daily recommended exhibitions

posted 24. Nov 2020

Romy Rüegger - The Moving Body - The Listening Body - Moving through wires of wind

02. Oct 202029. Nov 2020
opening: 01. Oct 2020 07:00 pm
Romy Rüegger The Moving Body The Listening Body Moving through wires of wind 2.10. – 29.11.2020 Eröffnung: Donnerstag, 1. Oktober 2020, 19 Uhr Wir freuen uns, im Herbst die Künstlerin Romy Rüegger mit einer ersten umfassenden Ausstellung in Deutschland zu zeigen. Rüegger arbeitet als Künstlerin und Autorin. Ihre Formate reichen von Performances über Audio-Installationen hin zu choreografierten Räumen – oftmals in kollaborativen Stukturen. Sie verbindet Archivarbeiten, Recherchen und zeitgeschichtliche Zusammenhänge mit dem Format der Performance, das auf Displays weiterentwickelt wird – die Ausstellung wird von der Performance her gedacht und als Körperraum oder Körperzeit gedeutet. Romy Rüegger verfasst zudem experimentelle Audio-Arbeiten, inszeniert Gespräche, Notationen und Texte, die bereits mehrfach aufgeführt, gelesen, publiziert und ausgestrahlt wurden. Einige davon sind in der kürzlich von ihr veröffentlichten Publikation Language as Skin – Scripts for Performances erschienen. Mit assoziativen, zwischen poetischen und dokumentarischen Zugängen wechselnden Material-Text-Konstellationen eröffnet Rüegger radikale Sichtweisen auf unsere (feministische) Gegenwart und fordert ein kontinuierliches Re-reading von Konventionen, festgeschriebenem Wissen in Dokumenten sowie Leerstellen tradierter Geschichtsschreibung. Dieses Re-reading versteht sie als „Arbeit im Jetzt“, als eine temporäre räumliche Setzung, die nicht abgeschlossen sein kann. Im Badischen Kunstverein zeigt Romy Rüegger aktuelle Arbeiten, die sie für die Ausstellung weiterentwickelt. Ihre kritische Untersuchung von Heimarbeit und Reproduktionsarbeit, industrialisierter Fabrikarbeit, Arbeitsmigration sowie von kolonialen Produktions- und Handelsverhältnissen verbindet die verschiedenen Projekte miteinander. A Fabric in Turkey Red ist eine fortlaufende, recherchebasierte Performance mit installativen Elementen und thematisiert beispielsweise die geschlechtsspezifischen und kolonialen Ausprägungen der industrialisierten Textilproduktion im 19. Jahrhundert. Damit verquickt sind Fragen des globalen Handels, sogenannte „Stumme Kolonialismen“, Arbeitsrechte von Frauen* und Kindern, frühe Arbeiter*innenstreiks, aber auch der Webstuhl als erste Rechenmaschine und die Bedingungen und Architekturen digitaler Heimarbeit in ehemaligen Textilfabriken. Kuratiert von Anja Casser

artist

Romy Rüegger 

curator

Anja Casser 
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posted 23. Nov 2020

ADRIAN GHENIE

15. Oct 202028. Nov 2020
ADRIAN GHENIE 15 October - 28 November, 2020 Tim Van Laere Gallery presents the fifth solo exhibition of Adrian Ghenie, featuring nine new paintings and three new charcoal drawings. Adrian Ghenie was born in 1977 in the Romanian city of Baia Mare. He graduated from the Art and Design University of Cluj-Napoca and now lives and works in both Berlin and Cluj. In 2015 he was selected to represent Romania at the 56th Venice Biennale. His work is in important public collections worldwide, including: The Hermitage, St Petersburg; Museum of Contemporary Art (M HKA), Antwerp; S.M.A.K., Ghent; Tate Modern, London; Centre Pompidou, Paris; Metropolitan Museum, New York; The Hammer Museum, Los Angeles; Long Museum, Shanghai; SFMOMA, San Francisco; and the Museum of Contemporary Art, Los Angeles. Adrian Ghenie’s work is characterized by a remarkable wealth of pictorial fragments with a flowing and hallucinatory spatial arrangement that results in a collage-like gathering of distinct pictorial motifs, a hedonistic sensuality and an innovative, radical and eclectic interpretation of the most diverse subjects. Ghenie’s extensive knowledge of our history in all its various facets reveals itself in the different motifs: ranging from obscure historical stories via mystical narratives about profane figures to the mythologizing of his own figure. For example, his work Medusa, 2020 combines aspects from the history of Nazi Germany with Greek mythology, while the artist interweaves his own figure with an art-historical reference in Self-Portrait with Picassoesque Background, 2020 and reinterprets the work of Henri Rousseau in Untitled (After Henri Rousseau), 2020. By exploring different historical and artistic narratives and at the same time undermining them in his work, Ghenie brings feelings of vulnerability, frustration or longing to the fore and challenges our collective memory to reflect also on the human aspect behind these stories. ​ Adrian Ghenie combines different aspects of historical painting techniques. For instance, he demonstrates an expert mastery of baroque chiaroscuro, but also of the expressive use of paint that is a feature of abstract expressionism. He combines these technical skills with a profound interest in the activation of symbolic meanings behind specific images. A conceptual component that was important for the Dada movement as well as for the Flemish primitives and Flemish baroque masters. Ghenie’s interest in Flemish art history has left several traces in his work, which contains various references to Pieter Bruegel the Elder, Jan Van Eyck, Peter Paul Rubens, Paul De Vos and Frans Snyders. He has also drawn inspiration from the hunting scenes of Flemish baroque painters for Park Scene, 2020 and The Hunter 3, 2020. Ghenie has a profound affinity with Antwerp, which he calls ‘the battleground of painting’.

artist

Adrian Ghenie 
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posted 22. Nov 2020

Vivian Greven. Apple

21. Nov 202014. Feb 2021
opening: 20. Nov 2020
Am 20.11.2020 eröffnet das Kunstpalais digital die Ausstellung: Vivian Greven. Apple 21. November bis 14. Februar 2021 Kuratorin: Helga Krutzler Sinnliche Oberflächen, erotische Kompositionen, makellose Schönheit, doch immer wieder durch eine überraschende Irritation verzerrt – die neuesten Gemälde von Vivian Greven (*1985 in Bonn) verführen die Betrachter*innen mit einer eigentümlichen Spannung, die sich zwischen Polen wie Perfektion und Unheimlichkeit, Tradition und Avantgarde aufbaut. Grevens Figuren sind in Bildern zum Leben erweckte Skulpturen, deren glatte Haut an Marmor und Porzellan erinnert. Mal aufreizend glänzend, mal geheimnisvoll matt – ihre figurative Malerei spiegelt das Verlangen nach einer perfekten Ästhetik und gefühlvollen Körperlichkeit in einer digitalen Zeit wider. Apfel und Pfeil – die inhaltlichen Ausgangspunkte für ihre neue Serie Apple sind zwei der ältesten und weit verbreitetsten Motive der Kulturgeschichte. Grevens virtuos verstörende Kompositionen wecken ineinanderfließende Assoziationen von der biblischen Frucht als Symbol der Lust und des Wissens bis hin zum Logo von „Apple“, vom Märtyrertod des Heiligen Sebastian bis hin zu digital animierten Computerspielen. In der Ausstellung „Apple“ spielt Vivian Greven nicht nur in ihren Gemälden mit den verschiedenen Momenten komplexer Licht- und Schatteneffekte, sondern überträgt diese mittels zusätzlicher Farbsetzungen auch auf die Wände der Ausstellungsräume. Die kabinettartige Ausstellungsarchitektur greift die barocke Geschichte des Palais Stutterheim mit engen Türbögen und raumgreifenden Pastellfarben auf.  Als Betrachter*in wird man unwillkürlich in den Bann der sinnlichen Figuren gezogen und zum verbotenen Anfassen verführt! Zu der ersten institutionellen Ausstellung der Künstlerin erscheint ein reich bebilderter Katalog mit einem Vorwort von Amely Deiss, Essays von Helga Krutzler und Timotheus Vermeulen und einer neuen Kurzgeschichte von Jackie Thomae, die sich von den Werken der Künstlerin inspirieren ließ. Begleitend zu den zwanzig Gemälden, die alle zum ersten Mal publiziert werden, schrieb Vivian Greven anlässlich des Katalogs zwei neue Gedichte. Der Katalog ist ab sofort online bestellbar. Gebundene Ausgabe: 128 Seiten, 24 x 29 cm, englisch/deutsch, zahlreiche farbige Abbildungen und Detailaufnahmen  

artist

Vivian Greven 

curator

Helga Krutzler 
Kunstpalais Erlangen

Palais Stutterheim | Marktplatz 1
91054 Erlangen

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posted 21. Nov 2020

Adriano Amaral

17. Oct 202021. Nov 2020
Galerie Fons Welters - front space Adriano Amaral 17 Oct – 21 Nov 2020 “With an intuitive approach towards materials, combining industrial and discarded personal objects, Amaral creates site-sensitive installations that model the exhibition space as an encompassing experience. In his response to existing architectural qualities, Amaral both subverts and transforms them. Although discussions about the relationship between the human and the artificial have intensified in the last couple of years, this relationship is nothing new. Humans are, and always have been, reshaped by the objects and technologies they create. In his work, Amaral accentuates this relationship by combining found materials, trying to find “the most natural way to extend objects synthetically.” By doing so, he investigates and tests the social and environmental implications of materials and their interactions, suggesting a flow of energy and movement between them.” - fkawdw Q&A Piero Bisello & Adriano Amaral 1. You mention "To allow myself to lose control and keep things open is really important. Of course it can result in a lot of waste and failures, but it’s also exciting." I would like to ask you what is waste for you? Where does the artwork begin and where does waste end? One could say it is about giving precise form, but there are many objects with loose form in your work. Interesting question, I think the line between work and waste is thin, at least in my practice. Perhaps it would be more appropriate for me to say if something is activated or not, since it feels that these aspects are constantly shifting into one another and everything has the potential to have a new purpose. I often use discarded materials and fragmented objects as a starting point for a work. Sometimes things click, it feels right and they become activated after several procedures. But often this doesn’t happen and those things stays in a dormant state... I like to bring some of those moments to the show, since it complements and enrich the total experience in my opinion. But there are also some ephemeral gestures in the installation, often with raw materials and fragments from the studio that blurs this line a bit more and bring some porosity into this idea of a precise form for a work. 2. You say "The material list is like the DNA of each work. It reveals a little bit of my process and interests." I am interested to hear about the stories with which you give sense to the choice of materials. Are they stories about the aesthetics qualities? Are there specific narratives building the list, or is it a matter of opportunity and economy of means (you work with what you get)? It’s a little bit of all that. My process is intuitive in a sense that I don’t have a fixed plan. The work is constantly changing and is built along the process. However, I do have preferences based on the context and aesthetics of certain materials. But the choices are never only visual or conceptual; it’s not a binary thing, it has to feel right in every way; it’s hard to articulate this sensation in words, it simply works or not…Most often synthetic and organic matters merge and this fusion can start a narrative even if it’s a very loose and open one. I think my personal experiences and my surroundings have a huge influence on my work and I’m constantly collecting things that are around and catch my eyes for a certain reason, like an old pair of shoes or a rotten branch at the beach. 3. There is a quote in the press release of your exhibition at Witte de With: The combination of found materials is used to find "the most natural way to extend objects synthetically." I am interested in this idea of extending objects. Could you elaborate? It seems the extension is not merely physical, but also philosophical, lifting the barrier between organic and artificial, between design and evolution. How does an extended object look like in writing? I think this process started as a physical impulse of putting things together; to force this encounter of matters that don’t belong and see how they react to each other until they become a new body… Many times I try to do that in a seamless way, respecting the shape and qualities of a certain object as if it had grown naturally over time. I believe I was referring to that in the quote you mention. Indeed this practice it is for me a way to reflect and transpose my personal and existential questions into a physical thing. But at the same time I’m not trying to send a specific message or want to restrict my work to a certain subject. It’s more like a necessity; a way to release and hopefully what comes out can be strong enough for the viewer to relate with their own experiences. 4. Lastly, I would like to ask you about your so-called violon d'Ingres, i.e., an artistic hobby you might cultivate beside your major activity as an artist. (for reference, here is the explanation of the expression: https://wordhistories.net/2018/01/05/violon-dingres-origin/) I think I try to insert all my hobbies in the work itself. Maybe it was an unconscious strategy to keep myself motivated and keep things going along those years… but I tend to naturally navigate between several medias and techniques. I do like cinema, fashion, architecture, design, sports, dance and I’m constantly looking and getting inspired from all that stuff but I never had the discipline to focus in one thing for a long period besides my own work. So I guess it’s more casual for me, the hobbies are like a sporadic leisure that is continuously nourishing my practice…
Fons Welters, Amsterdam °

Bloemstraat 140
NE-1016 LJ Amsterdam

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posted 20. Nov 2020

Michaela Eichwald

14. Nov 202016. May 2021
Michaela Eichwald November 14, 2020–May 16, 2021 The bloody root of art strangled by nausea shaking my fist against me. What remains of “songless” — “a serious bird.” Because I feel sick. Samesick with you. (Heiner Müller (Friedrich Hölderlin) / Ulf Stolterfoht / Kai Althoff) Berlin-based artist and writer Michaela Eichwald (Germany, b. 1967) maintains a restless and fearless belief in the possibility of painting. Bringing together pieces made over the last 15 years, this first US museum exhibition reveals the wide variety of references in her work, drawing on references to theology, philosophy, and art history, while also reflecting on her own life: her surroundings, thinking, reading, and friends. Following studies in philosophy, history, art history, and German philology in Cologne, Eichwald emerged as an artist, with her first exhibition held at Galerie Daniel Buchholz in 1997. The context of Cologne—at the time, an undisputed center of European contemporary art—proved formative for Eichwald, a place where she maintained a lively exchange of ideas with many intellectuals and fellow artists, including Kai Althoff, Jutta Koether, Michael Krebber, Josef Strau, and Charline von Heyl, among others. In 2006, Eichwald began episodically blogging on uhutrust.com, providing a logbook with insight into her practice, everyday musings, and contemplations of current affairs. Bridging abstraction and figuration, Eichwald’s densely layered paintings—often made on unconventional surfaces such as printed canvas or imitation leather—bear an alchemical combination of acrylic, oil, tempera, spray paint, mordant, graphite, varnish, and lacquer. Whether in large- or small-scale formats, her works combine smooth paint strokes and quick smudges, at times revealing figurative forms and snippets of text. Discussing her preference for pleather, the artist notes, “artificial leather has something repulsive, inelegant, something that cannot be easily classified in art history. And it doesn't suck.” This sense of refusing to fall within conventions underscores Eichwald’s practice. While her works are part of a lineage of abstraction, they resist any direct connection to a particular movement or period, instead churning through a history of painterly styles and combining them in surprising ways. To create her sculptures, Eichwald pours resin into bags, rubber gloves, and plastic bottles, in which she collects—like objects captured in amber—uncommon and dissonant materials, such as chicken bones, erasers, jewelry, mushrooms, fishing tackle, needles, candy, small drawings, and hard-boiled eggs. At once repulsive and alluring, grotesque and seductive, these pieces bring to mind associations ranging from trophies and time capsules to the human digestive system. Interspersed throughout the exhibition is a newly commissioned long-form poem by her friend, writer Ulf Stolterfoht, created especially in response to the selection of works on view. Curator: Pavel Pyś, curator, Visual Arts Michaela Eichwald is made possible by generous support from Martha Gabbert, the David and Leni Moore Family Foundation, Monica and David Nassif, and Brian Pietsch and Christopher Hermann. Support for the exhibition’s preview and opening program is provided by Heather Flow; Galerie Isabella Bortolozzi, Berlin; Maureen Paley; and Reena Spaulings Fine Art. * **Related Event** Virtual Exhibition Talk: Laura Hoptman on Michaela Eichwald Saturday, November 14, 7pm (CST) To celebrate the opening of this exhibition, curator and writer Laura Hoptman will offer a virtual lecture that surveys the artist’s practice. Looking across Eichwald’s paintings, drawings, and sculptures, Hoptman will discuss key motifs and subject matter recurring throughout the artist’s work. The lecture will be screening online for free on YouTube Premiere beginning at 7pm (CST) November 14 and remain on the Walker’s website throughout the duration of the exhibition. Exhibition curator Pavel Pyś will be present in the YouTube Premiere chat November 14, 7–8pm to answer questions live. Laura Hoptman is executive director of The Drawing Center in New York, a position she has held since 2018. Before that Hoptman was a curator in the Department of Painting and Sculpture at the Museum of Modern Art New York, where she began her career in the 1990s as a curator with a specialty in drawing. Among the dozens of exhibitions that Hoptman has curated are Drawing Now: Eight Propositions (2002), a landmark exhibition of contemporary figurative drawing at MoMA, as well as The Forever Now: Contemporary Painting in an Atemporal World (2014), a major survey of recent painting, which featured works by Michaela Eichwald. Hoptman has also curated several retrospectives by artists including Yayoi Kusama, Isa Genzken, Henry Taylor, Bruce Conner, and Elizabeth Peyton, and she organized the 54th Carnegie International at the Carnegie Museum in Pittsburgh.

curator

Pavel Pys 
Walker Art Center, Minneapolis

WAC | 725 Vineland Place
MN-55403 Minneapolis

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posted 19. Nov 2020

Ulrich Erben. Neue Bilder

08. Oct 202021. Nov 2020
Ulrich Erben. Neue Bilder Oct 8th — Nov 21st, 2020 Opening Thursday, Oct 8th, 2020, 6—9 pm Born in Düsseldorf in 1940, Ulrich Erben is one of the great postwar painters in Germany. Having grown up on the Lower Rhine and in Rome, the vastness of the landscape became the starting point for his art. Yet Erben does not paint from nature; his paintings are in the tradition of concrete art, geometric abstraction, and color field painting. After studying art in Italy and Germany, Erben returned to the Rhineland at the age of twenty-six and moved into a studio away from the art scene in Goch, near Düsseldorf. One year later he traveled to the USA for the first time, where his interest in landscapes and minimalism gathered momentum. In 1968 he created his first Weißen Bilder (White Paintings), which he presented at the groundbreaking gallery m bochum in 1971 and documenta 6 in 1977. Unlike Robert Ryman’s saturated white surfaces, Erben’s works have edges. They look like pastose slabs, bathed in glistening sunlight: an impression that was soon continued by his light objects—halogen projections in space—and which is still inherent in his painting today. Whether cool and clean, as if they have never been touched by a human hand, or with bold colors and a gestureless style, Erben’s paintings are always flooded with light, like windows opened wide. Time and again he creates a dialogue between the edge and the center of the image, stripes and larger surfaces, the vertical and the horizontal, and between formal and color relationships. The results are tranquil floating energy fields that glow from within, and which are more than just analytical statements on abstraction. Light-footed and well-tempered, they pulsate and whisper in a playful way. It is this meditative and poetic power of his images that distinguishes Erben from his contemporaries. Although reduction and optical processes are the themes of Erben’s era, it is the quiet compositions of Giorgio Morandi and Edward Hopper that loom in his mind’s eye—not necessarily what his contemporaries are concerned with. But Erben, who now also lives in Düsseldorf, is not a denizen of the art scene. Instead of immersing himself in the intense, rebellious environment of the art academy, he has preferred to work alone on his color landscapes from the very beginning. The way in which narratives, memories and thoughts are inscribed in these, often linked to places he has traveled to, may seem formally anonymous and considered, but Erben transcends color so that it acquires something spiritual. Its tone is bright and gentle, cheerful and lively. This is why Erben is one of the most important representatives of concrete art. In the new works that comprise his first exhibition at Sies + Höke, the paradoxical combination of emotion and calculation is particularly evident. Here, the image becomes a floating dialogue field of colors and forms—what Josef Albers described as “independence and interdependence”: monochrome and multicolor, framing and endlessness, precision and mystery all become one. Erben’s art emanates something that is likely due to his connection to Italy: beauty and harmony. As non-representational and clearly composed as his images may be, in the end it is always the landscape that shines through his windows. Erben’s paintings are compositions of nature and light—and thus nothing less than the essence of painting itself.

artist

Ulrich Erben 
Sies + Höke, Düsseldorf

Poststr. 2 / Poststr. 3
40213 Dusseldorf

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posted 18. Nov 2020

Thu Van Tran - H as Homme

11. Sep 202021. Nov 2020
opening: 11. Sep 2020 03:00 pm
Thu Van Tran H as Homme 11 Sep – 21 Nov, 2020 Opening day Fr, 11 Sep, 2020 / 15 - 21 Uhr Die Arbeiten von Thu Van Tran konstruieren einen offenen Raum, in dem sich die Geschichte in der Natur manifestiert und zeigt so, dass jede gesellschaftliche Handlung Spuren in der Geschichte und Narben in der Natur hinterlässt. Ein Baum ist ein stummer Zeuge, der das Geschehene miterlebt und nie wieder vergisst. Die Natur spürt, sieht und archiviert. Die Arbeiten von Thu Van Tran visualisieren die Erinnerungen der Natur: auf dem Boden liegende Bäume, die wie begraben wirken, mit Kautschuk überzogene Leinwände, Papierarbeiten mit symbolträchtiger Farbabfolge. Die Symbolik der Materialien spielt bei der Künstlerin eine wichtige Rolle. Es ist ihre Sprache, die die kulturellen und historischen Ereignisse festhält. Geboren in Vietnam und aufgewachsen in Paris stellt Thu Van Tran in ihren Arbeiten das sublime Geschehen des 20. Jahrhunderts in einer poetischen und narrativen Installation dar.

artist

Thu Van Tran 
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posted 17. Nov 2020

Iman Issa___Proxies, with a Life of Their Own

08. Nov 202007. Feb 2021
Iman Issa___Proxies, with a Life of Their Own Laufzeit: 8. November 2020 – 7. Februar 2021 Pressetermin: Fr, 6. November 2020, 10 Uhr Eröffnung: Sa, 7. November 2020 Iman Issa fragt nach der Relevanz von Formen und iteriert Vergangenes in virulente Gegenwart. Historische Artefakte, die Ideengeschichte und kulturelle Praktiken, wie beispielsweise museale Konventionen des Zeigens und Bewahrens, werden in ihren Installationen, Filmen, Publikationen und Soundarbeiten aufgegriffen, variiert und neu interpretiert. Für ihre erste umfassende Einzelausstellung in Österreich schafft sie zahlreiche neue Arbeiten, die im Kontext ihrer Werkserien präsentiert werden. Kuratiert von Nina Tabassomi

artist

Iman Issa 

curator

Nina Tabassomi 
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posted 16. Nov 2020

Christina Quarles

06. Oct 202028. Nov 2020
Christina Quarles 06.10.2020 - 28.11.2020 Pilar Corrias is pleased to present Christina Quarles, an exhibition of new works by the artist opening in the gallery in October 2020. Quarles’ practice is constantly developing, her work becoming ever more intricate and layered. The polymorphous figures in this latest body of work, for example, are more contorted, elastic and attenuated than ever before. Quarles’ figures eschew fixed categories of gender and race, and are conspicuously ambiguous in this regard. Bodies melt into one another and are turned inside out, resisting straightforward legibility and, in turn, precluding the possibility of fixed definition. Traces of the same body-parts, shown from different angles, frequently appear more than once, as if to imply a sequence of movements, as well as the possibility of different, though concurrent, modes of existence and states of being: a fluid and dynamic multiplicity of potential selves and identities. Motifs of transparent light and spectral gradients suspend the figures in a reality that is simultaneously physical and digital. Pools of water, grass, flowers, trees, and rain anchor the tangle of fragmented bodies, hinting at the harsh reality of the world which we have created for ourselves. Christina Quarles (b. 1985 Chicago, USA) currently lives and works in Los Angeles, CA. She received an MFA from the Yale School of Art in 2016, and holds a BA from Hampshire College. Quarles was a 2016 participant at the Skowhegan School for Painting and Sculpture. She was the inaugural recipient of the 2019 Pérez Art Museum Miami Prize and in 2017 she received the Rema Hort Mann Foundation Emerging Artist Grant. Upcoming solo exhibitions include South London Gallery (2021); MCA Chicago (2021); and X Museum, Shanghai (2021). Recent exhibitions include: Radical Figures, Whitechapel Gallery, London (2020); Christina Quarles, Pond Society, Shanghai (2019); In Likeness, Hepworth Wakefield (2019); Kiss My Genders, Hayward Gallery, London (2019); Paint, also known as Blood, Museum of Modern Art, Warsaw (2019); The Foundation of the Museum: MOCA’s Collection, Museum of Contemporary Art, Los Angeles (2019-20); Stonewall 50, Contemporary Arts Museum, Houston (2019); But I Woke Jus’ Tha Same, Regen Projects, Los Angeles (2019); Always Brightest Before Tha Dusk, Pilar Corrias, London (2018); Christina Quarles / MATRIX 271, UC Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive, Berkeley (2018); Made in L.A., Hammer Museum, Los Angeles (2018); Trigger: Gender as a Tool and as a Weapon, New Museum, New York (2017-18); and Fictions, The Studio Museum, New York (2017) among others. Pilar Corrias, London is open Monday-Friday, 11am - 6pm and Saturday by pre-booked appointment only.
Pilar Corrias, London

54 Eastcastle Street
W1W 8EF London

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posted 15. Nov 2020

Wagnis der Oeffentlichkeit

01. Nov 202006. Dec 2020
opening: 31. Oct 2020 02:00 pm
Halle fuer Kunst laedt herzlich ein zu Wagnis der Oeffentlichkeit Mit Arbeiten von Juliette Blightman, Barbara Bloom, Sofia Duchovny, Jana Euler, Bernadette Van-Huy und Annette Wehrmann 1. November 2020 – 6. Dezember 2020 Eroeffnung: Samstag, 31. Oktober 2020, 14 – 20 Uhr Ort: Halle fuer Kunst Lueneburg, Reichenbachstrasse 2, 21335 Lueneburg Aufgrund der aktuellen Lage ist der Einlass nur mit einer Mund-Nasen-Bedeckung möglich. Eine Anmeldung ist nicht erforderlich. Bitte stellen Sie sich gegebenenfalls auf Wartezeiten beim Einlass ein, da nur eine dem Hygienekonzept der Halle für Kunst entsprechende Anzahl an Besucher*innen diese gleichzeitig betreten kann. Die Gruppenausstellung »Wagnis der Oeffentlichkeit« stellt die gedankliche Fortfuehrung der Ausstellung »Vom Handeln« dar, die 2018 in der Halle fuer Kunst gezeigt wurde. Anliegen war damals, vor dem Hintergrund einer in zeitgenoessischen kuenstlerischen Praktiken zu beobachtenden »Neuen Innerlichkeit« bzw. »Neuen Subjektivitaet« das Motiv des »Handelns« in den Fokus zu ruecken. »Handeln« jedoch nicht verstanden als »Praxis«, sondern im Sinne von Hannah Arendts Ueberlegungen zur »Vita activa oder Vom taetigen Leben«, welches sich in einem Weltbezug, das heißt in einem Interesse fuer bzw. einem Sorgen um die Welt ereignet. Bedingung eines jeden politischen Handels ist es, so Arendt, die eigene Person im Tun zu exponieren, das heißt sich oeffentlich zu setzen. Denn nur wer »sein Leben und seine Person mit in das Wagnis der Oeffentlichkeit nimmt, kann sie erreichen«. Dieses Wagnis, von dem Hannah Arendt spricht und das als Ueberlegung und Begrifflichkeit auf ihren Lehrer Karl Jaspers zurueckzufuehren ist, gilt aber nicht nur fuer politisches Handeln, sondern fuer jegliche Form des oeffentlich Werdens und damit auch fuer kuenstlerische Praxis. Ist doch das Machen, vor allem aber das Zeigen von Kunst, mit einem Einsatz des Persoenlichen im Oeffentlichen verbunden und stellt damit ein Wagnis dar. Ist eben nicht nur Streben, das, was man geschaffen hat, auch sichtbar zu machen, sondern geht mit einer Preisgabe und Verletzlichkeit einher. Diese Ueberlegungen bilden nun wiederum den Ausgangspunkt der aktuellen Ausstellung. Denn der Aspekt, dass es das Persoenliche zu wagen gilt, moechte man den anderen erreichen, ist angesichts des sich aktuell in der zeitgenoessischen Kunst abzeichnenden Revivals subjektiver und »authentischer« Motive hochinteressant und stellt, wenn man so will, den reflexiven Beitrag dar, den die Ausstellung leisten moechte. Markiert doch das Exponieren der eigenen Person in der kuenstlerischen Arbeit zugleich auch jenen schmalen Grad, mit dem stets die Gefahr einer rein subjektiven, im verheerendsten Falle identitaer-regressiven Nabelschau einhergeht. Auf der anderen Seite laesst sich im Zuge einer »Neuen Authentizitaet« aber auch ein Gros an kuenstlerischen Arbeiten ausmachen, die das Subjektive quasi als Stil vor sich hertragen und damit, wenn auch auf ganz andere Weise, ebenfalls den Einsatz des Persoenlichen – hier als entleerte Geste – in Verruch gebracht haben. Sich nun aber folglich ganz vom Persoenlichen zu verabschieden scheint wiederum auch zu kurz gegriffen. Es ist also eine aeußerst komplexe Sache. Die damit verbundene Spannung, das komplizierte Verhaeltnis, welches moeglicherweise gar einen Wiederspruch in sich darstellt, sowie die Frage, wie vor diesem Hintergrund ein persoenliches Involviertsein aussehen koennte, sind es, die mit der Ausstellung in den Blick genommen werden. Nicht zuletzt ist aber auch jener Faden von Interesse, der sich von dort aus weiterspinnen ließe. Denn wenn das persoenliche Verwobensein die Voraussetzung des den anderen Erreichens ist, ist damit eben auch eine jener Bedingungen benannt, die die Grundlage von Gemeinschaft bildet. Veranstaltungen »Kinder fuehren Kinder« & »Kinderclub« mit Vilma Braun Samstag, 14. November 2020, 11 – 13 Uhr Fuer Kinder von 6 bis 12 Jahren Eintritt frei Anmeldung unter: vermittlung@halle-fuer-kunst Kuratorinfuehrung Donnerstag, 26. November 2020, 19 Uhr Eintritt frei Anmeldung unter: vermittlung@halle-fuer-kunst
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posted 14. Nov 2020

WESTBUND Art & Design 2020

11. Nov 202015. Nov 2020
WESTBUND Art & Design 2020 November 11-15, 2020 online: 02.11.2020 - 15.11.2020 Established in 2014, West Bund Art & Design presents a selection of leading galleries from China and across the globe, providing a platform for international exhibitors to showcase the finest quality of modern and contemporary art in Shanghai. As one of the key events of the second "Shanghai International Art Trade Month", West Bund Art & Design will create a “Global Art Trade in Shanghai Time” from a global perspective together with the international exhibitions and sales of the same period in Shanghai. The xiàn chăng section is comprised of solo presentations by international artists, which are installed inside and outside the West Bund Art Center, spanning the West Bund arts district and existing urban venues. Works included have covered a range of media, from painting and sculpture to moving image and installation. galleries A Lighthouse called Kanata / AIKE / Gallery ALL / Arario Gallery / ArtCN Gallery / Canton Gallery / Art Granary / Ben Brown Fine Arts / Capsule Shanghai / CLC Gallery Venture / Sadie Coles HQ / GALLERIA CONTINUA / Crossing Art / Galerie Chantal Crousel / Massimo De Carlo / Don Gallery / DUMONTEIL / Each Modern / Gagosian / Gajah Gallery / Gazelli Art House / Gene Gallery / Ginkgo Space / Hanyang Art Gallery / Gladstone Gallery / Hauser & Wirth / Hillside Gallery / Hive Center for Contemporary Art / INK studio / JIAXI / Galerie Krinzinger / Simon Lee Gallery / Lehmann Maupin / Leo Gallery / LIANG PROJECT / Lin & Lin Gallery / Line Gallery / Lisson Gallery / MAI 36 GALERIE / Matthew Liu Fine Arts / MINE PROJECT / neugerriemschneider / Ota Fine Arts / Pace Gallery / Perrotin / Galerie Eva Presenhuber / Quantum Gallery / Almine Rech / Galerie Thaddaeus Ropac / Meyer Riegger / Rossi & Rossi / Salon 94 / Esther Schipper / ShanghART Gallery / Star Gallery / Spurs Gallery / Studio Gallery / TANG Contemporary Art / Timothy Taylor / Ting Ting Fun Year Art Gallery / Tokyo Gallery + BTAP / Useless Space / Axel Vervoordt Gallery / Michael Werner / White Cube / WHITE SPACE BEIJING / Whitestone Gallery / Yve YANG / Yibo Gallery
West Bund Art & Design, Shanghai

West Bund Art Center, 2555 Longteng Avenue
Shanghai

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posted 13. Nov 2020

Berta Fischer, Björn Dahlem, Naum Gabo – Into Space

10. Oct 202010. Jan 2021
„Into Space“ thematisiert die Sehnsucht des Menschen nach dem Weltraum, nach Schwerelosigkeit, fernen Galaxien und den Glauben an bisher unfassbare Energien außerhalb unserer Wahrnehmung. Drei BildhauerInnen reflektieren die Schnittstellen zwischen Kunst und Wissenschaft über ein Jahrhundert hinweg und von Berlin aus. Nach der Ausstellung „Lynn Chadwick, Hans Uhlmann, Katja Strunz“, die 2019 im Haus am Waldsee dem Thema „Falte“ nachging, nehmen nun Björn Dahlem (*1974), Berta Fischer (*1973) und Naum Gabo (1890 – 1977) mit Installationen und Plastiken ein künstlerisches Gespräch über Raum und Zeit zwischen 1920 und 2020 auf. Für Naum Gabo bedeutete Kunst in den 1920er Jahren Mittel zur Erkenntnis über die Physik unseres Planeten. Der nach Berlin emigrierte jüdisch-russische Künstler, der zusammen mit seinem Bruder Antoine Pevsner kurz zuvor das für die Bildhauerei bahnbrechende „Realistische Manifest“ verfasst hatte, suchte fortwährend nach neuen Materialien und Ausdrucksmöglichkeiten, „nicht um des Neuen wegen, sondern um für den neuen Ausblick auf die Welt meiner Umgebung und für die neuen Einblicke in die Kräfte des Lebens und der Natur in mir Ausdruck zu finden.“ Die jüngsten Entdeckungen der Naturwissenschaft, der Relativitätstheorie Albert Einsteins und der Vorstellung der vierten Dimension als Hyperräume hatten schon vor dem Ersten Weltkrieg die bisherige Auffassung von den Naturgesetzen tiefgreifend erschüttert, was Gabo während eines Medizin- und Naturwissenschaftlichen Studiums ab 1910 in München unmittelbar miterlebte. Die moderne Vorstellungskraft, die er während seiner Studien erworben hatte, sollte sein Denken nach dem Ersten Weltkrieg nachhaltig in neue Richtungen lenken. Auf dieser Grundlage hat Gabo Anfang der 1920er Jahre dynamische, mehrdimensionale, transparente Plastiken von geometrischer Präzision und mathematischer Klarheit geschaffen, die in der Bildhauerei jener Zeit einzigartig als Science Fiction wahrgenommen wurden. Wie Naum Gabo arbeitet Berta Fischer mit Acrylglas. Während das transparente Kunststoffmaterial Anfang der 1920er Jahre neu war und in der Bildhauerei erst durch Naum Gabo eingeführt wurde, kann es heute in unterschiedlichen Farben und Größen sowie mit schimmernden Folien versehen erworben und verarbeitet werden. Durch Einwirkung von Hitze kann Fischer das plane, an sich spröde Material leicht biegen und plastisch bearbeiten. Allerdings müssen die Formimpulse abrupt gesetzt werden, da das Material Hitze schlecht speichert und schnell abkühlt. Dieses materialbestimmte Vorgehen verschafft dem gesteuerten Zufall im Werk von Berta Fischer breiten Raum. Im Ergebnis erinnern ihre Arbeiten an transparente Hightech-Stoffe, die in aufgewirbelter Bewegung schwebend im Raum stehen. Jenseits der Gravitation verleihen sie dem Ungeordneten, Chaotischen und Unvorhersehbaren in Raum und Zeit Dauer von momenthaftem Charakter. Durch Brechung des Lichts leuchten die Kanten der oft sehr großen Kompositionen Fischers in grellen Farben. Dadurch entstehen immaterielle, farbige Zeichnungen im Raum. Farbe wird buchstäblich entmaterialisiert. Ein Lichtwechsel oder eine kleine Luftbewegung bringen die hängenden Raumkörper zum Funkeln, wie das flackernde Licht weit entfernter Universen. Mit einem Material ohne Materie produziert Fischer auf ein Minimum reduzierte Skulpturen, die ein Maximum an Raum und Form beschreiben. Je nach Situation und Beleuchtung können die Installationen als Universen, Milchstraßen oder vegetabile Gärten gelesen werden. Björn Dahlem verwendet für seine raumgreifenden Skulpturen alltägliche Materialien wie Holzlatten, Fundstücke, Leuchtstoffröhren, Glühbirnen und Draht. Seine Auseinandersetzung mit Raum und Zeit basiert auf den Theorien der Philosophie, Astro- und Teilchenphysik bis hin zu den jüngsten Erkenntnissen der Quantenmechanik. Dabei geht es in seinem Werk um eine Verbindung von Wissenschaft und Philosophie sowie um die Grenzen und Übergänge von Naturwissenschaft hin zur Philosophie und Theologie. Nach dem Wiener Quantenphysiker Anton Zeilinger erkennt die Quantenmechanik heute, dass Materie als Information und nicht als absolute Objektivität zu verstehen ist. Diese Erkenntnis stellt nach den Worten Dahlems den heutigen Begriff von Materialismus komplett infrage. Wenn sich herausstellt, dass Materie Information ist, also im Bewusstsein registrierte Daten darstellt, muss die vermeintliche Objektivität völlig anders gedacht werden. Björn Dahlem agiert als Bildhauer ganz bewusst vor dem Hintergrund der Einsichten, Zweifel und dem Scheitern der Wissenschaften. Bekannt geworden ist Björn Dahlem in den 1990er Jahren durch künstlerische Darstellungen des interstellaren Raums, von Galaxien, Superclustern oder Schwarzen Löchern, die in raumgreifenden Installationen mit einfachsten Mitteln umgesetzt wurden. Eine Arbeit, „Oortsche Wolke“ (2012) zum Beispiel besteht allein aus Dachlatten und Leuchtstoffröhren. Sie bezieht sich auf eine bisher nicht sicher nachgewiesene Ansammlung von astronomischen Objekten im äußersten Bereich unseres Sonnensystems. Die Existenz dieser Objekte ist umstritten und auch unter Astrophysikern eine Frage des Glaubens. Andere Arbeiten Dahlems nehmen die Form von sakralen Monstranzen an. Auch hier reflektiert der Künstler bewusst Glaubensfragen und Ungewissheiten. Bereits während Naum Gabos Medizinstudiums ab 1910 in München, das er für ein naturwissenschaftliches und schließlich für ein Studium der Architektur 1912 aufgab wurden die Themen, die Einstein angestoßen hatte, allgemein heftig diskutiert. Eine Reise zu seinem Bruder in Paris 1912 sowie kunsthistorische Vorlesungen von Heinrich Wölffin in München führten im selben Jahr schließlich zu dem Entschluss, Künstler zu werden. Die zeitgenössisch diskutierten Vorstellungen der Raumzeit-Krümmung sowie multidimensionaler Objekte finden ihren Niederschlag in seinen sphärenhaften Plastiken, die teilweise an Laborinstrumente erinnern. Kreissegmente, Spiralen und ineinander verschachtelte Körper heben die Vorstellung von Bewegung, Dynamik und einer neuen Auffassung von Räumlichkeit in der europäischen Bildhauerei auf ein Niveau, das als pure Science Fiction aufgefasst wurde. Naum Gabo emigrierte 1932 zunächst nach Paris, dann nach England und 1946 in die USA, wo er am MIT in Boston ausstellte und in den 1950er Jahren in Harvard Vorlesungen hielt. Weltberühmt ist er 1977 in Connecticut gestorben. Seine letzte Einzelausstellung in Deutschland fand 1986 in Berlin statt. Mit der Ausstellung „Into Space“ nimmt das Haus am Waldsee den Faden zu diesem großen Erneuerer der Bildhauerei im 20. Jahrhundert auf und reflektiert Einfluss und Fortleben im Werk zweier junger ZeitgenossInnen, die heute neue Maßstäbe setzen. Kuratoriert von: Katja Blomberg Pressekonferenz: Fr, 16.10.2020 um 11 Uhr. Berta Fischer und Björn Dahlem sind anwesend. Katalog: Zur Ausstellung erscheint ein Katalog in Deutsch und Englisch. Katja Blomberg (Hg.), Hardcover, 64 Seiten, Verlag Walther König. Diese Ausstellung wird ebenfalls durch den Hauptstadtkulturfonds gefördert.

artists & participants

Björn Dahlem,  Berta Fischer,  Naum Gabo 

curator

Katja Blomberg 
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posted 12. Nov 2020

Nina Joanna Bergold - Kopf voran, Augen halb geöffnet

08. Nov 202020. Dec 2020
opening: 08. Nov 2020 11:15 am
**"Leider kann die Eröffnung wegen der Pandemie-Maßnahmen nicht stattfinden. Wir hoffen, die Ausstellung im Dezember dann doch noch eröffnen – oder zumindest regulär für Publikum öffnen – zu können."** * **Nina Joanna Bergold - Kopf voran, Augen halb geöffnet** November 8 - Dezember 20 Eröffnung am Sonntag. 8. November, 11:15 Uhr Nina Joanna Bergold zeichnet mit Folie und Holz. Ihre Installationen schreiben sich ein in Räume und Architekturen, um gemeinsam mit ihnen gesehen, gelesen und begangen zu werden. Auf- und abtauchend wie Gesehenes und wieder Vergessenes, wie Notiertes und wieder Verworfenes verbinden sich Orte, Figuren und Szenen zu einer offenen Erzählung. Die Wesen, die die Folienschnitte und Installationen bevölkern, sind fast comichaft überzeichnet, zugleich sind sie flüchtig wie ihre vom zwei- ins dreidimensionale schwingende Räumlichkeit. Es sind Affenmenschen, Kauernde, Denkende. Sie arbeiten, forschen oder tanzen. Mit den Schritten des Betrachters verändern sie sich, sind blickdicht und dann wieder durchlässig. Im Vorbeigehen lösen sie sich auf im scheinbaren Nirgendwo. Nina Joanna Bergold (geb. 1980) studierte Kunst an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart. Sie lebt und arbeitet in Ludwigsburg und Stuttgart. Im Kabinett: Barbara Rösch Papierskulpturen
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posted 11. Nov 2020

Miriam Cahn. ME AS HAPPENING

08. Oct 202021. Feb 2021
Miriam Cahn. ME AS HAPPENING 8 oct – 21 feb 2021 In her first major solo exhibition in Denmark, Miriam Cahn presents an expansive body of work in the entire North Wing of Kunsthal Charlottenborg. Encompassing works in chalk, charcoal, pastel and water colour on paper as well as oil paintings — from the diminutive to the monumental — and film and photography, the exhibition explores critical issues of our time, seen through the prism of feminism. Uncompromising and confrontational, Cahn has conscientiously explored a series of themes over the course of her career, including women’s rights, identity, sexuality, conflict and space. Her work challenges the conventions of art history, contemporary connoisseurship and how an artist engages with the world. Kunsthal Charlottenborg presents some of these themes in distinct yet interrelated constellations of works. Central to these themes is the position of women in society today, and their continued worldwide fight for basic rights and equality. Some of the works discredit socially constructed clichés about gender roles, other works interrogate the human body and the dynamics of intimacy, exploring the relationship between sex, violence and power. In this exhibition, Cahn makes a nod to 1960s “happenings,” and highlights the pivotal role that movement plays in the creation of her work. Cahn draws from past and present experiences and observations, and often revisits previous work to establish a dialogue between the personal, natural and historical. Depictions of human beings’ heads and bodies abound in her work, reflecting on private and family memories. She also includes imagery of plants, animals and unrecognizable creatures. More recently, Cahn has been contemplating contemporary migrations in which women and children find themselves especially vulnerable. Recalling the history of persecuted populations in Europe, Cahn sympathizes with the displacement of Middle Eastern, African and other exiles fleeing their troubled homelands, who risk death in the course of their journey to Europe, or endure hostility of the inhabitants of places where they hope to take refuge. Cahn’s work aims to hold Europe accountable for maintaining its democratic ideals while challenging the divisive rhetoric of nationalistic political parties that seek a fantasy of a “pure Europe” in today’s inextricably linked world. Miriam Cahn (born in Basel, 1949) lives and works in Stampa, Switzerland. Recent solo exhibitions include Sifang Art Museum, Nanjing (2020); Haus der Kunst, Munich (2019); Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2019); Kunsthaus Bregenz (2019); Museum of Modern Art, Warsaw (2019); and Kunstmuseum Bern (2019). She has participated in numerous group exhibitions at various venues internationally, including 21st Biennale of Sydney (2018); Documenta 14, Kassel (2017); São Paulo Museum of Art (2017); and Centre Pompidou, Paris (2016). Miriam Cahn: ME AS HAPPENING at Kunsthal Charlottenborg is curated by Henriette Bretton-Meyer and supported by Pro Helvetia, The Obel Family Foundation, The Danish Arts Foundation and Møbeltransport Danmark. The exhibition is organized and circulated by The Power Plant Contemporary Art Gallery, Toronto where it will take place in 2021.

artist

Miriam Cahn 
Kunsthal Charlottenborg, Copenhagen

CHARLOTTENBURG, Kongens Nytorv 1
1050 Copenhagen

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posted 10. Nov 2020

7th Athens Biennale 2020

25. Sep 202029. Nov 2020
7th Athens Biennale 2020 "ECLIPSE" various locations in Athens 25.09.2020 - 29.11.2020 The Athens Biennale announces its seventh edition, entitled ECLIPSE, co-curated by Omsk Social Club and Larry Ossei-Mensah under the artistic direction of Poka-Yio. ECLIPSE will take place from 25 September to 29 November 2020 in various locations in Athens. The exhibition will feature artists based in North and South America, the Caribbean, Africa, and Europe, many of whom will be exhibiting in Greece for the first time. The list of participating artists will be announced in the summer of 2020. The exhibition title highlights the obscured perspective of reality caused by the constant state of flux we are experiencing in our society now. ECLIPSE engages the social, political and spiritual changes of today's global construct and in Athens itself, as a rising metropolis located at the intersection of Europe, Asia and Africa both physically and historically. An eclipse is a phenomenon of filtering and shrouding as well as a cosmic event. The experience of the eclipse functions as a catalyst for reprocessing an unresolved past that can inform an unspoken present and ultimately shape our future. Thus, Athens serves as the appropriate vantage point for contemplating the nuances of time and space. Furthermore, examining the questions is the west in decline or in a moment of significant transformation? ECLIPSE seeks to assess the implications of identity, history, and cultural complexity. The 7th Athens Biennale offers an arena to interrogate many of the ideas, queries, concerns, and desires that are frequently not platformed within a Biennial format. In an effort to activate a dynamic cross-cultural discourse, AB7 will highlight the works of artists from the African Diaspora in addition to other artistic voices that have historically been pushed to the periphery. This engagement will be articulated through the use of a "Black Lens" as one of the frameworks. This approach seeks to engage the varying perspectives and artistic practices percolating within the African diaspora. This dialogue will be situated alongside a complimentary framework of artistic interventions that use dynamic manifestations to compose unique practical narratives. Their aim is to strategically addr ess the viewers imagination of potential parallel worlds and futures. Composing a set of spaces that platform ideas such as radical care, interspecies friendship and sonic viewing strategies, ECLIPSE presents a translocal chapter of contemporary thought on how to co-exist within a world differently. Defying the prevalent politics of historical narratives, ECLIPSE proposes to challenge oppressive mechanisms and outdated idealism. By deploying various immersive techniques such as real game play, radical gossip, persuasive realities, "emotional hypnosis", bodying, synthesis, and visualization, ECLIPSE activates narrative fabrication and orchestrates an experiential shift in art viewing opening an alternative future for contemplation. * The 7th Athens Biennale is co-financed by the Hellenic Republic and the European Union through the Regional Operational Programme of "Attica" in the framework of NSRF 2014-2020, performs under the auspices of the Hellenic Ministry of Culture and Sports and is realized in partnership with Onassis Culture. AB7: ECLIPSE is produced by the Athens Biennale.
Athens Biennale

Office: 23, Mavrommateon Street
104 34 Athens

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posted 09. Nov 2020

ASTRID BUSCH. BLOODY BAY OASIS

31. Oct 202009. Jan 2021
opening: 31. Oct 2020 12:00 pm
ASTRID BUSCH. BLOODY BAY OASIS 31.10.2020 - 09.01.2021 Eröffnung: 31.10. & 1.11.2020, 12 - 19 Uhr Zeitgleich finden weitere Eröffnungen in Flingern statt. www.galerien-flingern.de Wir freuen uns, die erste Einzelausstellung von Astrid Busch in der Galerie anzukündigen. Die Ausstellung zeigt die neuesten Werke der Künstlerin, wandfüllende Fotografien auf Tapete, rauminstallative Eingriffe aus Stoffen und Projektionen, sowie Fotoobjekte und gerahmte Fotografien. Für ihre inszenierten Fotos verwendet Astrid Busch eigene Aufnahmen, sowie Bilder aus Archiven, Antiquariaten oder dem Internet. Die verschiedenen Materialien werden in Schichten arrangiert, besprüht und beleuchtet. Auch eigene Videoaufnahmen können auf diese "Settings" projiziert werden. Was physisch vorhanden ist, wird somit bewusst verunklärt. Die Aufnahmen evozieren den Eindruck, dass es sich um Momente aus einem sich kontinuierlich verändernden Geschehen handelt. Somit ist jedes Foto ein Schritt in einer langen Kette von Arbeitsprozessen. Die Fotografien werden, auch in unserer Ausstellung, selbst wieder zu Bestandteilen raumbezogener installativer Inszenierungen. Sowohl auf den Fotos, als auch bei der Installation im Raum erzeugt das Spiel mit unterschiedlich starken Ausleuchtungen einen Schwebezustand zwischen Gegenständlichkeit und Abstraktion, zwischen Zwei- und Dreidimensionalität und zwischen Statik und Bewegung. Astrid Busch erhielt zahlreiche Preise und Stipendien. Ihre Werke wurden in zahlreichen Ausstellungshäusern und Museen ausgestellt, darunter im Museum Kunst der Westküste, Alkersum/Föhr, im Museum für Kommunikation, Nürnberg, im Kunstpalast Düsseldorf, im Hetjens Museum Düsseldorf, in La Forme Gallery, Le Havre, im Kunsthaus Erfurt, im Kunstverein Gera und anderen. Einzelausstellungen folgen im Kunstraum München, im Maison des Arts Solange-Baudoux, Evreux, Frankreich, im Goethe Zentrum Armenien und im Espaço Oscar Niemeyer, Brasilia.

artist

Astrid Busch 
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posted 08. Nov 2020

Peter Fischli

12. Sep 202029. Nov 2020
opening: 11. Sep 2020 03:00 pm
Peter Fischli 12 | 09 – 29 | 11 | 2020 Peter Fischli beginnt mit einer paradoxen Intervention. Normalerweise befinden sich in der Eingangshalle des KUB schwarze Möbel. Über die eleganten Flächen, die Peter Zumthor aus kostbarem Vogelaugenahorn entworfen hat, setzt Fischli für seine Einzelausstellung im Kunsthaus Bregenz einen Verbau aus weiß getünchtem Pressspan. »Es ist ein Um-Bau im wortwörtlichen Sinn«, kommentiert Fischli. Das Interieur der Lobby wird überzeichnet, das Besondere durch das Billige verkehrt. In allen Geschossen hängen Boxen an den Wänden. Sie enthalten ein von Fischli gestaltetes Faltblatt. Üblicherweise sind diese Halterungen aus Holz oder Kunststoff gefertigt. Doch Fischli gießt sie in Bronze. Abermals provoziert er eine Umkehr der Hierarchie — allerdings in entgegengesetzter Richtung. Die Dinge werden aufgewertet: vom Ausstellungsbehelf zum aufwendigen Einzelstück und Kunstwerk. Die Einladungskarte zeigt eine Abbildung des Solomon R. Guggenheim Museums in Bilbao. Die Illustration ist von dürftiger Qualität, offenkundig aus dem Internet geladen und vorgeblich ungeschickt an den oberen Bildrand gesetzt. Darüber steht »BREGENZ«, so als habe jemand Bregenz mit Bilbao verwechselt. Dazu kommt der Aspekt des Verkaufswerts. Zunehmend sind Kultur-institute auch Teil des Stadtmarketings: Die Vorstellung, Darstellung und Herstellung des so genannten »Alleinstellungsmerkmals« eines Ortes sowie seine Dekonstruktion kommen so zur Sprache. Das Plakat zur Ausstellung betreibt ein ähnliches Verwirrspiel mit der Identität eines Ortes. Im Erdgeschoss ist ein Video zu sehen. In Work, Summer, 2018 zeigt Fischli Ausschnitte aus GoPro-Videos. GoPro-Kameras sind kleine Camcorder, die an Helmen montiert werden. Die Action- und Sportaufnahmen, die mit diesen Geräten gemacht werden, sind bunt, voller Jugendlichkeit, schräger Winkel und rasender Bewegung. Begeisterte sind auf Skiern und Skateboards zu sehen, auf Tauchgängen, Motorrädern oder fliegend auf mutigen Himmelsritten. Stets gleißt die Sonne, stets locken Lebenslust und Hochgefühl. Die einmaligen Erlebnisse wirken wie ästhetische Imperative. Denn die lustvolle Freizeit, die sie versprechen, ist gleichbedeutend mit der Arbeit, ihrer beglückenden Bildwelt nachzueifern. Im ersten Geschoss befindet sich eine Ansammlung von Skulpturen auf weißen Sockeln. Es sind Dosen, Taschen und Schachteln (Cans, Bags & Boxes), die drei Grundtypen der Verpackungsindustrie. Die meisten sind bemalt, manche angeschnitten, sodass sie wie modernistische Kunstwerke aussehen. »Ursprünglich für eine Ausstellung in Los Angeles entstanden, erinnern sie an die Herstellung von Attrappen in der Filmindustrie. Man kann sie als Attrappen auf dem Weg zu richtigen Skulpturen sehen oder vice versa«, sagt Fischli. Lässig hat er seinen Oberarm auf den Schenkel gelegt: Der Affe, zuerst in Ton modelliert und dann mit Bauschaum in einer Negativform abgegossen, ist einer von vielen. Den Affen im zweiten Geschoss gibt es in 24 Variationen. Auf Sockeln präsentiert bilden sie eine Versammlung gelblicher Skulpturen. Das Original, das Peter Fischli auch als Lithografie ausgearbeitet hat, ist im ersten Stockwerk ausgestellt. Er hat es als Zehnjähriger gemalt. Auch Fotografien werden im zweiten Stockwerk gezeigt. Es sind Einzelbilder und Collagen von Vorlagen, die Fischli mit seinem Handy angefertigt hat. Schaumspuren sind zu sehen, Nachtszenen, Laternen aus der Umgebung des Ateliers und seiner Wohnung, Momente von Autobahn-abfahrten und Ansichten einer Industriezone im Umkreis von Zürich. Die seifigen Spuren stammen von Rasier-schaum, den Jugendliche auf Autos, Verkehrszeichen und an anderen öffentlichen Orten hinterlassen. Es ist ein »Mikrovandalismus, eine leichte Verunstaltung im öffentlichen Raum«, so Fischli. Im dritten Geschoss finden sich die Bronzeboxen nicht mehr in ihrer Funktion als Halterungen, sondern als Skulpturen an der Wand. Daneben sind Papierarbeiten zu sehen, die erst diesen Sommer entstanden sind. Biografie Peter Fischli (geb. 1952 in Zürich, Schweiz). Zusammen mit seinem 2012 verstorbenen Partner David Weiss entstanden von 1979 an Arbeiten, die zu den Meisterwerken des 20. Jahrhunderts gehören. Das Künstlerduo vertrat die Schweiz bei der Biennale Venedig 1995 und erhielt 2003 den Goldenen Löwen für seinen Beitrag Questions (1981–2002). Zudem nahmen Fischli/Weiss an der documenta 8 (1987) und der documenta X (1997) teil. Es folgten Retrospektiven in Minneapolis, San Francisco, Philadelphia, Boston, London, Zürich und Hamburg. 2016 präsentierte das Guggenheim Museum mit Peter Fischli David Weiss: How to Work Better die dritte Retrospektive der beiden Künstler, die auch im Museo Jumex in Mexiko-Stadt gezeigt wurde. Peter Fischli lebt und arbeitet in Zürich, seine jüngsten Projekte umfassen Ausstellungen in Aspen, Colorado, im Museum of Modern Art in New York, bei Reena Spaulings Fine Art in Los Angeles und New York sowie im House of Gaga, Mexiko-Stadt.

artist

Peter Fischli 
Kunsthaus Bregenz

Karl Tizian Platz
A-6900 Bregenz

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posted 07. Nov 2020

Brigitte Waldach: Schimmer und Glanz

20. Sep 202017. Jan 2021
Brigitte Waldach: Schimmer und Glanz Marta-Preis der Wemhöner Stiftung 2020 20.09.2020—17.01.2021 Die großformatigen Zeichnungen und begehbaren Installationen der Berliner Künstlerin Brigitte Waldach (*1966) eröffnen neue Gedankenwelten, in denen Texte und Klänge eine bedeutende Rolle spielen. Als vierte Marta-Preisträgerin wird sie im Marta Herford nun mit einer Einzelschau geehrt. Brigitte Waldach beschäftigt sich intensiv mit Phänomenen der Kultur- und Zeitgeschichte. In ihrer Serie „History Now“ macht sie den gemeinschaftlichen Schreibprozess der digitalen Enzyklopädie Wikipedia auf faszinierende Weise erfahrbar: Historische Figuren wie Adolf Hitler, Hannah Arendt oder Franz Kafka lösen sich als kaum fassbare Erscheinungen in den Wolken dieser Textproduktion auf. Die „Goldberg-Variationen“ von J.S. Bach inspirierten Waldach zu einem überwältigenden, 32-teiligen Zeichnungszyklus, den sie im Marta Herford erstmalig als begehbare Installation ins Dreidimensionale übersetzt: In einem unendlichen Spiegelraum aus Verspannungen und Empfindungen, erleben Besucher*innen die musikalischen Strukturen als spektakulären Komposition aus Raum, Sound und Licht. Der Marta-Preis der Wemhöner Stiftung wird in zweijährigem Rhythmus an herausragende Künstler*innen vergeben. Das Preisgeld von 25.000 Euro umfasst die Entwicklung eines neuen künstlerischen Werks für die Sammlung Marta sowie eine Einzelausstellung im Marta mit begleitendem Katalog.
MARTa Herford

Goebenstr. 4-10
32052 Herford

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posted 06. Nov 2020

Isaac Julien. Lina Bo Bardi. Un meraviglioso groviglio

24. Sep 202017. Jan 2021
**24 September 2020 - 17 January 2021** Isaac Julien. Lina Bo Bardi. Un meraviglioso groviglio «Time is not linear, it is a marvellous tangle in which, at any moment, ends can be chosen and solutions invented, without beginning or end». Lina Bo Bardi. A Marvellous Entanglement is an exciting tribute by the English artist and filmmaker Isaac Julien to the great Italian-Brazilian architect. It is an impressive nine-channel video installation, accompanied by a photographic series, filmed in several locations in Brazil, including the Sao Paulo Museum of Art, the Museum of Modern Art in Bahia and the Teatro Gregario de Matos by Salvador de Bahia. The title is a quote taken from one of the most well-known and evocative passages of Lina Bo Bardi’s letters («Time is not linear, it is a marvellous tangle in which, at any moment, ends can be chosen and solutions invented, without beginning or end»). Here it is interpreted by two of the greatest actresses of Brazilian cinema and theatre, Fernanda Montenegro and her daughter Fernanda Torres.

artist

Isaac Julien 
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posted 05. Nov 2020

Heinz Peter Knes: Fotografische Arbeit

27. Sep 2020
opening: 26. Sep 2020 02:00 pm
Liebe Besucher*innen, aufgrund der neuen Regierungsbeschlüsse zur Eindämmung der Covid-19 Pandemie **wird die Galerie des Künstlerhaus Bremen vom 02.–30. November 2020 geschlossen bleiben. ** **Die Ausstellung wird nach der Schließzeit verlängert und kann dann wieder besucht werden.** * **Heinz Peter Knes: Fotografische Arbeit** 27. September – 22. November 2020 Eröffnung: Samstag, 26. September 2020, 14 Uhr Fotografische Arbeit präsentiert Recherchen und Arbeiten aus unterschiedlichen Projekten des Künstlers Heinz Peter Knes (*1969, Gemünden am Main) und setzt diese in ein neues Verhältnis zueinander. Die Einzelausstellung umfasst Ausschnitte aus Knes' Fotoarchiv, filmisches Material und Text. An der Wand entfaltet sich der fotografische Prozess: Fotos bilden Cluster, sind aus ihrem ursprünglichen Kontext gelöst und generieren durch neue Konstellationen eine Reihe an formalen, sozialen und politischen Erzählungen. Durch den Raum ziehen sich drei Stationen, in denen geschichtliches Material in seine Bedeutungsebenen aufgefächert wird. Entlang des Begriffs „Arbeit“ lässt sich das Material aus der Spätgotik bis zum Sozialismus auch im Hinblick auf das politische Handeln lesen. Welche Indikatoren bestimmen die fotografische Wahrnehmung und wie werden diese interpretiert? Durch die Materialsammlung fokussiert Knes das Produzieren, Zeigen und Lesen von Bildern und ihre Effekte auf das kollektive Bildgedächtnis. Recherche und Prozess werden offengelegt und Fotos aus einer formalen Lesart herausgenommen. Es sind Bilder, die selbst arbeiten und auf der Ebene der Objekte und des Prozesshaften agieren. Fotografische Arbeit ist auch eine Huldigung an die Autonomie des Bildes. Die Ausstellung wird von einem digitalen Handapparat begleitet, in dem thematische Vertiefungen, Dialoge und Denkprozesse sichtbar gemacht werden. Um die E-Mail-Aussendungen zu erhalten, tragen Sie sich bitte hier ein. Kuratiert von Melissa Canbaz Mit einem Text von Dominikus Müller * Rahmenprogramm **Supplement** Die Ausstellung wird von einem digitalen Handapparat begleitet, in dem thematische Vertiefungen, Dialoge und Denkprozesse sichtbar gemacht werden. Unter dem Titel Supplement werden diese über die gesamte Laufzeit, mit Beiträgen von Künstler*innen und Autor*innen in Form von E-Mail-Aussendungen zugänglich gemacht. Um die E-Mails zu erhalten, können Sie sich hier eintragen: https://static.kulturkurier.de/138/embed/registration-form-297.html Mit Beiträgen von Julie Ault, Moyra Davey, Gürsoy Doğtaş, Heike-Karin Föll, Simone Gilges und Kristin Loschert u.a. Supplement #1: Kristin Loschert Supplement #2: Julie Ault Supplement #3: Gürsoy Doğtaş Supplement #4: Simone Gilges Supplement #5: Heike-Karin Föll Supplement #6: Moyra Davey **Führungen durch die Ausstellung** Mittwoch, 21. Oktober, 18 Uhr mit Melissa Canbaz Mittwoch, 4. November, 18 Uhr mit Julika Wagner (kuratorische Assistenz) Mittwoch, 18. November, 18 Uhr mit Melissa Canbaz Die Ausstellung wird gefördert durch Heinz A. Bockmeyer Stiftung

curator

Melissa Canbaz 
Künstlerhaus Bremen

KÜNSTLERHAUS BREMEN | Am Deich 68/69
28199 Bremen

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