daily recommended exhibitions

posted 18. Nov 2018

Metahaven - EARTH

06. Oct 201824. Feb 2019
The Stedelijk Museum Amsterdam is pleased to announce the first large-scale museum survey of Metahaven, bringing together the collective’s new moving image work with their renowned design practice. As Metahaven, Vinca Kruk and Daniel van der Velden have achieved international acclaim for their work spanning the genres of visual art, design, and film. This exhibition features the premiere of Eurasia (Questions on Happiness) (2018), a film installation jointly commissioned by the Stedelijk Museum Amsterdam and the Institute of Contemporary Arts, London (ICA), which will be simultaneously shown at both locations. Karen Archey, Curator of Contemporary Art, Time-based Media, and curator of the exhibition: “We are pleased to collaborate with the Institute of Contemporary Arts, London on complementary exhibitions of the Dutch collective Metahaven. With the co-commissioning of the new film Eurasia, this collaboration places Metahaven on a much-deserved international podium, and brings together the two institutions’ strengths examining art and digital culture.” Richard Birkett, ICA Chief Curator: “The Institute of Contemporary Arts and the Stedelijk Museum Amsterdam share a deep commitment to the support of challenging work by contemporary artists, thinkers, filmmakers and performers. Working together to make possible Metahaven's ambitious new work Eurasia, alongside parallel exhibitions at both institutions, has provided the perfect forum for cementing these connections, and for amplifying Metahaven's vital poetic inquiries into present-day conditions.” Four galleries at the Stedelijk Museum are dedicated to the large-scale, immersive video installations that Metahaven has been creating since 2015 and that have never been shown before in the Netherlands. A fifth gallery centers around Metahaven’s music videos, textile and print works. Eurasia (Questions on Happiness) Shot in the Ural Mountains and Macedonia, Eurasia (Questions on Happiness) combines animation and documentary analysis with aspects of science fiction, poetry, and folk tale. Eurasia begins where its predecessor, Metahaven’s 2015 film The Sprawl (Propaganda About Propaganda), left off, and finds itself along the New Silk Road which links the technological infrastructures of Asia and Europe. Traversing through abstract plains and ecological disaster zones, the film focuses on historical time running at different, incompatible rates, across vast territories that are collapsed into singular media spaces. About Metahaven Metahaven’s work encompasses the practices of filmmaking, writing, design, and installation, and is united conceptually by interests in poetry, storytelling, digital superstructures, and propaganda. Their moving image works manifest as immersive installations, and share an aesthetic logic with the collective’s design work in an attention to surface, texture, and the intelligent simplification of complex logics and visual forms. Their work is frequently exhibited and published throughout the world. Publication The monographic print publication PSYOP, collaboratively edited with exhibition curator Karen Archey and designed by Metahaven, is published on the occasion of the exhibition. Taking the form of a large zine, the publication contains essays on Metahaven’s work as well as a series of conversations with leading voices in diverse fields such as music, poetry, art, film, and fashion. Contributors include writers Ana Teixeira Pinto, Malka Older and Suhail Malik, musicians Holly Herndon, Mathew Dryhurst, and M.E.S.H., artist Maryam Monalisa Gharavi, poet Eugene Ostashevsky, fashion designer Yulia Yefimtchuk, and many others.

artist

Metahaven 

curator

Karen Archey 
Stedelijk Museum, Amsterdam °

Museumplein 10
NL-1071 DJ Amsterdam

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posted 17. Nov 2018

Charles White: A Retrospective

07. Oct 201813. Jan 2019
**venue:** Floor Three, The Edward Steichen Galleries The Museum of Modern Art’s Charles White: A Retrospective, on view from October 7, 2018, through January 13, 2019, is the first major exhibition dedicated to Charles White (1918–1979) in over three decades. Organized chronologically, the retrospective charts the entirety of White’s career, illuminating his socially motivated responses to the tumultuous events and cultural episodes that defined 20th-century American history. The exhibition’s roughly 100 drawings, paintings, and prints, along with additional ephemera, attest to White’s continually developing body of work, and serve as a model for the active role art can play in contemporary society. Charles White: A Retrospective is organized by Esther Adler, Associate Curator, Department of Drawings and Prints, MoMA; and Sarah Kelly Oehler, Field-McCormick Chair and Curator of American Art, Art Institute of Chicago. The exhibition was on view at the Art Institute of Chicago from June 8 through September 3, 2018, and following its MoMA presentation it will travel to the Los Angeles County Museum of Art (LACMA), where it will be on view from February 17 through June 9, 2019. The exhibition includes representative work from the three artistic centers in which White lived, created, and taught throughout his life: Chicago, New York, and Los Angeles. It begins with early paintings and murals White made for the Works Progress Administration (WPA) in Depression-era Chicago, where he grew up. Shortly thereafter, between 1942 and 1956, White lived mainly in New York City, teaching drawing, exhibiting at the progressive ACA Gallery on 57th Street, and supporting the Committee for the Negro in the Arts in Harlem. A selection of White’s personal photographs, also on view in the exhibition, capture his life in New York, while the inclusion of his work for album covers, publications, film, and television emphasize his dedication to more accessible distribution outlets for his art. The presentation concludes with the inventive output from his last decades as an internationally established figure and influential teacher in Los Angeles during the 1960s and ’70s. A number of rarely exhibited key works from across White’s oeuvre are gathered for the first time, and are included exclusively in MoMA’s presentation of the exhibition. White’s first mural, Five Great American Negroes (1939), and the tour-du-force drawing Native Son No. 2 (1942) are on loan from the Howard University Gallery of Art in Washington, DC. Howard President Dr. Wayne A. I. Frederick said of the historic loan, “The Howard University Gallery of Art is honored to loan two significant Charles White works from our collection to The Museum of Modern Art. Mr. White left an indelible mark on Howard University, having served as an artist-in-residence in 1945 and as a distinguished professor in 1978. The two pieces that will be on display demonstrate his ability to capture the mood of a generation.” Two other seldom-seen masterpieces, Mahalia (1955) and Folksinger (Voice of Jericho: Portrait of Harry Belafonte) (1957), are on loan from the collection of Pamela and Harry Belafonte—the latter of whom was a close friend and collaborator of White’s. Chicago and the War Years By the time Charles White graduated from the School of the Art Institute of Chicago in 1938, he was already an active member of a multidisciplinary community of artists practicing on Chicago’s South Side. He began making paintings for the WPA Federal Art Project, a massive government relief measure that hired artists across all media, and helped found the South Side Community Art Center (SSCAC), a WPA-sponsored art center that provided formal art education and exhibition space for artists who were denied gallery representation elsewhere. White’s first mural, Five Great American Negroes, was created as part of a fundraiser for the SSCAC. A tableau of African American history, it depicts activist Sojourner Truth, educator Booker T. Washington, abolitionist Frederick Douglass, scientist George Washington Carver, and musician Marian Anderson. The mural, intended for public display, also integrated public opinion in its composition: the five central figures were selected by the readers of the Chicago Defender, a major African American newspaper. White painted three other murals during the War Years; these large-scale, widely accessible paintings allowed his celebration of African American contributions to society, as well as his condemnation of the violence and oppression they faced, to reach broad and integrated audiences. The medium perfectly suited his lifelong goal of combatting what he referred to as “a plague of distortions, stereotyped and superficial caricatures of ‘uncles,’ ‘mammies,’ and ‘pickaninnies’” in popular visual culture. In Chicago, White’s circle of friends included visual artists, writers, and poets, all of whom shared a devotion to improving the lives of African Americans in the city. Their work provided ample source material for his earliest paintings and drawings, rendered in an expressive figurative style. For example, in Native Son No. 2 White envisioned the main character of his friend Richard Wright’s seminal novel of the same title. Politics and People White’s layered political statements of the 1940s and ’50s reflect on the intersectional discrimination against African Americans, women, laborers, and political radicals. During this time, he was commissioned by leftist and Marxist journals like the Daily Worker and New Masses (later Masses & Mainstream), where White was an editor, to illustrate current events; in his independent artistic practice he continued to link African American historical figures with contemporary political and social causes. Images such as Our Land (1951), which highlights the essential cultural and economic role African American women play in the United States, became vehicles for his pro-labor stance. In keeping with his commitment to making his work available to the largest possible audience, White contributed to many commercial and popular entertainment projects, including book illustrations, album covers, and commissions for television and film. In the 1950s, he produced drawings for Vanguard Records’ Jazz Showcase series album covers, and in 1965 was nominated for a Grammy Award for “Best Album Cover, Graphic Arts.” White was also a prolific photographer, and the photographs on view in the exhibition illustrate his life in New York, including images of family, friends, and fellow artists; documentation of political activism; and snapshots of his students at the New York Workshop School of Advertising and Editorial Art; among other subjects. While White did not consider his photographs part of his formal art practice, and they were never exhibited during his lifetime, many of them became visual references and source material for future drawings, paintings, and prints. Music and Meaning Music, always an integral part of White’s life, grew increasingly central to his work in the 1950s. Throughout the decade, he took influential musicians as his subjects, creating canonical portraits of figures like Harry Belafonte, Mahalia Jackson, Paul Robeson, and Bessie Smith. Folksinger (Voice of Jericho: Portrait of Harry Belafonte) is one such example, depicting White’s collaborator and close friend during his time in New York. This drawing featured prominently in the 1959 television special Tonight with Belafonte, which also included White’s drawings in between changing musical acts. Powerful images from the 1960s exemplify White’s continued political activism and interest in social justice. The exhibition includes four drawings from the J’Accuse series—a group of 12 drawings executed between 1965 and 1966 that White retitled with this single moniker just before an exhibition at Heritage Gallery in Los Angeles. The new titles refer to French writer Émile Zola’s infamous indictment of his government’s anti-Semitism and political persecution; White’s adoption of the term applied this universal excoriation of injustice in contemporary race relations and the ongoing fight for civil rights. White began to teach at Otis Art Institute in Los Angeles in 1965, mentoring students such as Kerry James Marshall, David Hammons, and many others. In the last decade of his career, the artist also pioneered new visual and technical styles, including the development of a layered, multidimensional oil-wash drawing technique. He honed this practice in works from his Wanted Poster Series (1969–71), which were modeled after Civil War–era posters that sought the recapture of enslaved people who had escaped. Black Pope (Sandwich Board Man) (1973) also employs this signature oil-wash style, and a preliminary sketch alongside the finished work demonstrates his innovative technical approach. The drawing’s enigmatic “Pope” and sandwich board—which exclaims “NOW” but does not clarify any further meaning—is a departure from the high degree of legibility typical of White’s work. Instead, the power of this drawing lies in its ambiguity. White’s evolving interpretations of contemporary events throughout his career adapt to changing sociopolitical conditions and imperatives. His masterful navigation of four tumultuous decades of American history continues to serve as a model for socially conscious artists, activists, and thinkers today. SPONSORSHIP: The exhibition is supported at The Museum of Modern Art and Art Institute of Chicago by the Terra Foundation for American Art as part of Art Design Chicago, a Terra Foundation initiative with presenting partner The Richard H. Driehaus Foundation. Major support for the New York presentation is provided by The Contemporary Arts Council of The Museum of Modern Art. Generous funding is provided by The Friends of Education of The Museum of Modern Art. Additional support is provided by the Annual Exhibition Fund with major contributions from the Estate of Ralph L. Riehle, Alice and Tom Tisch, Mimi and Peter Haas Fund, Brett and Daniel Sundheim, Karen and Gary Winnick, The Marella and Giovanni Agnelli Fund for Exhibitions, and Oya and Bülent Eczacıbaşı. MoMA Audio is supported by Bloomberg Philanthropies.

artist

Charles White 
MOMA - The Museum of Modern Art, New York °

MOMA | 11 West 53 Street
NY-10019 New York

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posted 16. Nov 2018

Art Düsseldorf 2018

16. Nov 201818. Nov 2018
opening: 15. Nov 2018
Art Dusseldorf, 2nd Edition Areal Boehler Hansaallee 321 40549 Dusseldorf 16.11.2018 - 18.11.2018 Press conference: November 15, 2018 / 12 pm (entrance 11.30 am) Opening hours: Thursday | Nov 15, 2018 | Preview: 12-4 pm Thursday | Nov 15, 2018 | Opening: 4-8 pm Friday | Nov 16, 2018: 12-7 pm Saturday | Nov 17, 2018: 11-7 pm Sunday | Nov 18, 2018: 11-7 pm At Art Düsseldorf, around 90 established and young, regional and international galleries show modern and contemporary art (1945-2018). The second edition will take place November 16-18, 2018 in the spacious and bright halls of Areal Böhler, Duesseldorf. The premiere in 2017 attracted 43,000 visitors. Art Düsseldorf has proven itself as a new and innovative platform for collectors, gallerists and curators. By selecting Duesseldorf’s Areal Böhler as the venue of Art Düsseldorf, the fair has positioned itself at the junction of the Rhineland and the Ruhr Valley: in the heart of a metropolitan region that has ten million inhabitants and is, with regard to art and culture, at the center of one of Western Europe’s most vibrant regions. The internationally renowned art metropolis Duesseldorf positions itself as an ideal location, with its large draw area and its constantly expanding number of art collectors. Thus, Art Düsseldorf is embedded within a dense urban cultural landscape with important art institutions directly neighboring it along the Rhine and Ruhr rivers, in Cologne and Bonn, Essen and Bochum. Art Düsseldorf combines the established with the new. It joins the experimental and the canonized in a direct opposition under the same roof. Young galleries as well as German-international gallery partnerships are provided with special support. The art fair celebrates regionality while also welcoming international participants at the same time. Since February 2017, the MCH Group in Basel/Switzerland holds a 25.1 % share of art.fair International GmbH. MCH Group therewith integrates Art Düsseldorf in its recently implemented Regional Art Fairs initiative, building up a worldwide portfolio of regional art fairs. Together with MCH, the contentual focus and the main driving force of the fair is to offer a strong platform for Germany and the bordering Benelux countries and the Rhineland. A platform that is characterized by great art sales and a close network with galleries and institutions of the Rhineland, the free art scene and the creative industries. * galleries 2018 Akinci (Amsterdam) // Rita Urso artopiagallery (Mailand) // Albert Baronian (Brüssel) // Bartha Contemporary (London) // Galerie Bastian (Berlin) // Beck & Eggeling International Fine Art (Düsseldorf) // Galerie Anita Beckers (Frankfurt am Main) // Bernheimer Fine Art (Luzern) // Bernier/Eliades (Athen) // Galleri Bo Bjerggaard (Kopenhagen) // Galerie Boisserée (Köln) // Thomas Brambilla (Bergamo) // The Breeder (Athen) // BWA Warszawa (Warschau) // Callicoon (New York) // carlier | gebauer (Berlin) // Casado Santapau (Madrid) // Galeria Pedro Cera (Lissabon) // Galeria Marta Cervera (Madrid) // Ceysson & Bénétière (Paris) // Conrads (Düsseldorf) // Cortesi Gallery (London, Mailand, Lugano) // Cosar HMT (Düsseldorf) // Erika Deak Gallery (Budapest) // Dittrich & Schlechtriem (Berlin) // Eigen + Art (Berlin) // Galerie Karin Guenther (Hamburg) // Cristina Guerra Contemporary Art (Lissabon) // Galerie Haas (Zürich) // Lucas Hirsch (Düsseldorf) // Galerie Heinz Holtmann (Köln) // Galerie Kadel Willborn (Düsseldorf) // Galerie Lisa Kandlhofer (Wien) // Parisa Kind (Frankfurt am Main) // Galerie Knoell (Basel) // Galerie Dr. Dorothea van der Koelen (Mainz, Venedig) // König Galerie (Berlin) // KOW (Berlin) // Galerie Krinzinger (Wien) // Galerie Lange + Pult (Zürich) // Galerie Christian Lethert (Köln) // alexander levy (Berlin) // Levy Galerie (Hamburg) // Galerie Löhrl (Mönchengladbach) // Luce Gallery (Turin) // Linn Lühn (Düsseldorf) // Markus Lüttgen (Düsseldorf) // Galerie m bochum (Bochum) // Mario Mauroner Contemporary Art (Wien) // Marlborough Contemporary (New York) // Galerie Hans Mayer (Düsseldorf) // Galerie Max Mayer (Düsseldorf) // Meessen De Clercq (Brüssel) // kamel mennour (Paris) // Mind Set Art Center (Taipei) // Montrasio Arte (Monza) // Carolina Nitsch (New York) // Galerie Onrust (Amsterdam) // OV Project (Brüssel) // Öktem Aykut (Istanbul) // Pablo’s Birthday (New York) // Polansky Gallery (Prag) // Priska Pasquer (Köln) // Prometeogallery di Ida Pisani (Mailand) // PSM Gallery (Berlin) // Thomas Rehbein Galerie (Köln) // Petra Rinck Galerie (Düsseldorf) // Philipp von Rosen Galerie (Köln) // sanatorium (Istanbul) // Galerie Brigitte Schenk (Köln) // Galerie Anke Schmidt (Köln) // Schönewald (Düsseldorf) // Gabriele Senn Galerie (Wien) // Setareh Gallery (Düsseldorf) // Sies + Höke (Düsseldorf) // Société (Berlin) // Sorry We’re Closed (Brüssel) // Galerie Gregor Staiger (Zürich) // Marc Straus (New York) // Talion Gallery (Tokyo) // Galerie Bene Taschen (Köln) // Galerie Templon (Paris) // TKG* (Taipei) // Uma Lulik (Lissabon) // unttld contemporary (Wien) // Galerie Utermann (Dortmund) // Van Horn (Düsseldorf) // Axel Vervoordt Gallery (Antwerpen) // Michael Werner Kunsthandel (Köln) // Zilberman Gallery (Istanbul, Berlin) // David Zwirner (New York)
Art Düsseldorf

Areal Böhler | Hansaallee 321
40549 Düsseldorf

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posted 15. Nov 2018

IT IS HERE/THIS WILL LAST FOREVER

04. Oct 201801. Dec 2018
opening: 04. Oct 2018 17:00
**Opening 4th October 17.00-20.00** This solo exhibition–the first by the artist in the Netherlands–presents recent works that contend with concepts of utopia and dystopia through observation and sensation. Good Luck (2017), stages Russell’s structural, vibrant, and multi-sensory approach to ethnographic cinema in fragmented physical space—offering a dynamic comparative portrait of natural resource excavation. The film captures extraction in two different parts of the world, often focusing in on the faces, movements, and gestures of men who do the ckck-breaking work. One section takes place in an underground state-owned industrial copper mine in Bor, Serbia, and the other portrays an illegal gold mine in the jungle of the Brokopondo District in Suriname. In Serbia, the jarring noise of exploding rock acts as an ever-present backdrop for conversations with mine workers; in Surinam the machinic sounds of above-ground extraction mix with field sounds from the surrounding jungle. These pieces are counter-posed by a single channel featuring silent and black-and-white portraits, and a series of patiently captured interviews. Together the parts form a synthesis of contemporary labor, masculinity, and material and social precarity in these typically concealed environments, joining them together in what Russell calls “the human foundation of capital.” This presentation foregrounds the phenomenological attributes of the piece, placing the viewer’s physicality in relation to the film’s portraiture, and highlighting the effects of haptic sound on experience. Accompanying the installation, the artist has created a sculptural analogue to process and portraiture, Good Luck (Echo) that turns a sheet of copper into a resonant, speaking subject.

artist

Ben Russell 
DE APPEL ARTS CENTRE Amsterdam °

De Appel | Schipluidenlaan 12D4
1062 HE Amsterdam

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posted 14. Nov 2018

John Ahearn & Rigoberto Torres

09. Sep 201820. Jan 2019
John Ahearn & Rigoberto Torres 09.09.2018 - 20.01.2019 —Participants John Ahearn, Rigoberto Torres —Curators Sofía Hernández Chong Cuy, Jessy Koeiman In 1991, New York artists John Ahearn and Rigoberto Torres were commissioned to carry out a public art project in Rotterdam, to be presented in conjunction to their exhibition South Bronx Hall of Fame at Witte de With. To create it, they engaged eight residents of the city’s Cool district, which is also the neighborhood of this institution. In their effort to make art that portrays people in everyday life situations—rather than, say, heroes represented in public monuments or statues—the artists created bust portraits of each of the eight people and hung these sculptures in building facades throughout Cool. Some of the portrayed participants were young then; some older in age. Some of the sculptures figuring them remain in their original site; some were eventually removed. Earlier this year, we reached out to the former participants to see where they were then in life, and where they are now. Not all continue living in Cool, but all are still based in Rotterdam, for the exception of one, who has passed away. We also went to seek out the remaining sculptures on-site, and brought along with us the photographer who originally documented the process and project in 1991. Untitled features a display of archival images and documentation, as well as newly commissioned photo portraits of the original participants and testimonies about their experience of Cool and of working with Ahearn and Torres. This presentation is in the one of two vitrines in Untitled especially devoted for displays that draw from Witte de With’s rich exhibition history.

artists & participants

John Ahearn,  Rigoberto Torres 
Witte de With, Rotterdam °

WITTE DE WITH CENTER FOR CONTEMPORARY ART | Witte de Withstraat 50
NL-3012BR Rotterdam

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posted 13. Nov 2018

Deutschland in Vietnam

07. Nov 201831. Dec 2018
opening: 03. Nov 2018
Deutschland in Vietnam Open-Air-Ausstellung in Großformaten 07.11.2018 - 31.12.2018 Eröffnung am 03.11.2018 im Rahmen des Deutschlandfestes der Botschaft am Hoan-Kiem-See in Hanoi Künstler: Nicolaus Schmidt 2017 wurde der Berliner Fotograf und Historiker Nicolaus Schmidt von der Deutschen Botschaft Hanoi eingeladen, um in Vietnam ein Fotoprojekt über die deutsch-vietnamesische Zusammenarbeit zu realisieren. Mit Unterstützung der Deutschen Botschaft und des Deutschen Generalkonsulates wurden mehr als einhundert Personen fotografiert. Nicolaus Schmidt hat auf der Basis dieser Fotografien und vieler Interviews zudem das Buch „Việt Đức – Deutsch-vietnamesische Biografien als Spiegel der Geschichte“ herausgegeben. 
Das Deutsche Botschaft Hanoi zeigt in einer Open-Air-Ausstellung eine Auswahl von 28 großformatigen Fotografien, in denen sich die vielen Stränge der deutsch-vietnamesischen Beziehungen seit Anfang der 1950er-Jahre nachverfolgen lassen. Die Ausstellung zeigt Menschen, die in allen wichtigen Bereichen der Zusammenarbeit tätig sind, der Wirtschaft, Wissenschaft, Bildung, Kunst und Kultur.
Deutsche Botschaft Hanoi

Deutsche Botschaft Hanoi | 29 Tran Phu, Dien Ban
Hanoi

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posted 12. Nov 2018

UTE MAHLER & WERNER MAHLER

02. Oct 201805. Jan 2019
opening: 29. Sep 2018 13:00
UTE MAHLER & WERNER MAHLER ESSENZEN – Fotografien aus vier Dekaden Ausstellung: 02.10.2019 - 05.01.2019 Vernissage: 29.09.2018 13:00 - 18:00 Uhr Künstlergespräch:30.11.2018 19:00 Uhr Im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography 2018, präsentiert die Galerie Springer Berlin zum ersten Mal Werke der Fotografen Ute Mahler und Werner Mahler und bereichert damit ihr Galerieprogramm. Die umfangreiche Ausstellung „Essenzen - Fotografien aus vier Dekaden“ umfasst Arbeiten von Ute Mahler und Werner Mahler aus verschiedenen Schaffensphasen. Darüber hinaus präsentiert die Galerie eine Auswahl aus der gemeinsamen Serie Monalisen der Vorstädte, die die Mahlers in den Jahren 2009 bis 2011 schufen. Eine zentrale Position der Ausstellung bilden Modefotografien, die in den Jahren 1977 bis 1994 für die Zeitschrift „Sibylle“ entstanden sind. Außerdem sind Fotografien Ute Mahlers von 1980 mit der Tänzerin Jutta Deutschland zu sehen. Ebenso eine Serie von Ute Mahler, die 1979, während eines für die DDR damals ungewöhnlichen Stipendiumaufenthaltes, in Paris entstand. Daneben zeigt die Galerie frühe Arbeiten von Werner Mahler (1975 bis 1978) sowie eine Serie von Landschaftsfotografien aus den 1980er Jahren. Auch wenn die Ausstellung nur einen Ausschnitt des ebenso umfangreichen wie beeindruckenden Werkes der beiden Fotografen präsentieren kann, ermöglicht sie doch tiefe Einblicke in ihr vielfältiges und kreatives Schaffen. Nicht zuletzt anhand einiger ikonenhafter Fotografien lässt sich sehr gut die ganz eigene Bildsprache und Technik illustrieren, die die Künstler entwickelten und perfektionierten. Mittlerweile arbeiten die beiden Gründungsmitglieder der OSTKREUZ Agentur meist gemeinsam. In dem seit 2009 währenden Miteinander entstanden u.a. die Serien Monalisen der Vorstädte und Die seltsamen Tage. In Kürze erscheint bei Hartmann Books die neue Serie Kleinstadt. Bei all diesen Projekten verschmelzen die Qualitäten und Erfahrungen der beiden Fotografen* zu gemeinsam entwickelten Serien und Kunstwerken. Vita: Ute Mahler (geb. 1949), 1969-74, Studium der Fotografie, Hochschule für Grafik und Buchkunst, Leipzig, seit 1974 freiberufliche Tätigkeit als Fotografin, 2000 Professorin für Fotografie HAW, Hamburg, seit 2005 Dozentin an der Ostkreuzschule Werner Mahler (geb. 1950), 1973-78 Studium der Fotografie, Hochschule für Grafik und Buchkunst, Leipzig, seit 1978 freiberufliche Tätigkeit als Fotograf, 2005 Gründer der Berliner Ostkreuzschule für Fotografie, Schulleiter, Dozent Ute und Werner Mahler: 1990 Gründungsmitglieder der OSTKREUZ Agentur, 2014 Werkschau im „Haus der Photographie“, Deichtorhallen Hamburg

artists & participants

Werner Mahler,  Ute Mahler 
Springer, Berlin

GALERIE SPRINGER | Fasanenstr. 13
10623 Berlin

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posted 11. Nov 2018

Ron Amir. Somewhere in the desert

14. Sep 201802. Dec 2018
Ron Amir. Somewhere in the desert 14.09.2018 - 02.12.2018 The Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris is delighted to be presenting the exhibition Quelque part dans le désert/Somewhere in the Desert by Israeli photographer Ron Amir. Already shown at the Israel Museum in Jerusalem in 2016, the exhibition—30 large-format colour photographs and six videos—looks at the living conditions of Sudanese and Eritrean refugees in the Holot detention centre in the Negev Desert, which has since been shut down. In flight from terrorism and oppression in their home countries, these migrants were not able to live or work legally in Israel. While allowed to come and go freely during the day, they had to check in and out each morning and evening. Dating from 2014–2016, Ron Amir's photographs document the refugees' daytime activities, showing how, in the desert and with no resources, they set about shaping a shared everyday existence. Using sticks, sand, stones and all kinds of abandoned bits and pieces, they managed to to put together community huts, tearooms, sporting facilities, improvised ovens and other additions to the spartan facilities provided at Holot. We don't actually see the refugees in the photographs: instead Amir conveys indirectly but clearly their sensitivity, creativity, and instinct for survival. Lingering over what at first glance looks like a landscape, we discover eloquent testimony to a patient waiting for freedom, to togetherness and to the hope of finding a home. One of the things that mark out Amir's work is his active involvement in the lives of the—as a rule socially marginalised—communities he photographs. His initial visits toHolot had no particular purpose apart from getting to know the asylum seekers. From the outset, though, the boundaries between art and political action began to blur, and in contrast with traditional documentary and press photography, Amir's images carry several messages at the same time. Speaking of communal distress while revealing the prolific inventiveness of its victims, they are both chronicle and metaphor. Born in 1973, Ron Amir is an atypical figure on the contemporary photography scene in Israel. Well known for his long-term, socially committed projects, he has had numerous solo and group exhibitions in Israel and abroad. He lives and works in Tel Aviv. This event is part of the 2018 France-Israel Season. Museum Director: Fabrice Hergott Exhibition Curators: Noam Gal and Emmanuelle de l'Ecotais

artist

Ron Amir 
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posted 10. Nov 2018

European Balcony Project

10. Nov 2018
opening: 10. Nov 2018 16:00
European Balcony Project A project of The European Democracy Lab 10.11.2018 16:00 For the first time in European history, citizens all over the continent will gather at a single moment in time – 10th of November at 4 p.m. – to spark a broad debate about European democracy and what it means to be European citizens. From theatres, balconies and public spaces all over Europe, artists and citizens will proclaim a European Republic, discuss, and pave the way for the emancipatory claim of citizens’ equality beyond the nation-state. The European Balcony Project was initiated by the European Democracy Lab and realized with the support of numerous citizens across Europe. More information can be found on www.eudemlab.org. The goal of the European Balcony Project and the rather radical nature of the manifesto is to initiate a broad, multi-faceted, public, pan-European debate on the essence of European democracy and the core-meaning of European citizenship before the upcoming European Parliament elections in May 2019. The text was written for a short, theatrical staging (approx. 2 minutes) and alludes to elements of original texts of various republican proclamations in 1918. As such, the text is rather short and may lack differentiation. Participants of the project do not to necessarily need to agree with each and every sentence, but rather capture its declamatory goal! If you disagree with single words, sentences or parts of the manifesto or if you feel the need to slightly supplement the text to feel at ease with it, you are welcome to do so! Every town, every public place and its citizens have their own history - so please feel free to accompany the Manifesto with a few sentences which refer to your chosen place, your historical linkage to Europe or your specific point on the nature of European democracy. Just mark your own passages you might have added or changed. You are welcome to discuss those changes and supplements in public. That's what we wish for: an open debate about the idea of an European Republic and about the manifesto itself. We have also prepared a guideline document of some 4 pages, which explains our intention for each paragraph. In addition we are collecting documents, initiatives and projects on European democracy and European citizenship on this website to provide you with further information. The very idea of the European Balcony Project is that we express that claim that we want to be Citizens of Europe and granted equal rights for the first time all together, at one given day & hour, across Europe! * THIS IS THE MANIFESTO FOR THE THEATRE EVENT “PROCLAMATION OF A EUROPEAN REPUBLIC” **MANIFESTO** Today, at 4pm on the 10th of November 2018, 100 years after the end of WWI, which laid waste European civilization for decades, we are not only recalling history; we are taking our future into our own hands. It is time to turn the promise inherent in Europe into a reality and to remind ourselves of the founding ideas behind the project of European integration. We declare that everyone present at this moment in Europe is a citizen of the European Republic. We acknowledge and accept our responsibility for the common heritage of the Universal Declaration of Human Rights, and we pledge finally to make it into a reality. We recognize that Europe’s wealth is based on the exploitation of other continents and the suppression of other cultures over centuries. For that reason, we are happy to share our territory with those whom we have driven from theirs. Anyone who wishes to can be a European. The European Republic is the first step on the path to a global democracy. The Europe of nation states has failed. The dream of European integration has been betrayed. Without political underpinning, the Single Market and the euro fell easy prey to a neoliberal agenda which runs counter to the goal of social justice. The powers of the European institutions must therefore be appropriated so that a common market and a common currency can be created within a common European democracy. Because Europe means unifying people, not integrating states. The sovereignty of states is hereby replaced by the sovereignty of citizens. The European Republic is founded upon the principle of universal political equality irrespective of nationality and social or ethnic background. The constituent elements of the European Republic are the European cities and regions. The time has come for Europe’s cultural diversity to express itself within a framework of political unity. The European Council is hereby decommissioned. The European Parliament now has the power to make law. It will appoint a government committed equally to the welfare of all European citizens. Long live the European Republic! Translated by Ray Cunningham

artists & participants

Ulrike Guerot,  Robert Menasse,  Milo Rau 
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posted 09. Nov 2018

6th Athens Biennale 'ANTI'

26. Oct 201809. Dec 2018
6th Athens Biennale 'ANTI' 26.10.2018 - 09.12.2018 Venues: TTT building Esperia Palace Benakeios Library Kolokotroni 4 Athens Biennale launches its 6th edition on October 26, 2018, under the title ANTI. The 6th Athens Biennale flirts with the term, the attitude, the (im)possibility of ANTI, asking: How does opposition play out today? What kind of identities does it forge? ANTI deals with phenomena of normalization of opposition and non-conformity, from politics to web culture, from videogames to Netflix, from Žižek to Rihanna. Fall 2018 will mark a decade of crisis in which Athens has been an incubator of revolt, opposition, reaction and regression. In 2017, the Athens Biennale organized a series of performative events under the title Waiting for the Barbarians, and declared a strategic postponing of AB6 in a year of “Active Waiting.” “Active Waiting” was intended as a playful exercise on the political imagination of large-scale periodic exhibitions, and functioned as a prelude to ANTI. ANTI, curated by Stefanie Hessler, Kostis Stafylakis and Poka-Yio, considers attitudes of opposition, non-conformity and marginality. Instead of assuming a position of critical detachment, ANTI introduces us to the pleasure and discomfort embodied in both revolt and reaction. It does not seek to merely outline such fantasies; we cannot fight reactionary culture and politics in the “post-truth” era with yet another ANTI. To deal with ANTI means to oscillate between power and revolt by internalizing, reenacting or cannibalizing both. As such, AB6 is designed as a distilled, intensified reality—a constellation of functional spaces that invites visitors to indulge in ANTI. These devices assume forms of actual domains shaping our lives today: the gym, the office, the tattoo studio, the dating website, the migration office, the shopping mall, the nightclub, the church, the dark room. The Athens Biennale aims to instigate the experience of ambiguity, polarity and contrariness inherent in ANTI by lubricating the absurd personification of such currents. The exhibition, here, becomes a purgatory without a purge. More than 100 international artists, media creators and theorists will participate in ANTI. The exhibition venues and full participants’ list will be announced soon. Cabaret Negatif is programmed by FYTA with Nayia Yiakoumaki and will be running throughout the duration of ANTI. Two limited-edition Crypto Certificates by Ed Fornieles Studios will be sold to help fund the production of a large-scale LARP The Group as well as the Athens Biennale itself. Collectors of these limited edition prints will be able to share future profits generated by the sale of work developed through The Group performance. Participating artists: Spyros Aggelopoulos, Monira Al Qadiri, Loukia Alavanou, Korakrit Arunanondchai & Alex Gvojic, Ivana Bašić, Tianzhuo Chen, Chim Pom, Sarawut Chutiwongpeti, Brody Condon, Celia Daskopoulou, Ted Davis, Danielle Dean, JP Downer, Nina Runa Essendrop, Georgia Fambris, Cao Fei, Ed Fornieles, Angelos Frentzos, Sarah Friend, Front Deutscher Äpfel, Dorota Gawęda & Eglė Kulbokaitė, Eva Giannakopoulou, Gigas, Joey Holder, Carsten Höller, Callum Leo Hughes, Actually Huizenga (of Patriarchy), Jacob Hurwitz-Goodman & Daniel Keller, Binelde Hyrcan, Maryam Jafri, Sascha Jahn & TheBoundCollective, Jakub Jansa, Geumhyung Jeong, Kahlil Joseph, Florence Jung, Raja'a Khalid, Joy Kolaitis, Peter V. Kritikos, Laboratory for Microclimates, Euripides Laskaridis / Osmosis, Delaine Le Bas, Candice Lin, Fei Liu, Rachel Maclean, Basim Magdy, Miltos Manetas, Marianne Maric, Eva and Franco Mattes, Metahaven, Quenton Miller, Molleindustria, Shana Moulton, Sirous Namazi, Narcissister, New Models, Pinar Öğrenci, Marisa Olson, Uģis Olte & Morten Traavik, Omsk Social Club, Ilias Papailiakis, Eva Papamargariti, Yuri Pattison, Heather Phillipson, Signe Pierce, AnnaMaria Pinaka, Wong Ping, Michail Pirgelis, Agnieszka Polska, Lykourgos Porfyris, Porpentine Charity Heartscape, Johannes Paul Raether, Jon Rafman, Kosta Rapadopoulos / Jasin Challah, Tabita Rezaire, Roee Rosen, Iepe Rubingh, Saeborg, Tai Shani, Heji Shin, Aliza Shvarts, Helle Siljeholm, Marianna Simnett, Linnéa Sjöberg, Panos Sklavenitis, Marilia Stagkouraki, Jenna Sutela, The Agency, The Domestic Godless, The Peng! Collective, Ryan Trecartin, Theo Triantafyllidis, Anna Uddenberg, Nicole Wermers, Tori Wrånes, Lauren Wy, Lu Yang, Young Boy Dancing Group, Costas Zapas, Zhala Curated by Stefanie Hessler, Kostis Stafylakis, Poka-Yio
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posted 08. Nov 2018

Ines Schaber: Notes on Archives

23. Sep 201818. Nov 2018
Seit 2004 verfolgt Ines Schaber in ihrer Arbeit die Idee eines »working archive«. In einer Reihe von Fallstudien, Texten und künstlerischen Projekten untersucht sie Aspekte des Archivs, die jedoch nicht das Sammeln und Ordnen von Dingen betreffen, sondern Möglichkeiten, aus der Konstellation des jeweiligen Archivs heraus dessen Wissensproduktionen zu befragen: Was fehlt den Archiven? Stößt man auf falsche Zuschreibungen? Wie beziehen sich Archive auf das Nicht-Sichtbare, das Undokumentierte, das Verschwundene – die vielen und vielfältigen Geister der Archive? Wie handhaben Archive die Krise des Dokuments, des Dokumentarischen und die Krise der Wahrheitsproduktion? »Ausgehend von der Annahme, dass das Archiv nicht nur ein Ort des Aufbewahrens, sondern auch ein Ort der Produktion ist, an dem sich unser Verhältnis zur Vergangenheit materialisiert und an dem sich unsere Gegenwart in die Zukunft einschreibt, verstehe ich das Archiv als einen Ort des Verhandelns und Schreibens.« (Ines Schaber) Oftmals ist der Ausgangspunkt ein bestimmtes Bild eines Archivs, das die Aufmerksamkeit der Künstlerin erregt oder das sie an etwas erinnert, zu dem sie (auch in Zusammenarbeit mit anderen KünstlerInnen und AutorInnen) recherchiert und um das herum sie eine Geschichte konstruiert, die sich jedoch nicht bestätigen lässt, weil die Personen, die darauf abgebildet sind, bereits verstorben sind und die offenen Fragen nicht mehr beantworten können (»Unnamed Series«, »Dear Jadwa«). In anderen Fällen finden sich widersprüchliche Angaben darüber, was auf dem Bild zu sehen ist (»Culture Is Our Business«), oder die ursprünglich mit den Bildern verfertigten Notizen und Kommentare wurden von den Bildern getrennt (»Picture Mining«). Ines Schaber besucht die Orte, an denen sich die Archive befinden oder Orte, an denen die Bilder entstanden sind, die sie aus den Archiven für ihre Arbeit »entwendet«. – An diesen Orten entstehen Landschaftsaufnahmen, die ihrerseits vom Verschwinden, vom Verschwundenen handeln; davon, dass Geschichte nicht repräsentierbar, sondern ebenfalls ein Gespenst der Gegenwart ist. Es ergeben sich also Fragen der verschiedenartigen Zirkulation von Bildern in verschiedenen Archiven, die unterschiedliche Lesarten bereitstellen oder für die überhaupt erst Leseweisen entwickelt werden müssen und für die sich immer die Fragen stellen: Wie lassen sie sich in unsere Gegenwart vermitteln? Was geschieht, wenn die Gespenster der Archive wieder zum Leben erweckt werden? In dieser Weise entwickelt Ines Schaber eine archivarische Praxis, in der eine Vielzahl von Problemen, die die Archive selbst hervorrufen, Teil eines Prozesses werden, der die künstlerische Praxis vorantreibt. So arbeitet Ines Schaber nicht primär über oder mit bestimmten Archiven, sondern verwandelt die Praxis an Archiven in eine Praxis künstlerischer Forschung. Für die Ausstellung bei Camera Austria, ihre erste institutionelle Einzelausstellung in Österreich, erarbeitet die Künstlerin neue Bezüge zwischen folgenden Serien der letzten Jahre: »Culture Is Our Business« (2004), »Picture Mining« (2006), »Unnamed Series« (mit Stefan Pente, seit 2008) und »Dear Jadwa« (2009).

artist

Ines Schaber 

curator

Reinhard Braun 
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posted 07. Nov 2018

FLORIAN SLOTAWA: STUTTGART SICHTEN

26. Oct 201820. Jan 2019
opening: 25. Oct 2018 19:00
FLORIAN SLOTAWA: STUTTGART SICHTEN SKULPTUREN DER STAATSGALERIE STUTTGART 26.10.2018 - 20.01.2019 ERÖFFNUNG Am Donnerstag, 25. Oktober 2018 um 19 Uhr in der Halle für aktuelle Kunst. Es sprechen: Dirk Luckow (Intendant Deichtorhallen Hamburg) und Christiane Lange (Direktorin Staatsgalerie Stuttgart). Florian Slotawa ist anwesend. Die Ausstellung ist eine Kooperation der Deichtorhallen Hamburg und der Staatsgalerie Stuttgart. Die Deichtorhallen Hamburg zeigen mit STUTTGART SICHTEN ein skulpturales Gesamtkunstwerk, eine Gesamtinszenierung mit Skulpturen als künstlerischem Material des Künstlers Florian Slotawa (*1972), die zugleich einem epochalen Überblick über die Entwicklung der Skulptur dienen kann. Dafür bekam der in Berlin lebende Künstler die Möglichkeit, Werke aus der Skulpturensammlung der Staatsgalerie Stuttgart auszuwählen, um diese in der 3.000 qm großen Deichtorhalle völlig neu zur Geltung kommen zu lassen. Hinter dem Ausstellungsprojekt STUTTGART SICHTEN steht die hochaktuelle Frage, wie Museen heutzutage mit ihren Sammlungsbeständen umgehen, wie sie sie innovativ präsentieren, wie der Spagat zwischen klassischer Kunstvermittlung und zeitgemäßer, Neugierde weckender Präsentationsformate gelingen kann. Die Deichtorhallen Hamburg als noch junges Ausstellungshaus mit dennoch langjähriger Erfahrung, unterschiedlichste private und öffentliche Sammlungsbestände in Großausstellungen aufzubereiten und die Staatsgalerie Stuttgart, die dieses Jahr auf eine 175-jährige Tradition des Sammelns zurückblicken kann, haben darauf mit der Ausstellung STUTTGART SICHTEN eine provokante Antwort gefunden. Florian Slotawa plant die Präsentation in Hamburg aus verschiedenen Perspektiven heraus zu entwickeln, darunter die Skulpturen bei ihrer Präsentation für sich gelten zu lassen, sie in spannungsvolle Dialoge untereinander zu bringen, sie nach einer bestimmten Ordnung zu sortieren, sie mit Alltagsgegenständen zu kombinieren oder sie, wie im Fall des Picasso-Ensembles, »nachzubauen«. Das so improvisiert erscheinende wie exakt positionierte, behutsame Arrangieren der Skulpturen durch Slotawa ist die Voraussetzung dafür, dass ein anderer Blick auf die Kunst möglich wird. Am Ende steht immer auch die Frage, was aber ist nun noch Skulptur? Kaum ein Künstler versteht so feinsinnig mit dem Thema Kunstsammlungen umzugehen wie der 1972 in Rosenheim geborene Florian Slotawa, der in München und Hamburg studiert hat, und u.a. im P.S.1 MoMA New York (2009), im Arp Museum in Bad Godesberg (2012) oder im Hamburger Bahnhof (2014) ausgestellt hat. Seit fast 30 Jahren verfolgt der in Berlin lebende Künstler performative Strategien in seiner bildhauerischen Arbeit.
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posted 06. Nov 2018

ALICJA KWADE | ENTITAS

08. Sep 201811. Nov 2018
ALICJA KWADE | ENTITAS 08.09.2018 – 11.11.2018

artist

Alicja Kwade 
König Galerie Berlin

ST. AGNES | Alexandrinenstr. 118–121
10969 Berlin

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posted 05. Nov 2018

WAS EUCH AM LEBEN HÄLT, IST, WAS BEI UNS ZU ASCHE ZERFÄLLT

18. Sep 201810. Nov 2018
opening: 07. Sep 2018 18:00
WAS EUCH AM LEBEN HÄLT, IST, WAS BEI UNS ZU ASCHE ZERFÄLLT * THE FUEL OF YOUR LIVES BECOMES ASHES IN OURS Alice Creischer, Henrike Naumann, Mario Pfeifer, Andreas Siekmann, Michael E. Smith, Tobias Zielony 18.09.2018 - 10.11.2018 Eröffnung: 07.09.2018 18:00 - 22:00 Aus gegebenem Anlass ändert KOW kurzfristig sein Programm und schaut mit einer Ausstellung auf den Rechtsruck in Deutschland. Die Galerie und die KünstlerInnen möchten damit ein Zeichen setzen in einem Moment, in dem sich das Politische – und für immer mehr Menschen auch der Alltag – in einen Alptraum verwandeln. Wir möchten uns all denen anschließen, die sich dagegen wehren. In ihren klügeren Momenten kommt die öffentliche Diskussion um die neue Spitze des rechtsradikalen Eisbergs – Chemnitz, Sachsen – zu der Einsicht, dass der soziale Unfriede in seiner neonationalen Gesinnung zwar unerträglich, aber keineswegs unbegründet ist. Erstaunlich ist ja nicht so sehr, dass braune Menschenfänger in schwarzen Anzügen die Unzufriedenheit in der Bevölkerung einsammeln und reklamieren, für die Mehrheit, also das Volk, zu sprechen, und dabei wütende Affekte eines Mobs hinter sich und auf die Straße bringen. Erstaunlicher ist doch, wie lange diese Unzufriedenheit offiziell beiseitegeschoben wurde. Kritik am gesellschaftlichen Grundkonsens wurde zwar selten zensiert, aber mit der realen sozioökonomischen Ungerechtigkeit dieses scheinbaren Konsenses nicht einverstanden zu sein, das war ausreichend unanständig, um in der breiteren Öffentlichkeit keine Akzeptanz zu finden. „Geh doch nach Drüben!“, hörte man vor 1989 manchmal, wenn man am westlichen Status Quo rüttelte. Aber Drüben gibt es nicht mehr. Diese Alternative für Deutschland hat sich historisch aufgelöst. Dass in den frühen Neunzigerjahren die vergleichsweise unbedeutende Kunstszene zu einer Plattform für Neoliberalismuskritik und für Bilder und Narrative von Widerständigkeit und Gegenöffentlichkeit wurde, spricht dafür, dass sich der radikalere gesellschaftskritische Diskurs nach ’89 marginalisierte. Aber die Leute sind ja nicht dämlich. Die Dissonanz zwischen tollen Wirtschaftszahlen, Demokratieerzählungen und der eigenen Lebenswirklichkeit ist offensichtlich. Die neue Bundesrepublik ist kein Solidarstaat, sondern ein korporatives Industrie- und Finanzsystem, das seine inneren sozialen Verwerfungen rational kalkuliert. Als eigentlichen Grund für das Anschwellen sozialer Ungleichheit nannte Warren Buffet den „Krieg der Reichen gegen die Armen“. Der globale und staatlich unterstütze Klassenkampf von oben zerstört den sozialen Frieden über kurz oder lang. Das haben schon viele Spatzen von den Dächern gepfiffen, aber in der politischen Mitte, zur besten Sendezeit, da wo die Mehrheit wohnt, will man von der strukturellen Gewalt des Neoliberalismus und Neofeudalismus nichts wissen. Doch die Gewalt ist da und sickert aus den Lebensläufen in die Körper und in die Worte. Wie es aussieht, haben immer mehr Menschen die Schnauze voll. Jetzt suchen sie nach einem Krieg, den sie allenthalben lange schon spüren, aber schlecht greifen können, und packen sich, was ihnen in den Weg kommt, um ihn zu erleben. Mangels eines öffentlichen Diskurses, der vernünftige Gründe für gefühltes und reales Abgehängtwerden hätte liefern können, stochern BürgerInnen im Trüben ihrer Affekte nach Feindbildern, die so absurd sind, dass man sie dafür schütteln möchte, und manche einsperren. Der Abstand zwischen uns, den Autoren und den LeserInnen dieses Textes, und denen, die in Chemnitz, Sachsen, und anderswo in West und Ost Migranten, Journalisten, Muslime und Juden jagen, scheint unüberbrückbar. Aber das ist Quatsch. Andere Gesellschaften hatten ganz andere Brüche zu überwinden, gewaltvollere, unversöhnlichere, und sie taten es. Man muss in Deutschland lernen, die Konflikte zu Hause so zu bearbeiten, wie man es von diesen Gesellschaften immer wieder gefordert hat. Vielleicht ist es genau das, was uns jetzt helfen würde. Konflikte verschwinden nicht ohne weiteres. Sie müssen benannt und durchgearbeitet werden. Für die Zeit von 1933 bis 1945 ff. hat man das in Deutschland irgendwann begriffen. Nun ist gleiches für die Zeit nach 1989 und für die Gegenwart zu leisten. Wir brauchen einem postkolonialen Diskurs über die Bedingungen der Wiedervereinigung, über die teils gefühlte, teils technisch reale Annektierung der Ex-DDR durch die BRD, und im globalen Kontext über die Expansion des korporativen Kapitalismus während der vergangenen 30 Jahre. Und die Kunst? Auch sie weiß mittlerweile, dass sie Menschen eher spaltet statt eint, solange ihre Ökonomie ein Teil der Mechanik ist, die der Umverteilung von unten nach oben mit aufs Pferd hilft. Das Schlimmste, was sie tun kann, ist davor die Augen zu verschließen. Sie muss das Thema frontaler als bisher angehen und darf Brüche nicht symbolisch kitten, die tatsächlich systemisch sind. Dazu gehört, sich nicht vor den Karren einer kulturellen Befriedungspolitik spannen zu lassen, die kritische Avantgarden als Beweis einer offenen Gesellschaft zur Bühne führt. Diese Gesellschaft ist nicht offen. Sie ist ungleich, ungerecht und unsolidarisch. Und zwar von oben, von unten, und zunehmend auch aus der Mitte heraus. Seltener aus Vorsatz und Kalkül, oft aus Handlungszwang, manchmal aus rassistischen, sexistischen und faschistischen Überzeugungen. Und immer öfter aus Abstiegsangst, die nichts anderes ist als die Angst vor der Niederlage in einem zu unausgesprochenen, staatlich geförderten Klassenkampf, der längst auch gegen das Fundament der Zivilgesellschaft geführt wird. * Der Titel der Ausstellung zitiert ein Graffiti, das Tobias Zielony 2003 in Altenburg, Thüringen, fotografierte.
KOW Berlin

KOW | Brunnenstrasse 9
10119 Berlin

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posted 04. Nov 2018

Paola Pivi: Art with a View

13. Oct 201810. Mar 2019
OCT 13,2018-MAR 10,2019 Paola Pivi’s artistic practice is diverse and enigmatic. Her oeuvre appears to have been formed through multiple creative minds. Each piece poses questions and is defined by its openness to interpretation. She appropriates cultural symbols and transforms them in an art context. In 1997, as a student, Paola Pivi placed a truck on its side as part of the exhibition Fuori Uso (Pescara, Italy). Two years later, she installed an upside-down G-91 fighter jet in the Venice Biennale’s Arsenale, helping Italy win the coveted Golden Lion award for best national pavilion. In subsequent years, she has invited horses to the Eiffel Tower and a leopard to roam amongst cappuccino cups—documenting the experience through photography. Such ambitious and spectacular acts have come to define her art. These gestures are about freedom. They deliver unexpected visuals, which surprisingly also appear to be familiar. Included in the exhibition are Pivi’s anthropomorphic feather-covered polar bears; canvases of cascading pearls; video showing fish in flight on a passenger jet; and a 65-foot inflatable ladder. Nomadic by nature, Paola Pivi has lived in many unexpected places in the world, including the remote island of Alicudi in southern Italy, India, and Anchorage, Alaska. She is presently in Milan, Italy. Pivi first exhibited at Viafarini in Milan in 1995, the same year she enrolled in the Brera Academy of Art in Milan. In 2012, the artist was commissioned to create two original public artworks in New York City: “How I roll”, a project by Public Art Fund, a Piper Seneca airplane lifted on its wingtips and constantly rotating forward, installed near Central Park at Doris C. Freedman Plaza, and “Untitled (zebras)”, a striking image of zebras on a snow-covered mountaintop on the 25-by-75-foot High Line Billboard at West 18th Street. Like all of her photographs, this image is a live-action still, presented without digital intervention. Another of her photographs, “Untitled (donkey)”, shows a lonely donkey on a boat floating in the Mediterranean Sea. Pivi is included in the permanent collections of The Guggenheim Museum and the Centre Pompidou. Paola Pivi (b. 1971, Milan, Italy) has been the subject of numerous solo exhibitions including I did it again, SCAD, Savannah (2018), I am tired of eating fish, curated, La Rinascente, Italy (2017), Ma’am, Dallas Contemporary, Texas (2016), Tulkus 1880 to 2018, FRAC Bourgogne, France (2014), You started it … I finish it, National Gallery of Victoria, Australia (2014), Tulkus 1880 to 2018, Witte de With, Netherlands (2013), Share, But It’s Not Fair, Rockbund Art Museum, China (2012), How I roll, Public Art Fund, New York (2012), It’s a cocktail party, Portikus, Frankfurt, Germany (2008), and It just keeps getting better, Kunsthalle Basel, Switzerland (2007). Pivi has exhibited internationally at institutions including Stad Kortrijk, Belgium, Anchorage Museum, Alaska, Fondazione Prada, Italy, Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Germany, Whitechapel Gallery, United Kingdom, Fondazione Nicola Trussardi, Italy, Malmö Konsthall, Sweden, MOMA PS1, New York, and the XLVIII Biennale di Venezia, Italy.

artist

Paola Pivi 
Bass Museum of Art, Miami Beach °

The Bass | 2100 Collins Avenue
Florida 33139 Miami Beach

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posted 03. Nov 2018

Nicole Eisenman. Baden Baden Baden

03. Nov 201817. Feb 2019
opening: 02. Nov 2018 19:00
Nicole Eisenman. Baden Baden Baden Eröffnung: Freitag, 2. November 2018, 19 Uhr Dauer der Ausstellung: 3. November 2018 – 17. Februar 2019 Mit „Baden Baden Baden“ präsentiert die Staatliche Kunsthalle Baden-Baden die erste institutionelle Einzelausstellung von Nicole Eisenman in Deutschland. Seit ihrem Durchbruch in der New Yorker Kunstszene in den 1990er Jahren zählt die 1965 im französischen Verdun geborene Künstlerin zu den wichtigen Stimmen ihrer Generation. Zunächst als Künstler-Künstlerin und Geheimtipp geschätzt, gehört Nicole Eisenman mittlerweile zu den wenigen anerkannten Künstlerinnen, die unter den kommerziell erfolgreichen männlichen Malern mitmischt. Ihre großformatigen Gemälde und Zeichnungen sind bestimmt durch schwarzen Humor und eine vertiefte Reflexion der Geschichte, Kunstgeschichte und Popkultur. Virtuos spielt Nicole Eisenman mit Elementen aus den verschiedensten Zeiten, sie zitiert die Renaissancemalerei ebenso wie moderne Tendenzen und setzt dabei gezielt auch auf eine Antiästhetik und eine gewisse Rotzigkeit. Zudem vereint sie Politisches und Privates, Hoch- und Subkultur. So entstehen faszinierend narrative Werke mit eigenen formalen wie handwerklichen Setzungen – und das souverän in sämtlichen Medien. In der Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden legt Nicole Eisenman nun den Fokus auf ihr skulpturales Werk. Gezeigt werden über 20 Arbeiten aus den letzten Jahren, darunter elf neue, eigens für „Baden Baden Baden“ geschaffene Werke. Neben Skulpturen und Plastiken sind auch Gemälde, eine Videoarbeit sowie erstmals eine sechsteilige Serie von Holzreliefs zu sehen. Nicole Eisenman, geboren 1965 in Verdun (Frankreich), lebt und arbeitet in New York City (USA). In Deutschland erregte Eisenman zuletzt Aufsehen mit ihrer spektakulären Brunnenanlage für die Skulptur Projekte Münster (2017). Nicole Eisenman ist die diesjährige Brenners Artist in Residence. Unser herzlicher Dank gilt dem Brenners Park Hotel & Spa. Katalog: Zur Ausstellung erscheint eine Publikation im Verlag der Buchhandlung Walther König, Köln mit Texten von Hendrik Bündge und Hannah Black sowie Fotografien von Ryan McNamara.
Kunsthalle Baden-Baden

Staatliche Kunsthalle Baden-Baden | Lichtentaler Allee 8A
76530 Baden-Baden

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posted 02. Nov 2018

Antarktika. Eine Ausstellung über Entfremdung

25. Oct 201817. Feb 2019
Antarktika. Eine Ausstellung über Entfremdung MUSEUMSQUARTIER 25.10.2018 - 17.02.2019 In einer Skizze für einen Film notierte Michelangelo Antonioni: „Die Gletscher der Antarktis rücken jährlich drei Millimeter auf uns zu. Ausrechnen, wann sie ankommen. In einem Film vorhersehen, was dann passieren wird.“ Die Metapher der Kälte steht für eine tief empfundene Entfremdung. Bereits für die Soziologen um 1900 war Entfremdung ein beherrschendes Thema: die Entfremdung des Menschen von sozialen Bindungen durch Individualisierung, die Entfremdung von der Natur durch Urbanisierung, die Entfremdung von der Arbeit durch Technisierung. Für Philosophen wie Theodor W. Adorno wird Entfremdung dann auch in Hinblick auf die Rolle der Kunst in und für die Gesellschaft zu einem zentralen Begriff: Ohne Entfremdung gibt es keine Kunst, und letztlich verhindert nur die Kunst die totale Entfremdung. In den 1960ern ist es ausgerechnet der kulturrevolutionäre Protest gegen die „soziale Kälte“ und „Verhärtung“ der bürgerlichen Gesellschaft, die die Ideologeme des flexibilisierten Kapitalismus 2.0 antizipiert. Damit wird einer neuen Art von Entfremdung der Boden bereitet, die sich nunmehr einer umgekehrten Metaphorik öffnet: Auf Kälte und Erstarrung folgen Verflüssigung, Aufbruch und Dynamik – die Entfremdung in der nunmehr auf Selbstoptimierung abzielenden Gesellschaft jedoch bleibt. Antarktika blickt auf das der Entfremdung grundlegende Muster einer „Beziehung der Beziehungslosigkeit“ und spürt dem Begriff in seiner Aktualität sowie den daran geknüpften soziologischen Befunden in zahlreichen zeitgenössischen Werken nach. Angesprochen ist damit auch die Frage, welche anderen Formen des Welt- und Selbstbezugs es braucht, um überhaupt so etwas wie Raum für Selbstbestimmung und Selbstverwirklichung zu schaffen. Der Ausstellung vorgelagert ist ein Symposium zum Thema. Kurator/innen: Vanessa Joan Müller, Nicolaus Schafhausen
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posted 01. Nov 2018

THE MOST DANGEROUS GAME

27. Sep 201810. Feb 2019
THE MOST DANGEROUS GAME Der Weg der Situationistischen Internationale in den Mai 68 27.09.2018 - 10.2.2018 Eröffnung 26.09.2018 19:00 Zwischen 1957 und 1972 konzipierte die Situationistische Internationale (S.I.) zunächst eine „Revolutionäre Front in der Kultur“ und verlegte ihre Propaganda dann auf das politische Feld. Mit den Methoden des Spiels übte die Bewegung grundsätzliche Kritik am Spektakel der Warengesellschaft. In einer Zeit, in der marktwirtschaftliche Prinzipien zunehmend alle Lebensbereiche durchdringen, regt The Most Dangerous Game eine Neubetrachtung der Jahre an, in der die S.I. ihre Kritik formulierte. In Bezug auf eine verschollene Collage des S.I.-Mitbegründers Guy Debord erinnert der Ausstellungstitel einerseits an den revolutionären Ernst, mit dem die S.I. die Auseinandersetzungen der Nachkriegszeit radikalisierte. Andererseits betont er das Element des Spiels, das sie auf all ihren Wegen umtrieb. Als „Spielraum“ dienten ihnen die Großstadt und das Alltagsleben. Hier suchten sie die Konfrontation mit dem bürgerlichen System – ästhetisch durch eine „Konstruktion von Situationen“, theoretisch durch genaue Analysen der modernen Warengesellschaft. Den Auftakt der Ausstellung bildet die Bibliothèque situationniste de Silkeborg, ein Konzept, das Debord 1959 mit dem Maler Asger Jorn für dessen Museum in Dänemark skizzierte. Im HKW wird dieses unrealisiert gebliebene Projekt erstmals vollständig rekonstruiert. Ein Archiv der letzten Bilder zeigt Beispiele der malerischen Produktion dieser vielleicht letzten Avantgarde des 20. Jahrhunderts. Die Ausstellung thematisiert den Bruch mit der Kunst um 1962, als die S.I. sich von jenen Mitgliedern distanzierte, die an einer vor allem künstlerischen Praxis festhalten wollten. Sie folgt den Aktivitäten der S.I. bis zur Revolte im Mai 1968 in Frankreich, an der die S.I. wesentlich beteiligt war. Der Aufstand wurde nach einigen Wochen erstickt. Die bürgerliche Gesellschaft aber eignete sich die Themen der revoltierenden Jugend an und unterwarf in der Folge alle Bereiche des Lebens – auch die Sexualität – kapitalistischer Verwertung. The Most Dangerous Game schließt im Haus der Kulturen der Welt inhaltlich an die Diskussion des Surrealismus in der Ausstellung Neolithische Kindheit. Kunst in einer falschen Gegenwart, ca. 1930 ebenso an wie an die Neukartierung der Nachkriegsmoderne in Parapolitik. Kulturelle Freiheit und Kalter Krieg oder die fortschrittsgläubige Verschmelzung von Kunst und Wissenschaft im revolutionären Russland in Art Without Death: Russischer Kosmismus. Die Ausstellung The Most Dangerous Game legt Linien, die im Projekt bauhaus imaginista aufgenommen werden, das 2019 die Einflüsse und Rollen des Bauhauses im internationalen Kontext reflektieren wird. Mit Werken von Pierre Alechinsky, Karel Appel, Armando, Enrico Baj, CoBrA, Constant, Corneille, Guy Debord, Erwin Eisch, Ansgar Elde, Farfa, Lothar Fischer, Pinot Gallizio, Internationale Lettriste, Internationale Situationniste, Isidore Isou, Jacqueline de Jong, Asger Jorn, Jan Kotik, Laboratorio Sperimentale, Uwe Lausen, J.V. Martin, Giors Melanotte, Eva Renée Nele, Erik Nyholm, Panamarenko, Hans Platschek, Heimrad Prem, Ralph Rumney, Piero Simondo, Gruppe SPUR, Gretel Stadler, Hardy Strid, Helmut Sturm, H.P. Zimmer, Maurice Wyckaert u.a.m. Ein Projekt von Wolfgang Scheppe mit Roberto Ohrt und Eleonora Sovrani. THE MOST DANGEROUS GAME ist Teil der Berlin Art Week (26.-30.9.2018).
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posted 31. Oct 2018

Artificial Paradise? Immersion in Raum und Zeit

23. Sep 201829. Nov 2018
opening: 22. Sep 2018 15:30
Artificial Paradise? Immersion in Raum und Zeit 23.09.2018 - 29.11.2018 mit Banz & Bowinkel, Ivana Bašić, Paul Chan, Frauke Dannert, Harun Farocki, Olga Fedorova, Johann Kniep, Marc Lee, Manuel Roßner, Gerriet K. Sharma, Jakob Kudsk Steensen, Addie Wagenknecht kuratiert von Jürgen Dehm Pressegespräch: 21.09.2018 12 Uhr Eröffnung: 22.09.2018 15:30 Uhr Dank an: Danish Arts Council, Kopenhagen; Pro Helvetia, Schweizer Kulturstiftung, Zürich; sonible GmbH, Graz im Rahmen von steirischer herbst Shuttle zur Eröffnung am 22.9., Wien–Graz–Wien: streicher@steirischerherbst.at ermäßigter Eintritt mit dem steirischer herbst Festivalpass: 2 € Im Herbst 2018 widmet sich das Künstlerhaus, Halle für Kunst & Medien dem Eintauchen in künstliche Welten. Mit einem Blick zurück nach vorn werden in „Artificial Paradise? Immersion in Raum und Zeit“ immersive Arbeiten von zwölf internationalen Künstler_innen aus den letzten Jahren mit eigens für die Ausstellung entstandenen Neuproduktionen zusammengeführt. Das Eintauchen in ein Bild, in dessen Imaginationsraum, ist ein Anliegen, das sich in der Kunstgeschichte weit zurückverfolgen lässt. Aktuell sind es vor allem die neusten Technologien der Virtual Reality, die einen Eintritt in alternative Wirklichkeiten ermöglichen. Doch welche Aspekte sind für junge Kunstschaffende heute ausschlaggebend, sich mit Immersion auseinanderzusetzen? Wie sind die jüngst konzipierten artifiziellen Welten beschaffen? Und mit welchen künstlerischen Ansätzen schickten sich Künstler_innen in der jüngeren Vergangenheit an, die Grenze zwischen faktischer Wirklichkeit und dem virtuellen Raum zu überwinden? Die Ausstellung nimmt insbesondere die Schwelle des Eintauchens in die künstlich erschaffenen Welten in den Blick. Während etwa die ältere Landschaftsmalerei vor allem eine imaginäre Teilhabe an illusionistisch-idealistischen Naturwelten bot, zielen die jüngsten Arbeiten in der Virtual Reality auf eine möglichst vollständige Absorption der Betrachter_innen ab. Buchstäblich vollzogen werden kann der Eintritt in artifizielle Umgebungen in Rauminstallationen oder Environments mit Sound. Auch die künstlerische Auseinandersetzung mit dem Verhältnis von Analogem und Digitalem sowie von immersivem Medieneinsatz und militärisch-politischen Strategien werden in der Ausstellung thematisiert. Gerade die eigens für die Ausstellung angefertigten Neuproduktionen, die sich auf das Künstlerhaus und seine elegante Architektur beziehen, bieten den Besucher_innen die Möglichkeit, ihre Erfahrungen in der faktischen Wirklichkeit denen im virtuellen Raum gegenüberzustellen. Die Grenze zwischen planer Bildfläche und illusionistischer Räumlichkeit tritt auch in den in der Ausstellung gezeigten Lentikulardrucken deutlich hervor. Der Kippeffekt dieser Linsenrasterbilder erzeugt bei einer Veränderung des Blickwinkels eine alternative Ansicht, erweckt so also den Eindruck von Bewegung und Dreidimensionalität. Das Künstlerhaus, Halle für Kunst & Medien folgt mit dieser Ausstellung konsequent seiner Programmatik, widmet sich also dem zeitaktuellen Umgang mit Medientechnologien in der Kunst. Im Panorama künstlicher Welten der letzten Jahre sind die Schwellen des Übergangs in unterschiedlich starker Ausprägung nachvollziehbar. Doch vermag der an die Entwicklung der Technologie geknüpfte Fortschrittsglaube paradiesische Zustände herbeizuführen? Oder evozieren die nahezu perfekten virtuellen Welten auch Verunsicherung und Erstarrung? Denn schon die Überhöhung des Schönen zum Erhabenen, wie es insbesondere an der romantischen Landschaftsmalerei festgemacht wurde, birgt durch seine Unerreichbarkeit bekanntlich auch Schrecken und Furcht. Und auch die Überlegungen zum „Uncanny Valley“ beruhen schließlich auf der Feststellung, dass künstlich erzeugte Körper und Figuren ab einem gewissen Grad an anthropomorpher Ähnlichkeit drastisch an Akzeptanz durch die Rezipient_innen verlieren. „Artificial Paradise? Immersion in Raum und Zeit“ möchte zu Mutmaßungen und Spekulationen über zukünftige artifizielle Welten anregen. Damit stellt die Ausstellung letztlich auch die Frage, wie die künstlichen Paradise der Zukunft beschaffen sein könnten. Rahmenprogramm donnerstags, 18 Uhr 27.09. Vortrag, Jürgen Dehm (Kurator, Künstlerhaus, Halle für Kunst und Medien, Graz) 04.10. Vortrag, Jenny Nachtigall (Kunsthistorikerin, Akademie der Bildenden Künste, München) 11.10. Round table mit Gerriet K. Sharma (Klangkünstler und Komponist, Graz), Constantinos Miltiadis (Theoretiker, TU Graz), Elisabeth Fiedler (Leiterin Abteilung Kunst im Außenraum, Universalmuseum Joanneum, Graz) 18.10. Vortrag, Christian Stiegler (Dozent, Brunel University, London) 08.11. Filmschau, „Welt am Draht" (Rainer Werner Fassbinder, 1973) 15.11. Präsentation, Institut für Elektronische Musik und Akustik - IEM (Kunstuniversität Graz) 22.11. Performance, Marc Lee (Künstler, Zürich) 29.11. Vortrag, Sabine Flach (Kunsthistorikerin, Karl-Franzens-Universität Graz)
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posted 30. Oct 2018

Alina Schmuch: The Inner Office

16. Sep 201818. Nov 2018
opening: 15. Sep 2018 19:00
**BEGLEITPROGRAMM** Mittwoch, 14. November, 19 Uhr Künstler*innengespräch mit Alina Schmuch Event held in German In diesem Künstler*innengespräch redet Alina Schmuch gemeinsam mit Nadja Quante über ihre Videoarbeit The Inner Office und deren Entstehungsprozess und gibt Einblick in ihre vorherigen Arbeiten wie Scripts of Demolition oder We can. Ausgehend von der Fotografie und ihrer Erweiterung im Medium Film untersucht Alina Schmuch in ihren Arbeiten die Wechselwirkung zwischen Bildmedien und Realität. Was können wir durch den Blick der Kamera erkennen, was dem bloßen Auge verborgen bleibt? Wiederkehrende Themen in ihren Arbeiten sind die Betrachtung von räumlichen und diskursiven Strukturen, die zur Verbesserung von Prozessen dienen. Schmuch nimmt eine beobachtende Position ein, die es dem Betrachter ermöglicht, alltäglich wirkende Situationen distanzierter zu betrachten und Strukturen klarer zu erkennen. The Inner Office ist die erste institutionelle Einzelausstellung der Künstlerin. Das Gespräch bildet den Abschluss des Rahmenprogramms zu ihrer Einzelausstellung. 31.10.2018 19 Uhr Lesung mit Timo Hinze: Die flüssige Fabrik 18 Uhr Kuratorinnenführung mit Nadja Quante Event held in German Im Rahmen der Ausstellung von Alina Schmuch liest der Künstler Timo Hinze aus seinem Künstlerbuch Die flüssige Fabrik, das 2014 bei Spector Books in Leipzig erschienen ist. In Die Flüssige Fabrik, fragt Hinze nach dem Verhältnis von Arbeit und Subjektivität: Was bindet eine Person an ihre Arbeit? Welche Qualitäten besitzt diese Bindung? Und welche individuell erlebten Belastungen können aus dieser Bindung resultieren? Timo Hinze (*1985 in Hamburg) studierte an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig. Er erwarb 2013 mit Die flüssige Fabrik sein Diplom im Studiengang Buchkunst/Grafik-Design bei Oliver Klimpel. Vorher, um 18 Uhr, führt die künstlerische Leitung und Kuratorin, Nadja Quante durch die Ausstellung von Alina Schmuch. * **AKTUELLE AUSSTELLUNG** Alina Schmuch: The Inner Office 16.09.2018 – 18.11.2018 Eröffnung: Samstag, 15.09.2018 19:00 Uhr Begrüßung: Nicole Nowak, Geschäftsführung Einführung: Nadja Quante, Künstlerische Leitung Alina Schmuch präsentiert mit „The Inner Office“ eine neue Videoarbeit, die sich mit der Gestaltung innerer und äußerer Prozesse in neuen Arbeitswelten beschäftigt. Wie manifestieren sich ganzheitliche Entwürfe von Arbeit, die persönliche Entfaltung und Individualität in den Mittelpunkt stellen, in Architektur, Sprache und Design? Mit einem feinsinnigen, distanzierten Blick filmt Schmuch Arbeitsräume in Headquartern von Unternehmen aus den Kreativ- und High Tech-Industrien, Coworking Spaces sowie Workshops und Seminare zu Leadership, Storytelling und der Zukunft der Arbeit. Die Künstlerin zeigt visuelle, architektonische und sprachliche Strukturen, in denen ein ganzheitliches Denken, Spiritualität sowie Konzepte der Empathie und Achtsamkeit in Erscheinung treten, welche sich die globalisierte Arbeitswelt aus der kulturellen Sphäre und den Gegenbewegungen der 1960er- und 70er-Jahren angeeignet hat. Schmuchs Arbeit reflektiert die Strukturen, die der Optimierung von Arbeitsprozessen dienen, während die Arbeit selbst zunehmend unsichtbar wird. In der Ausstellung überführt die Künstlerin neue Filmaufnahmen aus ihren umfangreichen Recherchen in Deutschland, Kalifornien und auf den Philippinen in eine installative Mehrkanal-Videoarbeit. Ausgehend von der Fotografie und ihrer Erweiterung im Medium Film untersucht Alina Schmuch in ihren Arbeiten die Wechselwirkung zwischen Bildmedien und Realität. Was können wir durch den Blick der Kamera erkennen, was dem bloßen Auge verborgen bleibt? Die Ausstellung ist die erste institutionelle Einzelausstellung der Künstlerin.

artist

Alina Schmuch 
Künstlerhaus Bremen °

KÜNSTLERHAUS BREMEN | Am Deich 68/69
28199 Bremen

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