daily recommended exhibitions

posted 06. Aug 2020

NEUSPRÉCH

03. Jul 202013. Dec 2020
**ab 3. Juli ** NEUSPRÉCH Eine Ausstellung im Zentrum für Künstlerpublikationen 03.07.2020 - 13.12.2020 Wir freuen uns, dass NEUSPRÉCH ab 3. Juli im Zentrum für Künstlerpublikationen zu sehen sein wird. Die von den Künstlern Oliver Ross und Simon Starke in Kooperation mit Bettina Brach kuratierte Ausstellung sollte im April starten. Coronabedingt wurde sie verschoben. Vorab möchten wir in Newslettern und auf der Ausstellungs-Seite regelmäßige Einblicke in die Hintergründe des Projekts geben und die zwölf beteiligten Künstler*innen vorstellen. Heute der dritte Beitrag: Gunter Reski. Gunter Reski (*1963) ist schreibender Maler. Eigentümlich deformierte Wörter und Sentenzen, die überall in seinen Bildern herumgeistern, sind zeitweise fast zu seinem Markenzeichen geworden – jedenfalls gibt es nichts Vergleichbares. Alles an seinen Bildgeschichten steht irgendwie unter Druck. Gelegentlich wird der Bildraum auch gesprengt und in fraktalen Gebilden und Schreibformen in Mal- oder Collageform auf die Wand gebracht oder gar als meterlange Erzählungsbildtapeten raumgreifend installiert. Seine Schreibmalkonstellationen scheinen Zugang zu einer Fülle oder Überfüllung von Empfindungen und Ideen aus dem Alltag gefunden zu haben, die sich nur im Malakt ereignen können. Gunter Reski versteht sich dezidiert als Maler, schreibt allerdings auch jede Menge brillante Kritiken und Kolumnen und kuratiert Ausstellungen. (Oliver Ross/Simon Starke). Gunter Reski studierte von 1986 bis 1992 Freie Kunst an der Hochschule für bildende Künste Hamburg, bei KP Brehmer und Gotthard Graubner. Seine Arbeiten waren in zahlreichen Ausstellungen zu sehen, so z.B. in den Einzelpräsentationen Doktor Morgen, neue Sorgen borgen im Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen in Düsseldorf (2013), Organwanderung jetzt in der Galerie Nagel Draxler in Köln (2018) und Temporäre Haut in der Galerie Karin Guenther in Hamburg (2019). Außerdem kuratierte er Projekte und Ausstellungen. Seit 2013 ist er Professor für Malerei an der Hochschule für Gestaltung Offenbach. Zuvor lehrte er in Hamburg, Oslo und Berlin. Gunter Reski erhielt unter anderem das Stipendium der Barkenhoff Stiftung Worpswede (1997), das Arbeitsstipendium Stiftung Kunstfonds (2011) und den Edwin-Scharff-Preis in Hamburg (2013). Für zahlreiche Kataloge verfasste er Beiträge, seine Texte erschienen zudem in Texte zur Kunst und vielen weiteren Zeitschriften und Publikationen, veröffentlicht auch auf seiner Internetseite. Gunter Reski lebt in Berin. Künstler*innen der Ausstellung: Armin Chodzinski (mit einem Vortragsraum und neuen Lehrfilmen) Hans-Christian Dany (mit einer Vortrags-Einlassung zu NEUSPRÉCH) reproducts (mit filmisch-hypnotisch-poetischen Farbtherapien) Gunter Reski (mit einem halb geschriebenen, halb gemalten Wand-Journal) Oliver Ross (mit einem Kunst-Beichtstuhl) Ingrid Scherr und Peter Lynen (mit einer gemeinsamen Raum-Installation) Aleen Solari (mit einer schlecht beleuchteten Wand-Boden-Situation) Simon Starke (mit einer illustrationsbestückten Lehrtafelabfolge) Andrea Tippel (mit ihrer tapezierten Andrealismus-Bibliothek) Jan Voss (mit einer ortsbezogenen Ein- und Auslassung) Annette Wehrmann (mit einem bisher unveröffentlichten Zeichnungskonvolut)
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posted 05. Aug 2020

Zheng Bo. The Soft and Weak Are Companions of Life

18. Jun 202029. Aug 2020
Zheng Bo The Soft and Weak Are Companions of Life 18.06.2020–29.08.2020 Kunsthalle Lissabon presents The Soft and Weak Are Companions of Life 柔弱者生之徒, the first solo show in Portugal by Hong Kong-based Zheng Bo. The exhibition opens to the public from June 18 to August 29, 2020. Due to COVID-19's safety measures, there will not be an opening event. Historically, in most of Western principles, values, and rights, the human species always occupies the main role. Marginalizing the natural element has led us today to have a low awareness and respect for life forms other than humans and animals. Nowadays a lot of people simply don’t know which kind of plants surround their houses and characterize their cities, and most of the time, empathy with ecological issues doesn’t always correspond to a real knowledge of them, creating just a fake awareness and physical distance from what really lives around us. Zheng Bo tries to reduce this distance going beyond a simple conceptual approach to the knowledge of plants. Pushing the idea of intimacy, the artist gives us an example of a possible heightened relationship between men and vegetal world, overturning, in the meantime the anthropocentric vision we have of nature. But the ferns represent also the neglected and the queer in a standardized nature-culture, pointing, in this way, to the urgent need to expand our notions of interspecies relations, communities, and counterpublics. A new series of drawings titled Drawing Life opens the show at Kunsthalle Lissabon. Zheng Bo has been walking on Lantau Island - where he lives in Hong Kong - and making a drawing of local plants every day since late spring this year. He notes the names of the plants that he could recognize, but since there are always more plants to draw and identify the text on each drawing always ends with "etc." This is the first time he exhibits a selection of these drawings. With Pteridophilia 1-4 (deriving from the Greek pterid- “fern” and -philia “love”) Zheng Bo films young men making close contact with various kinds of ferns in a Taiwan forest. Men establish emotional and physical relationships with the plants: they lick, wrap, stroke, bite, ingest, and fuck them, showing us an infinite number of possibilities of vegetal-human intimacies. Zheng reflects on our current moral outlook questioning our ethical quandary. Where does human exploitation of plants start and where does it end? Why is it “natural” to eat plants but “unnatural” to make love to them? The Soft and Weak Are Companions of Life 柔弱者生之徒 is a sentence from Chapter 76 of Dao De Jing, the Daoist text written in the 4th century BC. Dao De Jing is written in Classical Chinese, which poses a number of challenges to complete comprehension. As Daoist scholar Holmes Welch observes, the written language "has no active or passive, no singular or plural, no case, no person, no tense, no mood.” So, the entire text is open to a huge range of interpretations. In this vast horizon of alternatives, Zheng Bo, with his videos, his taxonomies, and his philosophy gives us the possibility to rethink the entire human system of categorizations of knowledge about nature. Zheng Bo’s invitation is to combine all the elements we have available around us, trying to find all the different combinations out of them, optimizing all the potentialities belonging to plants and humans, in order to acquire the best from each one and generate new harmonies. Zheng Bo (Beijing, 1974) in a Hong Kong based artist. His practice has been concerned with ecology, participatory projects, marginalized communities, and gender themes in order to reflect on our cosmology. He has worked with a number of art spaces in Asia and Europe, most recently ICA at NYU Shanghai, @KCUA in Kyoto, Asia Art Archive in Hong Kong, Parco Arte Vivente in Torino, TheCube Project Space in Taipei, and Villa Vassilieff in Paris. His works have been included in the performance program of the 58th Venice Biennale, Manifesta 12, the 11th Taipei Biennial, and the 11th Shanghai Biennial. The Kunsthalle Lissabon is kindly supported by República Portuguesa / DGArtes, Coleção Maria e Armando Cabral.

artist

Zheng Bo 
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posted 04. Aug 2020

12th Mercosul Biennial 2020

16. Apr 202031. Aug 2020
**April 16–August 31, 2020 ** * **12th Mercosul Biennial 2020** (09.04.2020 - 05.07.2020) Andrea Giunta appointed chief curator of Biennial 12 Three months of world-wide isolation have gone by. Museums are closed, as well as biennials and fairs. The Mercosur Biennial, which has been held in Porto Alegre, Brazil, for over 20 years, should have started its 12th edition—Feminine(s): visualities, actions and affections—on April 16, but we have not been able to install it in the exhibition spaces. Our first concern was to know how our team and the artists were. We asked them to send us a video from wherever they were. After just a few days, we found ourselves with 54 testimonials of affection, connecting 70 artists from more than 20 countries and four continents. We then thought to do an on-line Biennial. We did it because we asked ourselves: is the world we knew back in March the world we want to return to? What do we do "in the meantime"? For two months we organized the exhibition—or experience—with all its videos and photographs on the Biennial website. At this time, art shows its relevance so we can all think and reflect together. We started an Educational Program for which 1,400 educators applied. Today, the Biennial thrives thanks to on-line classes that reach thousands of students in Brazil. We have created specific programs to energize the corridors of this art experience, building meeting spaces between artists, curators, the public and educators. The voices of black women were participating in first person on these actions, taking their perspective as the conceptual axis for the creation of labs and activities. “An exhibition is a tornado.” “An exhibition is not just what we see.” These were some of the sentences we utter when we think of works of art in a physical space. With the works available on-line, we now know that the Biennial is what we had to do to stay active and close together "in the meantime." What we have experienced in these months has an impact on our lives, on our thoughts, and on our bodies. Our future in art will probably not look like our past. We dreamed about installing this Biennial in a physical space, but sanitary measures will regulate our wish. No art program can put human lives at risk. Given the world’s standstill, we chose to think about this critical present. We do not believe things will go back to "normal" after the pandemic. The Mercosur Biennial invites you to visit its website to find out more about its artists and their works, as well as watch the cell phone recordings they shot from where they were during this pandemic. We hope to meet you in the city of Porto Alegre, with the works and the artists. Meanwhile, we share with you what we have done in these three months, and we invite you to discover the on-line version of the 12th Biennial. Biennial 12 Artists: Alejandra Dorado, Aline Motta, Ana Gallardo, Ana Lira invites Marta Supernova, Ola Elhassan and Suelen Mesmo, Arpilleras MMDH, Brígida Baltar, Carmela Gross, Carole Condé & Karl Beverigde, Cecilia Vicuña, Chiachio & Giannone, Claudia Paim, COCO, Cristina Schiavi, Dana Whabira, Daniela Ortiz, Eliana Otta, Elina Chauvet, Élle de Bernardini, Eneida Sanches, Esther Ferrer, Eugênia Vargas, Fátima Pecci, Geta Bratescu, Gladys Kalichini, Gonzalo Elvira, Grete Stern, Guerrilla Girls, Gwladys Gambie, Helô Sanvoy, Janaína Barros, Janet Toro, Jessica Kairé, Joiri Minaya, Jota Mombaça, Judy Chicago, Juliana dos Santos, Juliana Góngora, Juliana Vidal, Julieta Hanono, Kan Xuan, Kimiko Yoshida, La Vaughn Belle, Lídia Lisboa, Liliana Porter e Ana Tiscornia, Liuska Astete Salazar, Lorraine O'Grady, Lucia Laguna, Lungiswa Gqunta, Marcela Astorga, Maruch Sántiz Gómez, Mirella Maria, Mónica Mayer, Mujeres Públicas, Musa Michelle Mattiuzzi, Natalia Iguiñiz, Nosotras Proponemos, Nury Gonzalez, Pau Delgado Iglesias, Paz Errazuriz, Pedro Lemebel, Priscila Rezende, Rahima Gambo, Renata Felinto, Rosana Paulino, Sandra de Berduccy, Santarosa Barreto, Sebastián Calfuqueo, Vera Chaves Barcellos, Zorka Wollny.
Mercosul Biennial Porto Alegre

Rua dos Andradas, 1234
90020-008 Porto Alegre

Brazilshow map
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posted 03. Aug 2020

a changing ratio | rosemarie castoro and liz deschenes

10. Jul 202022. Aug 2020
a changing ratio | rosemarie castoro and liz deschenes 10 Juli - 22 August 2020 a changing ratio präsentiert ein generationenübergreifendes, weibliches Duo-Statement zur Post-Minimal Art mit den zwei US-amerikanischen Künstlerinnen Rosemarie Castoro und Liz Deschenes. Der Dialog dieser beiden weiblichen Positionen stellt eine erweiterte Perspektive der Post-Minimal Art vor, die als Ergänzung zu ihren Protagonisten seit den 1960er Jahren gesehen werden kann und zum ersten Mal im deutschsprachigen Raum gezeigt wird. Die Werke von Rosemarie Castoro und Liz Deschenes vereinen eine formale wie inhaltliche Auseinandersetzung mit medialen Grenzen und eine auf zeitliche Prozesse ausgelegte Arbeitsweise, die in der Tradition der Minimal Art stehen, aber auch darüber hinaus einen freien Umgang mit Materialität veranschaulichen. Die Beschäftigung mit medienspezifischen Eigenschaften, deren Übertragung in andere Gattungen sowie die Überwindung eines traditionellen Medienbegriffs werden besonders deutlich in den raumgreifenden Werken. Die Ausstellung zeigt, wie sich das Schaffen beider Künstlerinnen ausgehend von ihren Anfängen im Bereich der monochromen Malerei in ein experimentelles, medienübergreifendes Feld einer prozesshaften Arbeitsweise und später ins Räumliche und hin zu einer den Körper miteinbeziehenden Reflexion öffnet. Besuchen Sie auch unseren Viewing Room für einen Einblick in das vielschichte Œuvre von Liz Deschenes und Rosemarie Castoro über die Werke der Ausstellung hinaus. Die Ausstellung findet in Kollaboration mit Galerie Thaddaeus Ropac London • Paris • Salzburg und Unterstützung von Miguel Abreu Gallery New York statt.

artists & participants

Rosemarie Castoro,  Liz Deschenes 
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posted 02. Aug 2020

Verena Dengler. Die Galeristin und der schöne Antikapitalist auf der Gothic G’stettn

03. Jul 202006. Sep 2020
opening: 02. Jul 2020
**03.07.2020 – 06.09.2020** Verena Dengler. Die Galeristin und der schöne Antikapitalist auf der Gothic G’stettn (Corona Srezessionsession Dengvid-20 :) ) Verena Denglers Installationen, Objekte, Bilder, Zeichnungen, Texte, Videos (und vieles mehr) sind anspielungsreich, pointiert, bisweilen unglaublich witzig und mitunter gewollt schrill. Die aufmerksame Beobachtung der Kunstwelt, ihrer Mechanismen und historisch gewachsenen Bedingungen sowie die eigenen Verflechtungen darin sind häufig Thema der Arbeiten, die darauf kritisch und zugleich humorvoll reflektieren. Denglers Werk ist konzeptuell, medial offen, wandlungsfähig und experimentierfreudig und entsteht nur bedingt in ihrem Künstlerinnenatelier/„Arbeiterpalast“. Der Selbstinszenierung durchaus nicht abgeneigt, mit einem Hang zu Exzentrik, Esoterik und Parodie bedient sie sich dafür einer Vielzahl von Möglichkeiten. Die Bandbreite ihrer Interessen spiegelt sich in zahlreichen Betätigungsfeldern wider. Als „Jackie of all Trades“ oder „Hanna-Dampf-in-allen-Gassen“ hat sie sich in ihrer gleichnamigen Ausstellung in der Kunsthalle Bern (2017) als facettenreiche Künstlerin, Künstler-Kuratorin und Autorin vorgestellt. Damit noch nicht genug: Sie schreibt für diverse Medien höchst lesenswerte Kunst- und Kulturkritiken. Die in ihren Arbeiten häufig verhandelte Schnittstelle zwischen Alltagskultur, bildender und darstellender Kunst wird in jüngster Zeit in der Mitgestaltung von Bühnenbild- und Kostümentwürfen für Theaterproduktionen, beispielsweise am Berliner Ensemble 2018–2019, weiter aufgelöst. Kollaborationen und kollektives Arbeiten in unterschiedlichen Kontexten zieht sich durch Denglers Werk und ist Ausdruck einer spezifischen, möglicherweise politisch geprägten Haltung. Ihr Coming-of-Age im sozialdemokratisch geprägten Wien hat sie in mehreren Arbeiten – nicht zuletzt in ihren gern in Lesungen auszugsweise vorgetragenen Jugend-Tagebüchern – thematisiert. Für ihre Einzelausstellung im geschichtsträchtigen Hauptraum der Secession schafft Dengler neue Arbeiten, die sich auch mit Fragen der Ökonomisierung künstlerischen Schaffens, Authentizität und Autorschaft auseinandersetzen und eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart schlagen, dabei aber die sich immer schneller drehende Spirale der Selbstinszenierung und Aufmerksamkeitsgenerierung in den sozialen Medien nicht unberücksichtigt lassen. Verena Dengler, geboren 1981 in Wien, lebt und arbeitet in Wien.

curator

Bettina Spörr 
Wiener Secession

Friedrichstraße 12
A-1010 Vienna

Austriashow map
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posted 01. Aug 2020

MANIFESTE. Zeichen setzen & STREET GALLERY.

04. Jul 202003. Sep 2020
opening: 04. Jul 2020 05:00 pm
MANIFESTE. Zeichen setzen & STREET GALLERY. Verstehen, Verbünden, Verbreiten. Ona B., Renate Kordon, RISOGRAD, Josef Fürpaß, Klaus Dieter Zimmer, Keyvan Paydar, Julian Rosefeldt im kunstGarten und in der Street Gallery Eröffnung: Kunsthistorikerin Dr.in Edith Risse Ein Gespenst geht um in Europa“ – mit diesem Satz des berühmtesten aller Manifeste, des „Kommunistischen Manifestes“ beginnt ein Reigen, bei dem sich bildende und performative Künstler, Architekten, Musiker, Literaten und Filmemacher ein Stelldichein geben. Es sind Texte, mitunter auch Inszenierungen, die den Mut haben, bei aller Unvernunft das ganz Andere zu denken. Angesichts einer Welt, deren eigenzerstörerisches Potenzial beständig wächst, verdienen Manifeste als Aufstand gegen das Gewohnte ein besonderes Interesse. Unabhängig davon, ob sie für die Erhaltung der Natur oder die totale Mobilität, ob sie für den funktionalen Zweckbau oder die Herrschaft des Schimmels, ob sie für die totale wirtschaftliche Freiheit des Einzelnen oder die Vergesellschaftung allen Besitzes eintreten. Oder gar für die Abschaffung des Manifests … In West und Ost haben populistische Bewegungen, die parlamentarischer Demokratie und europäischer Integration skeptisch gegenüberstehen, an Zulauf gewonnen. Es droht eine neue Welle des Nationalismus. … Étienne François fordert in „1918–2018: Ein Manifest“ auf, Zeichen zu setzen für Menschenrechte und Meinungsfreiheit, für Rechtstaatlichkeit und Einhaltung des Völkerrechtes. „Wir haben die Gestaltung der Zukunft in unseren Händen“, betont der Historiker. „Nutzen wir die Chance aus!“ Es geht um die Bedeutung des Friedens für Europa und die Welt. Der erste Anlauf, diesen Werten nach 1918 weltweit Gestalt zu geben, scheiterte. Mit der Gründung der Vereinten Nationen und der Verabschiedung der Allgemeinen Erklärung der Menschenrechte wurde nach 1945 ein zweiter Versuch unternommen. In Europa kam dies aber zunächst nur der westlichen Hälfte zugute. Wenn wir uns nach der COVID 19-Krise umsehen, sollte ein neuer Blickfokus entstehen. Was bedeutet Wirtschaft wirklich? Müssen sinnlose Dinge, die Ressourcen verbrauchen und vielen Menschen ein sklavenartiges Dasein verschaffen, zuhauf produziert werden? Wäre es nicht an der Zeit, die Menschen mit einem Grundeinkommen auszustatten und ihre Energie sinnvoll nützen oder entsprechende Zusatzentlohnungen gewähren für wesentliche Aufgaben: Egal ob für Müllentsorgung, Versorgung, Bildung, Kunst oder Politik im Sinn der Menschenrechte? Wie würde sich die Natur erholen, wie könnte das Zusammenleben dadurch friedlich werden, wenn eine grundsätzliche Gerechtigkeit Platz griffe? Und nun kommt die Kunst zu Wort und Bild. Ernst und humorvoll. Künstler*innen manifestieren immer! Seien es ihr ästhetisches Verständnis, sei es die Wahl ihrer Medien, ihres Materials, sei es ihr Blick auf die Welt, ihr gesellschaftliches Verständnis, ihr Mitweltbewusstsein, die sie dem Gegenüber vorstellen, preisgeben und damit zu kritischer Auseinandersetzung auffordern. Wenn ihr ein Bild betrachtet, denkt nie daran, was die Malerei – wie alle Dinge dieser Welt – sein soll oder was viele möchten, daß sie sei. Die Malerei kann alles sein. Sie kann ein Sonnenfleck sein mitten in einem Windstoß. Sie kann eine Gewitterwolke sein. Sie kann der Schritt eines Menschen auf dem Weg ins Leben sein. Oder ein Aufstampfen mit dem Fuß – weshalb nicht? , um zu sagen: Basta – Jetzt ist´s aber genug! Sie kann ein saner Morgenhauch voller Hoffnungen sein oder ein scharfer Luzug aus einem Gefängnis. Sie kann die Blutflecken einer Wunde sein oder der Gesang eines ganzen Volkes unter blauem oder gelbem Himmel. Die Malerei kann sein, was wir selbst sind: das Heute, das Jetzt und das Immer. Eine Einladung zum Spielen, eine Einladung, aufmerksam hinzuschauen…, eine Einladung zum Denken.“ Aus: „Die Praxis der Kunst“, Kap.7: „Sehen lernen – ein Spiel“, von Antoni Tàpies (1976; Erker-Verlag, CH-St. Gallen) * ONA B. zählt zu den wichtigsten Vertreterinnen feministischer Kunst in Österreich. Ihr bevorzugtes Ausdrucksmittel ist die Farbe Rot. ONA B. (*1957 in Wien) studierte an der Universität für angewandte Kunst in Wien. Die transmediale Künstlerin macht Installationen, Musik, Filme, Konzepte, ist Malerin und Mitglied der Künstlergruppe DIE DAMEN (Evelyne Egerer, Birgit Jürgenssen (gest. 2003), Ingeborg Strobl und seit 1993 Lawrence Weiner). ONA B. / FACE 2 FACE – KUB 2020 27.03 „face 2 face“ – „Von Angesicht zu Angesicht“„FACE 2 FACE“ 2020 (Video ONA B.+ beo project, Musik Robert Michael Weiss) ca 10 min In Erinnerung an meine Performance „EYES OPENING“ 1978 Inmitten meiner roten Malerei sitze ich an einem roten gemalten Tisch und ich bin fokussiert auf mein Gegenüber: die Camera. Nur meine blonden Haare und mein Gesicht stechen sehr hell aus diesem Gesamtbild heraus. Langsame Gesten sind die Sprache. Die Hände spielen eine große Rolle. Ich habe lange rote Satinhandschuhe an. “Nicht sehen”, “Nicht hören”, “Nicht sprechen” sind Elemente dieser Kommunikation. Das Repertoire an Gesten spiegelt sich in der Musik. Die Timeline der Gesten erzeugt die musikalische Partitur. “Second Sight – DAS ZWEITE GESICHT”, 2020 [Video ONA B. + beo projekt; music/sound Robert Michael Weiss] ca. 14 min. Unter Verwendung der Wachsobjekte / Mund Stellungen “ROTE LIPPEN” ONA B., 1979 Ich verbinde mich mit mir und meinen Transformationen: Das jüngere Ich von ONA B. verbindet sich mit dem älteren Ich von ONA B. Ich betrachte meine Randzonen, also betrachte ich meine Vergan-genheit aus einer neuen Perspektive – ich schaue genauer hin, um mich wieder zu erkennen und meine früheren Arbeiten in meine aktuelle Kunst zu integrieren. Die Wachsobjekte zeigen verschie-dene Positionen meines Mundes. Sie zeigen Traurigkeit, Freude, Ärger, Sinnlichkeit, sie zeigen meine Komplexität. Zum Zeitpunkt ihres Entstehens waren sie Zeichen einer Haltung gegen Stereotypen, denen Frauen ausgesetzt waren. Das Überlagern von Teilen meines jungen Gesichts aus Wachs aus dem Jahr 2020 ist heute so, als würde ich meine Ideen als junge Künstlerin mit meinem heutigen Wesen vereinen. Sehnsüchte nach der Zukunft aus der Vergangenheit vermischen sich mit der Rea-lität der Gegenwart. „Das Zweite Gesicht“ ist ein Begriff für das Geschenk des Hellsehens, für die Fähigkeit, die Zukunft vorauszusehen. Ich habe meinen Weg vorausgesehen, ich habe an meinen Ideen festgehalten und sie ausgearbeitet. Darüber hinaus kommt die Idee einer Totenmaske auf – paradoxerweise verkörpert durch das junge Gesicht, was mehrere Ebenen eröffnet. Das Motiv „Der Tod und das Mädchen“ wo der personifizierte Tod als Verführer oder Liebhaber einer jungen Frau auftritt, schwingt sowohl schaurig als auch erotisch mit. Hier repräsentiert die junge Frau den Tod, die ältere das Leben, hier liebt sich die Frau. In der Vorstellung liebt das junge Ich sein Ideal, das eines Tages sein älteres Gegenstück sein wird und umgekehrt: Die ältere Person liebt den Mut und die Ausdauer ihres jungen Selbst. Sie verführen sich gegenseitig zur Einheit. * ONA B. FACE 2 FACE: EYES OPENING 2020, Filmstill Wegen Einreiseproblemen verschoben auf 2021: Pao Kitsch (Mexiko, 1982) ist eine in Berlin lebende Künstlerin. Sie studierte Bildende Kunst an der École Nationale Superieure de Beaux Arts in Lyon (Frankreich) und schloss ihr Bachelor-Studium an der Nationalen Schule für Malerei, Skulptur und Druckgrafik „La Esmeralda“ (Mexiko-Stadt) ab. In 2018 präsentierte sie „Failure of Utopia?“ als Arbeit für ihr M.A.-Abschluss an der Weißensee Kunsthochschule Berlin. In ihrer künstlerischen Praxis untersucht sie die Themen Kindheitserinnerungen, Natur sowie Menschen- und Tierrechte * Renate Kordon studierte Architektur und Grafik in Graz und Wien, machte ein Meisterjahr bei Maria Lassnig. Ihre künstlerischen Schwerpunkte sind Trickfilm, Zeichnung, Installation, Kunst im öffentlichen Raum und Filmräume. Nach mehreren Stipendienaufenthalten in Paris, Rom und Kanada unterrichtete sie „City Scape Drawing“ in Detroit und „Labor Animation“ in Linz. Von 2007 bis 2010 war sie Co-Kuratorin und Co-Organisatorin von Asifakeil TrickfilmKunstraum im MQ Wien und gründete 2010 das Institut für ZEITverschiebung in Graz. In ihren Zeichnungen und Trickfilmen, Installationen und Skulpturen, Filmräumen und Kunst im öffentlichen Raum führt sie Dimensionen ad absurdum, stellt Sehgewohnheiten in Frage und weiß humorvoll kritisch Linien zu ziehen. Das künstlerische Werk von Renate Kordon umfasst ein polymorphes, mit Stilbegriffen kaum fassbares Spektrum von Techniken und Medien. Es reicht von der Zeichnung, von satirischen Comics und psychogrammatischen Bild- und Objektserien über Trickfilme bis zu Interventionen im öffentlichen Raum. Die Werkmonografie „Lebenslinien“ bietet erstmals eine Synopsis des über mehrere Jahrzehnte entwickelten Oeuvres – stets geprägt von Konflikten des Rationalen/Objektiven mit dem Surrealen/Subjektiven, des Materiellen mit dem Spirituellen, von der Verschiebung vordergründiger Realität in alternative Wirklichkeiten geistig-seelischer Zustände. Das Buch thematisiert in spezifischer Form inhaltliche Zusammenhänge und Verwandtschaften und präsentiert viele erstmals publizierte Zeichnungen, Comics, Storyboards, Arbeitsmodelle und Fotodokumente. Ein bisher verstreut rezipiertes Oeuvre, das im experimentellen Trickfilm und im Bereich der Rauminstallation zur internationalen Avantgarde zählt, erfährt so die gesamtheitliche Darstellung und Positionierung. d Positionierung. * RISOGRAD Verstehen, Verbünden, Verbreiten Automat gefüllt mit drei verschiedenen Drucksorten 2019 Ein ehemaliger Kondom-Automat wurde vom Grazer Kollektiv Risograd neu befüllt: drei verschiedene Pakete beinhalten eine Chronologie, eine Manifest-Sammlung und ein Aktivismus-Paket, die eine feministische Gesellschaftskritik üben. Dabei stehen die Miniatur-Druckwerke unter den Schlagwörtern VERSTEHEN | VERBÜNDEN | VERBREITEN für feministisches Wissen, Solidarität und Austausch. Unter VERSTEHEN findet sich eine Chronologie mit einer Auswahl von feministischen/frauen*rechtsspezifischen Aktivitäten, Fortschritten und Kämpfen in Österreich, die vom 19. Jahrhundert bis heute reicht. Historische Abbildungen ergänzen diese längst fällig gewesene feministische Österreich-Chronologie im Taschenformat. Die Manifest-Sammlung VERBÜNDEN ist ein Publikation, die Grundsatzerklärungen, öffentliche Briefe und Statements feministischer Gruppen und Einzelpersonen versammelt. Sie zeigen die Bandbreite der feministischen Bewegung, ihrer Forderungen und der verschiedenen Sphären, in denen Manifeste wirken. Das VERBREITEN-Aktivismus-Paket enthält Sticker und Buttons mit Schlagwörtern, die zum feministischen Widerstand aufrufen. In einer kleinen Packungsbeilage werden die gleich simplen wie mehrdeutigen Wörter kontextualisiert, je nach Umfeld kann sich jedoch Intensität und Bedeutung der Sticker verändern. Wie funktioniert der Automat? Drei Mal 1 Euro-Münzen mit Schwung einwerfen und am Bolzen ziehen! Das Kollektiv RISOGRAD wurde 2017 gegründet und hat seine Basis in Schaumbad — Freies Atelierhaus Graz. RISOGRAD: Feministische Manifestsammlung * Josef Fürpaß Geboren 1960, lebt als Buchgestalter, Zeichner, Maler & Bandoneonist in Graz und St. Katharein an der Laming/Österreich. Er ist Gründungsmitglied des Vereins DruckZeug, war 2012 bis 2014 Betreiber & Programmgestalter der Keplerkoje in Graz, er widmet sich inhaltlich und formal den gestalterischen Möglichkeiten an der Schnittstelle der Bereiche Typografie, Buchdruck, (Druck-)Grafik, Malerei & Literatur. Seit 2011 Lehrbeauftragter an der Meisterschule für Kunst & Gestaltung an der Ortweinschule in Graz. * Keyvan Paydar (*1984 in Teheran), Lebt und arbeitet als freischaffender Künstler und Kurator in Graz. In Phantom Limbs (Phantomschmerzen), der Arbeit von Keyvan Paydar, entsprießt das Leben neu. Organisch bunte Plastiken als Prothesen für amputierte Gliedmaßen der geplagten, oft verstümmelten Natur, deren Phantomschmerzen uns als Täter oder Opfer gleichermaßen quälen, erblühen auf harzblutenden Narben. Es sind Phantome, die sich wie der unsichtbare Atem der Natur im Frühling als Knospen in Form farbiger Blasen manifestieren. PHANTOM LIMBS Mein Freund, der Baum von ​Keyvan Paydar (*1984 in Teheran). Er lebt und arbeitet als freischaffender Künstler und Kurator in Graz. * Klaus Dieter Zimmer geb. in Bergneustadt / D. lebt u. arbeitet in Graz. Das Diplom Mag. art. erhielt er nach dem Studium der Malerei und Graphik an derAkademie der bildenden Künste, Wien. Preise und Stipendien führten den Künstler und Lehrer an zahlreiche verschiedene Universitäten und Schulen, seine Arbeiten wurden international ausgestellt und befinden sich auch im Besitz von musealen Sammlungen. Seit vielen Jahren beschäftige ich mich intensiv mit der Zeichnung und anderen Ausdrucksformen in der Zeichnung. Im Hauptthema liegen vordergründig naturbezogene Motive, die aufgelöst werden von Phänomen der Freizeitkultur, wie z.B. von Samplings, Collagen und Logos aus Outdoor Reportagen. Meine Arbeiten auf Papier sind also nicht in der Natur, sondern nach der Natur entstanden. Aus einer Informationskultur heraus. Eine Ausnahme machen semi-dokumentarische Kurzfilme, die direkt vor Ort, also in der Natur entstehen. In weiterer Folge beschäftige ich mit den tektonischen Plattenverschiebungen, die auch in der Zeichnung und Collage, aber hauptsächlich in skulpturalen Objekten umgesetzt werden. Die Materialität dieser Objekte besteht aus Glas, Lack und Stahl. Ein weiterer künstlerischer Aspekt in meinem zeichnerischen Schaffen bildet der „Wetzelsdorfer Schreibraum“, ein Ort, ein Raum, in dem gezeichnet, dokumentiert und geschrieben wird. Die Texte zu „switch the nature“ und „die Reise zum Plabutsch“, die in einem demnächst erscheinenden Buch veröffentlicht werden, haben hier begonnen und nehmen ihren Verlauf, bis diese Fiktionen, die sich mit Landschaft im weitläufigsten Sinne beschäftigen, vollendet beschrieben werden. „Hat sich Klaus D. Zimmer zwischen 2015 bis 2017 thematisch primär mit dem Spannungsfeld von Natur und Freizeitkultur befasst und hier einen oft gestisch-expressiven Zeichenduktus mit dem Medium der Collage kombiniert, sind seine neuen Zeichnungen stärker dem stillen Beobachten und sensibilisierten Gestus der Naturerscheinungen gewidmet. ‚Bäume, die erzählen‘, sagt er etwa zu einer Reihe dieser mittelformatigen Papierarbeiten, zu denen auch seine mit Tree-somes überbetitelten Blätter zählen, deren pflanzliche ProtagonistInnen feminine oder maskuline Charaktere anzunehmen scheinen. Um seine anthropomorphen Natur- Beobachtungen zu verdeutlichen, gibt er diesen Zeichnungen Titel wie Achselhaarbaum, Women‘s Tree, Wimpernbaum, Wings, Mann-Baum, Frau-Baum, Baum frisst Baum oder auch „literarische“ wie etwa Die Hürde – ich habe noch nie mit einem Baum geschlafen. Klaus D. Zimmer erzählt Geschichten – in seinen Zeichnungen wie auch in seinen Texten. Fiktion, Realität und Fantasie liegen hier stets dicht beisammen, expressis verbis etwa in der mit Kugelschreiber beschriebenen und spiegelverkehrt montierten Collage Gezeichnete Wahrheiten sind gezeichnete Unwahrheiten aus dem Jahr 2018. Zugleich geraten hier und neuerdings die Skizze, die Gedankenskizze, oft nur lapidar gefertigt, manchmal aber auch mit offenkundiger Hingebung zum Gegenstand detaillierter ausgeführt, zum Hauptprodukt in Zimmers zeichnerischem Schaffen. Dem gegenüber beruhen seine skulpturalen Arbeiten oft auf historischen Recherchen. Die aus Beton und Aluminium gefertigten Fleur Skulpturen etwa gehen auf seine Beschäftigung mit der Entwicklung des Stahlbetons zurück. Um 1824 hatte der englische Maurer Joseph Aspdin ein neues Bindemittel aus gebranntem Ton und Kalk gefunden, das er Portlandzement nannte. Durch Mischen mit Sand und Wasser entstand daraus Beton, der aber nur für Fundamente geeignet war. Erst der französische Gärtner Joseph Monier goss um 1867 in Pflanzenkübel, die er als Verschalungsformen verwendete, Beton, die er mit Eisenstangen bestückte. So entstand der Eisenbeton (Stahlbeton), bei dem die abgehende Zugfestigkeit von Eisen (Stahl) übernommen wird. 2017 ersetzte Klaus Dieter Zimmer den Stahl durch Aluminium, nicht aber um aus dieser Materialkombination neuartige Trägerkonstruktionen zu bauen, sondern formal reduzierte Skulpturen, die mit seinen Zeichnungen hervorragend korrespondieren, wie dies seither schon mehrmals – etwa im Kunsthaus muerz – zu sehen war.“ (Lucas Gehrmann) * Julian Rosefeldt (* 1965 in München) ist ein deutscher Filmkünstler und Regisseuran der „Schnittstelle zwischen narrativem Film und komplexer Filminstallation“. Sie zeigt Cate Blanchett, die in 13 verschiedenen Rollen verschiedenste Manifeste vorträgt. Die Produktion mit einer Drehzeit von zwölf Tagen begann im Dezember 2014 in Berlin. Die Erstausstellung fand vom 9. Dezember 2015 bis zum 14. März 2016 im Australian Centre for the Moving Image statt.Manifesto vereint Zitate aus verschiedenen Künstlermanifesten unterschiedlichster Art aus unterschiedlichen Zeitabschnitten des 20. Jahrhunderts mit Gegenwartsszenarien. Die einzelnen Manifeste, wie z. B. Fluxus, Dada oder Dogma werden von 13 verschiedenen Figuren vorgestellt: Ein Obdachloser, eine Punkerin, eine Kranarbeiterin aus der Unterschicht in einer Müllhalde, eine Brokerin, eine Theaterchoreografin, eine Societylady bei ihrer Vernissagerede, eine Wissenschaftlerin, eine Witwe auf der Beerdigung, eine Oberschichtsmutter mit ihrer Familie beim Abendessen, eine Fernsehnachrichtensprecherin und gleichzeitig eine Reporterin, eine Puppenmacherin und eine Lehrerin (Dogma). Alle gesprochenen Monologe – die einzigen gesprochenen Worte – bestehen aus verschiedenen künstlerischen Manifesten, die in den letzten etwa 150 Jahren veröffentlicht wurden. Ob Schullehrer oder Obdachloser – die dreizehn von Blanchett verkörperten Figuren greifen Manifeste von Claes Oldenburg, Yvonne Rainer, Kasimir Malewitsch, André Breton, Elaine Sturtevant, Sol LeWitt und Jim Jarmusch auf.. Eine lineare Filmversion des Materials mit 94 Minuten hatte am 26. Januar 2017 auf dem Sundance Film Festival 2017 Premiere.

curator

Irmi Horn 
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posted 31. Jul 2020

EQUALLY NOT NOTHING. JOSEF DABERNIG

04. Jul 202019. Sep 2020
opening: 03. Jul 2020 06:30 pm
EQUALLY NOT NOTHING. JOSEF DABERNIG Eröffnung: 3. 7. 2020, 18.30 Uhr Zur Ausstellung spricht: David Komary Ausstellungsdauer: 04.07.2020 – 08.08.2020 und 03.09.2020 – 19.09.2020 Öffnungszeiten: Mi – Sa: 10.00 – 17.00 Uhr

curator

David Komary 
Galerie Stadtpark, Krems

GALERIE STADTPARK | Wichnerstraße
3500 Krems an der Donau

Austriashow map
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posted 30. Jul 2020

Ana Torfs. The Magician & the Surgeon

12. Mar 202001. Nov 2020
**12 March 2020 — 01 November 2020** Ana Torfs. The Magician & the Surgeon You can (re)discover the work of Ana Torfs again on both Thursday (10-14h) and Sunday afternoon (14-18h). Your visit is free and only possible by registering via the ticketing link. Twenty years after her first solo exhibition in Brussels, in the antechambers of the Centre for Fine Arts, the Belgian visual artist Ana Torfs is coming back with new works, including Sideshow. In this installation, a series of figures appear and disappear in an abstract decor with multi-coloured light. Figures without faces, such as a geisha, the invisible man, bird people and an illusionist with huge hands. In the images, filmed with stop-motion technique and featuring various performers, the artist's old predilections are portrayed: theatre, silent film, puppet theatre, butoh, circus, masquerade and cabaret. Ana Torfs (°1963) has lived and worked in Brussels for more than 30 years. She has had previous solo exhibitions, including at the Pori Art Museum, Finland (2017), the Calouste Gulbenkian Museum, Lisbon (2016), WIELS, Brussels (2014) and the K21-Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf (2010). She has also participated in major international group exhibitions such as Power of Language, Museum der Moderne, Salzburg (2018), Reading Cinema, Finding Words, Art after Marcel Broodthaers, National Museum of Modern Art, Tokyo (2014) and many biennials. She is currently preparing a solo exhibition in MUAC, Mexico City. ​​​​​​​

artist

Ana Torfs 
BOZAR Centre for Fine Arts, Brussels

BOZAR | 23 Ravensteinstraat
B-1000 Brussels

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posted 29. Jul 2020

Jack Whitten. Transitional Space

06. Jul 202031. Jul 2020
venue: Hauser & Wirth New York, 69th Street Jack Whitten. Transitional Space A Drawing Survey 06.07.2020 - 31.07.2020 In order to share a safe and positive experience, we ask that you book a timed reservation to visit this exhibition at Hauser & Wirth New York, 69th Street. Please visit our location page to plan your visit. Hauser & Wirth is pleased to present the first major survey of Jack Whitten’s works on paper, spanning the artist’s six decade career. Jack Whitten (1939 – 2018) made it his mission to disrupt the discipline of art history through experiments with material, process, and technique. He effectively constructed a bridge between gestural abstraction and process art, constantly working toward a nuanced language of painting that employs deeply personal expression. Whitten was also a prolific and powerful draughtsman. The unique body of works on view at Hauser & Wirth testifies to the immensity of his commitment to drawing as a means to make manifest his ideas and advance his methods. ‘Jack Whitten. Transitional Space. A Drawing Survey.’ spotlights the artist’s playfulness and improvisational skill in searching for his own special visual language. Paper was more than an effective medium for Whitten; for him, working on paper was akin to scientific research. With an aesthetic hypothesis in mind, he worked tirelessly on paper to both subvert and elevate the history of art and how best to represent the many layers of information packed inside his imagination. Drawing was an integral part of Whitten’s artistic and technical maturation. His analysis of the properties of different mediums engaged materials as diverse as watercolor, toner, cuttlefish ink, homemade walnut ink, and endless variety of Japanese and specialty papers. The trial-and-error of Whitten’s methodology can be felt through the multiple versions and renditions he created of particular works, many of which served as preliminary studies for subsequent paintings and monumental series.

artist

Jack Whitten 
Hauser & Wirth New York

32 East 69th Street
NY 10021 New York

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posted 28. Jul 2020

Cutoff. Tony Cragg – Tatsuo Miyajima – Bettina Pousttchi – William Tucker

26. Jun 202001. Aug 2020
Cutoff. Tony Cragg – Tatsuo Miyajima – Bettina Pousttchi – William Tucker 26 June – 01 August 2020 Die Buchmann Galerie freut sich die Ausstellung Cutoff anzukündigen. Der Begriff Cutoff wird im Englischen vielseitig verwendet und meint etwa den Punkt an dem etwas stoppt, kann aber auch für eine räumliche Beschreibung verwendet werden, wenn etwa von der Abkürzung eines Wegs gesprochen wird, um schneller an ein Ziel zu gelangen. In der Analytischen Chemie wiederum bezeichnet Cutoff einen Toleranzwert von Drogen und Medikamenten. Er legt fest, ab wann ein Testergebnis positiv bzw. negativ zu bewerten ist. Und dann meint der Begriff ganz einfach nur, dass etwas abgeschnitten wird. Interessanterweise können alle Bedeutungen auch auf die Bildhauerei übertragen werden und auf das bildhauerische und künstlerischen Schaffen. Wo liegt der Punkt, wo ein künstlerischer Prozess endet, wie kann ein künstlerischer Vorgang verdichtet oder verkürzt werden und wo wird einer Form etwas hinzugefügt, ausgelassen oder abgeschnitten. Die zwei Wandarbeiten, Cat's Cradle IV, 2020 und Porte VI, 2020, von William Tucker bestehen aus tiefen 6 cm breiten schwarzen Rillen die in die Wand geschnitten sind und ein negatives Relief ausbilden. Die Arbeiten beziehen sich auf Skulpturen aus den frühen 1970er Jahren, die Tucker aus Metallstäben geschweisst hat. Die Mural Engravings übersetzen wesentliche Aspekte dieser frühen Skulpturen in einer Art Schattenwurf auf die Wand als skulpturalen Negativraum. Als räumliches Gegenstück zu Tucker zeigt sich Bettina Pousttchi’s Wandrelief Framework. Ausgangspunkt der Arbeit sind Fotografien der Künstlerin von Fachwerkhäusern, die sie digital bearbeitet hat. Ähnlich einem 3D Print wurden die Fotodateien aus Ton geschnitten und in ein keramisches Modul übersetzt. Als ornamentale Komposition entsteht eine Dynamik im Raum zu der Chris Dercon im Gespräch mit der Künstlerin bemerkt: „Ich denke, dass Du viel weiter gehst und über das Ornament nicht nur als eine Form von Lebendigkeit, sondern auch als eine Form von Belebung nachdenkst.” (*) Framework verbindet die Architektursprache des europäischen Kulturraums mit der des Nahen Ostens. Dieser Verschränkung der Perspektiven liegt ein transnationaler Gedanke zugrunde, der zentral ist für das Werk der Künstlerin und auch in der aktuellen Ausstellung von Bettina Pousttchi in der Berlinischen Galerie (bis zum 17. August) zu sehen ist. Die serielle, nichthierarchische Anordnung beinahe identischer Module erinnert an Carl Andre oder Donald Judd, ruft zudem aber eine Vielzahl kultureller, historischer und autobiografischer Assoziationen hervor. Reich an Assoziationen ist auch die neue Wandarbeit von Tatsuo Miyajima, Counter Object - 000, eine riesige Ziffer aus farbigem Spiegelglas. Jeden Tag wird eine neue Ziffer nach dem Zufallsprinzip installiert. Der Spiegel ist hochsymbolisch. Er lässt uns erkennen, dass wir in der Erscheinung der Wirklichkeit nur uns selbst spiegeln. Wir sehen die Gesetze der Natur nur durch unsere aktuellen wissenschaftlichen Modelle. Miyajima führt uns die Begrenztheit dieses Systems vor Augen: es gibt nur 9 Ziffern, um eine unendlich große, nicht greifbare Wirklichkeit einzufangen. Was wir erkennen, ist nur ein kleiner zeitlicher Ausschnitt. Ausschnitt oder Schnitt ist auch bei der gelben Skulptur Parts of Life von Tony Cragg ein wesentlicher Kern der Arbeit. Sie gehört zu der zentralen Werkgruppe Early Forms, mit der sich der Künstler seit den späten 1980er Jahren immer wieder beschäftigt und stets weiter entwickelt. Aufgangspunkt ist die Verkettung unterschiedlicher Gefässformen. Das Ineinander von gewundenen und gedrehten Formen, von Rundungen, Wülsten und Einbuchtungen, versinnbildlicht das Wachstum von Lebensformen als Gestaltungsprinzip der Natur. Den ausgebuchteten Formen setzt Tony Cragg hier die radikale Klarheit der geometrischen Form entgegen, indem er die Skulptur zu einem Würfel beschneidet. Die so freigelegte Innenform erinnert nun plötzlich an Sedimentablagerungen in der Natur und schafft einen Bogen von den utilitären Gefässen zu einem mathematischen Verständnis der Natur. (*) Chris Dercon im Gespräch mit Bettina Pousttchi, in The City, Hg. Susanne Pfleger, Städtische Galerie Wolfsburg und Jeremy Strick, Nasher Sculpture Center Dallas, Ostfildern, 2015
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posted 27. Jul 2020

TOM SIMPSON "Well grubbed, Old Mole!"

26. Jun 202028. Aug 2020
opening: 26. Jun 2020 07:00 pm
SEITENGALERIE TOM SIMPSON "Well grubbed, Old Mole!" Opening Fr 26.06.2020 19 Uhr / 7 p.m.

artist

Tom Simpson 
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posted 26. Jul 2020

Pedro Reyes. Return to Sender

24. Jun 202015. Nov 2020
**24.06.2020 – 15.11.2020** Pedro Reyes. Return to Sender Waffen verkörpern die Herrschaft der Angst, Musik hingegen die Herrschaft des Vertrauens – beide beinhalten Kreativität und Technik, aber das eine ist dazu gedacht, andere zu unterdrücken, das andere ist eine Form der Befreiung. Diese skulpturalen Arbeiten sollen nicht nur Materie umwandeln, sie sollen auch eine psychologische Umwandlung zur Folge haben, und hoffentlich auch eine Umwandlung der Gesellschaft. Pedro Reyes in "Return to Sender" (2020) Pedro Reyes (geb. 1972, lebt und arbeitet in Mexiko-Stadt) verwendet in seinen Arbeiten Architektur, Skulptur, Video, Performance und Partizipation, um kollektive und individuelle Handlungsmacht in politischen, sozialen, ökologischen und pädagogischen Situationen zu befördern. Seine Projekte vollziehen sich im Spannungsfeld eines sozial geprägten Architekturverständnisses, der sinnlichen und symbolischen Dimension des Plastischen und einer dezidiert politischen Haltung, die radikal humanistisch und marxistisch ausgerichtet ist. So zeigte er zum Beispiel 2012 an der documenta 13 die Arbeit Sanatorium, einen Erste-Hilfe-Pavillon für Zivilisationskrankheiten wie Stress oder Angst, die auf spielerische, aber doch sozial verbindliche und verbindende Weise vielerlei Therapien basierend auf Schamanismus, Kognitionsforschung oder Beziehungsberatung anbot. Im Museum Tinguely war er bereits 2016 im Rahmen der Ausstellung «Prière de toucher – Der Tastsinn der Kunst» mit der Arbeit Cuerpomático II (2015) vertreten, einem Werkzeugkasten, der sinnliche Objekte der Berührung präsentierte. Kunst und Gesellschaft Ursprünglich als Architekt ausgebildet, betrieb Reyes von 1996 bis 2002 den Projektraum ‹Torre de los Vientos› in Mexiko-Stadt. Internationale Aufmerksamkeit erregte er mit dem Projekt Palas por Pistolas von 2007, für das er mit den lokalen Behörden von Culiacán, Mexiko, zusammenarbeitete, um Waffen aus der Bevölkerung gegen Coupons für Haushalts- und Elektroartikel einzutauschen. Die Waffen wurden eingeschmolzen und zu 1’527 Schaufeln gegossen, um damit eine gleiche Anzahl von Bäumen zu pflanzen. Diese Aktionen wurden seither sowohl im lokalen Umfeld als auch mit internationalen Kulturinstitutionen weitergeführt. Im Zusammenhang mit Reyes Ausstellung «Return to Sender» im Museum Tinguely findet dieses Projekt mit der Neupflanzung eines Kastanienbaumes direkt vor dem Museumseingang eine Fortsetzung. Die Einladung an Reyes, ein neues Werk für das Museum Tinguely zu konzipieren, knüpft an einer vorangegangenen Arbeit von 2012 an. Für die Werkgruppe Disarm konnte der Künstler 6’700 im mexikanischen Drogenkrieg konfiszierte Waffen verwenden und sie zu Musikinstrumenten transformieren. In einer ersten Version (Disarm) schuf er Instrumente, die von befreundeten Musikern und Musikerinnen live bespielt werden konnten. Darauf folgte die Konzeption eines mehrteiligen Waffen-Instrumenten-Ensembles Disarm (Mechanized) I, 2012-13 / II, 2014), das mechanisiert und automatisiert perkussive Musikstücke spielt. Beide Projekte, Palas por Pistolas und Disarm, entstanden aus der spezifischen Situation des mexikanischen Drogenkrieges heraus. Die Kommerzialisierung und Verbreitung von Waffen ist allerdings ein weltweites Problem, das Reyes mit den neuen Arbeiten Disarm Music Box (2020) in den Fokus nimmt. Damit kritisiert er aus einer pazifistischen Perspektive die stets weitergehende Akkumulation von Waffen in der Welt. In dieser neu geschaffenen Werkgruppe werden Waffen von spezifischen Herstellern – es gibt sie fast in jedem Land der Welt – erworben und anschliessend zerstört, um aus ihren Läufen Klangkörper zu schaffen, die in neu kreierten Musikspieldosen eingesetzt werden. Sie spielen bekannte, klassische Musikstücke aus den Herkunftsländern der Fabrikanten. Mozarts Komposition erklingt in einer Spieldose mit Waffenteilen von Glock-Pistolen, Vivaldi mit Beretta-Läufen und für den Schweizer Liedermacher Mani Matter hat Reyes Karabiner gewählt. Ihm geht es darum, ein ‹Upcycling› zu betreiben – ein Instrument des Todes zu einem Musikinstrument zu transformieren, das für Dialog und Austausch steht. Er unternimmt diesen Transformationsprozess mit der Überzeugung, dass der physische Akt immer auch von einem ideellen begleitet ist, und appelliert an die spirituelle Dimension dieser quasi-alchemistischen Operation hin zum Guten.

artist

Pedro Reyes 
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posted 25. Jul 2020

Infantia (1894-7231). Fabien Giraud & Raphaël Siboni

21. Feb 202027. Sep 2020
opening: 20. Feb 2020 06:30 pm
**21.02.2020 - 27.09.2020** Infantia (1894-7231). Fabien Giraud & Raphaël Siboni (21.02.2020 - 03.05.2020) opening: Thursday 20 February 2020 | 18:30 - 21:00 Fabien Giraud and Raphaël Siboni create a multifaceted work in which films, performances and sculptures present alternative hypothesis of our past and future as so many possibilities for transforming us in the present. Following The Unmanned, a series of 8 films retracing a history of computation in reverse, the artists have been working since 2018 on a second cycle called The Everted Capital. This new project, conceived as a performative speculation on the future of value, attempts to produce, through each episode and via the protocols that they unfold, an alternative fiction to that of capital. Infantia is the exhibition of a birth. Before becoming a museum, the IAC was a school. The school becomes a child. Within this child’s body, there is: a sunset at midday, immortal communists sleeping under a rain of salt, death as atavism, Lydian kings and money. There is also: a 3000 year hostage crisis, a dismantling earth, a night without stars, an uprooted tree, Richard Nixon and the void. Within this museum-child, each thing, each object, is the trace of an exchange, the remains of a fiction of value. It contains them all but cannot be reduced to any of them. Although everything within the child can be exchanged, it can be exchanged for nothing. If, later it grows, its infancy will not be a “before”, this age that we grown-ups have lost: not the invaluable value of infancy, that time before exchange and accounts; but the infancy of value itself. At the IAC, Infantia (1894-7231) gathers for the first time the prologue of The Everted Capital, as well as the two first episodes. Each of these movies, of an approximate duration of 24h filmed in real time, show bodies affected by a repeated fiction and its progressive mutation under the effect of time and the inevitable tiredness of its protagonists. For the exhibition, the protocols in place in the movies are reproduced into the space. The objects that come out of it, as fictions waste, form the child’s body. An articulated body, in movement, through which the visitor goes, affected in turn by the fiction and the hypothesis of another world that it carries. The exhibition is realized in collaboration with Okayama Art Summit 2019 and the Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain.
Institut d´art contemporain / Frac Rhône-Alpes, Villeurbanne

Frac Rhône-Alpes | 11, rue Docteur Dolard
69605 Villeurbanne

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posted 24. Jul 2020

Gilbert & George, Images of utopia

20. Jun 202016. Nov 2020
**20.06.2020 - 16.11.2020** Gilbert & George, Images of utopia (11.04.2020 - 31.08.2020) "We know we cannot achieve utopia, but we try every day." Gilbert & George In the spring of 2020, the Fernand Léger national Museum offers visitors a total immersion in two spectacular 20th century works. In a visually striking contemporary echo, the plastic power of the painting Les Constructeurs, painted by Fernand Léger in 1950, meets the complexity of the monumental triptych, CLASS WAR, MILITANT, GATEWAY, created in 1986 by the British artist couple Gilbert & George (born in 1943 and 1942 respectively). Inventors of an artistic language combining the seriousness of the subject matter and the exuberant freedom of the images, in the extension of Pop Art, Gilbert & George are part of the continuity of the painted work of the master of the avant-garde: their wonder at the daily spectacle of the city, their political commitment which leads them to transcribe the transformations of society, their evolution towards an increasingly assertive monumentality, and their conviction of the need for art for all are as many common points that unite these artists across the generations. The symbolic force and epic breath that runs through their works testify to their activism and their hope for the future, and give their images a universal dimension. The work CLASS WAR, MILITANT, GATEWAY is on loan from the Louis Vuitton Foundation, Paris, an exceptional partner of this exhibition. Curators Anne Dopffer, Heritage curator, Head of the national Museums of 20th century of the Alpes-Maritimes Julie Guttierez, Heritage curator of Fernand Léger national Museum
Musée National Fernand Léger, Biot

MUSÉE NATIONAL FERNAND LÉGER | 255 Chemin du Val de Pôme
F-06410 Biot

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posted 23. Jul 2020

199

27. Jun 202001. Nov 2020
DESTE Foundation Project Space, Slaughterhouse, Hydra **Due to the Covid-19 social distancing regulations, there will be no opening event** * **199** 27.06.2020 - 01.11.2020 The DESTE Foundation, as a gesture in response to the 200th commemoration of the Greek War of Independence, has decided to celebrate the 199th anniversary by commissioning Greek artist Kostis Velonis to conceive an immersive presentation of ten funerary masks of fighters of 1821 from the collection of the National Historical Museum of Athens. The exhibition will be on view in the old Hydra Slaughterhouse starting June 27 and through November 1, 2020. Conceived as an intense visual and corporeal experience, 199 is an emblematic memento mori. The exhibition is based on juxtapositions and unexpected associations of this special historical material in the setting of the old slaughterhouse and the distinctive topography of Hydra. Steering clear of the traits of a strictly celebratory exhibition or the conventional and moralistic approaches and ideological constructs around the subject, the artist invites viewers to re-examine their relation to the historic event and restore the role of art and artists in the social and cultural processes as well as in the re-evaluation of historical research. If the year 1821 marks the start of modernity for Greece and its induction into the Age of Enlightenment and its contradictions, 199 explores some of the consequences and implications of this prospect, the contemporary significance of artistic representation, the allegories and memory of the bodies, as well as the questions and emotional turmoil triggered by such an historical event. In this way, the exhibition repositions the relations between the body and history, between inner experience and collective self-knowledge, identity, and alterity, reality and imagination as well as between man and animals. As Kostis Velonis states, "the mourning of Cyparissus –whom Apollo turned into the evergreen cypress tree out of pity when Cyparissus was devastated by the loss of his beloved stag– is equated here with the loss of hundreds of animals in the Slaughterhouse and the sacrifices of fighters in the Greek War of Independence". And he continues: "The phantom that hovers over a rebellious Greece seems to set off from Pontikonissi, Kerkyra, which is almost the archetype for Die Toteninsel, the 1880 painting of Arnold Böcklin. The famous picture of the islet at sunset contributes to this peculiar time machine, travelling to arid Hydra and bringing some lush vegetation into the Slaughterhouse. This temporary sojourn brings together such contrasting concepts as the accessible and the inaccessible, the endless and the finite, the perishable and the eternal, paying tribute to the spectres that seek their new place." * PLACE DESTE Foundation Project Space, Slaughterhouse, Hydra DATES 27.6.2020 - 1.11.2020 HOURS Daily 11:00–13:00 & 19:00–22:00 Tuesday Closed
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posted 22. Jul 2020

DANIEL KNORR. WE MAKE IT HAPPEN

27. Jun 202020. Sep 2020
DANIEL KNORR. WE MAKE IT HAPPEN 27. Juni bis 20. September 2020 die Ereignisse der letzten Monate haben unseren Alltag verändert und uns alle vor neue Herausforderungen gestellt, mit denen Künstlerinnen und Künstler jedoch immer schon umgehen: Sie agieren seit jeher im Unwägbaren und Unbekannten und betreten Dank ihres Erfindungsgeistes immer wieder Neuland. So zählt auch Daniel Knorr (1968, Bukarest) zu den innovativsten Konzeptkünstlern seiner Generation. Seine ortsspezifischen Installationen sorgten in der Vergangenheit für viel Aufsehen: Er ließ anlässlich der documenta 14 weißen Rauch aus dem Zwehrenturm über Kassel aufsteigen und löste 2005 mit einem leeren Pavillon (European Influenza), mit dem er sein Heimatland Rumänien bei der 51. Biennale in Venedig vertrat, eine politische Debatte aus. Aus heutiger Sicht erscheint der "politisch infektiöse" Biennale Pavillon-Beitrag von damals wie eine subtile Vorahnung der heutigen Corona-Pandemie. Über diese spannenden Projekte im öffentlichen Raum hinaus hat der heute in Berlin und Hongkong lebende Künstler seit den 1990er Jahren ein vielseitiges Œuvre geschaffen, das neben Fotografie und installativ-skulpturalen Arbeiten auch Performances und partizipatorische Aktionskunst umfasst. Daniel Knorrs Werke waren in den letzten Jahrzehnten auf den wichtigsten Ausstellungen, Kunstmessen und im öffentlichen Raum zu sehen. Umso erstaunlicher ist es, dass bislang ein Blick auf das Gesamtwerk fehlt. So ist die Ausstellung in der Kunsthalle Tübingen die erste institutionelle Schau des Künstlers in Deutschland.

artist

Daniel Knorr 
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posted 21. Jul 2020

NEON DELIGHT

14. Mar 202029. Nov 2020
**14. März – 29. November 2020** NEON DELIGHT (14.03.2020 - 16.08.2020) Tracey Emin (GB) | Jeppe Hein (DK) | Brigitte Kowanz (AT) | Mario Merz (IT) | François Morellet (FR) | Jan van Munster (NL) | Maurizio Nannucci (IT) | Bruce Nauman (US) | Bruno Peinado (FR)| Anselm Reyle (DE) | Bernardi Roig (ES) | Keith Sonnier (US) | Olivia Steele (US) | Giny Vos (NL) Mit NEON DELIGHT widmet das Zentrum für Internationale Lichtkunst Unna eine Ausstellung dem Material, das in der Lichtkunst am meisten Verwendung findet und versammelt die bekanntesten internationalen Künstlerinnen und Künstler der neonbasierten Lichtkunst in seinen einzigartigen, unterirdischen, roh belassenen Räumlichkeiten. Mit Arbeiten aus den 1960er Jahren bis in die Gegenwart wird ein repräsentativer Überblick über Neon in der Lichtkunst gezeigt. Die Arbeit „Never Move Far From Color“ (2017/18) von Maurizio Nannucci zeigt: Neonkunst ist oftmals Sprachkunst. Ist Text, ist Schrift, ist Gestaltung. Tracey Emin lässt uns in gelber Neonschreibschrift wissen: „You Never Should have Loved Me The way you did“ (2014). Neonkunst ist Poesie, erzählt Persönliches – geht nah. Auch Jeppe Heins Arbeit „Who Am I Why Am I Where Am I Going” (2017) spricht die Betrachter und Betrachterinnen direkt an. Das Werk „It Is Both A Blessing And A Curse To Feel Everything So Very Deeply” (2016) von Olivia Steele stellt dagegen keine Fragen, sondern setzt alleine auf die Kraft und den Gegensatz von nur zwei Worten: „blessing“ und „curse“. Doch Neonkunst ist auch geometrische Abstraktion ganz ohne Worte, ist Kunst von oftmals großer Fragilität. François Morellet, Keith Sonnier oder auch Anselm Reyle sind Künstler der Ausstellung, die geometrisch-abstrakte, konkrete Neonkunst geschaffen haben – auf teilweise überaus komplexe, raumgreifende Art und Weise. Manche Arbeiten mit ihren immateriellen, in verschiedenen Farben schimmernden Lichtquellen sind äußerst subtil, wie jene von Brigitte Kowanz oder Bruce Nauman zeigen. Naumans Werk „The True Artist Helps the World by Revealing Mystic Truths“ (1967) verweist auf die immaterielle, mystische Kraft des Lichts und die Rolle des Künslters. Weitere Künstlerinnen und Künstler der Schau sind Bruno Peinado, Giny Vos, Jan van Munster, Bernardi Roig und Mario Merz. Neonröhren und Neonlicht faszinieren Künstlerinnen und Künstler, aber auch das Publikum seit vielen Jahren. Es ist die sinnliche, blendende Strahlkraft, die intensive Signalwirkung der Neonkunst, die sie so anziehend macht. Auch die Nähe zur Sphäre des Technischen, des Künstlichen, zur Warenwelt, zu Pop und Werbung. Physik und Metaphysik kommen sich in der Kunst selten so nah. Zuerst aber hatten die mit Neongas gefüllten Glasröhren reinen Signalcharakter und dienten seit Anfang des 20. Jahrhunderts in den nächtlichen Städten zu Werbezwecken; sie illuminierten Paris, New York, Berlin oder Las Vegas. Schon Ende des 19. Jahrhunderts hatte man jenes Gas entdeckt, das elektrisch aufgeladen zu dem Effekt führte, den wir als Neonlicht kennen. Vor allem seit den 1960er Jahren ist Neon auch ein Thema der Bildenden Kunst. Die Produktion solcher Kunstwerke hat sich seitdem nicht verändert: Auch heute noch wird jede Röhre individuell von einem Glasbläser geblasen und mit dem Gas gefüllt. Realisiert wurde die Ausstellung in enger Zusammenarbeit mit: Kröller-Müller Museum, Otterlo | Sammlung Froehlich, Stuttgart | Picasso Museum, Málaga & Kunsthalle Bremen | Studio Bruce Nauman, Galisteo, New Mexico, USA | Galleria Fumagalli, Mailand | White Cube LTD, London | Galerie Nikolaus Ruzicska, Salzburg | Studio Kowanz, Wien | MAM Mario Mauroner Contemporary Art, Wien | Studio Olivia Steele, Berlin | Studio Anselm Reyle, Berlin | Studio Jeppe Hein, Berlin | RHC Eindhoven, Sammlung Kunstlicht in de Kunst
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posted 20. Jul 2020

BARBARA BLOOM - 
Works on Paper, on Paper

07. Mar 202001. Aug 2020
opening: 07. Mar 2020 06:00 pm
**07.03.2020 - 01.08.2020** BARBARA BLOOM
Works on Paper, on Paper Works on Paper, on Paper ist die zweite Ausstellung von Barbara Bloom bei Capitain Petzel. Sie gliedert sich in die beiden Werkgruppen Stand-Ins im Hauptgalerieraum und Objects of Desire auf der Rückseite der dort eingezogenen Trennwand. Blooms Stand-Ins bilden eine seit den 1980er Jahren fortlaufende Serie der Künstlerin. In Works on Paper, on Paper präsentiert sie daraus zwei historische Werke – „Marriage on the Rocks“ von 1986 und „Homage to Jean Seberg“ von 1981 – sowie vier neue Arbeiten. Jedes Stand-In besteht aus einem ausgerollten Bogen nahtlosen Foto-Hintergrundpapiers, auf das ein Möbelstück und Requisiten platziert wurden: Bücher, offene Magazine, Zeitungen, Kleidungsstücke oder ein gerahmtes Bild. Die Inszenierungen bewegen sich zwischen Skulptur, Bühnenbild und einem Setting, das einer Detektivarbeit zu dienen scheint. In der Fotografie wird Hintergrundpapier benutzt, um das, was davor platziert wird, so zu rahmen, dass Modell und Requisiten in homogener Umgebung abgelichtet werden können. Der Sinn dieses Farbfeldrahmens besteht darin, die Objekte von der realen Welt zu trennen, sie kontext- und raumlos zu machen. Auch in Blooms Arbeiten fungiert der Hintergrund als Rahmen, doch gibt es weder einen Fotografen, noch werden Bilder gemacht. Zu sehen ist nur der Aufbau, eine Szenerie, die impliziert, dass ein Ereignis gerade stattgefunden hat oder noch stattfinden wird. Wenngleich sich die Gegenstände physisch vor den Betrachtenden befinden, existieren sie nicht in der Jetztzeit; durch ihre Platzierung in einem neutralisierenden Farbrahmen werden sie zeitlos. In Blooms Werk spielt die Hommage an eine Person oder einen Ort seit Jahren eine herausragende Rolle. Sie hat sich vielfach mit unterschiedlichen Formen von Gedenken und Würdigung befasst und reflektiert, wie die Anwesenheit einer abwesenden Person oder eines vergangenen Ereignisses erfahrbar gemacht werden kann. Mit ihren Stand-Ins nähert sich Bloom dem Thema des Porträts an, ohne dass die Arbeiten selbst tatsächlich Porträts sind. Stattdessen fungieren bei den Stand-Ins die Möbelstücke und Requisiten als metonymische Übersetzer: Gegenstände, die stellvertretend für eine Person stehen oder verwendet werden können. Auf der Rückseite der dort eingezogenen Trennwand präsentiert Bloom ihre neue Serie Objects of Desire. Dabei geht sie von der Vorstellung begehrter Memorabilia aus und reflektiert, was ihnen ihren Reiz und die Fähigkeit verleiht, als Bedeutungsträger zu fungieren. Was wäre, wenn wir Objekte nicht aufgrund ihrer ästhetischen, symbolischen oder metaphorischen Qualitäten auswählen würden, sondern als Vermittler zwischen Menschen? Vielleicht sollten wir Gegenstände – wie der Anthropologe Alfred Gell es beschrieben hat – als Botschafter ansehen. Bloom stellt eine Reihe von Objekten vor, die im Laufe der Jahre, wie sie sagt, „in mich eingedrungen sind“. Bei diesen handelt es sich nicht um die Originalobjekte; sie besitzen daher nicht die Aura derjenigen Gegenstände, die in der Vergangenheit von der Hand ihrer berühmten Besitzer berührt wurden. Es sind Faksimiles von Objekten, die im Laufe ihres Lebens für Bloom an Bedeutung gewonnen haben. Ihre Nachbildungen werden jeweils auf individuell gefertigten Trägern präsentiert, die ihrerseits Auskunft über die Interaktion des ursprünglichen Besitzers mit dem jeweiligen Objekt geben. Bloom wurde 1951 in Los Angeles geboren und schloss 1972 ihr Studium am California Institute of the Arts ab. Sie lebt und arbeitet in New York City. Ende 2020 wird Bloom eine Ausstellung in der Kunsthal Aarhus haben und 2022 auf Initiative von Hans Ulrich Obrist eine Auftragsarbeit für The Shed in New York realisieren. Ihre Arbeiten befinden sich in Sammlungen weltweit, unter anderem in der Dutch National Collection, The Hague; International Center of Photography, New York; MAK Museum of Applied Arts, Vienna; Musée Cantini, Marseille; Museum of Contemporary Art, Los Angeles; Museum of Modern Art, New York; Stedelijk Museum, Amsterdam; The Art Institute of Chicago; The New School, New York und Yokohama Museum of Art, Yokohama.

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Barbara Bloom 
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posted 19. Jul 2020

JEREMY SHAW - PHASE SHIFTING INDEX

26. Feb 202027. Jul 2020
**EXTENDED UNTIL 27 JULY 2020** JEREMY SHAW - PHASE SHIFTING INDEX (26 FEBRUARY - 20 APRIL 2020) Phase Shifting Index is a 7-channel video, sound and light installation that uses science fiction, documentary, VFX and synchronization to complicate narrative temporality. The over-arching story is structured as a revisionary look from a distant point in the future at a familiar past in which human beliefs and survival are at stake. Each film documents the embodied, choreographic practices of one of seven different subcultural groups across time who are forerunners of a humanity that has recognized the existence of parallel realities. Through the use of synchronized media, the artwork aims toward a climactic rupture as a point of social alignment. The work is a continuation of Shaw’s interest in exploring belief by conflating analysis and experience, critical reflection and active participation in both knowledge and cultural production. THE EXHIBITION WILL BE TRAVELLING ON TO THE SWISS INSTITUTE, NEW YORK AND MONA - MUSEUM OF OLD AND NEW ART, HOBART, TASMANIA

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Jeremy Shaw 
Centre Pompidou, Paris

MUSÉE NATIONAL D'ART MODERNE - CENTRE GEORGE POMPIDOU | Place Georges-Pompidou
F-75004 Paris

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posted 18. Jul 2020

JOHANNES WOHNSEIFER. B- B- BILDER

14. Mar 202015. Aug 2020
**through August 15, 2020** JOHANNES WOHNSEIFER B- B- BILDER The cool smile of an icon whose frontal portrait does not seem tangible. The seductive gaze of a significant pair of eyes, whose recognizability can undoubtedly be located in the pop culture and cultural history of the 20th and 21st centuries. The adult face of a woman in half profile as a representative of pride and strength. Opposite it, half the reflection of her face full of grace and dignity. And the wistful facial expression of a distant heroine, who is synonymous with a new form of female self-confidence as a symbol of a contemporary, surreal beauty. Johannes Wohnseifer’s pictures of the American musical star Beyoncé, shown on five different RAL wall paints, reflect all these facets, and at the same time illustrate the construct of a public identity, the true nature of which cannot be grasped behind the multilayered masks of a figure created over decades. A truly hyperrealistic picture that only shows the perceptibility of its iconic subject in fragments—as in the stuttering of the significant exhibition title B-B-Bilder. Only visible in their entirety from a distance through the perforation of the aluminum grids, the five equally sized prints on PVC banners shown in Johannes Wohnseifer’s second solo exhibition at Galerie Linn Lühn obscure the direct view of her face from close up. Mysterious and distant, like the image of a modern sphinx, her physical features recede and hide behind the mask of the painted metal elements, like a coarsening filter whose inverted picture puzzle is diametrically related to the tendencies of visual smoothing and image refinement on social media. As photographs that both name and question the subject of the media representation of a mainstream figure that shifts between cliché, symbol, and icon by taking it from the star’s Instagram profile, Wohnseifer’s works return to the subject of an earlier series of Beyoncé Paintings that he began between 2007 and 2008. Based on professional images for promotional purposes, in which the shaping of a star’s image represented and received by the media is determined primarily by external influences, Wohnseifer’s new works now examine the sustainability and visual significance of their iconic image. A figure whose image now moves between emancipated self-representation, feminist empowerment, and political emancipation as well as the controlled staging of its own (brand) identity through its omnipresence in social media. An image that we never look at in its entirety, despite its media oversaturation and constantly growing relevance, and that remains a surface. That eludes us, despite the strategy of appropriation chosen by Wohnseifer, even though we seem to be closer to it than ever through the mediation and intimate reach of media such as Instagram. Bearing the visual aura of a partly complementary contrast system of the color spectrum of historical Porsche paints, Johannes Wohnseifer’s manipulations between selfie and artistic portrait also form the connection of a monochrome abstract support with a figurative element. A template—see-through due to its perforation—on whose conceptual level original and cliché meet in the same way as icon and symbol. As artistic means, they are visual insignia represented by colors that outwardly describe the perception of a luxurious object as well as the formal means of industrial painting. The latter takes on an equal compositional role in Wohnseifer’s works across from the photographs, while situating its production process on the perforated plates in an asrea of the surface whose structures can also be found mirrored in the architecture of media representation. Auratic and unapproachable like the images on which they are based, they too become an independent picture, behind whose glowing grid patterns the silhouette of an icon always encodes itself anew. Philipp Fernandes do Brito
LINN LÜHN Düsseldorf

LINN LÜHN | Birkenstraße 43
40233 Dusseldorf

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