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posted 08. Apr 2020

Cao Fei - Fú Chá

17. Jan 202025. Oct 2020
LOCATION: City Hall Wing, Level 5, The Ng Teng Fong Roof Garden Galler Cao Fei - Fú Chá Ng Teng Fong Roof Garden Commission 17 Jan–25 Oct 2020 For the fourth Ng Teng Fong Roof Garden Commission at National Gallery Singapore, Cao Fei has conceived a mysterious scenario: a ship sits seemingly abandoned amidst the gleaming landmarks of Singapore’s Civic District, with the ocean, which would normally surround the vessel, now filling its interior. The work’s title refers to a Chinese fable about a raft that traverses both the Milky Way and the sea, suggesting distant journeys in uncharted waters. The ship’s continual movement and the splashing waves respond to the feng shui of this particular site. Cao Fei was born and raised in Guangzhou in southern China, a historic centre of foreign trade and commerce and integral to maritime exchange networks since the Qin Dynasty. A port city navigable to the South China Sea, Guangzhou became the political and cultural heart of the Pearl River Delta region and a gateway to global trade following its designation as a special economic zone in the mid-1980s. Throughout its existence, the city has been marked by and oriented toward the south. The term Nanyang, literally “the southern seas,” is a sinocentric descriptor for geographical Southeast Asia as a locale for historical waves of migration from China, and has since come to refer to syncretic art styles and cultural movements characteristic of this region during the first half of the 20th century. Cao’s family has personal connections to Nanyang, with ancestors and relatives emigrating there as workers or merchants, but also participating in acts of political change centred around different forms of nationalism. The ship, as the central vehicle of passage from port to port and country to country, becomes for the artist a critical symbol of historical and contemporary flows of peoples and cultures which have transformed this region. Its design, colours and motifs—including the pair of stylised eyes that provide guidance and protection—identify it as a local vessel. Causes of migration and categories of migrants have evolved over time, and the relationships these traders, labourers and sojourners had with both their countries of origin and their destination have likewise undergone complex change. However, Fú Chá seems to set these aside for the moment, focusing instead on the extraordinary process of travel, and the accompanying sense of disorientation and possibility it creates. Singapore, and its identity as a port city shaped by numerous diasporic and migrant communities, forms a bracket for this journey, with Guangzhou. Fú Chá is sited on the roof of the Gallery, and located near the Singapore River, the historical connection to the entrepôt that brought economic activity and rapid development to the city. The site also faces Marina Bay, an area gradually reclaimed from the sea since the early 1970s, which has today become an elaborate monument to commerce and entertainment. In this context, the work might also be seen as a nod to theme parks and their synthetic pleasures, drawing upon the idea of Singapore as a construct where any variety of experiences can be easily created and acquired. The waves that spill out from the ship suggest the turbulence of risk and opportunity, but the structure’s swaying movement is also reminiscent of an amusement park ride. As such, the pliant, mutable element of water contained within appears to be caught up in an arduous cycle of expense and replenishment. In its expression of the shifting relationship between the ship and the sea, and pragmatism and play, Fú Chá continues Cao’s exploration of the surreal forms of alienation within today’s rapidly globalising world. Cao Fei (b. 1978, China) is one of China’s foremost contemporary artists. Her practice uses moving image, photography, installation and performance to explore the daily lives of people navigating accelerated changes in social, political and technological landscapes. Cao’s work has been presented at major exhibitions around the world, and in solo exhibitions at UCCA, Beijing; Centre Pompidou, Paris; and MoMA PS1, New York. Curated by Sam I-shan and Cheng Jia Yun


Cao Fei 
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posted 07. Apr 2020

Images in Debris. Sarah Sze

06. Feb 202013. May 2020
Images in Debris. Sarah Sze 06.02.2020 - 13.05.2020 Sarah Sze’s Images in Debris is the first instalment of The City Is a Collection, a MOCA exhibition series that presents privately owned contemporary artworks from throughout the Toronto community. Constellatory, monumental, intimate and immersive, Images in Debris is one in a series of sculptures by Sarah Sze where light, movement, images and architecture coalesce into a single, precarious equilibrium. Simultaneously a sculptural installation and functional projection tool, Images in Debris lends equal weight to images and objects, exploring the edges between the two and bringing both into dialogue with the surrounding architecture. At its centre is an L-shaped desk, inspired by the artist’s own studio desk, which, acting like a projector at the centre of a planetarium, casts images onto an intricate structure extending from the desktop and across the gallery walls. Scanning the architecture at different speeds, the projections alter our sense of gravity, scale and time. A site of both networked and fractured relationships, Images in Debris analyzes the ways in which we experience the image-saturated contemporary world. Poised at the intersection of the material and the virtual, it offers windows onto moments by turns public and private. The imagery itself — much of it shot on the artist’s iPhone — often points to its own materiality or to changes in material state. A forest burns. Water spills or splashes — a reference to Harold Edgerton’s famous 1936 photograph Milk-Drop Coronet Splash and to the earlier experiments of Muybridge and Marey. Edits, meanwhile, draw attention to processes of decay or transformation, images succumbing to pixilation or becoming ghostly like digital “snow.” In tandem, altered states of consciousness are suggested by imagery that draws on such motifs as that of a child asleep. Within the slow loop of the imagery — in which repetitions take days rather than hours — beginnings and endings are willfully suspended. Here, Sze applies to sculpture the filmic idea of the edit, where meaning occurs in the splice, and the viewer, moving through the space, supplies their own narrative arc. Sarah Sze represented the United States at the Venice Biennale in 2013 and was awarded a MacArthur Fellowship in 2003. The artist has exhibited in museums worldwide, and her works are held in the permanent collections of prominent institutions, including The Museum of Modern Art, the Guggenheim Museum, and the Whitney Museum of American Art, New York; The Fondation Cartier, Paris; The Museum of Contemporary Art, Chicago; The San Francisco Museum of Modern Art; and the Museum of Modern Art, Los Angeles. Sze’s work has been featured in The Whitney Biennial (2000), the Carnegie International (1999) and several international biennials, including Berlin (1998), Guangzhou (2015), Liverpool (2008), Lyon (2009), São Paulo (2002) and Venice (1999, 2013 and 2015). Sze has also created public works for the High Line and Second Avenue Subway Station in New York; the Massachusetts Institute of Technology; and the Walker Art Center in Minneapolis. Centrifuge, a major commission by Haus der Kunst, Munich, occupied the museum’s Middle Hall until 12 August 2018. Sze was born in Boston, Massachusetts, and lives and works in New York. Sarah Sze’s Images in Debris, 2018, is loaned by Audrey and David Mirvish. Additional thanks to Victoria Miro Gallery, London, and Sarah Sze Studio, New York. This exhibition contains bright, flashing lights and may cause discomfort for those with photosensitivity.


Sarah Sze 
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posted 06. Apr 2020


25. Feb 202004. Jul 2020
GEORGES ROUSSE. UTOPIA 25.02.2020 – 04.07.2020 Opening: 22.02., 1-5 pm With the exhibition UTOPIA, Galerie Springer Berlin is presenting new works by Georges Rousse, an artist with whom the gallery has been collaborating since the start of the 1990s. The ‘physical interventions’ he performs in the spaces portrayed in his photographs continue to fascinate and confuse the observer. Even in the digital age, this fascination lives on. Rousse’s ingenious manipulations using constructions, drawings and panting are more surprising than ever in a world where the boundaries between reality and virtual reality are increasingly blurred. Using colour, light and architectural elements, Rousse transforms the three-dimensionality of the space into a two-dimensional photographic surface. Does reality become vision or vision become reality? About Georges Rousse: Georges Rousse was born in Paris on 27 July 1947. He lives and works in Paris and Nice. He received his first camera, a Kodak Brownie, as a gift when he was nine years old. Since then, the camera has never left his side. He left medical school to study photography and printing techniques. After opening his own studio, he dedicated himself to architectural photography. He has received numerous fellowships and awards, including the Prix de Rome, Italy (1986), the Prix ICP (Institute Center of Photography), New York (1988) and the national Grand Prix for photography, France (1993). In 2008, he succeeded Sol LeWitt as associate member of the Royal Academy in Belgium. His works are included in many private and public collections around the world.
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posted 05. Apr 2020

Ian McKeever - Bilder

08. Feb 202001. Jun 2020
Ian McKeever - Bilder 08.02.-01.06.2020 Ian McKeever zählt zu den bedeutendsten britischen Malern seiner Generation. Er ist bekannt für seine großformatigen Werkgruppen, in denen sich der behutsame Einsatz von Farbe und die stark reduzierte Sprache organischer Formen zu monumentalen Bildern fügen. Im Skulpturenpark Waldfrieden zeigt er zehn seiner Arbeiten aus der Werkgruppe HENGE. McKeever wurde 1946 in Withernsea, East Riding of Yorkshire geboren und ist dort aufgewachsen. 1968 begann er als Künstler zu arbeiten, 1970 eröffnete er sein erstes Studio im SPACE, St. Katherine's Dock, London, in einer von Bridget Riley und Peter Sedgley ins Leben gerufenen Künstlerinitiative. Seine erste Gruppenausstellung fand 1971 in West-Berlin statt. Bald darauf folgte seine erste Einzelausstellung im Cardiff Arts Center. Er wurde 1973 mit dem Arts Council Bursary ausgezeichnet und hatte im selben Jahr seine erste Einzelausstellung in London, am Institute of Contemporary Arts (ICA). 1989 erhielt er das DAAD-Stipendium in Berlin. 1990 folgte eine große retrospektive Ausstellung seiner Arbeiten in der Whitechapel Gallery in London. 2003 wurde er zum Royal Academician gewählt.


Ian McKeever 
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posted 04. Apr 2020

Gilbert & George. THE GREAT EXHIBITION, 1971–2016

22. Feb 202010. May 2020
opening: 21. Feb 2020 06:00 pm
Gilbert & George. The Great Exhibition, 1971–2016 22.02.2020 - 10.05.2020 Eröffnung: 21. Februar 2020, 18 Uhr Kuratoren: Hans Ulrich Obrist & Daniel Birnbaum Gilbert & George:THE GREAT EXHIBITION, 1971–2016wird von der Luma Foundation und dem Moderna Museet (Stockholm) in Zusammenarbeit mit Luma Westbau und der Kunsthalle Zürich organisiert. Kuratoren: Hans Ulrich Obrist und Daniel Birnbaum. Die Ausstellung mit Leihgaben aus Museen und Privatsammlungen dauert vom 22. Februar bis zum 10. Mai 2020(Eröffnung am 21. Februar 2020). Die beiden britischen Künstler Gilbert & George arbeiten seit nunmehr einem halben Jahrhundert eng zusammen. Dabei ist ein herausragendes Werk entstanden, das bis heute von grosser Brisanz und wegweisender Bedeutung ist. Dies zeigt THE GREAT EXHIBITION, 1971–2016 nun auf umfassende Weise und ermöglicht damit einen einzigartigen Blick auf ihr bildgewaltiges, uferloses – und zeitweise provokantes – Universum. Die Ausstellung ist in enger Zusammenarbeit mit Gilbert & George entstanden und sie werden zur Eröffnung am 21. Februar in Zürich anwesend sein. Damit kehren sie nach über 25 Jahren wieder in die Schweiz zurück, denn zuletzt war ihre Kunst 1992 in der Kunsthalle Zürich zu sehen (Kurator Bernhard Mendes Bürgi). Somit ist THE GREAT EXHIBITION, 1971–2016auch ein Comeback, das es mit Stolz und Freude zu feiern gilt! Seit ihrer ersten Ausstellung in der Londoner Saint Martin's School of Art im Jahr 1967 stellen Gilbert (*1943) und George (*1942) den künstlerischen Kanon in Frage. Gleichzeitig Subjekt und Objekt ihrer Arbeit, bilden sie eine vollkommene künstlerische Einheit. Ohne We n n u n d A b e r g e b e n s i c h d i e s e b e i d e n K ü n s t l e r d e r K u n s t hin und hören nicht auf, sie mit harter Disziplin und endloser Phantasie ständig zu erweitern. Dadurch ist über die Jahrzehnte ein in jeder Hinsicht beeindruckendes Oeuvre und ein machtvolles Panorama von tausenden von Bildern entstanden. Kompromisslos und ohne Scheuklappen zeichnet dieses unsere Welt nach und erweist sich immer wieder von Neuem als zukunftsweisend. «Wir wollen, dass die Kunst das Intolerante aus dem Liberalen hervorholt. Und umgekehrt das Liberale aus dem Intoleranten hervorholt.» (Gilbert & George) Die Kunst von Gilbert & George dreht sich um Tod, Hoffnung, Leben, Angst, Sex, Geld, Rasse und Religion. Es sind komplexe, widersprüchliche Themen, die sie auch so wiedergeben: fröhlich und zugleich tragisch, packend und erschreckend, grotesk und ernst, surreal und symbolisch. Über fünf Jahrzehnte ist so eine eindringliche Ikonografie entstanden, die alles furchtlos und direkt angeht – was manche Betrachterinnen und Betrachter vielleicht schockieren oder beunruhigen wird. Schockieren ist aber nicht ihr Ziel, im Gegenteil: sie wollen viel mehr «ent-schockieren» und hervorbringen, was in uns allen bereits angelegt und vorhanden ist. Es geht darum, sichtbar zu machen, was sich vor unseren Augen in dieser wunderbaren und gefährlichen Welt abspielt. Von Punks zu Hipstern, von Polizisten zu Außenseitern, von Schlagzeilen zu Werbung, all das erforscht das Werk von Gilbert & George mittels ihres «magischen» Blicks, ohne Scheu und Scham. Wie unermüdliche, grimmige und sture Wächter schreiben sie so an einer einzigartigen Chronik voller Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. THE GREAT EXHIBITION, 1971-2016 versteht sich – wie die Künstler selbst – als demokratisch, verschwenderisch und extravagant. In einer engen Umarmung aller menschlicher Gefühle fordern Gilbert & George eine «Kunst für alle» und genau das zelebriert auch diese Ausstellung. Zur Ausstellung erscheint ein reich illustrierter Katalog mit neuen Interviews von Hans Ulrich Obrist und Daniel Birnbaum mit Gilbert & George. Jedes Interview steht dabei für ein Jahrzehnt ihres Schaffens. Die zweisprachige Ausgabe (französisch und englisch) wird vom HENI Verlag publiziert. Biografie – Gilbert & George Gilbert (*1943 in den Dolomiten, Italien) und George (*1942 in Devon, UK) leben und arbeiten in London. Sie haben gemeinsam an vielen wichtigen Gruppen- und Einzelausstellungen teilgenommen wie der 51. Internationalen Biennale von Venedig (2005), Turner Prize, London (1984), und Carnegie International, Pittsburgh (1985). Umfangreiche Einzelausstellungen in Institutionen wie Whitechapel Art Gallery, London (1971–72); Kunsthalle Zürich (1992); Secession Wien (1992); National Gallery, Beijing, und Shanghai Art Museum (1993); Stedelijk Museum, Amsterdam (1995–96); Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (1998); Serpentine Gallery, London, und Kunsthaus Bregenz (2002); Kestnergesellschaft, Hannover (2004–05); Tate Modern, London und Haus der Kunst, München (2007); Brooklyn Museum of Art, New York, und Philadelphia Museum of Art (2008); CAC Malaga, Museum of Contemporary Art, Zagreb, und Palais des Beaux Arts, Brüssel (2010); Deichtorhallen, Hamburg, und Kunstmuseum Linz (2011); Laznia Centre for Contemporary Art Gdansk (2011–12); The Museum of Modern Art, New York (2015). Gilbert & George THE GREAT EXHIBITION, 1971 - 2016 Kuratiert von Hans Ulrich Obrist und Daniel Birnbaum. Gilbert & George: THE GREAT EXHIBITION, 1971–2016 wird von der Luma Stiftung und dem Moderna Museet (Stockholm) in Zusammenarbeit mit Luma Westbau und der Kunsthalle Zürich produziert und organisiert. Die bisherigen Stationen der Wanderausstellung waren Luma Arles (Frankreich), das Moderna Museet (Stockholm) und Astrup Fearnley Museet (Oslo). Nach Zürich ist die Ausstellung im Reykjavik Art Museum in Island zu sehen (6. Juni bis 20. September 2020). Katalog Gilbert & George: THE GREAT EXHIBITION Ein reich illustrierter Katalog, mit fünf neuen Interviews von Hans Ulrich Obrist und Daniel Birnbaum mit Gilbert & George, von denen jedes für jeweils ein Jahrzehnt ihres Schaffens steht. Zweisprachige Ausgabe (französisch / englisch); 460 Seiten, 200 Abbildungen; Herausgeber: Luma und HENI Publishing.
LUMA Westbau, Zürich [bis auf Weiteres geschlossen]

LUMA | Löwenbräukunst, Limmatstrasse 270
8005 Zurich

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posted 03. Apr 2020


06. Feb 202003. May 2020
opening: 05. Feb 2020 07:00 pm
RICHARD JACKSON. UNEXPECTED UNEXPLAINED UNACCEPTED EINE RADIKALE ERWEITERUNG DER MALEREI: DIE SCHIRN KUNSTHALLE FRANKFURT PRÄSENTIERT RICHARD JACKSONS ROOMS 06.02.2020 - 03.05.2020 ERÖFFNUNG DER AUSSTELLUNG Die Ausstellung „Richard Jackson. Unexpected Unexplained Unaccepted“ wird am 5. Februar 2020 um 19 Uhr eröffnet. Der Künstler ist anwesend. Wie kein anderer Künstler seiner Zeit hat sich Richard Jackson der radikalen Erweiterung der Malerei verschrieben. Der US-amerikanische Künstler sprengt die formalen Grenzen des Malerischen und schafft Situationen, in denen er den Farbauftrag durch den Einsatz von Maschinen mit dem Prozesshaften verbindet. Die Schirn Kunsthalle Frankfurt präsentiert vom 6. Februar bis zum 3. Mai 2020 erstmals in einer Ausstellung fünf der insgesamt zwölf existierenden, charakteristischen Rooms von Richard Jackson – Rauminstallationen, die auf dem Prinzip der automatisierten Malerei basieren. Zum Teil von allen Seiten, zum Teil nur durch Fenster oder Gucklöcher einsehbar, offenbart die Schirn Einblicke in Bed Room (Schlafzimmer, 2002), The Delivery Room (Kreißsaal, 2006/07), The Dining Room (Esszimmer, 2006/07), The Maid’s Room (Dienstmädchenzimmer, 2006/07) sowie The War Room (Kommandozentrale, 2006/07). Jackson kombiniert kritische Kommentare zur Malerei mit sozialen Kontexten, paart sie mit provokativem Witz und Doppeldeutigkeiten sowie Referenzen auf ikonische Werke von Künstlern wie Marcel Duchamp, Robert Rauschenberg oder Jasper Johns. In den Räumen werden comicartige Figuren, Tiere oder Gegenstände zu Akteuren eines einmaligen Prozesses: Luftkompressoren und Pumpen lassen satte Farbe durch Schläuche und Trichter, durch Ohren, Münder und andere Körperöffnungen fließen, um sie jeweils auf Boden, Wänden, Einrichtung und den Protagonisten selbst zu verteilen. Die thematischen Zimmer dokumentieren eine vom Künstler losgelöste Malerei, die ins Räumliche expandiert. Wenn das Publikum die Fläche betritt, ist schon alles vorüber. Es wird zum Ermittler des vorausgegangenen spektakulären Malakts und zum Voyeur skurriler Szenarien. Die Ausstellung „Richard Jackson. Unexpected Unexplained Unaccepted“ wird unterstützt von der Stadt Frankfurt am Main und gefördert durch die SCHIRN ZEITGENOSSEN. Dr. Philipp Demandt, Direktor der Schirn Kunsthalle Frankfurt, über die Ausstellung: „Richard Jacksons Rooms verbinden auf besondere Weise seine humorvolle wie provokative Kritik an Kunst und Gesellschaft. Die Schirn vereint nun erstmals fünf dieser eigensinnigen und bisweilen kruden Alltagsszenen, die der Künstler durch automatisierte Malmaschinen mit grellbunten Farben überzieht. Jackson gelingt hier eine beeindruckende malerische Setzung, mit welcher er seine Werke zerstört und damit erst kreiert.“ Matthias Ulrich, Kurator der Ausstellung, über den Künstler: „Richard Jackson betreibt seit den 1970er-Jahren eine konsequente Weiterführung der Malerei – bis hin zur maschinellen Herstellung von Gemälden, die sich in den Raum ausbreiten. Genau genommen handelt es sich dabei um den Versuch der Entpersonalisierung des Malprozesses. In Jacksons Arbeit sind das Kunstwerk und seine Herstellung identisch. Beides steht im Zentrum, beides kann getrennt voneinander betrachtet werden und fügt sich schließlich zu einer Einheit, zu einem Bild.“ Richard Jackson entwickelte seine Arbeitsweise, die dem sogenannten expanded painting (erweiterte Malerei) zugeordnet wird, vor dem Hintergrund des US-amerikanischen Kunstdiskurses der 1960er-Jahre, der durch den abstrakten Expressionismus und die konzeptuelle Minimal Art geprägt wurde. In den 1970er- und 1980er-Jahren stellte er die konkrete Herstellung eines Gemäldes aus Keilrahmen, darüber gespannter Leinwand und Farbe in den Vordergrund. Seine Wall Paintings malte der Künstler mit der noch nassen Bildfläche der Leinwand direkt auf die Museumswand und ließ diese dort mit dem Rücken zum Betrachter als Referenz auf den Entstehungsprozess hängen. Oder er stapelte Hunderte Leinwände zu dreidimensionalen Körpern und begehbaren Skulpturen im Raum, so dass nur noch die seitlich herausquellende Farbe auf die bemalten Flächen hindeutete. Damit reflektierte und kritisierte er gleichzeitig die institutionellen Konventionen und Sehgewohnheiten der Kunstwelt. Durch den Einsatz von eigens präparierten Fahrzeugen oder selbst gebauten Maschinen entwickelte er schließlich eine automatisierte und von der menschlichen Geste unabhängige Malerei, die auch seine Rooms charakterisiert. In diesen Installationen wird per Knopfdruck einmalig Farbe verspritzt, um ein dreidimensionales Gemälde zu schaffen. Der Prototyp von Jacksons Rooms ist die nicht mehr erhaltene Arbeit The Bedroom, die als Experiment zwischen 1976 und 1982 entstand. Bezugnehmend auf Robert Rauschenbergs Bed (1955) baute Jackson ein komplettes Schlafzimmer mitsamt der Einrichtung nach und überzog den gesamten Raum von oben bis unten mit gestischen Farbspuren und -klecksen. In dieser ersten Version agierte der Künstler noch selbst als Maler. Die Schirn präsentiert das spätere Remake der Arbeit Bed Room (2002), in der Jackson das Mobiliar des Zimmers reduzierte und den Malakt vom mit Farbe gefüllten Bett ausführen ließ, das diese kreisförmig an der Decke des Zimmers verteilte, angehoben von einem rotierenden Lift. Auch The Maid’s Room (2006/07) entwickelte Jackson in intensiver Auseinandersetzung mit einem Kunstwerk: Marcel Duchamps ikonische Arbeit Étant donnés: 1° la chute d‘eau / 2° le gaz d’éclairage (1946–1966). Jackson verlegte in seiner Neuinterpretation das Geschehen von einem Waldstück in einen Innenraum und veränderte elementare Motive, ersetzte etwa den bei Duchamp titelgebenden Wasserfall durch ein Waschbecken sowie die Gasleuchte durch ein Staubsaugerrohr, aus dem er Farbe spritzen ließ. Das zentrale Moment, der voyeuristische und zugleich eingeschränkte Blick der Betrachter durch ein Guckloch bzw. schmalen Fensterspalt auf einen nackten Frauenkörper mit gespreizten Beinen blieb jedoch erhalten. Mit der Arbeit referiert Jackson zugleich auf eine bereits von Duchamp zitierte künstlerische Darstellungstradition, in der das weibliche Geschlecht eine Metapher für die Lust am Schauen sowie das Schöpferische an sich darstellt, etwa auch bei Gustave Courbets Gemälde L’Origine du Monde (1866). Diesen Aspekt greift auch The Delivery Room (2006/07) auf, eine martialische Geburtsszene in einem Kreißsaal, in der sich ein Arzt über eine gebärende Frau beugt. Um sie herum sind Säuglinge, Unterleibsprothesen, Farbeimer und explosiv im ganzen Raum verteilte Farbe zu sehen. Wie in vielen von Jacksons Installationen bekommt Farbe hier die Konnotation von Körperflüssigkeiten. Ein Mann, vermutlich der Vater, filmt mit seiner Kamera das Geschehen, das auf einen Monitor nach draußen übertragen wird. Nur von dort oder durch ein kleines rundes Fenster erhalten die Betrachter Einblick in das Geschehen. Die qualvolle Geburtsdarstellung verweist auch auf die Anstrengungen künstlerischen Schaffens und demontiert in der komisch-wüsten Inszenierung zugleich eine nicht zuletzt im abstrakten Expressionismus zelebrierte Heroisierung der malerischen Schöpfung. The Dining Room (2006/07) zeichnet ein anderes groteskes Familienporträt, das Jackson in einen von allen Seiten offen einsichtigen Raum platziert. Mitten auf dem Esstisch im Zentrum hockt mit heruntergelassener Hose der Vater und lässt seinem Unmut buchstäblich freien Lauf. Bunte Farbe ist quer über Tisch, Geschirr, Boden und die restlichen Familienmitglieder verteilt, die apathisch an der Szene teilnehmen. In die Eskalation scheinen sie dennoch auf befremdliche Weise involviert. Durch Trichter und Kanister läuft Farbe in ihre Köpfe, um an anderer Stelle wieder herauszufließen und sich im Raum auszubreiten. Über dem Tisch verkündet ein Kronleuchter in blinkender Leuchtschrift „HOME SWEET HOME“. Der Schauplatz der Installation The War Room (2006/07) ist ein politisches Schlachtfeld. Komplementärfarbige Entenfiguren in Militärmontur und mit rosa Brüsten als Augen stehen sich um einen polyedrischen Globus paarweise gegenüber und haben sich gegenseitig mit Farbe bespritzt, zwei weitere kopulierende Figuren verstecken sich in seinem Inneren. Die Weltkarte referiert auf die von Richard Buckminster Fuller patentierte Dymaxion Map, welche mit 20 gleichseitigen Dreiecken eine proportional korrekte Darstellung der Kontinente ermöglicht. Jackson zeigt sie gespickt mit Ölfördertürmen im Miniaturformat, welche die kriegerische Szene schließlich als einen Kampf um knapper werdende Ressourcen entlarven. Wie The Dining Room steht dieser ebenfalls offene Raum auf einem puzzleartigen Boden. Er ist die für Jackson typische Lösung eines technischen Problems – der Schutz des Untergrunds beim Malakt. Gleichzeitig verweist das Puzzle auf den performativen Vorgang des Herstellens eines Kunstwerks und die Rezeption, die den malerischen Prozess rekonstruiert. Richard Jackson (*1939) lebt und arbeitet bei Los Angeles, Kalifornien, wo er 1989 bis 1994 Skulptur und neue Formen an der University of California (UCLA) unterrichtete. Seine Werke wurden international in zahlreichen Ausstellungen präsentiert. 1997 war er auf der 4. Biennale in Lyon und 1999 auf der 48. Biennale in Venedig vertreten. 2013 widmete ihm das Orange County Museum of Art (OCMA) in Newport Beach, Kalifornien, eine Retrospektive, die anschließend in der Villa Stuck, München, und im Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (S.M.A.K.), Gent, gezeigt wurde. Die Ausstellung wird gefördert durch die SCHIRN ZEITGENOSSEN, einem Kreis privater Förderer junger Kunst an der Schirn Kunsthalle Frankfurt. Die Schirn dankt Jan Bauer und Lena Wallenhorst, Oliver und Nicole Behrens, Olaf Gerber und Nicole Emmerling de Oliveira, Markus Hammer und Birgit Heller, Hartmuth und Lilia Jung, Andreas Lukic und Sunhild Theuerkauf-Lukic, Shahpar Oschmann, Björn und Kim Robens, Jörg Rockenhäuser und Vasiliki Basia, Reiner Sachs und Brigitta Bailly sowie Julia Schönbohm und Ralf Böckle für ihr Engagement. KATALOG RICHARD JACKSON. UNEXPECTED UNEXPLAINED UNACCEPTED, herausgegeben von Matthias Ulrich. Mit einem Vorwort von Philipp Demandt. Essays von Chris Kidd, Christian Janecke und Matthias Ulrich sowie Werktexten von Johanna Laub und Ansichten der Werke. Dt./Engl. Ausgabe, 112 Seiten, 53 Abb., 22 x 30 cm (Hochformat), Verlag Kettler, ISBN 978-3-86206-787-9, ca. 25 € (SCHIRN), 32 € (Buchhandel)


Matthias Ulrich 
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posted 02. Apr 2020

Ulla von Brandenburg. Le Milieu Est Bleu

21. Feb 202017. May 2020
Ulla von Brandenburg. Le Milieu Est Bleu 21.02.2020 - 17.05.2020 For this new exhibition at the Palais de Tokyo, Ulla von Brandenburg (born in 1974 in Karlsruhe, lives and works in Paris) has imagined a total, evolving project, inspired from the theatre, as well as its imaginary and conventions. Around the notion of ritual, understood as the possibility to explore the relationships between individuals and groups, and to create or not to create something in common, the artist invites the public to take part in an immersive and renewed experience of the themes, forms and motifs that feed into her work: movement, the stage, colours, music, textiles... Installations, sculptures, performances and films specially conceived for the exhibition answer to one another and tangle together to form an open narration, between authenticity and artifice, the natural world and human activities, the interior and the exterior, fiction and reality. As often in her work, the public is invited to penetrate inside the pieces on display, and cross over the thresholds materialised by broad sheets of fabric. Thus, right in the entry hall, a vast installation of painted curtains, pierced in the centre by a large circle, appears—like optical devices inspired by the opening of a photographic lens. This preparatory passage, or crossing through the fourth wall, which is at once open and fantastical, leads into the exhibition while providing an initial immersion into colour, a reflexion about the nature and fragility of the materials; but also the capacity to evoke a universe immediately, be it fictional or real. This twofold relationship with images, this construction of a representational framework and this involvement of bodies, is pursued though a very large textile installation, which also reveals the artist’s interest in this transportable and modulable material, which circulates, is exchanged and metamorphosed over the ages and by the communities that produce it. It is deployed across five environments, produced using coloured fabrics coming from the artist’s previous pieces. Each of these shelters, with their uncertain geometries, has a function or temporality: action, figure, ritual, night, habitat. During the entire duration of the exhibition, every Saturday five performers will construct and deconstruct these spaces by using a certain number of ritual actions to handle the works/props on show: outsized sticks of chalk, ropes, fishing-rods, quilts, twin dolls of the performers, bowls, a haystack, fish traps, torn fabrics gradually invading the floor, etc. The exhibition thus affirms its capacity for transformation, creating constantly renewed narratives and singular combinations. Thanks to a play of recurring gestures, costumes and props, these weekly performances announce the film situated at the heart of the exhibition, shot in colour with the same group of performers/dancers at the Théâtre du Peuple in Bussang in the Vosges. Constructed on the side of a mountain in the late 19th century, this is a popular, humanist theatre, whose motto is written on its proscenium arch: “By art for Humanity.” Among other particularities, its backstage opens out onto the forest, so as, in its creator’s words “to cleanse art by nature.” By investing this site which is historically and symbolically charged with “both a humanistic and artistic ideal [which] consisted in creating in the mountains of the Vosges a theatrical festival destined to all people, in all their social spheres,” Ulla von Brandenburg has imagined a tale, like a rite of passage, or phantasmagorical ethnology. For, the artist has filmed a “micro-society, as though it were the last of its kind, bearing witness to its workings, its values but also its capacity to change and to open out towards the exterior.” In this way, she brings up to a reflection on the popular, the common, the community, while attempting to abolish the distinctions between the public and the private, professionalism and amateurism, sedentariness and nomadism, nature and culture. In this, there can be seen numerous variations on loss, giving, transmission, abandon, flight or else a choreography without any other object than itself. Opening on a more fantastical dimension, the last part of the exhibition is made up of a labyrinthine installation whose sheets of faded blue fabric, which have also been recycled, show the projections of five films shot under water, in which objects (a mirror, a shoe, a dress…) appear and disappear as though after a shipwreck. As a counterpoint to the terrestrial, rural world at the beginning of the exhibition, these subaquatic visions evoke at once a hereafter, a vanishing of the human being, or else a descent into the subconscious. Biography Ulla von Brandenburg is a German artist born in 1974 in Karlsruhe and based in Paris since 2005. After training as a scenographer in Karlsruhe and a brief period spent in the world of the theatre, she studied at the Hochschule für Bildende Künste in Hamburg. Her work is characterised by a diversity of means and media (installations, films, watercolours, murals, collages, performances…) that answer to one another and which she stages according to different exhibition spaces. Perfectly mastering the codes of scenography, nourished by literature, the history of the arts and architecture but also psychanalysis, spiritism and magic, she derives as much from esoteric rituals and popular ceremonies, as from the mechanisms and codes of the theatre, to explore the construction of our social structures. Masks, costumes, sets and props coming from different popular traditions thus allow her to transgress symbolically norms and hierarchies by subtly mingling reality and appearances in theatrical presentations. Her internationally recognised work has appeared in numerous solo shows, recently for example at the MRAC in Sérignan (2019), the Whitechapel Gallery in London (2018), the Musée Jenisch Vevey in Switzerland (2018), the Kunstmuseum in Bonn (2018), the Perez Art Museum in Miami (2016) or the Contemporary Art Museum of Saint Louis (2016). Her works are included in such prestigious collections as the Tate Modern in London, the MAMCO in Geneva, the Centre Pompidou in Paris or the Mudam in Luxembourg. Her work is represented by the Art : Concept gallery in Paris, the Pilar Corrias Gallery in London, the Produzentengalerie in Hamburg and the Meyer Riegger gallery in Karlsruhe and Berlin.
Palais de Tokyo, Paris

13, avenue du Président Wilson
F-75116 Paris

Franceshow map
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posted 01. Apr 2020

John Akomfrah [Secession vorübergehend geschlossen]

21. Feb 202021. Jun 2020
opening: 20. Feb 2020 07:00 pm
John Akomfrah 21.02.2020 - 19.04.2020 **(verlängert bid 21.06.)** Eröffnung: Donnerstag, 20. Februar 2020, 19 Uhr Ausstellungsgespräch:Freitag, 21. Februar 2020, 18 Uhr John Akomfrah im Gespräch mit Osei Bonsu Der Filmemacher und Drehbuchautor John Akomfrah untersucht in seinen atmosphärischen Filmen dieStruktur von Erinnerung, die Erfahrungen von MigrantInnen in ihren Diasporen und die historischen,gesellschaftlichen und politischen Hintergründe des Postkolonialismus. Als Gründungsmitglied deseinflussreichen Black Audio Film Collective (1982–1998) arbeitet er bis heute mit seinen Künstler-gefährten David Lawson und Lina Gopaul zusammen. Schon früh etablierte er den vielschichtigenvisuellen Stil seiner filmischen Essays, für die er Archivmaterial aus verschiedenen historischen Epochen,Texte aus literarischen und klassischen Quellen und neu gefilmte Sequenzen kombiniert und aufpoetische Weise ineinander schneidet. Seine filmischen Montagen widersetzen sich dabei stets einereinzelnen Erzählung oder historischen Chronologie. Vielfach bestehen die immersiven Videoinstallationendes Künstlers auch aus mehrkanaligen Bildkompositionen, in denen er mittels Gegenüberstellungen undDialogen zwischen den Bildern und Sounds die unterschiedlichen Momente und Erzählungen auslotet. In der Secession zeigt John Akomfrah drei Filminstallationen, die sich thematisch ergänzen: DieDreikanal-ProjektionVertigo Sea (2015) sowie die zwei einfachen ProjektionenPeripeteia(2012)undMnemosyne (2010). Ein wiederkehrendes und alle drei Filmarbeiten verbindendendes Motiv ist dabei dasWasser. Es fungiert als Gedächtnisspeicher und bezeichnet in seiner unermesslichen Form des Ozeansjenen Ort, an dem die kolonialen Eroberungen und der transatlantische Sklavenhandel ebenso Formannahmen wie heutige Migrationsbewegungen. In Vertigo Sea fokussiert der Künstler zudem den Klimawandel und verhandelt die komplexenVerflechtungen zwischen der Zerstörung der natürlichen Welt durch die Menschheit und derenSelbstzerstörung. Überwältigende Naturaufnahmen bilden den Hintergrund für eine vielschichtigeVerschränkung von Geschichte, Fiktion und Philosophie. Die Palette der Bilder umfasst neben gefundenem Material aus dem BBC-Archiv für Naturfilme auchAusschnitte aus TV-Reportagen über die Walfangindustrie und Flüchtlinge im Mittelmeer sowie neu geschaffene Aufnahmen, die auf der Insel Skye, den Färöer-Inseln und im Norden Norwegens gedrehtwurden. Die Montage der Bilder wird abgerundet durch eine Komposition aus Walgesängen, Musik von Streichorchestern, Lärm von Gewehrschüssen und Explosionen und der Lesung literarischerMeisterwerke, die das Meer thematisieren, wie beispielweise Herman MelvillesMoby Dick, VirginiaWoolfsTo the Lighthouse und Heathcote Williams’ GedichtWhale Nation. Mehrfach ist eine Figur in einer historischen Uniform zu sehen. Sie verkörpert Olaudah Equiano(1745–97), der als ehemaliger Sklave ein Kämpfer für das Verbot des Sklavenhandels und der Verfassereiner damals breit rezipierten Autobiographie war. Geboren in der Igbo-Region im heutigen Nigeria, wurde er als Zehnjähriger an Sklavenhändler verkauft, nach Amerika verschifft und mehrfachweiterverkauft, bevor es ihm mit Anfang Zwanzig gelang sich freizukaufen. Fortan führte er einselbstbestimmtes Leben: Er arbeitete auf verschiedenen Handelsschiffen, nahm an einerForschungsreise in die Arktis teil und verbrachte schließlich seinen Lebensabend in England. Akomfrahstellt Equiano einsam und verloren auf das Meer blickend in einer Form dar, die an die romantischenGemälde von Caspar David Friedrich erinnert. Dadurch wird er für die BetrachterInnen zu einerpotenziellen Identifikationsfigur. Mit ihm blicken wir auf die Komplexität der dargestellten Realität, in dererhabene Schönheit und existenzieller Schrecken gleichermaßen und gleichzeitig zu finden sind. Durch die vielfache Gegenüberstellung scheinbar unvereinbarer Erzählstränge eröffnet Akomfrah in Vertigo Sea ungeahnte Deutungshorizonte. Dem Titel der Arbeit entsprechend, verdichten sich dieErzählstränge zu einer Art schwindelerregendem Strudel, in dem die Verflechtungen von geopolitischenKonflikten, die immer noch virulente Geschichte von Kolonialismus, Sklaverei und Migration und dieUnterwerfung der Natur durch die moderne kapitalistische Gesellschaft auf eine Zeit und Raumübergreifende Art und Weise sichtbar werden.Die beiden anderen Filme,MnemosyneundPeripeteia, sind Meditationen über das Leben in Diasporenund das Wesen der Erinnerung beziehungsweise auch das Verschwinden in der Geschichte. In Peripeteianimmt Akomfrah einige der ersten Darstellungen von schwarzen Menschen in der westlichen Kunst wieAlbrecht Dürers Charakterstudien Porträt eines Afrikaners (1508) undPorträt von Katharina(1521) alsAusgangspunkt, um nach dem Schicksal der dargestellten Menschen zu fragen und ihre Geschichtenneu zu denken. Gezeigt wird die Wanderung der anonymen Figuren, die durchnässt und verloren durcheine menschenleere Landschaft streifen. Der Film erinnert daran, wie sehr schwarze Identitäten demVergessen ausgeliefert sind; ein Umstand, der sich unter anderem auch in der langen Marginalisierungvon Bildern von Schwarzen in der Kunstgeschichtsschreibung ablesen lässt. Mnemosynewiederum verhandelt die Geschichten von Nachkriegsimmigranten in Großbritannien.Akomfrah gliedert den Film in neun Kapitel, die er jeweils einer Muse widmet. In der griechischenMythologie gelten die Musen als Töchter von Mnemosyne, der Göttin der Erinnerung. Indem der Künstlereine große Bandbreite an Archivmaterial neu zusammenstellt, fragt er nach dem Wesen der Erinnerungund forciert eine Geschichtsschreibung, die das persönliche ebenso wie das kollektive Gedächtniseinbezieht. Das historische Filmmaterial kombiniert er mit Aufnahmen von schwarzen Menschen in verschneiten Landschaften. Ähnlich wie Equiano in Vertigo Sea und die anonymen Figuren in Peripeteiazeigt er sie an Orten, wo wir sie trotz besseren Wissens nicht gewohnt sind zu sehen. Akomfrahunterstreicht damit die Erfahrung der Dislokation und den Verlust der Verankerung und verdeutlichtzudem, dass hier westliche Kulturgeschichte aus migrantischer Perspektive neu vermessen undvergegenwärtigt wird. John Akomfrah, geboren 1957 in Accra, Ghana, lebt und arbeitet in London. Das Ausstellungsprogramm wird vom Vorstand der Secession zusammengestellt. Kuratorin: Annette Südbeck Ausstellungsgespräch Freitag, 21. 2., 18 Uhr John Akomfrah im Gespräch mit Osei Bonsu Osei Bonsu, Curator International Art, Tate Modern London Gesprächauf Englisch Eine Veranstaltung der Freunde der Secession Dialogführung Sonntag, 15.3., 11 Uhr Annette Südbeck, Kuratorin, und Andreas Ungerböck, ray Filmmagazin, führen durch die Ausstellungvon John Akomfrah


John Akomfrah 
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posted 31. Mar 2020

Zero Waste

27. Mar 202021. Jun 2020
opening: 26. Mar 2020 06:00 pm
Zero Waste 27.03.2020 — 21.06.2020 Eröffnung: 26.03.2020 18:00 Uhr Müll ist überall: als gigantischer Strudel im Pazifik, Feinstaub in der Luft und Mikroplastik in der Nahrungskette. Die Gruppenausstellung „Zero Waste“ zeigt internationale Positionen zeitgenössischer Kunst, die auf die Dringlichkeit verweisen, Ressourcen zu schonen, weniger zu konsumieren und nachhaltiger zu leben. In Installationen, Videos, Skulpturen und Fotografien untersuchen die beteiligten KünstlerInnen globale Konsequenzen von Plastikverpackungen, Reifenabrieb, giftigen Chemikalien und Überproduktion. „Zero Waste“ wird realisiert vom Umweltbundesamt in Kooperation mit dem MdbK und kuratiert von Hannah Beck-Mannagetta und Lena Fließbach. Künstler*innen der Ausstellung: Irwan Ahmett & Tita Salina, Michel de Broin, Nadine Fecht, Vibha Galhotra, Tue Greenfort, Andreas Greiner, Swaantje Güntzel, Eliana Heredia, Bianca Kennedy & The Swan Collective, Wolf von Kries, Christoph Medicus, Klara Meinhardt, Alexander Oelofse, Kadija de Paula & Chico Togni, Dani Ploeger, Mika Rottenberg, Erik Sturm und Raul Walch. Täglich verwehen Fetzen der als „mar de plástico“ bekannten Gemüseplantagen in Südspanien ins Meer; Raul Walch dienen sie als Forschungsobjekt und Material für sein raumgreifendes Mobile. Während Erik Sturm aus dem Feinstaub, den er von Fensterbänken stark befahrener Straßen kratzt, Farbe herstellt, macht Vibha Galhotra die massive Luftverschmutzung in New Delhi als „Black Cloud“, einer Wolke aus schwarzen Papierdrachen, sowie in performativen Fotografien und Videos sichtbar. Dani Ploeger experimentiert in seinem Labor mit Stresstestmaschinen und stellt den von Herstellern frühzeitig herbeigeführten Alterungsprozess elektronischer High-Tech-Geräte bloß. Allgegenwärtige Wegwerfprodukte und Reinigungsmittel verarbeitet Eliana Heredia zu einer grafisch anmutenden Installation. Mit seinen großformatigen Fotografien untersucht Tue Greenfort Feuer in Müllverbrennungsanlagen. Die Leipziger Künstlerin Klara Meinhardt gießt Styroporverpackungen von Haushaltsgeräten in Beton ab. Die Nachhaltigkeit von Kleiderspenden stellt Christoph Medicus mit seiner interaktiven Installation infrage. Nadine Fecht präsentiert sowohl großformatige Zeichnungen, in denen ganz subtil täglicher Großstadtmüll auftaucht, als auch eine ortsspezifische Installation, die aus den Griffverstärkungen von Plastiktüten besteht. Die Videoarbeit des Künstlerduos Irwan Ahmett und Tita Salina zeigt, wie ein Motorradkonvoi mit gelben Trauerfahnen einen kleinen Fisch aus einem vermüllten Gewässer in Jakarta in einen kristallklaren Fluss überführt. Wolf von Kries fotografiert im Winter „Konglomerate“, die von Autos abfallen und aus Benzin, Schmutz und gefrorenem Wasser bestehen, oder knüpft seinen Tascheninhalt aus Kleinstmüll wie Bonbonpapier oder Eintrittskarten am Ende jeden Tages zu einer stetig wachsenden Kette. Wie sich vier Passagiere mit einen alten Buick, dem zuvor Motor, Elektronik und Getriebe entnommen wurden, mit einem eingebauten Pedalsystem abgasfrei vorwärtsbewegen, zeigt Michel de Broins Videodokumentation. Dem internationalen Lebensmittelhandel, in dem ein Apfel vom anderen Ende der Welt günstiger angeboten werden kann als vom Bauern um die Ecke, nimmt sich der junge südafrikanische Fotograf Alexander Oelofse ebenso an wie der Verschmutzung der Weltmeere. In ihren grotesk-verstörenden Videoarbeiten prangert Mika Rottenberg die Arbeitsbedingungen innerhalb globaler Produktionsketten an und verzichtet in der Ausstellung bewusst auf die materialaufwendigen Inszenierungen ihrer filmischen Installationen. Das brasilianisch-kanadische Künstlerduo Chico Togni und Kadija de Paula arbeitet für seine „Zero Waste“-Küche, gebaut aus im Museum vorgefundenen und recycelten Materialien, mit lokal produzierten und „geretteten“ Lebensmitteln. Swaantje Güntzel beschäftigt sich mit Weichmachern in unserem Blut, den an Plastikspielzeug und Kunststoffkleinteilen verendeten Albatrossen sowie den Folgen von Mikroplastik in kosmetischen Produkten. Mit der Virtual Reality-Brille werden die BetrachterInnen von Bianca Kennedy und The Swan Collectives‘ interaktivem Film zu Insekten – der bevorzugten und als nachhaltig angepriesenen Nahrungsquelle der Menschen in diesem Zukunftsszenario. Der Protest gegen eine rein auf Gewinnmaximierung und Wachstum ausgerichtete Wirtschaft wie auch gegen die maßlose Ressourcenverschwendung auf Kosten von Umwelt und Klima wird immer lauter. Gleichzeitig gibt es eine Bewegung hin zu einer minimalistischen Lebensweise, bewusster Kreislaufwirtschaft und Nachhaltigkeit. Ob Re- und Upcycling, das eigene Konsumverhalten, neue Technologien oder schlicht Müllvermeidung – die Ausstellung möchte nicht nur einen kritischen Blick auf den aktuellen Zustand unserer Erde werfen, sondern Lösungsansätze diskutieren, zu alternativen Handlungsmöglichkeiten anregen und Visionen für die Zukunft entwerfen. Mittels selbst auferlegter klimafreundlicher Regeln hinterfragt das Projekt auch den verschwenderischen Umgang mit Ressourcen in der Kunstwelt sowie den CO2-Fußabdruck dieser Ausstellung. So vermeidet „Zero Waste“ materialaufwendige Installationen, Transporte und Reisen über weite Distanzen für kurze Aufenthalte und kooperiert mit lokalen Akteuren. Der Erlös des zur Ausstellung erscheinenden Katalogs mit Installationsansichten fließt gänzlich in den Versuch von Andreas Greiner, die CO2-Produktion der Ausstellung zu berechnen und durch das Pflanzen entsprechend vieler Bäume zu kompensieren. Begleitprogramm „Zero Waste“ wird von einem umfangreichen Veranstaltungsprogramm mit Aktivist*innen und Wissenschaftler*innen begleitet. Dialogische Führungen mit Expert*innen unterschiedlicher Fachgebiete und eine Filmvorführung mit Diskussion erweitern die Ausstellung ebenso wie das interaktive „Black-Cloud“-Drachenfliegen von Vibha Galhotra, die „Zero Waste“-Küche von Kadija de Paula und Chico Togni sowie DIY-Workshops und Repair Cafés mit lokalen Partner*innen für Kinder und Erwachsene. Das Programm wird ergänzend mit freundlicher Unterstützung des Fonds Soziokultur e. V. realisiert. Kunst und Umwelt Das Ausstellungsprojekt realisiert das Umweltbundesamt innerhalb seiner Programmreihe „Kunst und Umwelt“ und in Kooperation mit dem Museum der bildenden Künste Leipzig. Wie können und wollen wir in Zukunft leben, ohne unsere Lebensgrundlage zu zerstören? Wie können wir lernen, neue Wege zu denken? Und wie kommen wir vom Wissen zum Handeln? Kunst und Kultur können einen wesentlichen Beitrag zum gesellschaftlichen Verständigungsprozess über Zukunftschancen und nachhaltige Entwicklung in unserer Gesellschaft leisten. Seit Mitte der achtziger Jahre pflegt das Umweltbundesamt, Deutschlands zentrale Umweltbehörde, mittels der Reihe „Kunst und Umwelt“ den Dialog mit Kunstschaffenden. Diskussionsrunden, geführte Rundgänge, Künstler*innengespräche und Workshops für die Öffentlichkeit und die Mitarbeitenden runden das Angebot ab. Kooperationen mit Kultureinrichtungen werden eingegangen und gepflegt.
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posted 30. Mar 2020

Lucio Fontana. Walking the Space: Spatial Environments, 1948-1968

13. Feb 202012. Apr 2020
Lucio Fontana Walking the Space: Spatial Environments, 1948 – 1968 13.02.2020 - 12.04.2020 Opens on Saturday 15 February 2020, 3 – 7 pm Beginning 13 February, ‘Lucio Fontana. Walking the Space: Spatial Environments, 1948 – 1968’ will be the first comprehensive presentation in the US of the late Italian master’s groundbreaking ‘Ambienti spaziali’ (Spatial Environments). Curated by Luca Massimo Barbero in collaboration with the Fondazione Lucio Fontana, Milan, this landmark exhibition will highlight Fontana’s critical contribution to the evolution of conceptual art and the confluence of art with science and technology as a means to explore aspects of human perceptual experience. Fontana, a visionary whose revolutionary practice continues to exert influence upon artists internationally, conceived his first environment in 1948, significantly predating and anticipating the immersive conceptual and spatial achievements of such defining figures as Piero Manzoni, Yayoi Kusama, and James Turrell. Arranged chronologically and beginning with the artist’s first spatial work, the exhibition will feature nine of Fontana’s environments, dating from the years spanning 1948 to 1968. Due to the rigorous research conducted through the materials of Fondazione Lucio Fontana’s archives, a foundation dedicated to researching and documenting the artist’s career, the exhibition in LA presents meticulous reconstructions of the original Spatial Environments which were historically dismantled and destroyed at the close of exhibition. Together, these ephemeral works reveal the artist’s revolutionary approach to artmaking as a quest to ‘open up space, create a new dimension, tie in the cosmos, as it endlessly expands beyond the confining plane of the picture.’ The most radical, but least well-known area of his oeuvre, the Spatial Environments find Fontana moving beyond the conventions of painting by removing the canvas and using new technology, including neon, to ‘paint’ space with light, putting the viewer at the center of the composition. ‘Walking the Space’ is the first of a trilogy of exhibitions that Hauser & Wirth will present in collaboration with the Fontana Foundation and Luca Massimo Barbero, leading Fontana scholar, Director of the Institute of Art History, Giorgio Cini Foundation, Venice, and Editor of the Fontana works on paper catalogue raisonné and of the Fontana ceramics catalogue raisonné (currently in progress). The Los Angeles exhibition will be followed by an exhibition in New York in Spring 2021, exploring Fontana’s ceramics and sculptures. Subsequently, a major survey of the artist’s full career will be staged at Hauser & Wirth Hong Kong in Fall 2021. ‘Walking the Space’ will be accompanied by a new book published by Hauser & Wirth Publishers, as well as an archival presentation of related ephemera and drawings to provide an educational context for the art on view. About the Exhibition The exhibition begins with Fontana’s first spatial work, ‘Ambiente spaziale a luce nera’ [Spatial Environment in Black Light] (1949), a pivotal installation that anticipated major conceptual movements, including Light & Space, Op Art, and Minimalism. Conceived in 1948 and first exhibited in 1949, this pitch-black room, illuminated by Wood’s lamps emitting black light, contains sculptural papier-mâché forms painted in brilliant fluorescent colors and suspended from the ceiling. The installation seeks to disorient the viewer, who by walking under and around the forms in the darkness experiences a sense of teetering between the infinite and finite. Influenced by aerospace discoveries of the time and Fontana’s own interest in science, the work’s aesthetic impact is otherworldly and prescient for its conceptual underpinnings. The artwork evades the categorization of ‘object’ by bringing form to the formless and awakening visitors to a multi-sensory art experience. With this first work, Fontana realizes the key tenets outlined in his Manifesto Spaziale [Spatialist Manifesto], a formative postwar text calling for the convergence of art and technology to discover new forms. By abolishing the constraints of conventional mediums, this environment embodies Fontana’s vision outlined in the Manifesto: ‘…with the resources of modern technology, we will make appear in the sky: artificial forms, rainbows of wonder, luminous writings.’ For the Milan Triennale in 1951, Fontana realized the luminous impact of neon beyond its prescribed utilitarian function by creating ‘Struttura al neon per la IX Triennale di Milano’ [Neon Structure for the 9th Milan Triennale], a twisting gesture composed of over 100 meters of white light tubes. Among the first to use neon in an environmental application, Fontana reveals the plastic dynamism of the material, as if writing with light, integrating ideas of space, time, and movement in a single form. Continuing an in-depth exploration of Fontana’s spatial practice and his interest in architecture, the exhibition next takes visitors through two environments, each entitled ‘Ambiente spaziale: “Utopie”, nella XIII Triennale di Milano’ [Spatial Environment: “Utopias”, at the 13th Milan Triennale], both originally shown at the 13th edition of the Milan Triennale in 1964 and realized in collaboration with architect and artist Nanda Vigo. The first of the two 1964 environments directs visitors through a dark corridor with a curved wall marked with small holes. Enveloped by darkness, viewers are guided ahead by green lights that seem to emanate from the black void. In the second environment ‘Utopie,’ an undulating floor and red deep-pile carpet soften visitors’ steps, while ruby-colored metallic wallpaper covers a ceiling with red neon hidden behind Quadrionda glass, industrial material designed especially for this environment – all contributing to a crimson ambient glow. In each work, Fontana invents new methods to apply concepts of spatialism, freeing himself from the confines of the object in order to continue his search for modern modes of expression and perception. Fontana’s spatial theories, as expressed in this pair of environments attracted immediate attention, influencing the artist group Düsseldorf Zero to present ‘Hommage á Fontana’ at Documenta 3 in Kassel in 1964. As Fontana further established himself as an innovator in exploring the fourth dimension in art, public institutions invited him to create special commissions of ambient works. His first comprehensive presentation in America took place in 1966 at the Walker Art Center, Minneapolis, Minnesota, where he exhibited ‘Ambiente spaziale’ [Spatial Environment] (1966). This environment contains a sloped, low-ceilinged dark corridor that opens into a larger, level room. Inside this space, small, illuminated holes form a line bisecting the floor, ceiling, and two walls, creating the trace of a square. In the next three environments, originally constructed for The Stedelijk Museum Amsterdam in 1967, Fontana reinvents elements that recur in his radical spatial works: neon, perforations, slashes, and suspension. In the first of the three installations, ‘Ambiente spaziale’ [Spatial Environment] (1967), Fontana included a curved two- dimensional form suspended in a room filled with fluorescent dots. Through Fontana’s inventive use of black light, two-dimensional silhouettes appear to be defying gravity and take on three-dimensional attributes. In the next environment, visitors find Fontana reinterpreting his luminous sculpture from 1951 in ‘Ambiente spaziale con neon’ [Spatial Environment with Neon Light] (1967), a room lined with pink fabric anchored by an organic wave-like neon tube suspended from the ceiling – a minimalist execution with intense sensory impact. Fontana continued to work with monochromatic environments such as this, in ‘Ambiente spaziale a luce rossa’ [Spatial Environment in Red Light] (1967), where red light engulfs a room whose walls are divided into maze-like parallel corridors. The exhibition’s final environment, ‘Ambiente spaziale in Documenta 4, a Kassel’ [Spatial Environment at Documenta 4, in Kassel] (1968), was created at the request of art historian Arnold Bode, who instructed Fontana to design a ‘cold and minimalist’ room. Here, visitors encounter a labyrinthine environment composed of narrow corridors that lead to a large laceration embedded within the wall, an allusion to the signature gesture of this daring, radical artist.


Lucio Fontana 
Hauser & Wirth Los Angeles [Temporary Gallery Closures]

901 East 3rd Street
CA 90013 Los Angeles

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posted 29. Mar 2020

Paul McCarthy - Head Space, Drawings 1963-2019

02. Feb 202010. May 2020
Paul McCarthy Head Space, Drawings 1963-2019 February 2–May 10, 2020 The Hammer Museum announces the first comprehensive survey in the United States of drawings and works on paper by the Los Angeles–based Paul McCarthy (b. 1945, Salt Lake City). Paul McCarthy: Head Space, Drawings 1963–2019 reveals a rarely examined aspect of the artist’s oeuvre. The exhibition delves into the significant role of drawing in McCarthy’s broader practice, which spans performance, video, photography, sculpture, and installation. By presenting his expansive career of more than five decades through the focused lens of drawing, Head Space offers a greater understanding of this influential artist and social commentator. The exhibition presents nearly 600 works, thoughtfully selected from McCarthy’s archive of drawings. Produced in thematic cycles, McCarthy’s drawings share the same visual language as his sculptural and performance works, evoking and addressing themes of violence, humor, death, sex, politics, and featuring extensive art historical and popular cultural references. His drawings often feature a reoccurring assortment of figures and symbols, culled from Hollywood, fairytales, soap operas, comic books, Disney, and contemporary politics. Yet, in McCarthy’s work, these figures are perverse distortions of iconic and recognizable archetypes. The artist explores and subverts a culture of violence and toxic masculinity through hyperbole and grotesque magnification of its worst tendencies. His work skewers mass media and consumer-driven American society, often profanely, by underscoring aspects of cultural repression and forms of latent violence. Paul McCarthy: Head Space, Drawings 1963–2019 features works on paper that incorporate and utilize a variety of mediums, including charcoal, graphite, ink, marker, and collage, as well as more unorthodox materials such as ketchup and peanut butter. A consummate and accomplished draftsperson, McCarthy approaches his daily drawing practice as a way of thinking—a blueprint for projects and a tool to flesh out complex ideas. Since the 1970s, McCarthy has also incorporated drawing into his performances, implementing it as part of an action and often drawing in character. In recent years, this role of drawing in character has become central to his large scale video performance projects, such as WS White Snow (2012-13), CSSC Coach Stage Stage Coach (2017), and NV Night Vater (2019–). The drawings produced in character for these sessions stand outside of the video performances. In a process McCarthy terms “Life Drawing, Drawing Sessions” the artist and his actors produce drawings in costume among the props and simulacrum of his film sets. These works bring together the materials and crude gestures that have been present in the artist’s work for the greater part of his career. In conjunction with the exhibition, a related series of Hammer public programs include a conversation between Paul McCarthy and curators Aram Moshayedi and Connie Butler, as well as exhibition walkthroughs led by local artists, critics and academics. A selection of McCarthy’s videos and films will be screened in the Billy Wilder Theater through-out the run of the exhibition. Additional information about these programs can be found on hammer.ucla.edu Paul McCarthy: Head Space, Drawings, 1963-2019 is accompanied by a fully illustrated catalogue. Published by Delmonico Books, and designed by Purtill Family Business, this exhibition catalogue features over 400 color illustrations alongside essays by Aram Moshayedi, Bruce Hainley and Catherine Damman, and an interview between Connie Butler and Paul McCarthy. The volume will be available in the Hammer Store and online at store.hammer.ucla.edu Credit Paul McCarthy: Head Space, Drawings, 1963–2019 is organized by Aram Moshayedi, curator, and Connie Butler, chief curator, with Ikechukwu Onyewuenyi, curatorial assistant, and Nicholas Barlow, curatorial assistant. Paul McCarthy: Head Space, Drawings 1963–2019 is supported by the Nicolas Berggruen Charitable Foundation, Bill Block, Peder Lund, and an anonymous donor. Special thanks are extended to the Hammer Global Council and the artists who contributed to the Hammer Artist Fund. Generous funding for the exhibition catalogue is provided by Hauser & Wirth.


Paul McCarthy 
Hammer Museum, Los Angeles [temporarily closed]

UCLA / ARMAND HAMMER MUSEUM | 10899 Wilshire Blvd.
CA-90024 Los Angeles

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posted 28. Mar 2020

Peppi Bottrop. How long is forgotten [exhibition postponed]

28. Mar 202002. May 2020
opening: 28. Mar 2020 06:00 pm
Peppi Bottrop. How long is forgotten (28.03.2020 - 02.05.2020) **The exhibition is postponed** Peppi Bottrop confidently formulates a distinctive visual language that shifts between constructivism and deconstructivism, figuration and abstraction. His preferred materials are graphite and charcoal, which he uses to create abstract sketches of his environment. His visual language is characterized by the use of a predominantly geometric formal vocabulary. Architecture, art, and the environment fundamentally complement each other in Bottrop’s work, though they are simultaneously full of distortions and conflicts. His works created in-situ are particularly fascinating due to a complex reciprocal interaction: while his works are revealed through the architecture, the architecture is also revealed through his paintings. Bottrop has developed an expanded concept of work that situates his works in a liminal space between drawing, painting, and sculpture, including screens made of canvases, painted furniture and walls, and paintings on plasterboard. Peppi Bottrop was born in 1986. Between 2007 and 2014 he studied under Jutta Koether at the HFBK Hamburg and under Albert Oehlen and Andreas Schulze at the Kunstakademie in Düsseldorf, where he completed his studies as Schulze’s master student. He lives and works in Cologne.


Peppi Bottrop 
Sies + Höke, Düsseldorf

Poststr. 2 / Poststr. 3
40213 Dusseldorf

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posted 27. Mar 2020

Heimo Zobernig "Ohne Titel" [Galerie geschlossen / temporarily closed]

14. Mar 202018. Apr 2020
opening: 13. Mar 2020 06:00 pm
Heimo Zobernig "Ohne Titel" 14.03.2020 - 18.04.2020 Eröffnung: Freitag, 13. März 2020, 18-21 Uhr Das Ungemachte Seit ein paar Jahren geht Heimo Zobernig regelmäßig mit der Kamera in die Natur, um Pflanzen zu fotografieren. Für ihn ein Experiment. Dabei ist er nicht nostalgisch. Zobernig ist immer an den neuesten technischen Möglichkeiten interessiert. Eine Digitalkamera nimmt heute problemlos Sequenzen von 20 Bildern pro Sekunde auf. Das beste Bild ist unter Umständen das, das gar nicht „bewusst“ gemacht werden kann, sondern eines aus der Sequenz, die die Maschine beim Auslösen festhält („Es“ fotografiert). Das perfekte Bild, im Punktum, wie Roland Barthes den magischen Moment nannte, macht die Maschine. Die Kunst besteht vor allem darin, es zu erkennen. Das Verhältnis zwischen Werkzeug und Künstler verschiebt sich. Autorenschaft ist keine 100% autonome Angelegenheit – war sie noch nie. Dem Bild, von dem die Fotografie seit jeher träumt, dem Bild einer unvergänglichen Gegenwart des Festgehaltenen, kommen die Highspeed-Kameras mit ihren Möglichkeiten näher. Sie kommen aber nicht ohne den Blick aus, der unter etlichen ähnlichen das entscheidende Bild herausfiltert. Malerei nähert sich diesem Moment, dem Moment ästhetischer Erfahrung, den die Kunst seit Beginn der Moderne einzuholen versucht, anders. Malerei ist immer „gemacht“. Zurück im Atelier blendet Zobernig sein Fotoexperiment aus. Die Idee mit den Fotos „etwas zu machen“ tritt in den Hintergrund. Vor der Leinwand denkt er nicht einmal daran, dass es mit seiner aktuellen Produktion etwas zu tun haben könnte. Wie nähert man sich mit Malerei dem „Ungemachten“? Ein Bild malen und es dann abmalen und nochmal und nochmal. Nach der ersten Wiederholung steht nicht mehr das Motiv im Vordergrund, sondern vielleicht der Malprozess oder, wie bei der Kamera, der sequenzielle Automatismus. Ziel ist scheinbar nicht wie bei asiatischen Kopiertechniken, das Malen zu perfektionieren. Möglicherweise kann man im Gegenteil in der Wiederholung das „Machen” verlernen und dann gelingt unbemerkt das perfekte Bild. Es zu sehen ist die Kunst.
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posted 26. Mar 2020

Neo Rauch - Werke aus der Sammlung Hildebrand

30. Jan 202010. May 2020
Neo Rauch - Werke aus der Sammlung Hildebrand 30.01.2020 - 10.05.2020 Anlässlich ihres fünfjährigen Gründungsjubiläums präsentiert die G2 Kunsthalle von Februar bis Mai 2020 eine Auswahl an Arbeiten Neo Rauchs aus dem Bestand der Sammlung Hildebrand. In zwei großen Sälen vereint die Ausstellung Malerei, Zeichnung, Druckgrafik und Skulptur aus den Jahren 1993 bis 2018 des 1960 in Leipzig geborenen Künstlers. Rauch ist ein international renommierter, zeitgenössischer Maler, der seit Mitte der 1990er Jahre mit seiner spezifischen Bildsprache die Entwicklung der zeitgenössischen Kunst nachhaltig prägt. Im ersten Raum begegnen sich Werke des Künstlers aus den 1990er Jahren und ein großformatiges Gemälde von 2013. Die Gegenüberstellung erlaubt es, die Genese von Rauchs Werken nachzuvollziehen, die ab Mitte der 2000er Jahre in monumentale Mehrfigurenkompositionen kulminiert. Seine frühen Werke, wie die Papierarbeit Plan von 1994 im außergewöhnlichen runden Format, sind durch ein reduziertes Bildvokabular und schablonenhafte Figuren sowie flächige, monochrome Farbhintergründe, oft in erdigen Tönen gekennzeichnet. Neben der für diese Schaffensphase typischen Anwendung von Collage- und Montagetechniken, die ihren Ursprung in Dada und Surrealismus haben, deutet sich in diesem beeindruckend großen Tondo bereits eine räumliche Staffelung an. Inspiriert vom Comic teilen sich in Sofa aus dem Jahr 1993 Schriftzeichen und Figuren noch eine gemeinsame Ebene auf der Fläche. In der Horizonte-Serie lotet der Künstler 1995 schließlich die Tiefe des Bildraumes aus. Dieses Kompositionsprinzip sollte in der Folge mehr und mehr an Bedeutung in Rauchs Werken gewinnen. Die Schaffung eines einheitlichen Tiefenraumes ermöglicht ab diesem Zeitpunkt die Ausweitung des malerischen Handlungsfeldes und erlaubt eine mehrdimensionale Anordnung der Figuren mit komplexen Interaktionsmöglichkeiten. Die Vereinzelung des Individuums innerhalb der Gesellschaft ist ein wiederkehrender Topos in Rauchs Œuvre. Auf bühnenartigen Schauplätzen werden Figuren gruppiert, die in befremdliche Tätigkeiten verstrickt sind. Die fünf Protagonisten des Gemäldes Das Treffen von 2013 sind zwar einander zugewandt, doch zugleich isoliert in der spezifischen Zeitlichkeit einer fiktiven Bildwelt. Der geschlossenen, hieratischen Anordnung des Figurenpersonals ist eine Pyramidalkomposition zugrunde gelegt, die aus der italienischen Tafelmalerei der Renaissance bekannt ist. Die Gestalten scheinen, auch wenn sie aufeinander zugehen, in ihren Bewegungen erstarrt. Ihre Blicke treffen sich nicht, sondern laufen ins Leere. Das Unterbrechen einer Aktion, die nicht zu Ende geführt wird, ist ein melancholisches Motiv. Ganz im Sinne einer Sacra Conversazione – ein christlicher Bildtypus, der den inneren Dialog zwischen Gottesmutter, Heiligen und Gläubigen visualisiert – findet die Zusammenkunft im Bild und der Gedankenaustausch zwischen Betrachter und Kunstwerk kontemplativ auf vergeistigter Ebene statt. Allerdings verstören Fehde, Widerstreit, groteske und verspielte Elemente das Moment des Innehaltens. Das Aufeinandertreffen konträrer Energien und ambivalenter Inhalte ist ein widerholt von Rauch in seinem Bildkosmos eingesetztes Mittel. Im zweiten Ausstellungsraum entfalten drei eindrucksvolle, großformatige und farbintensive Gemälde aus den Jahren 2016 und 2018 ihre rätselhaft narrative Kraft. Zauberer, Künstler, Knechte, Gärtner, Handlanger, Scharlatane, Wächter, Zuschauer oder Wegelagerer ebenso wie hybride und monströse Wesen postieren und versammeln sich an Kreuzungen, Hecken und Mauern, auf ausgetretenen Pfaden, Dorfplätzen und in Ställen. Diese atmosphärisch ausgestalteten Gemüts- und Seelenlandschaften sind in künstliches, grelles Licht getaucht und enthalten zahlreiche Reminiszenzen an Vergangenheit, Gegenwart, Sagen und Mythen. Bruchstellen von Traum und Realität verbinden sich hier zu Projektionen aus der Erinnerung. In dieser schlafwandlerischen Betriebsamkeit verwunschener und zugleich suspekter Orte leben die Arbeiterfiguren und apokalyptischen Industriearchitekturen aus Rauchs früher Schaffensphase der 1990er Jahre fort. Kryptische Handlungen evozieren Verwirrung und Beunruhigung ebenso wie Erwartung und Zuversicht, sind jedoch losgelöst von konkreten historischen und gesellschaftlichen Ereignissen. Das wiederkehrende Figurenrepertoire weist nicht selten portraithafte Züge auf, auch wenn sich Rauchs Charaktere und ihre Rollen nicht einfach identifizieren lassen. Seine Kompositionen entziehen sich der prosaischen Nacherzählung durch eine wohlkalkulierte und programmatische Mehrdeutigkeit, die alle Bildelemente bestimmt. Vielmehr verdichten sich in ihnen Geschichte und Biographie zu einer in sich geschlossenen Welt, die tiefverwurzelte Sehnsüchte nach der Bergung und Sicherung von Verlorengeglaubtem verwahrt und dabei offen für Deutungen bleibt. In allen drei großformatigen Kompositionen wird das Geschehen im Hintergrund von einem Turm überragt. Dieses Motiv kann paradigmatisch als Widerhall kindlicher Prägung und gleichnishaft als Schutzwall in Rauchs Bildwerken verstanden werden. Der Künstler ist in Aschersleben aufgewachsen. Die Silhouette der sachsen-anhaltinischen Kleinstadt wird noch heute von den mittelalterlichen Türmen der alten Stadtmauer bestimmt. 2012 bekundete Rauch seine Verbundenheit mit Aschersleben, indem er am Ort seiner Kindheit eine Stiftung gründete, die seinem grafischen Schaffen gewidmet ist. Die vier im gleichen Raum ausgestellten Farblithografien Abendmelodie, Brüter, Fürstin und Bann entstanden 2011 im Zuge des Aufbaus seiner Grafikstiftung. Ergänzt wird die Ausstellung in der G2 Kunsthalle um die Bronzeskulptur Nachhut aus dem gleichen Jahr sowie eine Reihe von Gemälden kleineren Formats von 2011 bis 2018. Text: Anka Ziefer * Neo Rauch, geb. 1960 in Leipzig, 1981–1986 Studium der Malerei bei Arno Rink an der HGB Leipzig, 1990 Meisterschüler bei Bernhard Heisig, 1993–1998 Assistent bei Arno Rink, 2005–2008 Professur für Malerei und Grafik an der HGB Leipzig, 2012 Eröffnung der Grafikstiftung Neo Rauch in Aschersleben, 2018 Bühnenbild und Kostüm mit Rosa Loy für Richard Wagners Oper Lohengrin, Bayreuther Festspiele. Rauch lebt und arbeitet in Leipzig. Preise & Auszeichnungen (Auswahl): 2019 Europäischer Kulturpreis TAURUS, 2018 Verdienstorden der Bundesrepublik Deutschland. Einzelausstellungen (Auswahl): 2019 Uffizien (Palazzo Pitti), Florenz; 2019 Fondazione Coppola, Vicenza (gemeinsam mit Rosa Loy); 2019 Drawing Center, New York; 2019 David Zwirner, Hong Kong; 2018 Des Moines Art Center, Iowa; 2018 Museum de Fundatie, Zwolle, NL; 2016 Galerie Eigen + Art, Berlin; 2016 David Zwirner, London; 2013 BOZAR – Palais des Beaux-Arts, Brüssel; 2012 Kunstsammlungen Chemnitz (gemeinsam mit Rosa Roy); 2011 Museum Frieder Burda, Baden-Baden; 2010 Museum der bildenden Künste, Leipzig / Pinakothek der Moderne, München; 2007 Metropolitan Museum of Art, New York; 2006 Musée d`Art Contemporain de Montreal, Kanada; 2004 Albertina, Wien; 2002 Bonnefantenmuseum, Maastricht; 2000 GfzK Leipzig / Haus der Kunst München / Kunsthalle Zürich; 1997 MdbK Leipzig. Gruppenausstellungen (Auswahl): 2014 kestnergesellschaft, Hannover (Andreas Gursky – Neo Rauch – Jeff Wall), 2012 Hamburger Kunsthalle (Müde Helden – Ferdinand Hodler, Aleksandr Dejneka, Neo Rauch).


Neo Rauch 
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posted 25. Mar 2020

JETZT! Junge Malerei in Deutschland

07. Feb 202024. May 2020
opening: 06. Feb 2020 07:00 pm
**Aufgrund der aktuellen Umstände im Zusammenhang mit dem COVID-19-Virus ist die Halle für aktuelle Kunst bis zum 30. April 2020 geschlossen. Es findet kein Ausstellungs- und Veranstaltungsprogramm statt.** * **JETZT! Junge Malerei in Deutschland** 500 Werke / 53 Künstler*innen / 4 Städte Kunstmuseum Bonn 19.09.2019 – 19.01.2020 Eröffnung: 18.09.2019 19:00 Uhr Museum Wiesbaden 20.09.2019 – 19.01.2020 Eröffnung: 19.09.2019 19:00 Uhr Kunstsammlungen Chemnitz Museum Gunzenhauser 21.09.2019 – 19.01.2020 Eröffnung: 20.09.2019 19:00 Uhr Deichtorhallen Hamburg 07.02.2020 – 24.05.2020 Eröffnung: 06.02.2020 19:00 Uhr Künstler: Mona Ardeleanu, Israel Aten, Paula Baader, Lydia Balke, Cornelia Baltes, Jagoda Bednarsky, Viola Bittl, Peppi Bottrop, Andreas Breunig, Paul Czerlitzki, Benjamin Dittrich, Jens Einhorn, Jenny Forster, Pius Fox, Max Frintrop, Sabrina Fritsch, Ina Gerken, Fabian Ginsberg, Gregor Gleiwitz, Lukas Glinkowski, Henriette Grahnert, Dana Greiner, Vivian Greven, Sebastian Gögel, Toulu Hassani, Sabrina Haunsperg, Franziska Holstein, Aneta Kajzer, Sumi Kim, Maximilian Kirmse, Li-Wen Kuo, David Lehmann, Benedikt Leonhardt, Florian Meisenberg, Monika Michalko, Hannes Michanek, Simon Modersohn, Bastian Muhr, Anna Nero, Moritz Neuhoff, Vera Palme, Alexander Pröpster, Franziska Reinbothe, Daniel Rossi, Markus Saile, Moritz Schleime, Jana Schröder, Daniel Schubert, Kristina Schuldt, Alicia Viebrock, Stefan Vogel, Jonas Weichsel, Tristan Wilczek Kuratoren: Prof. Dr. Stephan Berg (Direktor, Kunstmuseum Bonn) Dr. Frédéric Bußmann (Direcktor, Kunstsammlungen Chemnitz) Dr. Jörg Daur (Stellvertretender Direktor, Museum Wiesbaden) Dr. Alexander Klar (Direktor, Wiesbaden) Anja Richter (Kurator, Kunstsammlungen Chemnitz – Museum Gunzenhauser) Lea Schäfer (Kurator, Museum Wiesbaden) Dr. Christoph Schreier (Stellvertretender Direktor, Kunstmuseum Bonn) Kein künstlerisches Medium hat so viele positive wie negative Zuschreibungen erlebt wie die Malerei. Mit dem Ausstellungsprojekt Jetzt! Junge Malerei in Deutschland unternehmen das Kunstmuseum Bonn, das Museum Wiesbaden, die Kunstsammlungen Chemnitz – Museum Gunzenhauser und die Deichtorhallen Hamburg den Versuch, den aktuellen Stand des Mediums zu bestimmen. Ziel ist es, einen gültigen Querschnitt durch die junge in Deutschland produzierte Malerei zu geben und dabei all ihre Erscheinungsformen zu berücksichtigen. https://www.malerei.jetzt/de/
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posted 24. Mar 2020

Mercedes Azpilicueta, Bestiario de Lengüitas

14. Feb 202013. May 2020
opening: 14. Feb 2020
Mercedes Azpilicueta, Bestiario de Lengüitas 14.02.2020 - 13.05.2020 Opening February 14, 2020 curated by Virginie Bobin Museion presents, as part of an international shared project, the first solo exhibition in Italy by Mercedes Azpilicueta (b. La Plata, Argentina, 1981). In a world that demands order, efficiency and transparency, Azpilicueta’s project walks on a razor edge of chaos and excess. Bestiario de Lengüitas (Bestiary of Tonguelets), in fact, follows a script written by the artist herself for a future performance that may or may not take place. Drawings, costumes, sculptures, audio and video installations, wallpapers and a chorus of grotesque characters inhabit the exhibition space, which is presented as a stage that is ready to involve all the visitor’s senses in the experience. So, through a combination of visual and theatrical strategies and a strong element of humour, the artist invites us to call into question the ways in which we live in this world. In collaboration with CentroCentro Madrid and CAC Brétigny


Virginie Bobin 
Museion, Bozen/Bolzano

39100 Bolzano

Italyshow map
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posted 23. Mar 2020

Rita Ackermann. Mama ’19’

20. Feb 202011. Apr 2020
opening: 20. Feb 2020 06:00 pm
**As a preventive measure and based on the guidance of health officials, our galleries in New York are closed until further notice and open by appointment only.** To make an appointment please call 212-790-3900. * Hauser & Wirth New York, 22nd Street **Rita Ackermann. Mama ’19’** 20.02.2020 - 11.04.2020 Opening 20.02.2020 18:00 - 20:00 Please join us for the opening reception of ‘Rita Ackermann. Mama ’19,’ an exhibition of new paintings by Hungarian born, New York-based artist Rita Ackermann. Ackermann’s Mama series deploy figurative line drawings only to be obscured by expanses of color alike. Evoking the foundations of ancestry, Ackermann’s figures and motifs rise to the surface only to dissolve and reappear elsewhere again. Her study is one of relationships, between both figuration and abstraction and to the enigmatic balance of personal and collective narratives within.
Hauser & Wirth New York [galleries in New York are closed]

32 East 69th Street
NY 10021 New York

United States of Americashow map
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posted 22. Mar 2020

Weather Report: Forecasting Future

31. Jan 202016. Aug 2020
Weather Report: Forecasting Future 31 Jan - 16 Aug 2020 The exhibition Weather Report: Forecasting Future in Museum of Contemporary Art Kiasma is themed around the complex and varied relations between the human and nonhuman in an age when climate change and mass extinction are threatening the future of life on Earth. When imagining the future, humans face the responsibility of acknowledging multispecies entanglements and the need to renegotiate existing interspecies relations. Weather Report: Forecasting Future is an exhibition looking at the relationship between humans and other life forms. Its main premise is that, in order to build the future, we must deepen our understanding of how species interact and depend on each other. The featured artists give visibility to life forms that are easily disregarded by humans. Organisms such as microbes, algae and insects live in our midst, yet they often remain imperceptible due to their tiny size or slow rhythm. These nonhuman creatures are both the subject matter and co-creators of the artworks in this exhibition. Weather Report invites visitors to harken their senses to the coexistence of humans and their more-than-human neighbours and also to reflect upon the relationship between their own bodies and other life forms. The artists Finnish artist collective nabbteeri typically begin by mapping the place where they are temporarily set up. They gather the materials on site and incorporate recycled objects that evolve into mesh-like installations. Their works are compositions based on interactions between the artists and other things, including nonhuman organisms. In the Nordic Pavilion nabbteeri delved into the materiality of the Pavilion and the Giardini. The hospitality that was both shown and rejected by the building itself was under their scrutiny, especially bird spikes that signal the unwantedness of the pigeons in the pavilion. In Kiasma, nabbteeri’s installation focuses on more-than-human presence in museum environment. The 2-channel video is a fragmented narrative of encounters with various co-beings, following the changing seasons and habitations in a diary-format. Norwegian Ane Graff creates works that combine her material research with a broad range of research disciplines, e.g. microbiology and chemistry. Through her installations, she confronts the allegedly stable, science- and culture-based classifications, while asking how notions of human exceptionalism and dualistic thinking are connected to the ecological crisis. The states of inflammation in Graff’s works refer to the connections between climate change, Western societies driven by economic growth, the extinction of immune-modulating intestinal microbes and the spread of inflammatory diseases. Her installation makes observable how the human body is entangled with other agencies, such as bacteria, as well as the toxicity of the environment. Swedish Ingela Ihrman weaves together imagination, craft techniques, as well as sensibilities and personal experiences in her objects, moving images and texts. Drawing on the feminist performance tradition, she uses her own body to critically analyse culture-nature divisions and to open up the prevailing male and scientific gaze to queer horizons. Relating one’s own body to diverse material worlds or emulating their cycle of life can foster an enhanced understanding of life’s various entanglements. Her algae installation tells a story of the liquid origins of human bodies and the existing connections between diverse lifeforms. Silent, large-scale objects invite the exhibition visitors to partake in a bodily experience. By allying with worlds commonly considered others, it is possible to transgress limiting concepts and to reconsider notions of belonging and co-existence. The exhibition is curated by Kiasma’s director Leevi Haapala and curator Piia Oksanen. Weather Report had its debut in the Nordic Pavilion at the 2019 Venice Biennale. The exhibition was produced by Kiasma and staged as a Nordic collaboration between Kiasma, Sweden’s Moderna Museet and the Office for Contemporary Art Norway (OCA). After Kiasma the exhibition travels to Kuntsi Museum of Modern Art in Vaasa. The exhibition Weather Report: Forecasting Future is supported by Jane and Aatos Erkko Foundation, Saastamoinen Foundation and Ministry of Education and Culture.


Piia Oksanen 
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posted 21. Mar 2020

Actually, the Dead Are Not Dead. Politiken des Lebens

29. Feb 202010. May 2020
opening: 28. Feb 2020 07:00 pm
Actually, the Dead Are Not Dead. Politiken des Lebens 29.02.2020 - 10.05.2020 Eröffnung: Freitag, 28. Februar 2020, 19 Uhr Eine Ausstellung des Württembergischen Kunstvereins Stuttgart Kurator*innen: Hans D. Christ, Iris Dressler, Viktor Neumann in Zusammenarbeit mit den weiteren Mitgliedern der Bergen Assembly 2019 Core Group: Murat Deha Boduro?lu, Banu Cenneto?lu, María García, Hiwa K, Katia Krupennikova, Paul B. Preciado, Pedro G. Romero, Simon Sheikh, Emma Wolukau-Wanambwa Künstler*innen: Lisa Bufano, Antonio Centeno Ortiz / Raúl de la Morenam, Anna Dasovic?, Eva Egermann, Valérie Favre, Robert Gabris, María Galindo, Sonsherée Giles, Niklas Goldbach, Siri Hermansen, Suntag Noh, PEROU / Sébastien Thiéry, Maria Salgado / Fran Cabeza de Vaca, Sunaura Taylor und andere Die Ausstellung Actually, the Dead Are Not Dead. Politiken des Lebens beschäftigt sich mit dem Leben: einem Verständnis des Lebens jenseits der Trennung von Leben und Tod, Mensch und Tier, Subjekt und Objekt, gesund und krank. Die Ausstellung geht der Frage nach, wie sich unsere Beziehungen zu denen, die nicht mehr oder noch nicht da sind, neu definieren lassen: Im Sinne der Verantwortung für das vergangene und kommende Leben. Dies bezieht die Auseinandersetzung mit dem Erbe ungelöster sozialer Konflikte ebenso ein wie die Sorge um den Planeten und dessen Ressourcen. Es geht um die Einbeziehung funktional diverser Körper in unsere Vorstellung von Leben, ebenso wie um den Kampf gegen jene Ökonomien, die den Tod um des Profits willen in Kauf nehmen. Dieser Kampf erfordert andere Attribute, als die des Heroischen. Er basiert auf emanzipatorischen Praktiken, bei denen Stärke und Verletzlichkeit, Trauer und Freude, die Lebenden und Toten zusammengehören. Das Projekt basiert auf der Bergen Assembly 2019, einer Triennale für zeitgenössische Kunst in Bergen, Norwegen, deren künstlerische Leiter*innen 2019 die Direktor*innen des Württembergischen Kunstvereins waren. Iris Dressler und Hans D. Christ hatten dazu zehn weitere Kurator*innen eingeladen. Während sich der zweieinhalbjährige kuratorische Prozess in Bergen im September 2019 in Form einer neunwöchigen Ausstellung zuspitzte, wird er in Stuttgart wieder aufgefächert: Im Rahmen von drei zeitlich hintereinander folgenden, in sich geschlossenen und zugleich aufeinander bezogenen Ausstellungskapiteln. Der Titel bezieht sich auf ein Zitat des Schriftstellers, Filmemachers und Theoretikers Alexander Kluge: Es ist nämlich ein Irrtum, dass die Toten tot sind.
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posted 20. Mar 2020


06. Feb 202026. Apr 2020
HUSH SKY MURMUR HOLE. Megan Rooney 06.02.2020 - 26.04.2020 Megan Rooney is an enigmatic storyteller whose work expands across painting, performance, sculpture and installation. For the artist’s first major solo exhibition in Canada, Rooney will transform a floor of the museum by enveloping it in a large-scale mural, making use of all original walls. This temporary, site-specific environment will become home to characters and scenarios composed from ubiquitous household materials, found objects, stuffed fabrics and paint. Having spent her teenage years in Markham, Ontario, Rooney’s experiences of suburban North America inform her choice of materials, colour palette and subject matter. Her work explores notions of traditional femininity through the lenses of domestic space, the political haven of the garden, consumption-based societies and the mythological. At the same time, Rooney probes how our bodies are informed by and respond to the environments, systems and inanimate objects that surround us. There is an openness and generosity to Rooney’s practice: she single-handedly paints monumental breadths of wall, knowing full well that her work will soon be erased. This attitude, and the improvisational quality of her murals and sculptures, gives us the sense that we can step into her world and out of our own. Coursing beneath the surfaces of Rooney’s objects are undercurrents of fear, insouciance and a revelry in the tender yet spectacular qualities of everyday detritus. The grace of cheap luxuries transformed, and of all the narratives evoked by things bound by place and affinity. In March, 2020, a series of performances by Rooney and her London-based dance collaborators will further animate the story her work tells. Megan Rooney​ is a Canadian artist based in London, UK. An enigmatic storyteller, her work expands across painting, performance, written and spoken word, sculpture and installation. Summoning a recurring cast of characters that expand and contract across ephemeral incarnations, Rooney engages with materiality, the human subject, and their involvement in the present moment, exploring the chaos of politics and the latent violence of our society, whether in the home, in the female identity, or in the body. Rooney completed her MFA in Fine Arts at Goldsmiths College in London in 2011, after finishing her BA at the University of Toronto and growing up between South Africa, Brazil and Canada. Rooney’s work has been widely​ exhibited across Europe, most recently at Kunsthalle Düsseldorf (2019), 15​ Lyon Biennial, Lyon, France (2019), Museum of Modern Art, Warsaw Poland (2019) and The Serpentine Galleries, London (2019). This is the artist’s first institutional solo exhibition in Canada.


Megan Rooney 
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