifft der Besucher auf einen fast normalgroßen, aber leicht erhöhten Tennisplatz. Ein Netz in der Mitte trennt die beiden Spieler und schafft eine Art horizontales Diptychon. Die weißen Linien, die auf die orange-braune Bodenfläche gemalt sind, weisen nicht nur auf die festgelegten Regeln des Sports hin, sondern erinnern visuell auch an die Rasterprinzipien der Moderne und die Straßenmarkierungen, die unsere Verhaltensmuster im öffentlichen Raum regulieren. Die weiß bemalten figurativen Bronzeskulpturen der Jungen sind diagonal an den gegenüberliegenden Enden des Spielfeldes aufgestellt – klein und isoliert voneinander auf der großen Fläche. Ihre Körper und Blicke sind voneinander abgewandt, der Dialog und das Spiel zwischen ihnen sind zum Erliegen gekommen. Statt Freude scheint eher ein Unbehagen aus dem Spiel entstanden zu sein, sowohl für den „Gewinner“ als auch für den „Verlierer“. Die Szene ist ein Standbild, das den aufgeladenen Moment nach einer Niederlage festhält, in dem das Publikum als Zuschauer die Erzählung weiterspinnt. War es ein faires Spiel? Gibt es jemals ein faires Spiel? In einer Ecke abseits des Tennisplatzes steht als dritte Figur die eines älteren Mannes, der im Halbschlaf in seinem Rollstuhl sitzt. Mit halb geschlossenen Augenlidern scheint seine Innenwelt seine Außenwelt zu überlagern, während er sich langsam aus der Realität um ihn herum zurückzieht. Es erscheint beinahe so, als sei das Tennisspiel zwischen den beiden Jungen nur eine Vision in seinem Kopf - eine ferne Erinnerung, die in einem Traum wiederauftaucht. Das Szenario in Elmgreen & Dragsets Short Story mit seinen abrupten Narrativen, dem scheinbaren Zerfall der Zeit und den kollidierenden Realitäten lädt zum Nachdenken über Themen wie Individualismus und Wettkampf ein, bietet aber drüber hinaus die Möglichkeit vieler weiterer Lesarten. Elmgreen & Dragset arbeiten seit 1995 als Künstlerduo zusammen, seit 1997 leben und arbeiten sie in Berlin. In ihrer künstlerischen Praxis erforschen sie Fragen nach Identität und Zugehörigkeit. Mit ihren Arbeitsmethoden, die oft konventionelle Formen des Ausstellungsmachens in Frage stellen, strebt das Künstlerduo an, die Bedingungen, unter denen wir als Publikum skulpturale Objekte wahrnehmen, zu rekontextualisieren oder zu verändern. Die Künstler haben zahlreiche Einzelausstellungen in Kunstinstitutionen auf der ganzen Welt veranstaltet, darunter zuletzt eine Überblicksausstellung über ihre skulpturale Praxis im Nasher Sculpture Center, Dallas (2019-20), und eine Ausstellung in der Whitechapel Gallery, London (2018-19), wo sie den Galerieraum in ein verlassenes öffentliches Schwimmbad verwandelten. Elmgreen & Dragset haben zahlreiche öffentliche Skulpturen realisiert, darunter Van Gogh‘s Ear, das erstmals 2016 vom Public Art Fund im Rockefeller Center, New York, präsentiert und nun im K11 in Hongkong installiert wurde; ihre Arbeit Bent Pool wurde im Dezember 2019 im Pride Park, Miami Beach, installiert. Im Jahr 2008 schufen die Künstler das Denkmal für die im Nationalsozialismus verfolgten Homosexuellen, das dauerhaft im Berliner Tiergarten zu sehen ist. 2019 erwarb der Hamburger Bahnhof ihre Statue of Liberty (2018) für den Skulpturengarten. Ihre Arbeiten wurden auf Biennalen in Bangkok (2018), Istanbul (2013, 2011, 2001), Gwangju (2006, 2002) und auf der Venedig Biennale (2009, 2003) gezeigt, wo sie 2009 für ihre Ausstellung The Collectors im nordischen und dänischen Pavillon eine besondere Erwähnung erhielten. Im Jahr 2017 kuratierten die Künstler die Biennale Istanbul. Werke der Künstler sind in zahlreichen Sammlungen vertreten, unter anderem im Museum of Contemporary Art, Chicago, im Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, im Astrup Fearnley Museum, Oslo, im Städel Museum, Frankfurt am Main, in der Pinakothek der Moderne, München, im Hamburger Bahnhof–Museum für Gegenwart, Berlin, im Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main, im Tel Aviv Museum of Art, Tel Aviv, und im Benesse Art Site, Naoshima sowie in vielen weiteren Institutionen. Im Jahr 2002 wurden Elmgreen & Dragset mit dem Preis der Nationalgalerie für Junge Kunst ausgezeichnet; im Januar 2020 erhielt das Künstlerduo den B.Z.-Kulturpreis.
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posted 28. Jun 2020

Marlene McCarty - Into the Weeds

24. Jan 202005. Jul 2020
opening: 23. Jan 2020 06:30 pm
**verlängert bis 05.07.2020** Marlene McCarty (*1957, USA/CH) ist in Basel keine Unbekannte. Von 1978 bis 1983 studierte sie an der Allgemeinen Kunstgewerbeschule in Basel. Nach ihrem Umzug 1983 nach New York arbeitete sie u.a. als stellvertretende Leiterin der MoMA-Abteilung für Grafikdesign. Früh wurde sie Mitglied des AIDS-Aktivismuskollektivs Gran Fury, das mit Auftritten wie 1990 an der Biennale in Venedig international für Aufsehen sorgte. McCarty untersucht mit alltäglichen Materialien wie Grafit und Kugelschreiber brisante gesellschaftliche Themen, die von sozialer und sexueller Ungleichheit, der Rolle der Frau bis hin zu Transbiologie reichen. Sie ist Professorin an der NYU Steinhardt. Die Ausstellung ist McCartys bislang umfangreichste Präsentation in der Schweiz und stellt neben Arbeiten der letzten Jahre auch ein neues Projekt vor, das einmal mehr auf dezidierte Art und Weise Fragen an Macht- und Wissensverteilung innerhalb unserer Gesellschaft stellt. Hierfür kooperiert das Kunsthaus erstmals mit den Merian Gärten, eine Institution der Christoph Merian Stiftung. Das zentrale Zusammenspiel von Mensch und Natur, das durch Wissen, Verständnis und Gestaltung zu einem kulturellen Gut werden kann, ist dabei das zentrale, verbindende Moment. KuratorIn: Ines Goldbach


Ines Goldbach 
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posted 27. Jun 2020


13. Jun 202019. Jul 2020
**13.06.2020 - 19.07.2020** shaped Nils Bleibtreu, Domingo Chaves. Roman Lang, Eilike Schlenkhoff, Filiz Özcelik, Colin Penno Eröffnung: Samstag, den 13. Juni 2020 von 17 - 21 Uhr Einführung: Zur Einführung um jeweils 18 und 20 Uhr spricht der Kurator Wilko Austermann. Finissage: Sonntag, den 19. Juli 2020 von 11 bis 14 Uhr Die Ausstellung „Shaped“ im MMIII Kunstverein Mönchengladbach knüpft an der Ausstellung „Shaped Figure“ 2019 an. Die Künstlerinnen und Künstler präsentieren Kunstwerke, die nicht im klassischen quadratischen Format ausgeführt sind, sondern bewegen sich in dem Raum hinein an der Schnittstelle zwischen Malerei und Plastik. Die ausgewählten Künstler aus dem Rheinland täuschen Räume und geometrische Formen durch diese Verbindung vor. Diese Schau zeigt abstrakte Werke, die sich installativ im Kunstverein einfügen. Nils Bleibtreu Nils Bleibtreu arbeitet in seinen Installationen und Malereien häufig mit vorgefundenem Material. Er verknüpft verschiedene Elemente mit Farbe und entwickelt dabei gezielt Formkontraste. Der intuitive Schaffensprozess im Atelier spielt dabei eine wichtige Rolle. Für den Kunstverein Mönchengladbach baut Bleibtreu eine ortsspezifische Installation mit Folien und Malerei. Bleibtreu hat an der Kunstakademie Düsseldorf bei Tal R studiert. https://www.nilsbleibtreu.de/ Domingo Chaves Domingo Chaves kreiert aus Blättern Malereien, Installationen und Performances. Er sammelt und trocknet die Pflanzen und fügt sie zu einer Fläche zusammen. Die Oberfläche bemalt Chaves und reduziert dadurch die natürliche Struktur. Die Verbindung aller Blätter zu einer Fläche führt zu einer seriellen Struktur, die durch kleine Löcher durchbrochen ist. Chaves zeigt in der Ausstellung eine Bodenarbeit, die einen Dialog zum Ort sucht. Chaves hat an der Kunstakademie Düsseldorf bei Katharina Grosse studiert. Roman Lang Roman Lang baut aus Holztafeln abstrakt, geformte Objekte. Diese sind mit einem geometrischen Muster überzogen und mit knalligen Farben verknüpft. Die Linie verbindet und konstruiert vermeintliche Raumandeutungen. Das Kolorit und die Zeichnung kontrastieren dabei mit der natürlichen Maserung des Holzes. Im MMIII entwickelt der Künstler eine Wandarbeit, in der er Malerei und Objekt miteinander verschmelzen lässt. Lang hat an der Kunstakademie München bei Prof. Ben Willikens and Prof. Gerhard Merz studiert. https://www.roman-lang.com/ Eilike Schlenkhoff Eilike Schlenkhoff malt auf Leinwänden unterschiedliche Striche. Diese einzelnen Arbeiten fügt die Künstlerin seit 2016 zu Wandinstallationen zusammen. Jedes malerische Element erscheint anders und ergibt in ihrer Kontemplation ein grafisches, fast skulptural anmutendes Gefüge. In ihren Bildern entsteht eine abstrahierte und verformte, aber plausible malerische Welt, dessen Realität man als selbstverständlich begreift. Es geht also um eine malerische Annäherung an die Realität, um die Möglichkeiten ihrer Abbildung und die Betonung der Kunstwirklichkeit dieser Abbildung. Schlenkhoff hat an der Kunstakademie Münster bei Prof. Cornelius Völker studiert. http://eilike.de/ Filiz Özcelik Filiz Özceliks Bildwelten entstehen zunächst aus der Zeichnung. Zeitgleich entstehen einzelne Verse, die sie aus Gedichten sammelt, sie durch kleine Veränderungen dekontextualisiert und in ein neues poetisches Gebilde aufbaut. Diese Strukturen stellen die Basis für ihre Bildideen dar und geben ihrem Vorhaben eine Richtung, wie eine Art Kompass. Im Schaffensprozess entsteht eine Wechselwirkung zwischen Bild und Sprache, wobei letzteres am Ende kaum sichtbar wird. Durch die Nutzung verschiedenster Materialien, wie PVC, Knetbeton, Fundstücke, etc., entstehen raumbegreifende Installation, die von der Zweidimensionalität zur Dreidimensionalität hin und her wechseln. Es entsteht ein durch bildnerische Mittel entstandenes Gedicht im Raum. Özcelik hat an der Kunstakademie Düsseldorf bei Prof. Rosemarie Trockel und Prof. Tomma Abts studiert. Colin Penno Colin Pennos Kunst besteht aus abstrakten Zeichen und unterschiedlichen Materialien. Er entwickelt Formen, die er mit einem ungewöhnlichen Malauftrag behandelt. Die „Shaped Canvas“ positioniert Penno häufig skulptural im Raum. Die Aluminium Plastiken in der Ausstellung resultieren aus Überresten seiner Bildproduktion. Diese zeigt er entkontextualisiert im Raum und kreiert damit eine neue Konstellation. Penno hat an der Kunstakademie Düsseldorf bei Prof. Georg Herold und Prof. Martin Gostner studiert. http://www.colinpenno.de/
MMIII Kunstverein Mönchengladbach

Rudolf-Boetzelen-Silo, Künkelstraße 125
41063 Monchengladbach

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posted 26. Jun 2020

Julie Mehretu

26. Jun 202020. Sep 2020
Julie Mehretu 26.06.2020 - 20.09.2020 This mid-career survey of Julie Mehretu (b. 1970, Addis Ababa, Ethiopia) covers more than two decades of the artist’s examination of painting, history, geopolitics, and displacement. Including approximately thirty paintings and thirty-two works on paper dating from 1996 to today, the exhibition presents the most comprehensive overview to date of Mehretu’s practice and her explorations of abstraction, architecture, landscape, scale, and, most recently, figuration. Julie Mehretu is co-organized by the Whitney and the Los Angeles County Museum of Art. The exhibition is curated by Christine Y. Kim, curator of contemporary art at LACMA, with Rujeko Hockley, assistant curator at the Whitney.


Julie Mehretu 
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