daily recommended exhibitions

posted 26. Feb 2021

Haegue Yang - The Cone of Concern

15. Oct 202031. Mar 2021
Haegue Yang The Cone of Concern October 15, 2020–February 28, 2021 The Museum of Contemporary Art and Design (MCAD), Manila presents Haegue Yang: The Cone of Concern, the first solo exhibition in the Philippines of celebrated Korean artist Haegue Yang. The exhibition features her extraordinarily diverse and thought-provoking practice by presenting a number of new productions together with past work. One of the most widely shown artists of her generation in the world today, Yang is known for her prolific production in conceptual language and hybrid aesthetic vocabularies that are uniquely interwoven. Evinced through her deft handling of materials which can be understood within the language of "found objects," the "ready-made" and everyday objects, she has further widened the vocabulary of form and scale from within the parameters of traditional craft production. Her interest in phenomena foregrounds her exhibition The Cone of Concern: a complex layering of elements from various periods— two sets of newly commissioned anthropomorphic rattan sculptures, light sculptures from 2010, rotating Sonic Sculptures, whirlwind-derived patterned wall structures, textile canopies, sound elements of bird song and the cloned voice of the artist—against a lenticular print backdrop of a digitally altered meteorological image. The title of the exhibition, The Cone of Concern, refers to a graphic tool for weather forecasting which traces the course of an oncoming storm or tropical depression. By overlapping circles over the projected path of a cyclone, the resulting shape is that of a cone. What we learn from this forecast modeling tool is that the further we travel towards the future, the more our ability to predict it becomes uncertain. This fundamental view in chaos theory proposes that the degree of uncertainty increases exponentially within the parameters that dictate our future against our civilizational will. The artistic proposal in the midst of this constellation is to draw out the metaphoric towards a notion of solidarity amongst those of us facing difficult circumstances, and with human imagination, understand our very own condition in the universe. Yang’s exhibitions are intuitively linked by specific elements that flow seamlessly from one exhibition to another despite geo-political differences, or seemingly irrelevant and remote circumstances. This method draws attention to the connectedness of things through shared uncertainties and concerns. The artist has paired The Cone of Concern at MCAD with The Cone of Uncertainty at The Bass, Miami Beach, Florida, last year. The two exhibitions allude to weather-specific phenomena that affect their regions and populations. As an outsider, she sees the possibility of collaboration and community built around difficulties that can be faced together. Her multiple visits to Manila were also occasion for inspired encounters, observations and conversations. These instances resulted in a collaboration with a local workshop, producing two new ensembles of rattan sculptures, and learning about binakol, a Philippine textile characterised by a whirlwind pattern. Struck by the similarity of binakol to motifs found in many 60s Op Art pieces, she later used this pattern in four structures as wall dividers that formally delineate the museum space. This unexpected overlap of ornamental/optical abstraction both in Western art history as well as in a local craft tradition captured Yang’s attention: how established cultural constructs can exist as doppelgangers across histories and cultures, yet be entirely unrelated. She continues to be self-critical of her aesthetic orientation as tainted by a dominant Western perspective. This acknowledgement feeds her fascination with the pattern as a critically charged metaphor rather than a personal discovery of a Philippine cultural code. The language of weaving is decidedly present in the two sculptural ensembles developed between her studio in Seoul and the workshop in Manila. The anthropomorphic-sized sculptures, The Randing Intermediates – Inception Quartet (2020) suggest hybrid creatures that appear animalesque, while another set The Randing Intermediates – Underbelly Alienage Duo (2020) hints at spores and sea creatures. These sculptures also incorporate artificial plants, and are adorned with capiz shells and colourful string, wound around fan-shaped frames, as well as rattan spokes that bring to mind fairytales, mythology, animism, Cuban Santeria and Haitian voodoo. For the series The Intermediates (2015-), Yang previously worked with artificial straw weaving as a critical inquiry into the notion of folk as a conventional term to define identity and belonging as being something fixed and given in her works. The Randing Intermediates describes a new sculptural category that hews closest to the traditional practice of weaving. The weaving terminology found amid the exhibition brings out, through the artist's complex intertwining of ideas, materials and traditions, the temperamental and all-encompassing natural phenomenon of weather that speaks a language understood across countries and populations. As she sees it, "phenomena are autonomous beings with their own logic of existence … imbued with powers of association."[1] Alongside the anthropomorphic configurations is her investment in geometry and ornamentation. Yang’s affinity for juxtapositions articulates her resistance to binary models, and considers these elements in modern and ancient thought, as having rational and spiritual orientations. Her wall-mounted sculptures of two circular shapes, Sonic Rotating Identical Circular Twins – Brass and Nickel Plated #1 (2020), for example, is activated through its rotation, and the numerous bells on the discs lend the sculptures a sonic effect. The metallic rattling of bells produces a sound that calls to mind a shamanic ritual. The mezzanine floor presents her diverse graphic works, set against angled wall structures that appear set to tilt, threatening to topple a formal space into disarray. The space sectioned by slanted structures echo the folds of origami. Their angles unsettle our navigation through the exhibition and our encounter with the work, as the artist says of these structures, which were introduced in 2010 at Art Sheffield, and then at her solo show Voice Over Three at Art Sonje Center, Seoul, “...(it) enables a different type of hanging...there is an empty space below the work. Seeing this empty space and its effect was a liberating moment for me.”[2] Immersing the space is Genuine Cloning (2020) a sound piece transmitted through a polygonal fixture the artist calls a sound fruit. Working with sound has given the artist the opportunity to add her voice, albeit one cloned using AI technology. The sound thus takes on a whispering style known as ASMR. The voice then, is not her, but it is also no one, a disembodied articulation commenting on human behaviour, as it names typhoons, argues the legitimacy of this practice, and questions its own state of existence. A faint and fleeting identity of inorganic voices. This synthetic human voice is similar to her use of bird songs recorded at the historical Inter-Korean summit from the DMZ in 2018. Lifted from its original site, this, like the artist’s cloned voice, becomes a mechanical insertion into a space as a silent observer, an ever-present backdrop to the vicissitudes of the human condition. In support of this exhibition, the Museum’s free, wide-reaching educational and public programs will take hold of a range of discursive positions that will explore themes presented in the show, and seek to engage a cross-section of demographics, irrespective of art knowledge, age or race. These programs will be accessible and presented through online platforms and announced through our social media and on our website. Haegue Yang: The Cone of Concern is presented by the Museum of Contemporary Art and Design (MCAD), Manila, and supported by Goethe-Institut Philippinen, the Ministry of Culture, Sports & Tourism of Korea, Korea Arts Management Service, and Fund for Korean Art Abroad, Hyundai Card, and ifa (Institut für Auslandsbeziehungen). - - Footnotes: [1] Doryun Chong, “A Less Small Dictionary (For HY).” in Haegue Yang: Anthology 2006-2018: Tightrope Walking and Its Wordless Shadow, ed. Bruna Roccasalva (Italy: Skira, 2019), 118. [2] Yilmaz Dziewor, “Arrived, 2011,” in Haegue Yang: Anthology 2006-2018: Tightrope Walking and Its Wordless Shadow, ed. Bruna Roccasalva (Italy: Skira, 2019), 201.

artist

Haegue Yang 
Museum of Contemporary Art and Design, Manila

Benilde School of Design and Arts Campus Dominga, Malate
1004 Manila

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posted 25. Feb 2021

Shen Wei - Painting in Motion

03. Dec 202020. Jun 2021
Shen Wei Painting in Motion December 3, 2020–June 20, 2021 The Isabella Stewart Gardner Museum announces its new, Museum-wide exhibition, Painting in Motion, featuring new and recent work, along with a world premiere film commission, from multidisciplinary Chinese-American artist Shen Wei. Shen Wei’s artistic practice draws upon both Chinese and western culture, encompassing not only dance—for which he became world-famous after choreographing the opening ceremony of the 2008 Beijing Olympics—but also painting, drawing, and filmmaking. Known for his interconnected artistic approach, Shen Wei blends various disciplines to explore aspects of spirituality, perception, and movement, while defying traditional boundaries between disciplines, geographies, and cultures. Painting in Motion, which will feature never-before-shown paintings and film, is the first North American exhibition to unite Shen Wei’s work across these various media, and to include original commissions. It is also the first time that the work of a single artist occupies all of the Museum’s rotating exhibition spaces in both the historic and new buildings. “From the moment Shen Wei and the Gardner began collaborating, we realized that his approach to art and nature was mirrored by Isabella’s Palace itself, with its intermixing of various media and its centering of natural elements in the Courtyard,” observed Peggy Fogelman, Norma Jean Calderwood Director of the Museum and co-curator of the exhibition. “At a time when the global pandemic has made us all hunger for connection and healing, Shen Wei’s art speaks to both the body and the spirit. We are thrilled to present the full range of this boundary-breaking contemporary artist and to engage our communities with the spiritual journey represented by his work.” “Shen Wei’s art focuses on discovery—the unfolding of a surprise, a new way of thinking about the forms of energy in the body and in nature that brings with it the understanding that everything is connected,” said Pieranna Cavalchini, co-curator of Shen Wei Painting in Motion and Tom & Lisa Blumenthal Curator of Contemporary Art. “We’re so delighted to share his work here at the Gardner Museum with this exhibition.” Painting in Motion will unfold across all three of the Museum’s special exhibition spaces. The Hostetter Gallery will feature Shen Wei’s recent paintings, including two works created at the Gardner Museum during his first stay as an Artist-in-Residence in 2018, as well as a new series of paintings just completed this year. It will also feature his notebooks, sketches, and documentation of his choreography to provide insight into his working process (on view December 3, 2020-June 20, 2021). In relating his work to ideas of centeredness and connection inherent in the exhibition, Shen Wei expressed, "We rebuild differently but with a same goal. Though we are in a divided space, we are synchronized in ideas. We are individual but we rebuild together." Calderwood Hall, and the Fenway Gallery in the historic Palace will serve as screening rooms for Shen Wei’s films, including April (1998), Inner Shadow of Movement (2016), and a new commission for the Gardner Museum, Passion Spirit (2020). Films will be on view from December 3, 2020-June 28, 2021. Finally, the Museum’s Anne H. Fitzpatrick Façade on the front of the building will feature Red Marker Number 1 (2020), a reimagined still image from Passion Spirit (on view November 24, 2020-June 28, 2021). The exhibition is accompanied by the catalogue Painting in Motion, authored by the show’s co-curators Pieranna Cavalchini and Peggy Fogelman, along with Barbara London and Yiling Mao. The publication is available for purchase through the Museum beginning December 2020.

artist

Shen Wei 
Isabella Stewart Gardner Museum, Boston

The Gardner | 25 Evans Way
MA-02115 Boston

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posted 24. Feb 2021

KATJA AUFLEGER - GONE

02. Dec 202014. Mar 2021
Katja Aufleger. GONE 2. Dezember 2020 – 14. März 2021 In ihrer ersten Einzelausstellung in der Schweiz präsentiert die Künstlerin Katja Aufleger (1983*, Oldenburg) im Museum Tinguely zerbrechliche Skulpturen, gefährliche Chemikalien und Videoarbeiten aus den letzten zehn Jahren ihres Schaffens. Mit transparenten Materialien wie Glas, Plastik und bunten Flüssigkeiten, aber auch mit immateriellen Komponenten wie Klang und Bewegung entwickelt Aufleger fragile Installationen und Filme. Dabei wirken die Objekte auf den ersten Blick vertraut und anziehend, doch bei näherer Betrachtung wird klar, dass den Werken ungewisse oder gar gefährliche Spannungen innewohnen. Mit solchen Ambivalenzen übt die Künstlerin Institutionskritik, hinterfragt Machtstrukturen und Systeme. Die Ausstellung «GONE» ist bis zum 14. März 2021 zu sehen und wird von einer Publikation begleitet, die erstmals einen umfassenden Überblick zu ihrem Werk bietet. Potenzielle Destruktion In der grossen Halle des Museum Tinguely hängen an Stahlseilen drei gläserne Rundkolben von der Decke, gefüllt mit durchsichtiger Flüssigkeit. Es ist ein überdimensionales Kugelstosspendel mit dem Titel NEWTON’S CRADLE (2013/2020). Normalerweise steht es als Modell auf Schreibtischen und man kann fünf kleine Metallkugeln in Bewegung setzen und ihnen beim Pendeln zuschauen – als Demonstration kinetischer Energie. Würde man jedoch im Ausstellungsraum dazu verführt werden, dasselbe mit dem Glaspendel Auflegers zu tun, wäre die Zerstörungskraft gross, denn in den zerbrechlichen Behältnissen befinden sich die drei Bestandteile von Nitroglycerin. In der Ausstellung begegnet uns nicht nur ein überdimensionales Newton Pendel aus zerbrechlichem Glas, das somit zum Stillstand verdammt ist, sondern auch andere gläserne Skulpturen, die bunt, organisch und wulstig an harmlose Murano-Glas Vasen erinnern, aber explosive Substanzen beinhalten [BANG! (2013–2016)] oder bunte Reinigungsmittel, die sich zu einem harmonischen Farbkreis verbinden, anstatt Verfärbungen zu entfernen [AND HE TIPPED GALLONS OF BLACK IN MY FAVORITE BLUE (2014)]. Und Videoarbeiten, die eine hohe skulpturale Qualität in ihrem zweidimensionalen Medium transportieren. «The moment is GONE.» Der Titel spricht an, was die Werke von Katja Aufleger erst in den Gedanken auslösen. Die Veränderung bis hin zur Zerstörung sind in ihrem Schaffen angelegt - wenn auch meist nicht dargestellt - denn sie zelebriert diesen spannungsgeladenen, flüchtigen Moment vor einer Entscheidung. Aufleger interessiert sich für die Gleichzeitigkeit von Möglichkeiten, die uns als Betrachtende in ein Gedankenexperiment involviert. Videoarbeiten als plastische Anschauungsmodelle Während die Destruktion meist theoretisches Potenzial bleibt, zerspringt im Video LOVE AFFAIR (2017) tatsächlich Glas. Es zeigt in Nahaufnahme Leuchtkörper vor dunklem Hintergrund. Die Stille wird plötzlich von einem lauten Knall durchbrochen. Eine Lampe nach der anderen wird zerschossen. Die Spannungsentladung bleibt im unendlichen Loop gefangen und wird zu einem unregelmässigen, rhythmischen Atmen zwischen Anziehung und Gefahr. Anfangs reizvoll und vertraut, entwickelt Auflegers Kunst ihre volle Kraft, wenn der zerstörerische Moment der Veränderung einsetzt, tatsächlich oder gedanklich. In den menschenleeren Bildwelten werden die Objekte zum begehrenswerten Anderen, das aber eine dunkle Seite birgt. Aufleger lotet die Spannbreite von zutiefst menschlichen und existenziellen Fragen um intimste Beziehungen bis hin zu Naturgesetzen aus. Die Gegensätze, die sie sichtbar macht, liegen wie im alltäglichen Leben oft nah beieinander.  In der Videoarbeit THE GLOW (2019) sind Angelköder zu sehen, die durch Schwimmbecken gezogen werden. Verschiedene Unterwasseraufnahmen wechseln in kurzen Abständen, sodass sich Perspektive, Umgebung, Lichteinfall und Lockmittel immer wieder ändern. Zu hören ist ein rhythmisches Klackern oder Klicken, das manchmal zu den Bewegungen passt, dann wiederum asynchron ist. Es handelt sich um Filmausschnitte aus Angel-Tutorials, bei denen Angler*innen die verlockende Wirkung der Köder vorführen. Wie von Sirenen verzaubert, folgt man ihnen mit den Augen. Die Gummifische werden zu Marionetten in einem amüsanten Figurentheater oder zu animierten Avataren in einer digitalen Welt. Die wacklige Videospielästhetik dieser laienhaft produzierten Filme vor der Kulisse einer blau gekachelten, menschenleeren Unterwasserarchitektur wirkt apokalyptisch, und zugleich humoristisch. Multimediale und konzeptuelle Kunst Um ihre Gedankenplastiken zu materialisieren, greift Aufleger selbst zur Videokamera oder formt mit ihren eigenen Händen Ton. Doch für noch präzisere Ergebnisse lässt sie genauso ihre Ideen von Glasbläser*innen oder Programmierer*innen umsetzen. Loops, Gruppierungen und Wiederholungen erzeugen zyklische Systeme ohne Anfang und Ende. Uns bekannte Strukturen oder Methoden weidet die Künstlerin aus, befreit sie von selbstverständlicher Konnotation und füllt sie mit neuen Möglichkeiten. Sie kreiert Denkräume, die sie durch überraschende Umnutzung von Materialien erzeugt. Mit ihrer Arbeit übt Aufleger Institutionskritik, hinterfragt Rollen und überschreitet Grenzen. So stellen Kurator*innen selbst die explosiven Kunstwerke ins Museum, während das Publikum zum wichtigsten Protagonisten der Gedankenspiele Auflegers wird. Die Werktitel sind, im Sinne Marcel Duchamps, die «added colors», also eine verbale Farbe, und somit ein elementarer Teil ihrer Arbeiten. Sie eröffnen einen weiteren Horizont und ermöglichen Assoziationen.  Publikation Begleitend zur Ausstellung erscheint ein bilingualer Katalog (DE/EN), der als erste wissenschaftliche Publikation zu Katja Auflegers Werk einen umfangreichen Bildteil und theoretischen Überblick samt Werkverzeichnis über ihr bisheriges Schaffen bietet. Quinn Latimer hat einen poetischen Text über die akustische und politische Dimension ihrer Arbeit geschrieben und thematisiert damit die immaterielle Seite ihrer Kunst, während sich die Kuratorin Lisa Grenzebach der allgemeinen Strategie der Künstlerin zwischen Verführung und Zerstörungslust widmet. Das Buch ist gestaltet von Grafiker und Künstler Michael Pfisterer und erscheint im Berliner DISTANZ Verlag.

curator

Lisa Grenzebach 
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posted 23. Feb 2021

DEMO

17. Oct 202028. Mar 2021
Schindler House 835 N Kings Road West Hollywood, CA 90069 **Oct 17, 2020 – Mar 28, 2021** DEMO Nazgol Ansarinia, Margarethe Drexel, Lexis-Olivier Ray, and Yan Tomaszewski A midcentury modern house is purchased for the sole purpose of destruction. An Alpine family vacation home is dismantled brick-by-brick by the daughter of the builder. City blocks crumble and spaces become debris. In one generation, fully-formed built environments are supplanted by others. Exploring the lines between demolition, transformation, and extinction, this group exhibition—DEMO—engages four artists’ approaches to reckoning psychologically with the erasure of history that comes with the destruction of both iconic and vernacular architecture. In Southern California, where buildings are regularly thrown away and “touchstones of identity” can no longer be touched (in the words of critic Robert Bevan), how can artists move past well-tread memorializing tendencies to suggest new critical engagement with and resistance to this definitive contemporary force? Four different records and results of four different spatial ruinations are situated in the landmark R.M. Schindler Kings Road House: one in each studio, each suggesting that wrecking balls are not final acts. Tehran-based artist Nazgol Ansarinia works with the three-dimensional documents of bulldozer-induced change, as interior is forced to exterior. Innsbruck-based artist Margarethe Drexel prepares to disassemble a house in Austria and “inter” it within its own basement, repurposing the house underground as a mausoleum/terrace. Los Angeles-based artist and journalist Lexis-Olivier Ray captures the decisive moment when place is obliterated by real estate. Paris-based artist Yan Tomaszewski psychoanalyzes, through film and sculpture, the demolition of Richard Neutra’s 1962 Maslon House in Rancho Mirage, CA. DEMO is co-curated by MAK Center director Priscilla Fraser and Anthony Carfello.
MAK Center, Los Angeles

Schindler House | 835 North Kings Road, West Hollywood
CA 90069-5409 Los Angeles

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posted 22. Feb 2021

Ian Kiaer. Endnote, yellow

14. Nov 202017. Apr 2021
Ian Kiaer. Endnote, yellow Ausstellung: 14. November 2020 – 6. Februar 2021 Verlängert bis 17. April 2021 In seiner zweiten Einzelausstellung in der Galerie Barbara Wien zeigt Ian Kiaer mehrere Werke, die er über einen Zeitraum von sechs Jahren entwickelt und immer wieder an die verschiedenen Raumsituationen seiner Ausstellungen angepasst hat. Dazu gehört die Installation Tooth House, ceiling (2014–20), die er für das Henry Moore Institute in Leeds konzipierte und die seitdem für drei andere Institutionen modifiziert und überarbeitet wurde (Focal Point Gallery, Southend-on-Sea; Kunsthalle Lingen; Heidelberger Kunstverein). Der Titel bezieht sich auf ein Projekt des österreichischen Architekten Friedrich Kiesler, das Tooth House, mit dem Kiesler biomorphe Überlegungen und tierische Gestaltungsformen in eine aus seiner Sicht zunehmend sterile Moderne einbringen wollte. Kiaers Tooth House, ceiling ist sowohl Modell als auch Zeichnung und architektonische Struktur, die sich ständig verändert. Bei jeder Neuinstallation passt sich das Deckendiagramm nicht nur an den jeweiligen Raum an, es vermehren sich auch Flecken, Markierungen und Risse in der Zeichnung. Endnote, ping (de Bretteville/Asimov) (2019) gehört zu Kiaers Projekt, das sich mit Architekturideen der amerikanischen Westküste der frühen 70er Jahre befasst. Als Teil einer losen Bewegung der „Hippie-Moderne” konzentrierten sich die Protagonisten auf utopische Ideen zum gemeinschaftlichen Wohnen. Peter de Bretteville arbeitete zusammen mit den Drehbuchautoren Richard Simon und Dyanne Asimov an einem Haus. Ihr Ziel war, eine Lösung des Bauens zu finden, die die Möglichkeiten des gemeinschaftlichen Wohnens und des autonomen Lebens jedes Einzelnen auslotete. In dieser mehrteiligen Skulptur wird das Video eines Vortrags von de Bretteville an die Innenseite eines aufblasbaren Objekts projiziert, das selbst als ein biomorpher Vorschlag für ein Wohnhaus gelesen werden kann. Aufblasbare Objekte, „Inflatables”, sind eine immer wiederkehrende und sich ständig verändernde skulpturale Form im Werk von Ian Kiaer. Die neuesten Inflatables sind Endnote, limb, das er am 3. Oktober 2020 zur Nuit Blanche in Paris im Außenbereich über einem Wasserbecken zwischen dem Musée d‘Art Moderne de la Ville de Paris und dem Palais de Tokyo zeigte, und Endnote ping, Marder (pale), ein großes Inflatabale, das Kiaer für seine Einzelausstellung im Heidelberger Kunstverein entworfen hat. Endnote ping, Marder (pale) besteht aus einer dünnen, gelblichen Plastikhaut, die aufgeblasen einen großen Teil der Hauptgalerie des Kunstvereins einnahm, sie reichte vom Boden bis zur 6 Meter hohen Decke. In der Berliner Ausstellung Endnote, yellow bringt Kiaer dieses Inflatable nun in einem viel kleineren Raum im Erdgeschoss unter, wo es, gequetscht und eingeengt, den Raum ausfüllt. Der Titel der Arbeit bezieht sich auf den zeitgenössischen Philosophen Michael Marder und ist beeinflusst von dessen Gedanken über Pflanzen – sie verweist auf die Möglichkeit eines „pflanzlichen Denkens” als Anstoß für radikale Architektur. Kiaer verwendet häufig den Begriff „Endnote” in den Titeln seiner Projekte. Er spricht dabei eine Form des Schreibens an, die außerhalb des Hauptteils eines Textes liegt. Diese Randnotizen dienen als Anmerkungen, Erklärungen zu dem, was bereits gesagt wurde, und ermöglichen eine Verbindung von Ideen, die aus Fragmenten besteht, deren Anordnung nicht gleich offensichtlich ist. Wenn man dieses Verständnis des Fragmentarischen auf Kiaers Arbeit anwendet, eröffnet sich ein Raum für Veränderungen und Überarbeitungen. Die Arbeiten berühren sich – es entstehen wechselseitige Beziehungen zwischen Malerei, Inflatables, Video und architektonischen Strukturen. Wie der Titel der Ausstellung andeutet, veranschaulichen die Werke der Ausstellung auch die Farbe gelb. Allerdings geht es Kiaer dabei weniger um die unterschiedlichen Farbtöne als um die Art und Weise, mit welchen Materialien und Qualitäten der Betrachter die Farbe Gelb assoziiert. Die neue Monografie „Ian Kiaer: Endnote, tooth” ist soeben erschienen. Sie enthält Texte von Fabrice Hergott, François Piron, Christiane Rekade und Illustrationen von Werken von 2010 bis heute (herausgegeben von Archive Books, Berlin 2020, 38 Euro). Ian Kiaer (* 1971 in London, UK) lebt und arbeitet in Oxford. Er hatte zahlreiche internationale Einzelausstellungen, u.a. im Heidelberger Kunstverein, Heidelberg (2020); Kunsthalle Lingen (2019); Musée d‘Art Moderne in Paris (2017), Neubauer Collegium, Chicago (2016); Henry Moore Institute, Leeds und Focal Point Gallery, Southend-on-Sea (beide 2014); Centre International de l‘art et du Paysage, Vassivière (2013); Aspen Art Museum (2012); Kunstverein München (2010); und Galleria d‘Arte Moderna e Contemporanea, Turin (2008). Kiaer hat an Gruppenausstellungen teilgenommen, darunter in der GAK Gesellschaft für Aktuelle Kunst, Bremen; Modern Art Oxford; frac île-de-france, Paris; Mudam Luxemburg; Tate Modern und Tate Britain, London; Hammer Museum, Los Angeles; Hayward Gallery London; sowie auf Biennalen in Rennes (2012), Lyon (2009), Istanbul (2007), Berlin (2006) und Venedig (2003).

artist

Ian Kiaer 
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posted 21. Feb 2021

Marcel Dzama - The Moon is Following Me

21. Jan 202106. Mar 2021
Marcel Dzama The Moon is Following Me 21.01. - 06.03.2021 Tim Van Laere Gallery in Antwerp is presenting the first solo show by Marcel Dzama (°1974, Winnipeg; lives and works in New York) with the gallery. The show, titled The Moon is Following Me includes a wide selection of drawings, sculptures, dioramas and a film, and marks the artist’s first solo presentation in Belgium. Drawing equally from folk vernacular as from art-historical and contemporary influences, Dzama’s work visualizes a universe of childhood fantasies and otherworldly fairy tales. His image repertoire includes a wide range of art-historical quotations, ranging from ballet costumes by Oskar Schlemmer or Francis Picabia, for example, to direct references to Francisco de Goya, Marcel Duchamp and Joseph Beuys. Dzama is also known for responding to current events with art. His Instagram feed is a treasure trove of timely drawings, from a tribute to the late justice Ruth Bader Ginsberg over a watercolor of President Trump with a golf club painted directly onto the front page of the New York Times to the recently tiny owl found in the Rockefeller Center Christmas Tree, a drawing that is included in the show. For this exhibition, Marcel Dzama started a series of drawings with more hopeful themes. "Because the Trump years were so traumatizing.” he says. Most of the work is made during lockdown both because of the pandemic but also because of rioting after George Floyd’s death. "We had a curfew here. I did a show at David Zwirner gallery in Paris where few of the drawings were there together with the series on the Pink moon, coming from the image of the moon I saw one night with my son through his telescope, it was beautiful." Chess is a recurring motif for the artist who finds inspiration in its intricate balance between improvisation and predetermination. While the game serves as an underlying theme in many of his drawings and dioramas, Dzama’s film, entitled Dance Floor Dracula, Prelude in C-Sharp Minor, more directly centers on a whimsical chess game that takes the form of a ballet, featuring collaborators Amy Sedaris as Marcel Dzama and Raymond Pettibon as David Zwirner. By using chess as a structural device, the artist makes reference to the early twentieth-century avant-garde artists Marcel Duchamp and Francis Picabia, who employed the game’s special set of rules and moves in their work as metaphors for larger questions regarding free will, chance, and strategy. Integrating this artistic precedent with a subtle, more contemporary nod to the two-party political system in the United States, Dzama’s works are simultaneously familiar and mysterious, humorous and intense, chaotic and orderly. Marcel Dzama is born in °1974, Winnipeg, Canada and currently lives and works in New York, US. Work by the artist is held in museum collections worldwide, including Centre Georges Pompidou, Paris; Museum of Contemporary Art, Los Angeles; The Museum of Modern Art, New York; National Gallery of Canada, Ottawa; Solomon R. Guggenheim Museum, New York; and Tate Gallery, London. The show The Moon is Following Me by Marcel Dzama is on show at Tim Van Laere Gallery, Antwerp from 21 January to 6 March 2021

artist

Marcel Dzama 
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posted 20. Feb 2021

Daniel Knorr - WE MAKE IT HAPPEN

16. Feb 202125. Apr 2021
opening: 14. Feb 2021 06:00 pm
Daniel Knorr WE MAKE IT HAPPEN 16.02.–25.04.2021 Eröffnung: 14.02.2021 Im Jahr 2018 in Kassel zur Documenta-Zeit sahen die Kunstenthusiastinnen und Enthusiasten aus der ganzen Welt ein verwirrendes Schauspiel. Aus dem Zwehrenturm des Friedericianums stieg konstant weißer Rauch auf. Was wie ein Brand aussah, war tatsächlich eine Installation des Künstlers Daniel Knorr. Kurz zuvor hatte er im Athener Teil der Documenta sich noch als eine Art Archäologe des Alltags betätigt und mit einer monumentalen Schrottpresse Fundstücke und Abfall, den er auf den Athener Straßen aufgelesen hatte, zu Katalogen pressen lassen, die die Besucherinnen und Besucher der Documenta als Unikate kaufen konnten. Knorr gilt als Meister der Bedeutungsverschiebungen und als Künstler der Partizipation. Betrachterinnen und Betrachtern seiner Kunst fällt es selten leicht sich unbeteiligt zu fühlen. Oft ermächtigt er sie sogar zur aktiven Teilhabe und jeder besorgte Anrufer und jede besorgte Anruferin bei der Kasseler Feuerwehr wurde zum Teil des Kunstwerkes, das als vergängliches Ereignis, hauptsächlich in den Erzählungen weiterlebt. 
In Zusammenarbeit mit der Kunsthalle Tübingen zeigt das IKOB - Museum für Zeitgenössische Kunst, die erste Einzelausstellung Knorr's in Belgien.

artist

Daniel Knorr 
IKOB, Eupen

Rotenberg 12 B
B-4700 Eupen

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posted 19. Feb 2021

Shaping the Invisible World - Digitale Kartografie als Werkzeug des Wissens

03. Mar 202123. May 2021
**Neue Daten: 03.03.-23.05.2021** Shaping the Invisible World Digitale Kartografie als Werkzeug des Wissens (21.01.2021-14.03.2021) Wir freuen uns sehr, die kommende internationale Gruppenausstellung Shaping the Invisible World – Digitale Kartografie als Werkzeug des Wissens anzukündigen. Die Ausstellung untersucht anhand von Kartografie die Repräsentationsformen der Karte als Werkzeuge zwischen Wissen und Technologie. Die ausgewählten Künstler*innen verhandeln in ihren Werken die Bedeutung der Karte als Massstab einer digitalen, technologischen und globalen Gesellschaft. Mit den technologischen Mitteln unserer Zeit zeigen sie Bilder und Territorien unseres Planeten, die neue Möglichkeiten für die Kommunikation und Navigationeröffnen. Die im Spannungsfeld zwischen subversiver Kartografie und digitalem Mapping verortete Ausstellung beleuchtet die Faszination für Karten hinsichtlich der Demokratisierung von Wissen und Aneignung. Indem die Künstler*innen verborgene Realitäten, wenig sichtbare Entwicklungen und mögliche neue soziale Beziehungen innerhalb eines Territoriums aufdecken, ebnen sie den Weg, unsichtbare Welten zu gestalten. Künstler*innen: Studio Above&Below, Tega Brain & Julian Oliver & Bengt Sjölén, James Bridle, Persijn Broersen & Margit Lukács, fabric | ch, Fei Jun, Total Refusal (Robin Klengel & Leonhard Müllner), Trevor Paglen, Esther Polak & Ivar Van Bekkum, Quadrature, Jakob Kudsk Steensen Boris Magrini ist seit 2017 als Kurator am HeK (Haus der elektronischen Künste Basel) tätig und ist zusammen mit Christine Schranz Co-Kurator der Ausstellung Shaping the Invisible World – Digitale Kartografie als Werkzeug des Wissens. Christine Schranz ist Co-Leiterin a.i. am Institut Integrative Gestaltung | Masterstudio Design der Hochschule für Gestaltung und Kunst FHNW in Basel.
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posted 18. Feb 2021

BEYOND STATES

22. Jan 202106. Jun 2021
opening: 21. Jan 2021 07:00 pm
BEYOND STATES ÜBER DIE GRENZEN VON STAATLICHKEIT 22.Januar – 06.Juni 2021 23.ERÖFFNUNG: Donnerstag, 21.01.2021, 19 Uhr Ist der Staat Schutzraum oder Gefahrenzone? Beherbergungsverbot, Reisebeschränkungen, innerdeutsche Grenzerfahrungen, Einschränkungen der Grundrechte sind Themen, die aktueller sind denn je. Grenzerfahrungen sind in die Lebenswelt aller massiv eingedrungen, doch nicht nur coronabedingt wird die Schutzfunktion eines Staates durch Grenzen markiert. International renommierte Künstler*innen reflektieren Fantasien bzw. Realitäten einer Staatskrise bis hin zum Staatsverfall, die sich zwischen Dystopie und Utopie bewegen. Angefangen bei rechtslibertären Ideologien, die in der Überwindung des Staates die Verwirklichung ultimativer Freiheit sehen bis hin zur Idee einer flexiblen Staatsbürgerschaft, die sich an Abo- bzw. Streaming-Portalen orientieren. Die Ausstellung wirft aber auch einen Blick auf diejenigen, die sich auf einen Zusammenbruch der staatlichen Ordnung vorbereiten wie u.a. Verschwörungstheoretiker und Prepper. Sie wirft aber gleichzeitig auch den Blick bis in das 19. Jahrhundert zurück und ergänzt die künstlerischen Positionen mit Exponaten, die Grenzen, Staatlichkeit und die damit verbundene Propaganda in der Luftfahrt thematisieren. Teilnehmende Künstler*innen: Nevin Aladağ, James Bridle, Simon Denny, Vera Drebusch & Florian Egermann, Forensic Oceanography/Forensic Architecture, Jacob Hurwitz-Goodman & Daniel Keller, Peng! Kollektiv, Christopher Kulendran Thomas, Henrike Naumann und Jonas Staal Kurator*innen: Ina Neddermeyer, Leiterin und Carline Wind, wissenschaftliche Mitarbeiterin der Abteilung Kunst im Zeppelin Museum, Jürgen Bleibler, Leiter und Felix Banzhaf, wissenschaftlicher Mitarbeiter der Abteilung Zeppelin im Zeppelin Museum.
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posted 17. Feb 2021

Miriam Cahn and Claudia Martínez Garay - Ten Thousand Things

08. Nov 202023. May 2021
Miriam Cahn and Claudia Martínez Garay Ten Thousand Things November 8, 2020–May 23, 2021 Sifang Art Museum presents Miriam Cahn and Claudia Martínez Garay: Ten Thousand Things, the first major exhibition of Swiss artist Miriam Cahn (b. 1949, Basel, Switzerland; lives and works in Stampa, Bregaglia) and Peruvian artist Claudia Martínez Garay (b. 1983, Ayacucho, Perú; lives and works between Amsterdam and Lima) in China. This exhibition is organized by Weng Xiaoyu. Ten Thousand Things brings artists Miriam Cahn and Claudia Martínez Garay into an idiosyncratic encounter across generations, geography and culture. Conceived as a two-person exhibition, Ten Thousand Things features works of painting, drawing, installation, sculpture, video, collage and site-specific mural that span both artists’ careers. The title of the exhibition borrows the ancient Chinese cosmological view of the world as exemplified in the I Ching: “Heaven and Earth interact perfectly, and the ten thousand things communicate without obstacle.” This view poetically connects the works presented in this exhibition and foregrounds the shared aspects of the artists’ practices: they rethink how we as humans connect to nature, other sentient beings, the non-human environment, and man-made systems, and how to represent such relationships. Mainly known for her works on canvas, Cahn has committed over four decades of her artistic practice to the exploration of translating emotions into the language of image-making. Contemplating contemporary human conditions, Cahn always places her human subjects in an intrinsic web of worlds of animals and plants that extend our human-centric imaginations. The resulting images are imbued with intensity that respond to trauma, war and violence, and social conflicts. Cahn describes: “I am fish, bird, hedgehog, horse,” and “my body remembers older epochs of planetary and natural history. [The glow of] the skin(s) of animals and women shows me how close I can get to animals, to women. But glowing is related to radiate, radiation, irradiated.” Martínez Garay’s works reflect on indigenous mythologies and artifacts, particularly from pre-Columbian cultures. Culminating in layered and iterative installations, her research-based practice investigates how power and violence persist through narratives fabricated by colonialist frameworks. The presentation of her work in this exhibition combines existing work and new commissions including murals, tufting tapestries and rattan animal sculptures that bridge her native Peruvian heritage with craftsmanship from local artisans. These new works and the symbolic elements imbedded in them are inspired by “Pachakuti,” a concept from Andean Cosmovision that signals a return to the initial point—as revolution, change and transformation—in a cycle that occurs in time and space. Cahn and Martínez Garay are both storytellers in their respective and distinguished modes of representation. As Cahn disavows the conventional categorizations and oppositions by creating hybrid representations of beings unidentifiable at first glance as animal or human, body or plant, female or male, horror or allure, Martínez Garay shades light on what we can relearn from ancient cosmologies to imagine new ways to understand time and space, and to relate to both beings and things. Underneath their colorful and even whimsical aesthetics, fluctuating and metamorphosing, are dynamic and uncompromising energy and force. The exhibition is supported by Pro Helvetia Shanghai, Swiss Arts Council.

artists & participants

Miriam Cahn,  Claudia Martinez Garay 

curator

Weng Xiaoyu 
Sifang Art Museum, Nanjing

Sifang Art Museum | No.9 Zhenqi Road
210000 Nanjing

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posted 16. Feb 2021

Paloma Varga Weisz. Glory Hole

16. Dec 202025. Apr 2021
Paloma Varga Weisz. Glory Hole 16 December 2020 - 25 April 2021 Curated by Eric Troncy On the occasion of Paloma Varga Weisz’s first solo exhibition in France, the Consortium Museum presents Glory Hole, a monumental installation that incites visitors to indiscretion. Paloma Varga Weisz (b. 1966, Mannheim, Germany) grew up in a prolific art environment, influenced by an artist father of Hungarian descent, Ferenc Varga, and his circle of friends comprised of Henri Matisse, Jean Cocteau and Pablo Picasso. At 21 she learned woodcarving, a technique that remained at the core of her later practice. Yet Varga Weisz’s work is equally concerned with other media such as drawings, installations, watercolors, and more recently videos. A graduate of the Staatliche Kunstakademie Düsseldorf, Paloma Varga Weisz’s multiple influences range from medieval sculpture to Louise Bourgeois’s work and traditional Renaissance iconography. Inspired by her personal history and everyday life, her artworks find their embodiment inside a universe imbued with poetry, folklore and the grotesque. Sometimes erotic and often strange hybrid figures come to the surface: distorted figures, mutilated bodies, characters with multiple faces, conjoined twin torsos, disarticulated puppets… Glory Hole, the title of the installation, refers to an erotic practice where a small opening is pierced through a wall (oftentimes in public restrooms or in sex clubs) to allow for voyeuristic viewing of sexual practices or on the contrary for anonymously engaging in sexual activity by sliding a penis through the orifice. Erected in the Consortium Museum’s “White Box,” Glory Hole takes the shape of a large-scale rustic cabin, in which the roughly-assembled boards made of dark wood let slip through a few rays of light emanating from the inside. The artwork, which was shown for the first time in 2015 at the Salzburg Kunstverein (Austria) and presented more recently at the Bonnefanten Museum in Maastricht (Netherlands, 2019), is inspired by the artist’s research in the Austrian countryside, where the cabin was collected and later transported to its subsequent exhibition spaces. Impressive yet impenetrable, the installation is activated by the visitors’ curiosity. To discover its contents, viewers are invited to approach the structure and look inside through its various suggestive apertures ––gaps in construction, and the glory holes intended for that exact purpose. Through the viewers’ inquisitive eyes, two dimly lit rooms are revealed, featuring several wholly fabricated characters. Two human-size puppets, reduced to mechanical sexual gestures, are animated by cables hanging from the ceiling. These two figures highlight Varga Weisz’s sculptural skills, who often works with linden wood for its sleek touch and aspect. They also illustrate Varga Weisz’s attentive focus on questions of gender and identity; here the characters’ only role is limited to their sexual function. With a face distorted by a prominent penis, agitated by repetitive jerks, one of the sculptures embodies a ludicrous, exacerbated virility. The presence of two taxidermy monkeys adds to the absurdity of this mise-en-scène. The cabin’s environment remains familiar however, as it recalls the rural interior of an old rustic dwelling where hunting trophies are used as home décor. On the walls the heads of animals that are traditionally hunted (a boar, a deer and a pheasant) may be identified, next to domesticated ones (two hunting dog breeds). This sophisticated mise-en-scène seems to be only disturbed by the viewers’ indiscretion. Glory Hole’s narrow perspective restricts the experience of the artwork to what amounts to an indicial observation for the viewer, as some spaces remain inaccessible. This fragmentary vision calls up confusing feelings, between unease and nostalgia, triggered by a décor that resembles an obscene fairy tale. Yet as is always the case with Paloma Varga Weisz’s work, an indefinable, vivid feeling of uncanny emerges, evoking both familiar and absurd elements. The artist gathers these anthropomorphic and bestial figures alike to create a vulnerable world where the body is explored, its limbs distorted and its functions upended. Glory Hole invites the viewer to a unique experience with a strong narrative potential, making visible the artist’s interest in pure materials, technical precision and a fascination for the body. Some of the artworks in this exhibition may be disturbing to visitors, particularly children. Discretion advised.

curator

Eric Troncy 
Consortium Dijon

LE CONSORTIUM / L´USINE | 37 rue de Longvic
21 000 Dijon

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posted 15. Feb 2021

LUDGER GERDES - THOMAS SCHÜTTE

04. Jan 202126. Feb 2021
LUDGER GERDES - THOMAS SCHÜTTE 04.01.2021 - 26.02.2021 WEITER · WARTEN ist während der Pandemie das bestimmende Kriterium für uns Menschen. Warten auf Wiedereröffnungen von Geschäften, Ausstellungen, Theater und Konzerte oder auf Impfung. 1984 gab es die Ausstellung WEITER · WARTEN mit Ludger Gerdes und Thomas Schütte in der Produzentengalerie in Hamburg. Während des lockdown zeigen wir frühe Arbeiten beider Künstler. Auf vorherige Vereinbarung können Sie die Ausstellung jederzeit alleine anschauen ( bis 26. Feb.2021)

artists & participants

Ludger Gerdes,  Thomas Schütte 
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posted 14. Feb 2021

Francis Alÿs - Wet feet __ dry feet: borders and games

28. Oct 202016. Feb 2021
Francis Alÿs Wet feet _ dry feet: borders and games October 28, 2020–February 16, 2021 Wet feet _ dry feet: borders and games brings together three interconnected projects by Francis Alÿs (born 1959 in Belgium and based in Mexico City since the 1980s), widely perceived as one of the most influential conceptual artists of our time. Structured around the artist’s interest in migration and borders, as well as his fascination with children’s games from around the world, this solo presentation shines a light on Francis Alÿs’s poetic and imaginative sensibility, which is anchored by geopolitical concerns and individual possibilities, as well as on the shift of the protagonist in his recent works from the artist himself to children. The title of the exhibition was the spark to Alÿs’s works in this exhibition: “Wet Feet, Dry Feet” refers to the 1995 US policy on Cuban refugees. Under this policy, Cuban migrants headed for the United States faced vastly different treatment depending on whether they were intercepted at sea or on land, on US soil. If intercepted at sea (“wet feet”), they would be repatriated back to Cuba; if intercepted on land (“dry feet”), they would be allowed to stay in the United States. This policy is uncannily similar to Hong Kong’s “Touch Base” policy in the 1970s, when Mainland Chinese migrants would be sent back to the Mainland if intercepted at sea or in the New Territories; only if they reached south of Boundary Street—the formal boundary between Kowloon and the New Territories—were migrants allowed to stay legally in the territory (in the quirky British sports reference, “touch base”). Expanded from the exhibition The Logbook of Gibraltar at Art Sonje Center in 2018, this exhibition for Hong Kong unfolds from Bridge/Puente (2006)—where the artist attempted to connect Havana, Cuba, and Florida, USA, with lines of boats volunteered by fishing communities and private boat owners—to its second incarnation in the Strait of Gibraltar, Don’t Cross the Bridge Before You Get to the River (2008), where groups of children depart from the shores with “shoe boats”, metaphorically connecting the two continents. These two projects are juxtaposed with Children’s Games (1999–ongoing), a collection of more than 20 documentary videos of children at play in commonplace settings and in various locations, from the streets of Mexico and the seashore in Europe, to remote villages in Afghanistan as well as a refugee camp in Iraq; these are supplemented by videos filmed by the artist in Hong Kong, as new commissions by Tai Kwun Contemporary. Without ever becoming directly involved, the artist documents children moving in their own ways and playing their games, games which also echo the rituals, symbols, insights, superstitions, and events of the specific society, culture, and locality. Children’s Games is in the vein of his artistic practice—touching poetically on conceptual displacement and alluding lightly, whimsically on politics and social engagement. Viewers can observe a poignant sense of innocence and the redemptive power of play—universal and transcending conventions, boundaries, and borders. Curators: Xue Tan, Sunjung Kim Co-presented with Art Sonje Center

artist

Francis Alys 

curators

Sunjung KimXue Tan 
Tai Kwun, Hong Kong

10 Hollywood Road, Central
Hong Kong

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posted 13. Feb 2021

MONOCULTURE – A Recent History

25. Sep 202025. Apr 2021
**25 Sep - 25 Apr 2021 ** MONOCULTURE – A Recent History The exhibition MONOCULTURE – A Recent History begins from the principle that any understanding of ‘multiculture’, should necessitate an investigation of ‘monoculture’. The societal understanding of monoculture can be defined as the homogeneous expression of the culture of a single social or ethnic group. The project seeks to approach the notion of monoculture with an open mind. It will thus aim for an analysis of, rather than an antithesis to, monoculture, approaching it not only from historical, social, cultural and ideological perspectives, but also philosophical, linguistic and agricultural ones. MONOCULTURE will provide a tentative mapping, allowing for a comparative analysis of different manifestations of monoculture, as well as their reflections in art and propaganda, seeking to draw some conclusions that might be relevant for society and culture at large. The project will set out some core questions, including: What might we mean by monoculture? What is the impetus for ‘identitarian’ or nationalistic monoculture movements who do not see, or wish, their society to be pluralistic, not just in the context of Europe but globally? Might we locate positive or even emancipatory aspirations of monoculture? Might a culturally homogeneous society also be inclusive and transformational? What lies at the fringes of monoculture, and what does it not tolerate? What may be the position of the arts within the context of monocultural ideology? Or alternatively, how might the arts look under monocultural ideology when taken to its logical conclusion? Looking at the recent relevant part through to the present day, the project will aim to address such challenging questions, beyond the tendencies and bias of liberal ‘groupthink’, as a way to consider notions of culture in a different way to established lenses such as identity politics or post-modern relativism. MONOCULTURE will formulate exploratory constellations of art, ideas and propaganda. Alongside various examples of official culture sanctioned by nation states, one of the most striking historical demonstrations of ideological monoculture in the cultural field was through the infamous 1937 ‘Entartete Kunst’ (‘Degenerate Art’) exhibition staged in Nazi Germany. Holding up the modernist avant-garde as an aberration, Nazism sought instead a decidedly unambiguous ethno-centric conception of culture inspired by a Greco-Roman imaginary. Yet monocultural conceptions of culture might also be formed through emancipatory imperatives. Some argue that a post-colonial movement such as Négritude in Senegal for example as having implemented a form of cultural homogeneity. These will be among the many case studies for exploring different trajectories and intersections of monoculture, particularly their articulation in art and ideology, from the early-20th century to the present moment. MONOCULTURE – A Recent History is part of ‘Our Many Europes’, a project of the confederation ‘L’Internationale’. Exhibition curated by Nav Haq, Associate Director, M HKA

curator

Nav Haq 
MuHKA - Museum of Contemporary Art Antwerp

MuHKA | Leuvenstraat 32
B-2000 Antwerp

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posted 12. Feb 2021

SALON REAL / VIRTUAL 5# Salon: Veronika Merklein | Der wunde Punkt

12. Feb 202118. Mar 2021
**virtuelle galerie – mit viel 3D Animationen:** https://artspaces.kunstmatrix.com/en/exhibition/4144867/salon-real-virtual-5-veronika-merklein-der-wunde-punkt * **SALON REAL / VIRTUAL 5# Salon: Veronika Merklein | Der wunde Punkt** 12.02.2021 – 18.03.2021 Eröffnung: Freitag, 12.02.2021, 15- 20h Timeslot alle 15 Minuten / immer nur eine Person / come and go galerie michaela stock, Schleifmühlgasse 18, 1040 Wien Kamingespräche (Es finden 2 voraufgezeichnete Kamingespräche mit Veronika Merklein statt): 1- Im Gespräch mit Anna Mendelsohn, Performerin und Psychotherapeutin in Ausbildung unter Supervision: „Über das Unaussprechbare sprechen" 2- Im Gespräch mit Bernadette Anzengruber, Künstlerin: „Der poröse Körper im virtuellen Raum" In der fünften Ausstellungsreihe des Salon Real / Virtual sind Arbeiten der jungen Performancekünstlerin Veronika Merklein zu sehen. In der für die reale und virtuelle Galerie konzipierten Einzelausstellung mit dem Titel Der wunde Punkt richtet sich der Blick der Künstlerin auf die stillen Schmerzen und das lautlose Kratzen am Boden albtraumatischer Lebensereignisse, depressiver Gefühlstiefen und stummer Gespräche miteinander. Veronika Merkleins Arbeiten sind immer persönlich, aber nicht zwingend autobiographisch. Durch ihre bildliche und poetische (Schrift)Sprache zeigt die Künstlerin ein nüchternes Verständnis einer unveränderbaren Situation. Ihre Strategie besteht darin, unaussprechliche persönliche, soziale oder politische Probleme humorvoll bis schmerzlich zu erfassen – und diese sichtbar zu machen und für Menschen zu sprechen, die es gerade nicht können. Diese Werke leiten eine Abfolge von Rückbesinnung (Erinnerung), Befreiung (Vorstellungskraft) und Neuerfindung (Geschichtenerzählung) in Gang. Für den SALON VIRTUAL, den virtuellen Ausstellungsraum der galerie michaela stock, trägt Veronika Merklein teils nie ausgestellte, aber auch ganz neue Arbeiten aus den letzten 12 Jahren (2009-2021) in einer Kompilation zusammen. Veronika Merklein nutzt den virtuellen Galerieraum, um ihre Kunstwerke neu zu kontextualisieren; viele der gezeigten Werke sind performativer, temporärer und vergänglicher Natur, die sich in irgendeiner Weise an der Schnittstelle zwischen Bild und Text bewegen. Die Künstlerin verwendet 3D-Simulationen, um die Dokumentation der gezeigten Performances ein zweites Mal – ganz neu - erleben zu können. So wird eine Still-Life-Performance zurück in den plastischen Raum geholt; Schriftbilder schweben wie eine Halluzination im Raum und die fünf Meter hohen ockerfarbenen Wände wirken erdrückend und machen das Gezeigte noch eindringlicher. Die Fotoserie Sitting in the Closet oder Die stille Nachbarin und Zeichnungen der Serie Phlegma Loop sind nur einige der gezeigten „wunden Punkte" unserer Gesellschaft. Suizid an einem Smileyballon oder ein anthropomorph, liegender Körper in einer verwahrlosten Wohnung, zeigen wie Merklein ihren eigenen Körper sowohl als Subjekt als auch als Objekt in den Kunstwerken einsetzt und am Ende dieser sogar verdrängt wird. Im SALON REAL wird eine kleine Auswahl dieser Werke präsentiert. Der „schöne Schein" im idyllisch, realen Salon der Galerie wird gebrochen und lädt die Besucher_innen zu Diskussionen ein. Curriculum Vitae Die 1982 in Deutschland geborene Künstlerin Veronika Merklein lebt und arbeitet hauptsächlich in Wien (AT). Als Künstlerin arbeitet sie in verschiedenen Medien mit dem Schwerpunkt Performancekunst. Ihre Arbeiten drehen sich um Performancekunst immanente Themen, popkulturelle Phänomene sowie "das reine, brutale (innere) Leben der Menschen". Ausgehend von ihrem eigenen Körper untersucht sie seit 2012 Körperpolitiken als künstlerischen Schwerpunkt. Veronika Merklein genoss ihre künstlerische Ausbildung an der Akademie der bildenden Künste Wien und der Kunsthochschule Kassel. Sie präsentierte ihre Arbeiten u.a. in der Defibrillator Gallery, Chicago (US), im Neuen Kunstverein Wien (AT), Kaskadenkondensator, Basel (CH), Fridericianum, Kassel (D), Secession, Wien (AT), Kiasma, Helsinki (FI) um nur einige zu nennen. Geführte Guided Tour auf Anfrage Eine Guided Tour mit Veronika Merklein durch den Salon Real / Virtual kann bei der Galeristin Michaela Stock gebucht werden. Terminvereinbarung unter +43 699 19207778.
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posted 11. Feb 2021

RESET

11. Feb 202109. May 2021
RESET Museum. Sammlung. Zukunft. 11. Februar bis 9. Mai 2021 Das Museum Haus Konstruktiv freut sich, anlässlich seines 35-jährigen Bestehens das Jahresprogramm 2021 mit einer spektakulären Sammlungsausstellung einzuläuten. Unter dem Titel RESET werden ausgewählte Neuzugänge zusammen mit herausragenden, schon länger nicht mehr gezeigten Sammlungswerken präsentiert. Unter der Rubrik «Spotlight» wird die Werkauswahl durch neu produzierte Arbeiten von vier jüngeren Schweizer Künstler*innen ergänzt. Anhand ihrer Positionen machen wir anschaulich, in welche Richtung unsere Sammlung künftig erweitert werden könnte. Der Impuls, sich immer wieder eingehend mit der hauseigenen Sammlung auseinanderzusetzen, ihre verschiedenen Facetten auszuleuchten und zu erweitern, ist in der Museumsarbeit stets präsent, hat durch die Pandemie jedoch noch einmal mehr an Intensität gewonnen. Mit RESET beziehen wir uns auf einen Begriff aus der Elektronik, mit dem das Zurücksetzen eines Systems in seinen definierten Ausgangszustand beschrieben wird. In Anlehnung an diesen Vorgang besinnen wir uns mit der Schau auf unsere Kernaufgaben – das Sammeln, Konservieren und Vermitteln von konstruktiv-konkreter und konzeptueller Kunst: Wo liegen die Anfänge unserer Sammlung? Wie präsentiert sie sich im Moment? Wohin entwickelt sie sich und wie ist sie mit aktuellen Fragen und Entwicklungen vernetzt?

Entstanden ist eine Ausstellung, die Malerei, Skulptur, Installation und Video umfasst und neue Denkräume generiert, indem sie verblüffende Verbindungslinien zieht: von jüngsten Erwerbungen und Schenkungen aus zu älteren Sammlungswerken jenseits des engsten Kreises der Zürcher Konkreten. Mit Sammlungswerken von: Marina Apollonio, Jakob Bill, Ulla von Brandenburg, Andreas Brandt, Claudia Comte, Arturo Di Maria, Ulrich Elsener, Rita Ernst, Sylvie Fleury, Arend Fuhrmann, Fritz Glarner, Hans Jörg Glattfelder, Daniel Göttin, Clare Goodwin, Marguerite Hersberger, Hans Hinterreiter, Beat Huber, Heidi Künzler, Manfred Mohr, Thomas Moor, Marcello Morandini, Olivier Mosset, Willy Müller-Brittnau, Jan van Munster, Sadie Murdoch, Carsten Nicolai, Michael Riedel, Nelly Rudin, Nedko Solakov, Peter Somm, Renato Spagnoli, Cristina Spoerri, Natalia Stachon, Anton Stankowski, Jürg Stäuble, Dominik Stauch, Pieter Struycken, Zdeněk Sýkora, Sophie Taeuber-Arp, Cassidy Toner, Romy Weber, Markus Weggenmann, Gido Wiederkehr, Shizuko Yoshikawa, Beat Zoderer Unter der Rubrik «Spotlight» eingeladende Künstler*innen: Alexander Bühler, Guillaume Pilet, Sam Porritt, Ana Strika kuratiert von Sabine Schaschl, Evelyne Bucher und Eliza Lips
Museum Haus Konstruktiv, Zürich

HAUS KONSTRUKTIV | Selnaustrasse 25
8001 Zurich

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posted 10. Feb 2021

Faţadă/Façade

24. Oct 202011. Apr 2021
**24. Oktober 2020 - 11. April 2021** Dortmunder U * **Faţadă/Façade** Exhibition, workshop, public programme Ausstellung, Werkstatt, Diskursort Aufbauend auf dem gleichnamigen kollaborativen Kunstprojekt der Werkstatt Mallinckrodtstraße zur Roma-Baukultur und der im September 2019 realisierten Neugestaltung einer Hausfassade in der Dortmunder Nordstadt richtet die Ausstellung Faţadă/Fassade den Fokus auf eine besondere Form von Architektur, die in den letzten 30 Jahren u.a. in Rumänien entstanden ist. Diese zeichnet sich durch expressive Fassaden aus, in denen sich viele verschiedene Gestaltungsformen wiederfinden. Außerdem sind die (Traum-)Häuser oft mit Kuppeln, Burgzinnen oder silbrig schimmernden Zwiebeldächern versehen. Neben zahlreichen Hausmodellen, die im Rahmen des Projektes entstanden sind und die in der Ausstellung präsentiert werden, wird auch eine Neugestaltung des Eingangsbereichs des HMKV von Mitgliedern der Werkstatt Mallinckrodtstraße realisiert. Ein Veranstaltungsprogramm ermöglicht Vertiefung und Diskussion der vielen unterschiedlichen Aspekte des Projekts. Ein Projekt von HMKV (Hartware MedienKunstVerein), Interkultur Ruhr und Werkstatt Mallinckrodtstraße Mit Arbeiten des Teams Werkstatt Mallinckrodtstraße: Alex Ciurar, Cernat Siminoc (Roger), Christoph Wachter, Constantin Ciurar, Cristina Siminoc, Leonardo Radu, Lincan Raimond, Mathias Jud, Memo Ciurar, Stefan Raul, Vasile Siminoc u.v.a. Grafikdesign: The Laboratory of Manuel Bürger, Berlin
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posted 09. Feb 2021

Lone Haugaard Madsen — Raum#365

09. Feb 202105. Mar 2021
Lone Haugaard Madsen — Raum#365 Voraussichtliche Laufzeit der Ausstellung 9. Februar – 5. März 2021 In ihrer Praxis begibt sich Lone Haugaard Madsen nicht nur in einen kaum enden wollenden Kreislauf aus künstlerischer Produktion/Reproduktion und Präsentation/Repräsentation, sondern sie gestaltet diesen gleichsam mit. Mit bildhauerischen und malerischen Mitteln, stets jedoch raumbezogen-installativ, stellt sie die Kunstproduktion an sich zur Disposition: Welche Zusammenhänge sind konstitutiv für Kunst? Welche Verhältnisse und Bedingungen des Präsentierens von Kunst herrschen vor, welche Begehrlichkeiten werden damit geweckt? Welche Bezüge und Verbindungslinien können zwischen den inhaltlichen, formalen und materiellen Voraussetzungen von Kunst und ihren Räumen hergestellt werden? Indem Lone Haugaard Madsen ihre Rolle bewusst von der (re-)produzierenden Künstlerin zur ersten Betrachterin ihrer eigenen Kunstwerke zur Ausstellungsmacherin und je nach Bedarf wieder zurück wechselt, hält sie ihr eigenes Handlungsfeld in Schwebe und die daran geknüpften Fragestellungen offen für Diskussion. Ausgangspunkt für die meist fragilen, jedoch äußert präzise im jeweiligen räumlichen Kontext gesetzten Installationen, mit denen die Künstlerin unter anderem die Gesten des Zeigens von Kunst sichtbar macht, sind die materiellen Aspekte der Produktion, Aspekte des künstlerischen Arbeitens an sich: Hier schlingt sich eine Schnur beiläufig um ein handelsübliches Formrohr aus Metall, das zusammengebunden mit anderen Stangen in die Höhe ragt; dort zeigen sich vorsichtig die Spuren eines Lackierprozesses auf einem beliebigen Stück Schaumstoff und strukturieren seine Oberfläche neu; hier kontrastiert das glänzende Schwarz eines nicht näher bestimmbaren Elements aus Plastik die matte malerische Fläche auf Leinwand; dort lehnt eine Holzplatte, als würde sie darauf warten, abgeholt zu werden; hier liegt ein Stück Stoff über einem Sockel, der wie ein temporärer Behelf aus ungleichen Materialien bricoliert ist – alles kann zur Kunst werden. Lone Haugaard Madsens Werke bestehen häufig aus Gegenständen, die sich in ihrem eigenen Arbeitsraum angesammelt haben oder die sie in den Ateliers befreundeter Künstler*innen und in den Werkstätten und Lagern von Kunstinstitutionen findet, in denen sie ausstellt. Sie akkumuliert Materialien und Objekte, sie unterzieht die Gegenstände einem Prozess der Umdeutung und transformiert sie so lange, bis daraus ein netzwerkartig strukturiertes Hybrid entsteht, das die komplexen Zusammenhänge des Kunstschaffens nicht nur als Gedankengebilde fasst, sondern begreiflich und erfahrbar macht. Durch den Eingriff der Künstlerin entstehen Konstellationen. Es sind scheinbar willkürliche Zusammenfügungen, die trotz ihrer Flüchtigkeit oder gerade wegen ihrer Unbestimmtheit überaus präsent sind. Betrachter*innen können gar nicht anders, als mit ihrem Blick bei den Objekten stehen zu bleiben und diese auf ihre Gestalt und Beschaffenheit, auf ihre vermeintliche Funktion hin zu prüfen. Ein zentraler Aspekt in Lone Haugaard Madsens Arbeit ist das Moment des Zeigens von Kunst, das wiederum das Moment des Zeigens von Kunst – und des Betrachtens derselben – zum Thema hat. Die Ausstellungen der Künstlerin sind nicht nur Mittel, um bestimmte Werke – Skulpturen, Malereien, Interventionen – in einen räumlichen Zusammenhang zu bringen, vielmehr verbinden sich ihre Skulpturen, Malereien und Interventionen derart miteinander und mit dem jeweiligen Ort der Präsentation, dass die Ausstellungen selbst zur Installation und zum Kunstwerk werden. Juliane Rebentisch zufolge „[war] kein Werk je gegenüber der Form seiner Ausstellung indifferent, aber die Kunst der Installation lenkt darauf eine besondere Aufmerksamkeit: Sie spielt dezidiert mit der parergonalen Logik, in deren Dynamik sich das räumliche Drumherum des Ausstellungsraums oder die Nachbarschaft eines Bildes mit einem anderen ins Zentrum ästhetischer Signifikanz falten kann, ohne doch je sich als ein solches Zentrum fixieren oder dingfest machen zu lassen.“* Dass Lone Haugaard Madsen ihre Ausstellungen als Räume bezeichnet und ihnen fortlaufende Nummern statt Titeln gibt, unterstreicht zum einen, dass es sich dabei um lose Arrangements handelt, und zum anderen, dass die einzelnen Schauen wiederum in ein größeres Ganzes eingebettet sind. Die Kontingenz der Bestandteile in den Werken der Künstlerin setzt sich auf Ebene der Ausstellungen fort. Mit Raum#365 hat Lone Haugaard Madsen eine neue, an die räumlichen, inhaltlichen und institutionellen Voraussetzungen des Kunstraum Lakeside adaptierte Installation entwickelt. Ein längerer Aufenthalt in einem Haus mit Garten während der langen Wochen des durch die weltweite Pandemie bedingten Lockdowns im Frühsommer bewegte die Künstlerin dazu, ihren Standpunkt als Produzentin von Kunst neuerlich zu befragen. Ausgehend von ihrer persönlichen Arbeitssituation, aber auch von der Tatsache, dass Künstler*innen in Zeiten eingeschränkter Mobilität und Öffentlichkeit stärker denn je zuvor mit ihren eigenen Schaffensbedingungen und -mitteln konfrontiert sind, hat Haugaard Madsen den Fotografen Oliver Brenneisen um die Dokumentation einer neuen Serie von Malereien und Skulpturen gebeten. Die in dieser Zusammenarbeit entstandenen Fotografien, die sich zwischen Porträt-, Repro-, Objekt-, Natur- und nicht zuletzt Modefotografie bewegen, sind nicht unbedingt als Kunstwerke an sich zu verstehen. Ihre formale Unbestimmtheit jedoch, die Art, wie sie sich der eindeutigen Beschreibung entziehen und wie sie – etwa auf der Einladungskarte zur Ausstellung Raum#365 – zirkulieren, korrespondiert durchaus mit den Methoden und Strategien der Überschreitung von Genregrenzen, ein Verfahren, das die Künstlerin ebenso für die Komposition und das Arrangement ihres Werks heranzieht. Lone Haugaard Madsen (geb. 1974 in Dänemark) lebt und arbeitet in Wien. * Juliane Rebentisch, interviewt von Matthias Michalka, „to install“, in: to expose, to show, to demonstrate, to inform, to offer. Künstlerische Praktiken um 1990, Köln 2015, S. 225– 231, hier: S. 227.
Kunstraum Lakeside, Klagenfurt

Lakeside Science & Technology Park, Lakeside B02 (Eingang EG West)
A-9020 Klagenfurt

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posted 08. Feb 2021

Kresiah Mukwazhi. Mukando

04. Dec 202027. Feb 2021
Kresiah Mukwazhi. Mukando December 4 – February 27, 2020 Jan Kaps is pleased to present Kresiah Mukwazhi's new exhibition and first solo show with the gallery -entitled Mukando. Kresiah Mukwazhi’s work explores the world of sex industry and deals with questions of safety, sense of community and collective support. It aims to be a testament of her determination to address latent forms of patriarchy and systemic violence by interrogating the mechanisms that force some women into precarious labor and working conditions often led by brutality and coercion. Mukwazhi took her own professional experience in nightclubs as well as her conversations with sex workers of the Hopley Farm in Harare, Zimbabwe, as the premise for this exhibition. Hopley Farm is home mostly to those who suffered a large-scale government campaign conducted in 2005 to harmfully “clear” poor neighborhoods across Zimbabwe and left about 700,000 internally displaced individuals. As a result of how this settlement grew and the subsequent economic crisis partly engendered by an hyperinflation of the national currency, this community saw an increase in grinding poverty, diseases and the number of sex workers. But a group of sex workers started a savings society, popularly known as “Mukando” in Zimbabwe, to support one another; when no one else would. In this instance, “Mukando”becomes much more than a pool of financial resources; it is a rare place of radical acceptance and assistance in which each member of the group is offered some economic security to enable personal realization. The exhibition features new works that exist as an extension of the artist’s performances and interdisciplinary practice. For her textile pieces, Mukwazhi uses second-hand clothing, especially feminine apparel and lingerie -some of which were formerly own by sex workers-as well as other objects like Zimbabwean bills or sparkling tinsels. The artist’s intent is to shed light on some somber characteristics of the lives of these women. If the subject matters raised here are certainly uncomfortable, the works are undeniably seductive. The bright colors of some of the symbols included and the attractive texture of these pieces, which can resemble traditional quilts or tapestries, lure the viewer into an act of voyeurism. By doing so, Mukwazhi forces us to acknowledge and celebrate a group of people thatremains marginalized and even sometimes “ghettoized“. Some of the visuals in Mukando’s textile series also call women to recognize and accept their own sexuality. The artist wishes to signify the importance of discussing and thinking about women as erotic selves rather than concentrating on the abuse and violence that is only one aspect of a broad topic.Simultaneously, these works can be perceived as “blankets”, “covers”, a symbol of protection that Mukwazhi would like to wrap around the individuals she references in her work. Mukwazhi also created new videos for this exhibition. Please Tip Your Dancers, for instance, expands on an idea the artist already explored in 2017 for the project That, Around Which The Universe Revolvesinitiated by Savvy Contemporary. The video focusses on pole dancing and intends on challenging the negative perceptions that are placed upon the female body as well as how the state of the economy forces some women to take up sometimes undesired work to make ends meet. In short, this exhibition is a theatre of women who are more than physical barometers of the toxicity of a system; women who are fierce protectors of all they hold dear, breaking down walls and surviving at all costs. These are women who stand for and takecare of each other.To respectfully shed light and raise awareness on certain aspects of this community is Mukwazhi's goal and, at the same time, an act of caring. Fadzai Muchemwa
Jan Kaps, Köln

Jülicher Strasse 24a
50674 Cologne

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posted 07. Feb 2021

2 x KIPPENBERGER

07. Feb 202102. May 2021
opening: 06. Feb 2021
2 x KIPPENBERGER Museum Folkwang und Villa Hügel präsentieren den Künstler Martin Kippenberger in zwei Ausstellungen The Happy End of Franz Kafka’s ‘Amerika’ (im Museum Folkwang) Vergessene Einrichtungsprobleme in der Villa Hügel (in der Villa Hügel) 7. Februar – 2. Mai 2021 Die gemeinsame Eröffnung findet am 6. Februar 2021 statt. Essen, 1.10.2020 Vom 7. Februar bis zum 2. Mai 2021 widmen sich das Museum Folkwang und die Villa Hügel dem Künstler Martin Kippenberger. Das Museum Folkwang präsentiert Kippenbergers selten gezeigtes Hauptwerk The Happy End of Franz Kafka’s ‘Amerika’,das in der großen Ausstellungshalle in den beeindruckenden Dimensionen seiner „Urfassung“ von 1994 zu sehen sein wird. Zeitgleich werdenin den historischen Räumlichkeiten der Villa Hügel Künstlerbücher und -plakateKippenbergers unter dem Titel Vergessene Einrichtungsprobleme in der Villa Hügelausgestellt. Die gemeinsame Eröffnung findet am 6. Februar 2021 statt. The Happy End of Franz Kafka’s ‘Amerika’ ist ein Schlüsselwerk Martin Kippenbergers. Der Künstler verbrachte drei Jahre mit den Vorbereitungen, Recherchen und Produktionsmaßnahmen und integrierte Arbeiten zahlreicher weiterer Künstler*innen und Autor*innen in sein Werk, wie u. a. von Cosima von Bonin, Ulrich Strothjohann, Tony Oursler, Jason Rhodes, Diedrich Diederichsen und Michel Würthle. Die Großinstallation mit den Ausmaßen eines Sportplatzes nimmt Bezug auf das Schlusskapitel des Romanfragments Der Verschollene / Amerika von Franz Kafka. Thematisiert wird die Erfahrung des Einzelnen, einer fremden und befremdenden Gesellschaft gegenüberzustehen und sich behaupten zu müssen. Kafkas Figur, der junge Karl Roßmann, wird von seinen Eltern nach Amerika geschickt und ist auf sich allein gestellt, bis er eines Tages auf das große „Naturtheater von Oklahoma“ trifft. Ob dort seine Hoffnung auf ein besseres Leben erfüllt wird, bleibt in Kafkas unvollendetem Werk und letztlich auch bei Kippenberger –trotz des „Happy-Ends“ im Titel –unbeantwortet. Kafkas literarische Vision übersetzte Kippenberger in ein dreidimensionales Bild, das Arena und Ausstellungzugleich ist. 50 Tisch-Stuhl-Ensembles–teils Ikonen der Möbeldesigns, teils Fundstücke, teils eigeneKunstobjekte –imaginieren ein improvisiertes Großraumbüro unter freiem Himmel als Schauplatz von massenhaften, gleichzeitig stattfindenden Einstellungsgesprächen. Zwischen individueller Mythologie und scharfsinniger Gesellschaftsanalyse entfaltet das Werk wie kein anderes den einzigartigen künstlerischen Kosmos Kippenbergers und konfrontiert dieBetrachter mit aktuellen gesellschaftlichen Fragen nach den Mechanismen von Integration, Repression und Macht. Vergessene Einrichtungsprobleme in der Villa Hügel präsentiert rund 120 Bücher und 140 Plakate Martin Kippenbergers aus dem Zeitraum von 1979 bis 1997 in der Villa Hügel. Der Titel ist einer AusstellungKippenbergers entlehnt, die 1996 in der Villa Merkel in Esslingen zu sehen war. Kippenbergers Künstlerbücher sind in der historischen Bibliothek im Erdgeschoss der Villa Hügel zu Gast. Für die Dauer der Ausstellung stehen die experimentellen, höchst individuellen und mitunter provokativen Bücher Kippenbergers in wirkungsvollem Kontrast zu den klassischen Buchbeständen der repräsentativen Bibliothek der Familie Krupp.Die Präsentation der Plakate inehemaligen Wohnräumen im1. Obergeschoss richtet den Blickvor allem auf die unterschiedlichen Formen der Selbstinszenierung des Künstlers, aber auch auf seine Stellung im Netzwerk mit befreundeten Künstler*innen. Die präsentierten Bücher und Plakate stammen aus der Sammlung des Museum Folkwang. Diese konnte in den vergangenen Jahren mit großzügiger Unterstützung der Alfried Krupp von Bohlen und Halbach-Stiftung erheblich erweitert werden. Martin Kippenberger (1953–1997) ist einer der wichtigsten Künstler des späten 20. Jahr-hunderts. Die Vielfalt seiner künstlerischen Medien und Materialien –von Malerei und Skulptur über Zeichnung, Fotografie und Performance bis zu Plakat und Buch–ist ebenso beeindruckend wie seine oft beißende Ironie und analytische Schärfe, die ihn als genauen Beobachter gesellschaftlicher und politischer Phänomene ausweisen. Martin Kippenberger wuchs in Essen auf, wo sein Vater als Bergwerksdirektor, seine Mutter als Ärztin berufstätig waren. Die Familie unternahm regelmäßig gemeinsame Ausflüge in das Museum Folkwang und die Villa Hügel. Über das kunstinteressierte Elternhaus erhielt Kippenberger frühzeitig wichtige Anregungen für seine spätere künstlerische Arbeit. In seinem Werk lassen sich zahlreiche Anspielungen und versteckte Hinweise auf seine in Essen und im Ruhrgebiet verbrachte Kindheit und Jugend entdecken. Die Ausstellung in der Villa Hügel wird gefördert durch die Alfried Krupp von Bohlen und Halbach-Stiftung. Sieist Eigentümerin der Villa Hügelund ermöglicht dort seit Jahren Ausstellungen zu historischen Themen und aktuellen Positionen. Kunst und Kultur gehören neben Wissenschaft, Bildung, Sport und Gesundheit zu den Förderschwerpunkten der gemeinnützigen Stiftung.Die Ausstellung im Museum Folkwang wird gefördert von der Kunststiftung NRW. 2 x KIPPENBERGER The Happy End of Franz Kafka’s ‘Amerika’ (im Museum Folkwang) Vergessene Einrichtungsprobleme in der Villa Hügel (in der Villa Hügel) 7. Februar – 2. Mai 2021 Pressekonferenz: Donnerstag, 4. Februar 202110:30 Uhr im Museum Folkwang, anschließend Ausstellungsbesuch in der Villa Hügel Gemeinsame Eröffnung: Samstag, 6. Februar 2021
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