daily recommended exhibitions

posted 14. Oct 2019

Allora & Calzadilla

13. Sep 201902. Nov 2019
Allora & Calzadilla 13.09.2019 - 02.11.2019 Gladstone Gallery is pleased to announce Cadastre, an exhibition of new works by Allora & Calzadilla and the duo's third exhibition with the Gallery. The exhibition revisits the Surrealist encounter with the anti-colonial movement in the Caribbean to consider present forms of coloniality and its relation to climate justice. The artists have taken inspiration from the radical and transformative collection of poems by Martinican poet and politician Aimé Césaire under the same name. The term “cadastre” refers to the means by which the territorial limits of private property are publicly registered. Taking cue from the powerful mechanics of Césaire’s writing, Allora & Calzadilla’s exhibition Cadastre brings together three works all informed by a poetics of mark making, traces, and survival. In April 1941, the anti-colonial Martinican poets and theoreticians Susanne and Aimé Césaire, founders of the literary journal Tropiques, met with a group of artists and intellectuals fleeing Nazi-occupied France, whose boat had temporarily docked at the West Indian port of Fort-de-France. The refugees included Helena Benitez, André Breton, Wifredo Lam, Jacqueline Lamba, Claude Lévi-Strauss, André Masson, and Victor Serge, among others. Penumbra takes as its point of departure the now mythic hikes the group took in the gouffre d'Absalom valley in Martinique, which served in part as inspiration for Lam's masterpiece, The Jungle. Penumbra is a soundscape of "shadow tones," a psycho-acoustic phenomenon perceived when two real tones create the semblance of a third. The original musical composition by David Lang uses nonlinear distortion of violin sounds to evoke the sensation of walking through that tropical forest. In Graft, thousands of blossoms of the Tabebuia chrysantha tree, a common native species in the Caribbean, appear as though a wind had swept them across the gallery floor. Graft alludes to environmental changes set in motion through the interlocking effects of colonial exploitation and global climatic transformation. Systemic deforestation and depletion of the Caribbean's original flora and fauna is one of the primary legacies of colonialism. Nevertheless, the Caribbean remains a biodiversity hotspot and, along with thirty-five other hotspots worldwide (which amount to just 2.4% of the earth's land surface), supports nearly 60% of the world's plant, bird, mammal, reptile, and amphibian species. As rising global temperatures result in more frequent and violently destructive weather, adding even more pressure to the Caribbean, the uncanny presence of tropical tree blossoms in Graft stands as a potent harbinger for the immeasurable losses that continue unabated after centuries of colonial plunder. Measuring 6 feet in height and 70 feet in length, and covering the east and south walls, the exhibition's eponymous work, Cadastre takes electromagnetism as its subject and medium. To make the work, Allora & Calzadilla dropped iron filings on top of a canvas and placed it above an array of copper cables connected to an electrical breaker in the artists' studio in San Juan, which gets its power from the Puerto Rico Electric Power Authority. When the breaker is turned on, the electrical current causes the iron particles to self-organize into a composition of lines and shapes governed by the electromagnetic field. As the Latin title and full subtitle (Meter Number 18257262, Consumption Charge 36.9kWh x $0.02564, Rider FCA-Fuel Charge Adjusted 36.9 kWh x $0.053323, Rider PPCA-Purchase Power Charge Adjusted 36.9kWh x $0.016752, Rider CILTA-Municipalities Adjusted 36.9kWh x $0.002376, Rider SUBA Subsidies $1.084) suggest, the work probes the propriety politics of electricity and the power grid. Cadastre is part of a continuum of multiple sites and actors that the artists are probing through their artistic process working with electricity, from the oil futures market, to the transnational holders of PREPA bond debt, to the local consumers who are forced to pay for the recently privatized power company’s fiscal mismanagement. Jennifer Allora (b. 1974, Philadelphia) and Guillermo Calzadilla (b. 1971, Havana) live and work in San Juan, Puerto Rico. Solo exhibitions have taken place at Serpentine Gallery, London; Kunsthalle Zürich, Zürich; Stedelijk Museum, Amsterdam; Haus derKunst, Munich; MoMA - Museum of Modern Art, New York; the Castello de Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Turin; Philadelphia Museum of Art, Philadelphia; MAXXI, Rome; Fundacio Antoni Tapies, Barcelona; Walker Art Center, Minneapolis; Renaissance Society, Chicago; Palais de Tokyo, Paris; Guggenheim Bilbao, Spain; and many others. Allora & Calzadilla represented the United States at the 54th Venice Biennale in 2011. In 2015, they made the site-specific installation Puerto Rican Light (Cueva Vientos), a Dia Art Foundation commission on the southern coast of Puerto Rico. They are preparing a large solo show at the Menil Collection in Houston which opens May 2020.
Gladstone Gallery, New York

515 West 24th Street
NY-10011 New York

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posted 13. Oct 2019

Asta Gröting. Where Do You See Yourself In 20 Years?

22. Sep 201924. Nov 2019
opening: 21. Sep 2019 05:00 pm
Asta Gröting. Where Do You See Yourself In 20 Years? 22.09.2019 – 24.11.2019 Vernissage: Sa 21.09.2019 17:00 Die Ausstellung vereint die frühen Arbeiten Asta Grötings, die das Innen nach aussen kehren, und neue Skulpturen und Videos, in de-nen die Künstlerin die physische und psychische Dekonstruktion des menschlichen Körpers be-fragt. Ob mit dem Abbilden des Raums, welcher durch die Körper von Liebespaaren während des Geschlechtsverkehrs geschaffen wird, oder dem Sichtbarmachen der Einschusslöcher, die sich im Zweiten Weltkrieg in die Gebäudefas-saden Berlins eingeschrieben haben, offenbart Gröting das Innere der Dinge. Sie unterwandert den Duktus monumentaler Skulptur und lenkt unseren Blick auf das nicht Vorhandene sowie auf körperliche und emotionale Lücken und Brüche zwischen Menschen und Dingen. Familienmitglieder, Freunde oder historische Persönlichkeiten dienen Gröting als Modelle, anhand derer sie mit ihrer medienübergreifen-den Arbeit abstrakte Qualitäten wie Gedanken, Intimität, Würde, Konflikt und Subjektivität untersucht. Mit ihrer kontinuierlichen Ausei-nandersetzung mit Lücken, Innenräumen und Innereien hinterfragt sie den Körper als soziales Konstrukt konzeptionell und emotional: Indem sie ihm etwas wegnimmt und dieser Abwe-senheit erlaubt, Inhalt zu sein. Auch die drei neuen Videos thematisieren das Verhältnis von Gegenstand und Körper: Die Künstlerin setzt alltägliche Objekte und banale Handlungen in Szene und fokussiert damit deren eindringliche Präsenz und berührende Intensität. Gross-formatig projiziert, erinnern sie an Tableaux vivants oder an Stillleben Alter Meister.

artist

Asta Gröting 

curator

Felicity Lunn 
Pasquart Kunsthaus, Biel/Bienne

Faubourg du Lac 71-75
CH-2502 Biel/Bienne

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posted 12. Oct 2019

HANNAH RYGGEN. GEWEBTE MANIFESTE

26. Sep 201912. Jan 2020
HANNAH RYGGEN. GEWEBTE MANIFESTE 26.09.2019 - 12.01.2020 Hannah Ryggen webt Geschich­ten von verblüf­fen­der Aktua­li­tät. Ihre monu­men­ta­len Wand­tep­pi­che grei­fen mutig die grund­le­gen­den Themen des Lebens in unse­rer Gesell­schaft auf: die Gräu­el­ta­ten des Krie­ges, Macht­miss­brauch, unser Ange­wie­sen­sein auf die Natur und die Verbin­dung zu unse­ren Fami­lien und Mitmen­schen. Von einem klei­nen autar­ken Bauern­hof an der West­küste Norwe­gens aus schuf die schwe­disch-norwe­gi­sche Künst­le­rin ein eindrucks­vol­les, poli­tisch inspi­rier­tes Werk. Sie lancierte bild­li­che Angriffe auf Hitler, Franco und Musso­lini und setzte sich deut­lich hörbar für die Opfer von Faschis­mus und Natio­nal­so­zia­lis­mus ein. Die SCHIRN präsen­tiert – anläss­lich des Ehren­gast­auf­tritts Norwe­gens auf der Frank­fur­ter Buch­messe 2019 – eine große Einzel­aus­stel­lung, die dem Publi­kum in Deutsch­land erst­mals einen umfas­sen­den Einblick in Ryggens OEuvre gewährt. In den rund 25 gezeig­ten Tapis­se­rien wird Hannah Ryggen auch als Vertre­te­rin einer ande­ren Art von Moderne vorge­stellt, in der sich Elemente aus Volks­kunst und Mytho­lo­gie mit Themen des gegen­wär­ti­gen Lebens mischen. Dabei erkun­dete sie ein ganz neues Spek­trum von Moti­ven und verwen­dete ein tradi­tio­nel­les Medium für ein neuar­ti­ges Ziel: der Öffent­lich­keit mit Wand­tep­pi­chen, die von Ort zu Ort bewegt werden konn­ten, ihre star­ken poli­ti­schen Botschaf­ten mitzu­tei­len. Die Ausstel­lung wird von NORLA Norwe­gian Lite­ra­ture Abroad und der Spareb­ank­stif­tel­sen DNB unter­stützt. NORLA ist der Veran­stal­ter Norwe­gens als Ehren­gast der dies­jäh­ri­gen Frank­fur­ter Buch­messe. Die Ausstel­lung Hannah Ryggen ist Teil des norwe­gi­schen Kultur­pro­gramms des Ehren­gasts.

artist

Hannah Ryggen 
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posted 11. Oct 2019

steirischer herbst '19 - Grand Hotel Abyss

20. Sep 201928. Nov 2019
Orte: Die Großausstellung „Grand Hotel Abyss“ findet an verschiedenen Orten in der Stadt Graz statt. * **steirischer herbst '19 - Grand Hotel Abyss** Jasmina Cibic, Jeremy Deller, Ian Hamilton Finlay 20.09.2019 — 28.11.2019 Presseführung: 19.09.2019, 13:00 Welcome / Artist Talk: 21.09.2019, 17:00 In Kollaboration steirischer herbst '19 und Künstlerhaus, Halle für Kunst & Medien Kurator_innen: Ekaterina Degot, Christoph Platz, David Riff Förderung Jasmina Cibic: ERSTE Stiftung Der Titel des diesjährigen steirischen herbst lautet „Grand Hotel Abyss“ (Grand Hotel Abgrund) – eine schlagende Metapher, die der Philosoph Georg Lukács prägte. Lukács beschrieb die europäische Szene der Intellektuellen und Kulturschaffenden als „ein schönes, mit allem Komfort ausgestattetes modernes Hotel am Rande des Abgrunds, des Nichts, der Sinnlosigkeit. Und der tägliche Anblick des Abgrunds, zwischen behaglich genossenen Mahlzeiten oder Kunstproduktionen, kann die Freude an diesem raffinierten Komfort nur erhöhen.“ Lukács ́ Bild entspricht der Selbstdarstellung von Graz und dem umliegenden österreichischen Bundesland Steiermark als Genussregion, als kulinarische und ästhetische Wohlfühlzone. Graz und die Steiermark gehören zu den zahlreichen Blasen aus gehobener Gastronomie, Wellness und Bio-Komfort, die in Zeiten zunehmender Ungleichheit entstehen – Orte, die maßgeschneidert sind für Geschäftsreisende und Kulturtourist_innen, wo das Lob traditioneller Erzeugnisse beängstigende, kryptonationalistische Untertöne haben könnte und der Abgrund der radikalen gesellschaftlichen Exklusion, der Wirtschaftskrise und des entfesselten militärischen Konflikts lauert und in Zeitlupengeschwindigkeit näherkommt. „Grand Hotel Abyss“ nimmt in einer Großausstellung an verschiedenen Orten in der Stadt Graz diese Situation als Ausgangspunkt für eine umfassendere Betrachtung des Hedonismus in Zeiten der nahenden Apokalypse. Das Festival blickt zurück auf seine Vorgeschichte in den turbulenten Tagen des beginnenden Kalten Krieges, als britische Offiziere, darunter auch der junge John le Carré, das Hotel Wiesler – das damals einzige wirkliche Grand Hotel der Stadt – übernahmen und ihr Hauptquartier im Palais Attems aufschlugen, in dem sich heute das Büro des steirischen herbst befindet. Im Rahmen des umfangreichen Projektes „Grand Hotel Abyss“ kollaboriert der steirische herbst und das Künstlerhaus – Halle für Kunst & Medien anhand von drei künstlerischen Positionen, deren Arbeiten mit der Idee „spielen“, den Bau des Künstlerhauses als ein Abschiedsgeschenk der in der Nachkriegszeit in der Steiermark positionierten britischen Alliierten zu sehen. Dieses Gerücht wirft ein neues Licht auf die Entstehungsgeschichte der Institution und deren über Jahrzehnte wechselvoll geplanten und schließlich 1952 unter Schirmherrschaft des Landes Steiermark und mit Unterstützung der Stadt Graz, des Bundes und der lokalen Künstlerschaft realisierten spätmodernen Bau. Die britische Alliierten legten ihren für den Aufbau der 2. Republik so wichtigen Schwerpunkt neben allgemeinen administrativen Tätigkeiten auf den Wiederaufbau des Rechtsstaates, der Re-Demokratisierung und Ent-Nazifizierung, wobei eine kosmopolitisch ausgerichtete Kulturpolitik eine nicht zu unterschätzende begleitende Rolle spielte, die der regionalen Bevölkerung und den Künstler_innen den zu Zeiten des Austro-Faschismus und Nationalsozialismus untersagten Zugang zur Moderne ermöglichte und einen internationalen Austausch anregte. Jasmina Cibics Videoinstallation „Das Geschenk – 1. Akt (2019)" ist das erste Kapitel ihrer neuesten poetischen Studie über die unzähligen politisch motivierten Schenkungen, die sich in der Kunst- und Architekturgeschichte Europas finden lassen – im Besonderen in Zeiten des Wiederaufbaus nach gesellschaftlichen Krisenmomenten. So hält sich übrigens auch in Graz hartnäckig das Gerücht, das Künstlerhaus sei ein „Abschiedsgeschenk“ der britischen Besatzungstruppen gewesen. Cibic wiederum geht der Frage nach, wie Kultur – getarnt als Spende – zum trojanischen Pferd werden kann. Einige besonders spektakuläre Bauschenkungen in ihrem Film werden zur Kulisse für einen allegorischen Wettstreit der personifizierten Kunstgattungen, die sich einer fiktiven gespaltenen Nation als perfektes Geschenk anbieten. Beurteilt werden ihre eifrigen Leistungen von einer Jury der vier Grundfreiheiten aus Franklin D. Roosevelts berühmter Rede, die er unmittelbar vor dem Einstieg der USA in den Zweiten Weltkrieg hielt. Diese Schiedsrichter_innen werden im Laufe des Wettbewerbs immer aggressiver, die Komplizenschaft von Kultur und Politik erweckt in ihnen den Hang zum Populismus. Am Ende ist ihr Urteil vernichtend: Besser, man trennt völlig zwischen Staat und Kultur – mit allen Konsequenzen. In ihrem Film verfolgt Cibic diesen imaginären Wettbewerb. Eine Metallskulptur versinnbildlicht darin das perfekte Geschenk, das mit folgendem Spruch, der aus den politischen Debatten um einen der Drehorte des Films hervorging, versehen ist: „Alles, was ihr begehrt, und nichts, wovor ihr Angst hättet“. Absurder Fremdenhass, irre Sehnsucht nach Abschottung: In seiner neuen Videoarbeit „Putin’s Happy" (2019) verschafft uns Jeremy Deller Einblick in die Verbreitung von Rechtspopulismus und möglicherweise auch Faschismus in Großbritannien. Er nimmt sich den fehlgeleiteten Patriotismus vor, der zum Ergebnis des Brexit-Referendums beigetragen hat und der unter rechtsgerichteten Kontinentaleuropäer_innen – so auch in Österreich – weit verbreitet ist. Als lautstarker Gegner des britischen Austritts aus der EU war Deller auch direkt politisch aktiv, etwa mit einer „Fuck Brexit“-T-Shirt-Kampagne, die viel Aufmerksamkeit erregte. Der Künstler erforscht den faulen Zauber britischer Nationalmythen und politischer Geschichte, die die heutige Situation in seinem Land hervorgebracht haben. In diesem Film konzentriert er sich auf groteske Details und den exzentrischen Dekor der Fantasiewelt britischer Populist_innen, dessen tragikomische Wirkung auf die Realität in den täglichen Aufmärschen seiner Demonstrant_innen sichtbar wird. Eigens von Deller gestaltete Anti-Brexit-Banner leiten die Installation ein und setzen so sein unverwechselbares und jahrelanges künstlerisches Engagement in politischen Kämpfen auf einer weiteren Ebene fort. Ian Hamilton Finlays künstlerisches Werk, hier durch eine Auswahl von Leihgaben wie Druckgrafiken, Objekten und Aphorismen (1973–2003) präsentiert, kreist um die Ambivalenz eines Klassizismus, der einerseits in engem Zusammenhang mit den demokratischen Idealen der französischen Revolution stand, andererseits als Neoklassizismus im 20. Jahrhundert als totalitäre Ästhetik angeeignet wurde. Dieser Zweischneidigkeit nimmt Finlay sich herausfordernd an. Aus Fragmenten klassizistischer Kunst werden Bilderwitze, kommentiert mit Gedichtzeilen, Inschriften und Anagrammen, die die Geschichte der Revolution und ihre Instrumentalisierung der antiken Kunst und Architektur reflektieren. Finlay erkennt im Klassizismus nicht nur Spuren der Militarisierung, sondern umgekehrt auch klassizistische Elemente in ästhetisch ansprechenden Maschinen samt Tarnmustern, wie sie in heutigen Kriegen verwendet werden. Finlay reiste selten und verbrachte den größten Teil seines Lebens damit, an einer Garteninstallation in Schottland zu arbeiten, der er den sarkastischen Titel „Little Sparta" gegeben hat – im Bemühen um einen größtmöglichen Gegensatz zum schottischen Edinburgh, das sich wegen seiner Lage am Meer und seiner Dichte an klassizistischen Bauten gern „Athen des Nordens“ nennt. Hier verwirklichte er viele der in seinen Drucken gezeigten, poetischen Thesen und spickte seinen weitläufigen Garten mit Steintafeln auf Bäumen, klassischen Fragmenten, „Flugzeugträger-Vogelhäusern“ und „Bienenstock-Schlachtschiffen“. Nach außen konservativ und nach innen radikal-trotzig, kommentiert seine Arbeit im Kontext ihrer Präsentation im Künstlerhaus, Halle für Kunst & Medien, auch das Gerücht, das Gebäude sei ein Geschenk der britischen Besatzungstruppen gewesen.
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posted 10. Oct 2019

Eija-Liisa Ahtila. Skulptur in Zeiten des Posthumanismus

28. Sep 201926. Jan 2020
opening: 28. Sep 2019 04:00 pm
Eija-Liisa Ahtila. Skulptur in Zeiten des Posthumanismus 28. September 2019 bis 26. Januar 2020 Eröffnung: Samstag, 28. September, 16 Uhr Die Erzählungen der finnischen Künstlerin Eija-Liisa Ahtila eröffnen uns neue Welten. Sie verwebt realistische und fiktive Elemente zu fesselnden Geschichten und ikonischen Bildern, die uns im Gedächtnis bleiben. In ihren neuesten Werken beschäftigt sie sich mit unserer Beziehung zur Umwelt: Ahtila plädiert dafür, eine Weltsicht zu überwinden, die den Menschen in den Mittelpunkt stellt. Denn für sie ist die menschliche Welt nur eine von vielen parallel existierenden. Unter dem Titel „Skulptur in Zeiten des Posthumanismus“ präsentiert das Duisburger Lehmbruck Museum ihre neuesten Installationen zum ersten Mal in Deutschland. Die Ausstellung gibt mit selten gezeigten Skulpturen, Filmen und raumgreifenden Videoinstallationen einen umfassenden Einblick in das Gesamtwerk Ahtilas, die seit ihrer großen Einzelausstellung in der Londoner Tate Gallery und ihrer Teilnahme an der documenta 11 in Kassel im Jahr 2002 zu den international renommiertesten Künstlerinnen gehört. In ihren Arbeiten beschäftigt sie sich mit grundlegenden menschlichen Erfahrungen wie Liebe, Trennung, Gewalt, Pubertät, Tod, psychischen Ausnahmezuständen und unserer Beziehung zur Natur. Als Pionierin hat Ahtila multimediale Rauminstallationen entworfen, die das Geschehen auf mehreren Bildflächen präsentieren. Der nicht-lineare Erzählfluss bringt uns dazu, unseren eigenen Standpunkt immer wieder zu wechseln, um so die Welt aus unterschiedlichen Perspektiven zu sehen. Ihr jüngstes Werk, das sich mit der Theorie des Posthumanismus beschäftigt, kommentiert die Künstlerin so: „In meinen neueren Arbeiten liegt der Schwerpunkt darauf, den Anthropozentrismus des bewegten Bildes zu hinterfragen. Ich lote aus, wie die Sprache des Films benutzt werden könnte, um im Angesicht einer sich beschleunigenden globalen Erwärmung und des massenhaften Aussterbens nichtmenschlichen Lebens ein ausgewogeneres Bild unseres Planeten und unserer heutigen Realität zu schaffen.“ „Eija-Liisa Ahtila ist eine meisterhafte Erfinderin neuer Formen des Erzählens“, so Dr. Söke Dinkla, Direktorin des Lehmbruck Museums. „Angesichts der aktuellen ökologischen und gesellschaftlichen Herausforderungen arbeitet sie an einer neuen Bildsprache, um unsere dominante Position in der Welt zurechtzurücken.“ Mit ihrer Erzählweise und ihren raumgreifenden Videoinstallationen hat Ahtila nachfolgende Künstlergenerationen maßgeblich beeinflusst. Ihre Arbeiten werden auf internationalen Filmfestivals und in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen – in Ländern wie Frankreich, England, Spanien, den USA, Kanada oder Mexiko – gezeigt und sind in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen weltweit, z. B. dem MoMA in New York, der Tate Modern in London, dem Mori Art Museum in Tokyo und dem Moderna Museet in Stockholm, vertreten. * Statements der Förderer „Dass sich die Art und Weise, wie wir unsere Umwelt wahrnehmen, sehr verändert hat, sehen wir vor allem, wenn wir junge Menschen beobachten. Ein großer Teil der Kommunikation passiert heute in und mit den digitalen Medien. Es liegt daher auf der Hand, dass sich mit unserer Umwelt auch die Kunst verändert. Es freut uns sehr, dass wir das ungewöhnliche Werk einer der herausragenden Erneuerinnen der Skulptur in Duisburg präsentieren können“, so Oberbürgermeister Sören Link und Kulturdezernent Thomas Krützberg. Die Ausstellung wurde erst mit der großzügigen Unterstützung der Kulturstiftung des Bundes möglich. „In Finnland und an vielen anderen Orten der Welt arbeitet Eija-Liisa Ahtila an Filmen, Videoinstallationen, Skulpturen und Raumsystemen, die ganz bewusst an anthropologischen Grundfesten rütteln: Was sind die Grenzen menschlicher Wahrnehmung?“ so Hortensia Völckers und Alexander Fahrenholtz. „Die Kulturstiftung des Bundes dankt der Künstlerin sowie dem Museum unter der Leitung von Dr. Söke Dinkla und der Kuratorin Dr. Bettina Dunker mitsamt ihrem Team für die Idee und Gestaltung einer Retrospektive, der wir viel Erfolg und ein großes, experimentierfreudiges Publikum wünschen.“ Unser herzlicher Dank gilt darüber hinaus dem Landschaftsverband Rheinland (LVR) und der finnischen Stiftung Frame für ihre Förderung der Ausstellung. * „Die Welt neu denken“ könnte auch der Titel dieser Ausstellung sein. Unter diesem Motto begehen das Land Nordrhein-Westfalen und die für die Landschaftliche Kulturpflege zuständigen Landschaftsverbände Rheinland (LVR) und Westfalen-Lippe (LWL) das 100-jährige Bauhaus-Jubiläum. „Während das Bauhaus auf die Herausforderungen der Industrialisierung reagierte, thematisieren Ahtilas Arbeiten die Themen des 21. Jahrhunderts, die sich aus unserem Verhältnis zur Umwelt ergeben“, so erklärt Prof. Dr. Thomas Schleper, LVR-Fachbereichsleiter und Mitglied des Lenkungskreises "100 jahre bauhaus im westen", den Zusammenhang der beiden von einem ganzen Jahrhundert getrennten Denkansätze. * Die Künstlerin Eija-Liisa Ahtila, geboren 1959 in Hämeenlinna in Finnland, gehört spätestens seit ihrer großen Einzelausstellung in der Londoner Tate Gallery und ihrer Teilnahme an der documenta 11 in Kassel im Jahr 2002 sowie an den Biennalen in Venedig 1999 und 2005 zu den international bekanntesten Medienkünstlerinnen. Sie hat renommierte Auszeichnungen erhalten, darunter den Vincent Award für zeitgenössische Kunst, den Artes Mundi Preis für bildende Kunst und die Prins Eugen-medaljen für herausragende künstlerische Leistungen. Nach zehn Jahren ist Ahtilas Werk erstmals wieder umfassend in Deutschland zu sehen. * Einzelausstellungen (Auswahl) 2018 M - Museum Leuven; 2017 Salon Dahlmann, Berlin und Museo de Arte Contemporáneo, La Coruna; 2016 Guggenheim Bilbao; 2013 KIASMA Museum of Modern Art, Helsinki; 2012 Moderna Museet, Stockholm; 2010 DHC/ART Foundation for Contemporary Art, Montreal; 2009 Museum of Modern Art Aalborg; 2008 Jeu de Paume, Paris und K21 Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf; 2006 Museum of Modern Art, New York und Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, Mexiko; 2004 Berkeley Art Museum; 2003 MUSEION, Bozen; 2002 Tate Modern, London und Kunsthalle Zürich; 2000 Neue Nationalgalerie, Berlin; 1999 Museum of Contemporary Art, Chicago * Auszeichnungen (Auswahl) 2012 Arte Award Bester Europäischer Film, Internationale Kurzfilmtage Oberhausen 2008 Prins Eugen-medaljen für herausragende künstlerische Leistungen 2006 Artes Mundi Wales International Visual Arts Prize 2002 Great Prize Fiction des Vila do Conde International Film Festival 2000 Vincent van Gogh Bi-Annual Award for Contemporary Art in Europe, Maastricht 1999 lobende Erwähnung bei der 48. Biennale Venedig 1998 Edstrand Foundation Art Prize, Malmö 1990 Young Artist of the Year Award, Tampere
Wilhelm Lehmbruck Museum, Duisburg

Friedrich-Wilhelm-Str. 40
47051 Duisburg

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posted 09. Oct 2019

Thomas Struth

02. Oct 201919. Jan 2020
Thomas Struth 02.10.2019 - 19.01.2020 Curators: Thomas Weski, Curator, Berlin; and Lucía Agirre, Curator, Guggenheim Museum Bilbao Exhibition organized by Haus der Kunst, Munich, in collaboration with the Guggenheim Museum Bilbao The Guggenheim Museum Bilbao is presenting the exhibition entitled Thomas Struth, a complete journey through five decades of one of the most influential European post-war photographers, whose evolution as an artist has been marked by social concerns. The images of Thomas Struth (b. 1954, Geldern, Germany) receive their signature character from the questions they raise about the relevance of public space, family ties, nature, culture, and the limits of new technologies. Thus, Struth addresses essential questions like the instability of social structures and the fragility of human existence through images whose formal elegance prompts the audience’s participation and empathy towards these topics. This exhibition connects Struth’s initial concepts—seen in the archival material that the artist has collected over the years—to his well-defined groups of finished works, such as Unconscious Places, Family Portraits, Audience, Museum Photographs, New Pictures from Paradise, and This Place. These, in turn, establish a dialogue with other works, such as Berlin Project (Berlin Projekt), a video conceived in 1997 in collaboration with media artist Klaus vom Bruch, with other more recent groups like Nature & Politics, Animals, and with the landscape and flower photographs created for the wards of Lindberg hospital. The relationships among these works highlight Struth’s ability to combine analysis with photographic creation in multiple subjects and mediums, resulting in powerful photographic images.

artist

Thomas Struth 
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posted 08. Oct 2019

Matthew Barney: Redoubt

28. Sep 201912. Jan 2020
Matthew Barney: Redoubt 28.09.2019 - 12.01.2020 From September 28 through December 15, 2019, UCCA will present “Matthew Barney: Redoubt,” a major new body of work realized between 2016 and 2019 that will mark the artist’s first solo exhibition in China. The exhibition includes a two-hour film, five monumental sculptures, more than forty engravings and electroplated copper plates, and an artist-conceived catalogue. The exhibition was on view at the Yale University Art Gallery from March 1 through June 16, 2019. After its run at UCCA, it will travel to the Hayward Gallery in London where it will be on view from March 4 to May 10, 2020. The new artworks in “Redoubt” continue the artist’s notable shift in materials over the past decade, from the plastic and petroleum jelly of his early works to the cast metals that figured prominently in River of Fundament. With “Redoubt,” Matthew Barney (b. 1967, San Francisco, lives and works in New York) has combined traditional casting methods and new digital technologies with unprecedented techniques to create artworks of formal and material complexity and narrative density. The five monumental sculptures in the exhibition, for instance, derive from trees harvested from a burned forest in the Sawtooth Mountains of northern Idaho, near the artist’s childhood home. Molten copper and brass were poured through the trees, creating a unique cast of the core as the metal flowed inside. Each sculpture is a literal vestige of Idaho, with the remains of the tree being subsumed into the artwork. The exhibition also includes engravings on copper plate that Barney made during the filming of Redoubt, as well as a series of electroplated copper reliefs that feature imagery from the film, such as the landscape of the Sawtooth Mountains or a wolf among the trees. The electroplates were made using a technique that Barney developed during production of the film, which he then refined and expanded in the studio. In this experimental method, an image was engraved into a copper plate coated with asphalt. The plate was immersed in an acid and copper solution and was subjected to an electrical current, causing copper growths to form out of the engraved lines. By altering the conditions in the electroplating tank—including current, heat, and chemical concentrations—the artist produced unique variations on each image. On the plates that were left longest in the electroplating bath, the copper accretions overtake the drawing, transforming the engravings into abstract reliefs and almost completely obscuring the image. Redoubt was filmed in Idaho’s rugged Sawtooth Mountains and continues Barney’s longstanding preoccupation with landscape as both a setting and subject in his films. By layering classical, cosmological, and American myths about humanity’s place in the natural world, Redoubt forms a complex portrait of the central Idaho region. Like most of Barney’s previous films, Redoubt is without dialogue; but in a marked shift, Barney has more fully incorporated dance into the narrative of the film, allowing the
characters to communicate choreographically. Throughout the film, the characters’ movements are formalized into choreographies that echo, foreshadow, and interpret their encounters
with wildlife. Eleanor Bauer, who also worked with Barney
on River of Fundament, both performed in and choreographed Redoubt, in collaboration with K. J. Holmes, Sandra Lamouche, and Laura Stokes. All of the dance passages were filmed on location, and the relationship between site and movement is a recurring theme. Structured as a series of six hunts that unfold over
seven days and nights, Redoubt loosely adapts the myth of
Diana, goddess of the hunt, and Actaeon, a hunter who accidentally trespasses on her and is punished. The Diana of Redoubt
(Anette Wachter) is both the protector of the natural world
and a predator in it—a present-day sharpshooter in the frigid Idaho wilderness. Accompanied by her attendants, the Calling
Virgin (Eleanor Bauer) and the Tracking Virgin (Laura Stokes), Diana traverses the mountainous terrain in pursuit of the elusive wolf. The Engraver (Matthew Barney) happens upon the hunting outfit in the forest and begins stalking the trio, furtively documenting their actions in a series of copper engravings. He brings his plates to a remote trailer housing a rudimentary laboratory, where the Electroplater (K. J. Holmes) subjects them to an electrochemical transformation. In a pivotal scene near the end of the film, the Engraver encounters a sixth character, the Hoop Dancer (Sandra Lamouche, Bigstone Cree Nation), who rehearses a Native American dance in a nearby town. Her complex movement sequence unites her with the other characters across time and space, as the film progresses to a climactic moment of cosmic and terrestrial reversal. Barney is among the most ambitious and provocative artists of our time, known for epic projects such as the “CREMASTER Cycle” (1994–2002). Both “Redoubt” and its related publication—which features essays by leading scholars of art history, dance theory, and environmental studies—speak
to the artist’s expansive interests. Exhibition curator Pamela Franks, Class of 1956 Director at the Williams College Museum of Art, Williamstown, Massachusetts, and former Senior Deputy Director and Seymour H. Knox, Jr., Curator of Modern and Contemporary Art at the Yale University Art Gallery, says, “Barney’s intellectual and aesthetic frames of reference are wide-ranging: classical mythology as well as myths of the American West, modern choreography as well as contemporary Native American hoop dance, environmental science as well as wildlife biology, art history, cosmology, electrochemistry, and alchemy. The artist is equally adventurous in his approaches to materials and art making, with both casting and electroplating methods newly invented for Redoubt.” UCCA Director Philip Tinari notes, “We are thrilled to be presenting this first exhibition of Matthew Barney’s work in China, where the artistic community has long regarded him as a pathbreaking inspiration. We are especially pleased to be showing a body of work that is at once artistically innovative and relevant to a wide range of contemporary questions and issues. We look forward to leading our visitors through this intriguing and complex exhibition.” Exhibition Catalogue UCCA will publish a Chinese version of the eponymous exhibition catalogue. This catalogue is a comprehensive representation of the project, using hundreds of stills and documentary photographs to track the film’s narrative. It also features lush images of the engravings, electroplated copper plates, and tree sculptures related to the project, as well as other images that inspired Redoubt. The volume is organized into six chapters mirroring the “hunt” structure of the film. Included are an introduction, a historical essay originally published in National Geographic in 1899 that discusses the relationship among forests, forest fires, and regrowth, and six essays—some lyrical, others more objective—that approach Redoubt through the disciplinary lenses of art history, ecology, and dance theory. Taking a cue from Redoubt’s mountainous setting, the overall design of
the book evokes a field guide. Exhibition Credits The exhibition is made possible by the Janet and Simeon Braguin Fund. It is organized by Pamela Franks, Class of 1956 Director, Williams College Museum of Art, Williamstown, Massachusetts, and former Senior Deputy Director and Seymour H. Knox, Jr., Curator of Modern and Contemporary Art, Yale University Art Gallery.
UCCA - Ullens Center for Contemporary Art, Beijing

ULLENS CENTRE FOR CONTEMPORARY ART | 798 Art District, No.4 Jiuxianqiao Lu
100015 Beijing

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posted 07. Oct 2019

Reed Danziger. To Sweep the Horizon

03. Sep 201912. Oct 2019
Reed Danziger. To Sweep the Horizon 03.09.2019 - 12.10.2019 Opening Reception: Saturday, September 7 from 4 – 6 PM Reed Danziger thinks of herself as a researcher, documenting the scene of a disruption in an imagined time and space. Her artworks take the form of large-scale paintings on paper, in which she develops a vocabulary of mark making using watercolor, ink and graphite to record moments of flux. In some of these paintings, she captures explosive instants frozen in time. In others, she represents continuously flowing energy. The resulting “imagery” is both fast and slow, filled with flashes of momentum and moments of calm, and reveals evolutionary layers of process that speak to the relationship between the fluid and the fixed. Though completely abstract, the paintings are metaphors for transition, be it scientific, cultural or personal. In each piece she uses the representation of something unseen – energy – as a symbol for the human effort to understand and cope with things that are ultimately unknowable and outside our control. Born in Berkeley, CA in 1966, Danziger received an M.F.A. from the San Francisco Art Institute in 1995 and has been exhibiting with Hosfelt Gallery since 1996. Her work has been presented in solo exhibitions in New York, Boston, Los Angeles, and San Francisco, and group shows throughout the country.

artist

Reed Danziger 
Hosfelt Gallery, San Francisco

260 Utah Street
CA 94103 San Francisco

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posted 06. Oct 2019

Martha Rosler. If you lived here

26. Jul 201913. Oct 2019
opening: 25. Jul 2019
Martha Rosler. If you lived here "Si tú vivieras aquí" 26.07.2019 - 13.10.2019 Opening: 25 July 2019 The exhibition is inspired by the translation of Martha Rosler’s book, If You Lived Here… written in 1989, which examines the processes of gentrification and social impoverishment during the Reagan administration (1981-1989). The work looks at the capitalist model and the way it includes art at a historic time of great change in many parts of the world; the end of the Cold War and the dictatorship in Chile, for instance. This turns into a genealogical reflection on the macrotheme of identity in the American context, a process of questioning which is still highly relevant today. The ironic allusion to possible dwelling spaces is taken from an advertising campaign for a real estate company targeting the middle class, and in fact denounces the growing number of homeless in North America at the time. It shows how museums and artistic institutions have played a vital role in the process of gentrification, which involves raising house prices in zones formerly inhabited by more vulnerable groups which are now undergoing different processes of transformation. The name of the exhibition, deliberately translated into Spanish, opens up the concept to input from the Latin American context, host to other narratives which symbolically refer to the issue of housing as a political and physical space defined by time. In Chile, this refers specifically to current human displacement and the creation of a national identity in the aftermath of the dictatorship. The dynamics of migratory movements today adopt different characteristics in local context and raise a question about the final meaning of identity in terms of gender, race and nationality. If you lived here… thus implies movement, transit from one place to another, from one body to another, the hypothesis of transformation and movement which does not always materialize. To transit, is after all the etymological passage from one point to another without stopping, mirroring the potential of existence. The invitation to Martha Rosler, an artist of such stature and a well-known activist in the North American context, is born of two reasons: firstly, the need for a genealogical view of political and social issues relating to major change at a time of great uncertainty tinted with the hue of conservative protectionism, provided by a broad selection of her works on gender, conflict and displacement. Secondly, there is a mutual desire to create a dialogue between local artists from different regions and generations.

artist

Martha Rosler 
MAC Santiago de Chile

Parque Forestal, s/n frente a calle Mosqueto
Santiago de Chile

Chileshow map
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posted 05. Oct 2019

FLUGBLÄTTER – Wie stehen Künstler zur Welt

05. Oct 201913. Oct 2019
FLUGBLÄTTER – Wie stehen Künstler zur Welt 05.10.2019 – 13.10.2019 11 bis 17 Uhr Künstlergespräch am 05.10. um 14 Uhr mit Birgit Jensen, Barbara Camilla Tucholski, Hansjörg Schneider und Miro Zahra. Ein Projekt von Birgit Jensen Im Rahmen des landesweiten Projektes KUNST-HEUTE – Tage der zeitgenössischen Kunst in Mecklenburg-Vorpommern In Kooperation mit dem Künstler Gut Loitz e.V. Im Projekt „Flugblätter“ der Künstlerin Birgit Jensen wird das Netz zu einer künstlerisch-kommunikativen Dialogform, deren Fäden sich zwischen weltweit lokal und mental positionierten Künstlerinnen und Künstlern spinnen. Ausgangspunkt ist die von Birgit Jensen an Künstlerinnen und Künstler auf allen fünf Kontinenten gestellte Frage „wie sie als Künstler zu der Welt stehen“. Wir leben in einer Zeit mit rasanten Veränderungen in den globalen gesellschaftlichen Abläufen, mit Spannungen und Konflikten. Birgit Jensen hat im Zuge ihres Gastaufenthaltes im Sommer 2017 im Kunstverein „Künstler Gut Loitz e. V.“ befreundete Kolleginnen und Kollegen weltweit eingeladen, sich mit einer künstlerischen Arbeit und einem Text den brennenden Fragen der Zeit zuzuwenden und damit ihre jeweilige künstlerische Intention dem gegenwärtigen philosophischen, politischen, sozialen oder ökologischen Kontext in Bezug zu setzen. Wie würden sie auf die rasanten Veränderungen in einer globalen Welt als Künstler und Künstlerinnen reagieren? Wie würden sie sich zu den – sich jeweils lokal unterschiedlich auswirkenden – Umbrüchen positionieren? Sie bat jeweils um eine Bild- und eine Textdatei, die ihr per mail zugeschickt werden sollten und die sie ausdrucken und zu einer Installation arrangieren würde. Dem Aufruf folgten 133 Teilnehmer und Teilnehmerinnen aus aller Welt. Aus den auf diese Weise zusammengekommenen 266 Blättern präsentierte Birgit Jensen bisher Ausstellungen in Loitz, Dordrecht (Niederlande), Maebashi (Japan) und Kendal (Großbritanien). Anläßlich der Ausstellung in Plüschow wird das zu diesem Projekt entstandene Buch vorgestellt, das neben allen künstlerischen Blättern auch Ausstellungsansichten der Präsentationsorte zeigt. * Stationen: Flugblätter Präsentation Flugblätter Athen - Kassel - Venedig - Münster - Loitz Künstler Gut Loitz Loitz an der Peene 19.08. - 30.09.2017 Vlugschrift - Flugblätter Pictura / Dordrecht, NL 17.02. - 25.03.2018 Flugblätter - Flying Letters Arts and Culture Brick Warehouse, Maebashi-City Maebashi Bunka Keikaku LLC, Gunma, Japan 01.09. - 03.09.2018 Flugblätter - a project by Birgit Jensen Cross Lane Projects, Kendal, UK 23.03. - 26.05.2019 Flugblätter - Lesung Kunstverein Leverkusen 03.05.2019 Nachtfoyer  Kunsthalle Düsseldorf 07.05.2019 Flugblätter - Gespräch und Präsentation  Künstlerhaus Schloss Plüschow Am Schlosspark 8, 23936 Upahl 05. - 06.10.2019 Flying Letters Clay Street Press Cincinnati, USA 25.10. - 14.12.2019

curator

Birgit Jensen 
Schloss Plüschow

Mecklenburgisches Künstlerhaus | Am Park 6
23936 Plüschow

Germanyshow map
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posted 04. Oct 2019

Barbara Kruger - Forever

27. Jun 201929. Dec 2019
Barbara Kruger Forever June 27–December 29, 2019 In celebration of the first anniversary of its opening of new space in Yongsan, Seoul, the Amorepacific Museum of Art is pleased to present Barbara Kruger’s first-ever solo exhibition in Asia featuring her major works from the 1980s up to her most recent room-wrap text installation. There will also be a video installation, and a world premiere of Kruger’s new works using the Korean alphabet. Kruger’s 16 small, black framed works, including Untitled (Your Gaze Hits the Side of My Face)(1981) and Untitled (Your Body is a Battleground) (1989), are seminal early paste-ups in which a text-image aesthetic deals with visual codes and the general production of knowledge. Equally insightful are Kruger’s 1980s black and white works in her signature red frame, and Untitled (Project for Dazed and Confused) (1996), which consists of six large-scale prints showing wry first-person imaginings of inner thoughts. Her four-channel video installation entitled The Globe Shrinks (2010) and a large-scale room-wrap installation Untitled (Forever) (2017) both invite visitors into an immersive experience inside a thought-provoking environment. Untitled (Plenty Should Be Enough) (2018) and its Korean version Untitled(2019), together with Untitled (2019) (all of them are specially designed by the artist for this show) will convey the artist’s commentary on consumerism, desire, politics, and other less obvious mechanisms of power that operate within contemporary society. Kruger’s 2017 work Untitled (Forever), large texts covering all four walls and floor of the exhibition room, provides a visual shock with its exceptionally large scale and unusual presentation. The key thoughts mirror sentences from Virginia Woolf and George Orwell and thus unfold the artist’s ideas over the last 40 years in a very intense and immersive way. This work has been re-designed by the artist specifically for the Amorepacific Museum of Art and reveals her long-standing interest in architecture and the expanding scale of her installations. By actually being able to move inside the work, and existing within the huge font, one can enjoy moments where questions and thoughts are endlessly generated within us. A specially prepared "archive room" will help to broaden and deepen our understanding of Barbara Kruger and of her creations, by showcasing magazines and newspapers she designed and participated in, together with an interview film with her in her own words. Curated by Kyoungran Kim

curator

Kyoungran Kim 
Amorepacific Museum of Art, Seoul

100 Hangang-daero, Yongsan-gu, Amorepacific Corporation headquarters building
04386 Seoul

Korea (Republic of)show map
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posted 03. Oct 2019

Blue Is the Color of Your Eyes

02. Feb 201926. Jan 2020
Blue Is the Color of Your Eyes On Materiality and Abstraction in the Moderna Museet Collection 02.02.2019 – 26.01.2020 Blue Is the Color of Your Eyes is an exhibition where works by Louise Bourgeois guide us through an examination of issues of materiality and abstraction. The exhibition features, apart from Bourgeois, a group of internationally active artists who discuss and challenge sculptural and painterly expression in a variety of ways. The title Blue Is the Color of Your Eyes is taken from a work by Bourgeois that is on view in the exhibition. The exhibition features work from a long span of time, from the 1940s to the present. The presentation of key selections from Moderna Museet’s permanent collection highlights both a soulful and a bodily approach to the creative process as well as social issues. Louise Bourgeois was a trailblazer in several ways, not least as a feminist artist, and throughout her entire working life she experimented with various materials and techniques. The exhibition presents both sculptures, works on paper, and textiles by Bourgeois. In her work, a personal confrontation with the past is often combined with overarching universal topics. The exhibition also features large-scale abstract paintings by Stanley Whitney, Amy Sillman, and Torsten Andersson. In a variety of ways, these artists discuss the status and challenges of painting, and at the same time they often allow personal issues and conditions to assert themselves on an underlying plane. Four more artists—Eva Löfdahl, Nina Canell, Sofia Hultén, and Johanna Gustafsson Fürst—express themselves sculpturally in the borderland between the abstract and the representational. Their work often integrates found objects and sometimes even immaterial components. The issues addressed in their art span from the existential to the social critical. In the works of Mette Prawitz, Axel Lieber, R.H. Quaytman, and Bella Rune we find a fascination with textile and tactile materials. These artists dissolve, among other things, the distinctions between clothing and sculpture, painting and photography, the exclusive and the synthetic. Artists: Torsten Andersson, Louise Bourgeois, Nina Canell, Johanna Gustafsson Fürst, Sofia Hultén, Axel Lieber, Eva Löfdahl, Mette Prawitz, R.H. Quaytman, Bella Rune, Amy Sillman, and Stanley Whitney. Curators: Iris Müller-Westermann and Andreas Nilsson.
Moderna Museet Malmö

Ola Billgrens plats 2–4
S-211 29 Malmo

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posted 02. Oct 2019

Siah Armajani: Spaces for the Public. Spaces for Democracy.

20. Jul 201903. Nov 2019
opening: 19. Jul 2019 07:00 pm
Siah Armajani: Spaces for the Public. Spaces for Democracy. 20.07.2019 - 03.11.2019 Opening reception: Friday, 19.07.2019 19:00-21:00 Considered a leading figure in public art, Iranian-born artist Siah Armajani merges architecture and conceptual art in his sculptures, drawings, and public installations. Informed by democratic ideologies and inspired by American vernacular architecture, his works include gathering spaces for communality, emphasizing the “nobility of usefulness.” His highly acclaimed public art and architectural projects have included bridges, gardens, and outdoor structures, that have been commissioned and presented worldwide. A retrospective featuring his artistic career spanning over more than five decades was recently on view at the Walker Art Center, Minneapolis, and inaugurates in March at The MET, New York. Armajani’s exhibition at the NTU CCA Singapore is his first institutional presentation in Asia unfolding along a large scale installation, Sacco & Vanzetti Reading Room #3, a selection of models highlighting the artist’s ideas and interests that one could summarise as “art on civic scale.”

artist

Siah Armajani 
NTU Centre for Contemporary Art Singapore

Block 43, Malan Road, Gillman Barracks
109443 Singapore

Singaporeshow map
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posted 01. Oct 2019

Carsten Nicolai - Parallax Symmetry

28. Sep 201919. Jan 2020
opening: 27. Sep 2019 07:00 pm
Ort: K21 Carsten Nicolai - Parallax Symmetry 28.9.2019 – 19.1.2020 Die Ausstellung gibt einen umfangreichen Überblick über das Werk des Künstlers und Musikers Carsten Nicolai, der seit den frühen 1990er Jahren an den Schnittstellen von bildender Kunst, Musik und Naturwissenschaft arbeitet. Mit elektronischem Klang- und Lichtmaterial erzeugt Nicolai minimalistische Installationen, Sound Performances und Visualisierungen von physikalischen Phänomenen, die Systeme und Strukturen der Medienwelt reflektieren. Unter dem Pseudonym Alva Noto ist er einer der bekanntesten Vertreter der zeitgenössischen elektronischen Musik. Seit seiner Teilnahme an der documenta X (1997) und an den Venedig-Biennalen 2001 und 2003 wird er auch als bildender Künstler weltweit ausgestellt. Im K21 organisiert er den weitläufigen Raum im Untergeschoss als offenes, dual angelegtes Set für die Präsentation seiner vielfach auf Interaktion angelegten Arbeiten.

curator

Doris Krystof 
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posted 30. Sep 2019

YUKEN TERUYA. MY PLAN B IS MAYBE MY PLAN A

07. Sep 201930. Nov 2019
opening: 06. Sep 2019 06:00 pm
YUKEN TERUYA. MY PLAN B IS MAYBE MY PLAN A 07.09.2019 - 30.11.2019 OPENING FRIDAY, SEPTEMBER 6, 6 - 9 pm For the exhibition "My Plan B is maybe my Plan A", Yuken Teruya uses a mixture of various everyday materials to address such themes of contemporary society as consumer culture, globalism, and the environment. The title of the exhibition refers to a quote by President Donald Trump from an interview with Fox Business Network in which he commented on trade negotiations with China (June 26, 2019).

artist

Yuken Teruya 
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posted 29. Sep 2019

Latifa Echakhch, Romance.

03. May 201927. Oct 2019
Latifa Echakhch Romance May 3–October 27, 2019 Fondazione Memmo is presenting Romance, a solo exhibition by the Franco-Moroccan artist Latifa Echakhch, curated by Francesco Stocchi. The exhibition will be open to the public until Wednesday, October 27, 2019 with free admission from Monday to Sunday (except on Tuesday) 11am-6pm. Romance stems from the Fondazione Memmo’s invitation to Latifa Echakhch to carry out a completely new project based on the impressions that the encounter with the landscape, atmosphere, history, society and culture of Rome have made on her. The exhibition originates from a process in which the artist has gradually come closer to the city, allowing her to discover, internalize and translate the feelings it has stirred in her over the course of her visits. The title of the exhibition, Romance, sums up the spirit of Latifa Echakhch’s intervention, aimed at representing the various architectural, cultural and geological strata of a city in which different historical periods are intertwined and a multiplicity of languages and expressive ranges are jumbled together. The artist sets out to convey this sense of fascination, intrigue and surprise through an installation realized in the spaces of the Fondazione Memmo (the former stables of Palazzo Ruspoli): an immersive, unprecedented work that recalls—both conceptually and in the technique adopted—the architectural “follies” built out of concrete that adorned the gardens of the late 19th century. This exhibition marks another stage in the process by which the Fondazione Memmo is aiming to foster an encounter between artists from different countries with the fabric of production and the crafts in the city of Rome through the staging of exhibition projects that take a new look at traditional materials and techniques.
Fondazione Memmo, Rome

FONDAZIONE MEMMO | Via Fontanella Borghese 56b
00186 Rome

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posted 28. Sep 2019

Turner Prize 2019

28. Sep 201912. Jan 2020
Turner Prize 2019 28.09.2019 - 12.01.2020 This year’s shortlisted artists, who were announced at Tate Britain, are: Lawrence Abu Hamdan, Helen Cammock, Oscar Murillo and Tai Shan LAWRENCE ABU HAMDAN For his solo exhibition Earwitness Theatre at Chisenhale, and for the video installation Walled Unwalled and performance After SFX at Tate Modern, London. Self-proclaimed ‘private ear’, Abu Hamdan’s work investigates crimes that have been heard and not seen; exploring the processes of reconstruction, the complexity of memory and language as well as the urgency of human rights and advocacy. The jury was struck by Abu Hamdan’s exploration of sound as an architectural element and the way he recreates particular situations through sound and performance. HELEN CAMMOCK For her solo exhibition The Long Note at Void, Derry~Londonderry and IMMA, Dublin. The jury praised the timely and urgent quality of Cammock’s work which explores social histories through film, photography, print, text and performance. Creating layered narratives that allow for the cyclical nature of history to be revealed, The Long Note looks at the history and the role of women in the civil rights movement in Derry Londonderry. The work highlights how the complexities of the politics of Northern Ireland have overshadowed the social history of the region and the variety of political positions taken by women during that time. OSCAR MURILLO For his participation in the 10th Berlin Biennale, his solo exhibition Violent Amnesia at Kettle’s Yard, Cambridge and solo exhibition at the chi K11 art museum Shanghai. The jury particularly praised the way Murillo pushes the boundaries of materials, particularly in his paintings. His work incorporates a variety of techniques and media including painting, drawing, performance, sculpture and sound, often using recycled materials and fragments from his studio. Murillo’s work reflects on his own experience of displacement and the social fallout of globalisation. TAI SHANI For her participation in Glasgow International 2018, solo exhibition DC: Semiramis at The Tetley, Leeds and participation in Still I Rise: Feminisms, Gender, Resistance at Nottingham Contemporary and the De Le Warr Pavilion, Bexhill-on-Sea. The jury noted the compelling nature of Shani’s ongoing project Dark Continent, particularly the work’s ability to combine historical texts with contemporary references and issues. Developed over four years, it takes inspiration from a 15th century feminist text, Christine de Pizan’s The Book of the City of Ladies. Shani uses theatrical installations, performances and films to create her own allegorical city of women populated by fantastical characters, transporting the viewer to another time and place. The work of the four shortlisted artists will feature in the exhibition at Turner Contemporary and the winner will be announced at a major awards ceremony on 3 December 2019 live on the BBC, the broadcast partner for the Turner Prize. With a 1hr 27m high speed train link from London St Pancras to Margate, Turner Contemporary is closer to the capital than any previous Turner Prize venue outside of London. Entry to Turner Prize 2019 will be free.
Turner Contemporary, Margate

Rendezvous
CT9 1HG Margate

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posted 27. Sep 2019

Wo Kunst geschehen kann. Die frühen Jahre des CalArts

30. Aug 201910. Nov 2019
opening: 29. Aug 2019 06:30 pm
Wo Kunst geschehen kann. Die frühen Jahre des CalArts 30.08.2019 - 10.11.2019 Eröffnung: Donnerstag, 29.08.2019 18:30 Uhr Pressevorbesichtigung: Mittwoch, 28.08.2019 11:00 Uhr Künstler*innen der Ausstellung: Michael Asher, John Baldessari, Ericka Beckman, Ross Bleckner, Barbara Bloom, Troy Brauntuch, Klaus vom Bruch, Judy Chicago, Eric Fischl, Simone Forti, Jack Goldstein, Douglas Huebler, Stephan von Huene, Allan Kaprow, Mike Kelley, Alison Knowles, Suzanne Lacy, Matt Mullican, Daniel Joseph Martinez, John Miller, Susan Mogul, Ann Noël Williams, Tony Oursler, Lari Pittman, Stephen Prina, Ulrike Rosenbach, David Salle, Mira Schor, Jim Shaw, Miriam Schapiro, Wolfgang Stoerchle, Mitchell Syrop, James Welling, Faith Wilding, Christopher Williams und Emmett Williams u.a. Die umfassende Gruppenausstellung präsentiert die legendären Gründungsjahre (1970-1980) der amerikanischen Kunsthochschule »California Institute of the Arts« (CalArts), die zahlreiche bekannte Künstlerinnen und Künstler hervorgebracht hat. Die Ausstellung mit dem Titel »Wo Kunst geschehen kann. Die frühen Jahre des CalArts« eröffnet eine multiperspektivische Sicht auf die Schule: Parallel existierende Strömungen aus dem Umfeld der Konzeptkunst, des Feminismus und des Fluxus sowie die radikalen pädagogischen Konzepte der Schule werden in der Ausstellung erstmals vereint. Die Ausstellung wurde kuratiert von Dr. Philipp Kaiser (Künstlerischer Leiter der Marian Goodman Gallery, New York) und Christina Végh (Direktorin der Kestner Gesellschaft). Von März bis Mai 2020 wird die Gruppenschau im Kunsthaus Graz gezeigt. Eine weitere Station in Los Angeles ist in Planung. Die Kunsthochschule in Los Angeles – ein radikales Schulmodell 1970 öffnete die von Walt Disney gegründete Kunsthochschule CalArts bei Los Angeles (Kalifornien, USA) ihre Türen. CalArts entwickelte in den ersten Jahren ein radikales, wegweisendes Schulmodell, das in seiner Interdisziplinarität an europäische und US-amerikanische Vorgängermodelle wie dem Bauhaus und dem Black Mountain College anknüpfte, das Verhältnis zwischen Lehrenden und Lernenden egalisierte und ohne Benotungssystem auskam. Mit der institutionellen Etablierung konzeptueller und feministischer Konzepte an den Lehrstühlen »Post-Studio« von John Baldessari und »Feminist Art Program« von Miriam Schapiro und Judy Chicago hat CalArts eine Vorreiterrolle eingenommen. Im Zentrum der künstlerischen Auseinandersetzung standen schon damals aktuelle gesellschaftliche Themen wie das Hinterfragen von Autorenschaft, die Flexibilisierung von künstlerischen Arbeitsweisen oder die Kritik an patriarchalen Machtstrukturen. Die Ausstellung in der Kestner Gesellschaft »Wo Kunst geschehen kann. Die frühen Jahre des CalArts« widmet sich den ersten 10 Jahren der Kunsthochschule und führt erstmalig die dort vertretenen Lehrkonzepte mit den daraus entwickelten künstlerischen Praktiken in einer Gruppenschau zusammen. Gezeigt werden ca. 100 Werke von rund 40 Künstler*innen, darunter Arbeiten, die zum ersten Mal einer Öffentlichkeit präsentiert werden. Die historisch angelegte Ausstellung zeichnet verschiedene Situationen nach, in denen Kunst entstehen kann. Ganz im Sinne von John Baldessari, der als einer der prägenden Lehrer die Auffassung verfolgte, dass Kunst nicht lehrbar sei, sondern es darum ginge, Situationen zu schaffen »where art might happen«, wie er 1992 in einem Interview äußerte. Beleuchtet werden unter anderem Schlüsselfiguren wie Allan Kaprow, John Baldessari sowie Judy Chicago und Miriam Schapiro und ihre tragenden Ideen des Fluxus, der Konzeptkunst und des Feminismus. Neben Kunstwerken und wissenschaftlich aufbereitetem Archivmaterial wurden eigens für die Ausstellung Oral-History-Interviews mit 13 Künstler*innen des CalArts gefilmt, die als Zeitzeug*innen individuelle Einblicke auf die damalige Situation geben. Auf diese Weise werden erstmals die Lehrmethoden, der historische Kontext und die interdisziplinären Zusammenhänge zwischen den künstlerischen Praktiken in einer Ausstellung sichtbar. Den Zeitgeist der 1970er Jahre vermitteln auch Erzählungen von legendären Pool-Partys, Lehrveranstaltungen wie »Advanced Drug Research« und dem Verzicht auf Noten und Lehrpläne im Schulalltag. Darüber hinaus legen die Interviews die Spannbreite persönlicher und zwischenmenschlicher Details offen. Die kunsthistorische Rezeption des CalArts fiel bislang verhältnismäßig einseitig aus. So fehlte bisher der umfängliche Blick auf die parallel existierenden Strömungen. Die Besonderheit der Ausstellung in der Kestner Gesellschaft liegt darin, die unterschiedlichen Ansätze aus den Bereichen Konzeptkunst, feministische Kunst, Fluxus und Malerei, die es am CalArts zur gleichen Zeit gegeben hat, zu vereinen und dadurch neu zu verorten. John Baldessaris legendäre Post-Studio-Klasse war primär durch konzeptuelle Ansätze und den Einsatz von neuester Technik wie Super-8-Kameras, Portapaks (die erste batteriebetriebene, mobile Filmkamera) und Fotoapparaten geprägt. Baldessaris Lehre brachte eine erste Generation von Schüler*innen hervor, die in kürzester Zeit internationale Bekanntheit erlangte – darunter beispielsweise Barbara Bloom, Troy Brauntuch, Jack Goldstein, Matt Mullican, David Salle oder James Welling. In einem Klima absoluter künstlerischer Freiheit etablierte sich mit Lehrenden wie Michael Asher und Douglas Huebler, Stephen Prina und Christopher Williams eine zweite Post-Studio-Generation, die eine rigidere Form der Konzeptkunst verfolgt. Die Frage nach der bildnerischen Repräsentation im medialen Bilderfluss ist innerhalb der unterschiedlichen künstlerischen Ansätze ein Leitmotiv. Ein weiterer Schwerpunkt der Ausstellung liegt auf dem von Judy Chicago und Miriam Schapiro 1971 gegründeten »Feminist Art Program« (FAP). In unterschiedlichen Herangehensweisen und Medien fokussieren sich die feministischen Künstlerinnen am CalArts auf die Rolle der Frau in der Gesellschaft, ihre Rechte oder ihre mediale Repräsentation, die Auseinandersetzung mit dem Körper sowie die Suche nach einer weiblichen Perspektive. Diese Suche fand nicht zuletzt in den sogenannten »Consciousness-Raising Sessions« statt – es handelte sich um Begegnungsgruppen, in denen die persönlichen Erfahrungen der Frauen wie zum Beispiel sexueller Missbrauch und strukturelle Unterdrückung sichtbar gemacht wurden und als Grundlage für künstlerische Arbeiten dienten. Das in diesem Zusammenhang entstandene »Womanhouse« stellt einen Meilenstein in der feministischen Kunstgeschichte dar: 27 Künstlerinnen – darunter Mira Schor und Faith Wilding – bauten ein zum Abriss bereites Haus zu einem temporären Environment um, das im Februar 1972 der Öffentlichkeit präsentiert wurde. metaLAB (at) Harvard entwirft ein experimentelles Display, das »Womanhouse« in der Ausstellung repräsentiert. Darüber hinaus werden Arbeiten von Susanne Lacy und der deutschen Künstlerin Ulrike Rosenbach gezeigt. Verschiedene Ausdrucksformen wie konkrete Poesie, Happening und Performance standen im Zentrum der pädagogischen und künstlerischen Aktivitäten von Dozent*innen aus dem Umfeld des Fluxus wie Allan Kaprow, Simone Forti, Alison Knowles oder Emmett Williams. Die Ausstellung macht deutlich, dass innerhalb der unterschiedlichen Ansätzen am CalArts medienübergreifende, interdisziplinärer Formate besonders stark vertreten waren. Selbst malerische Positionen haben im weitesten Sinne Elemente aufgenommen, die in Film und Performance eine Rolle spielen, wie an den Arbeiten von u.a. Eric Fischl und Ross Bleckner, Lari Pittman oder Mira Schor zu sehen ist. Die Interdisziplinarität der Schule wird in verschiedenen künstlerischen Praktiken deutlich. Diese Verbindung zwischen Post-Studio und Fluxus wurde durch Schlüsselfiguren wie Wolfgang Stoerchle mit seinen konzeptuellen Video- und Performancearbeiten und Stephan von Huene mit seinen kinetischen Klangskulpturen geprägt. Bezüge sowohl zum Umfeld des Post-Studio als auch des Feminist Art Programs findet man in den Werkansätzen der Künstler*innen wie Ericka Beckman, Mike Kelley, Jim Shaw, Tony Oursler und Carrie Mae Weems. Das Ausstellungs- und Forschungsprojekt Die Ausstellung »Wo Kunst geschehen kann. Die frühen Jahre des CalArts« entsteht im Rahmen eines dreijährigen Forschungsprojekts in Kooperation mit der Freien Universität Berlin (Prof. Dr. Annette Jael Lehmann) und metaLAB (at) Harvard, Boston (Prof. Dr. Jeffrey Schnapp, Kim Albrecht) sowie in Zusammenarbeit mit IMAGE und CONTENT, Zürich (Reto Caduff, Dokumentarfilmer). Die Ausstellung wurde unterstützt durch die wissenschaftliche Mitarbeit von Verena Kittel und die kuratorische Assistenz von Julika Bosch. Gefördert wird das Ausstellungs- und Forschungsprojekt von der Kulturstiftung des Bundes, der VolkswagenStiftung und der Stiftung Niedersachsen. Annette Jael Lehmann, Professorin am Institut für Theaterwissenschaft der Freien Universität Berlin, gibt gemeinsam mit Studierenden ihrer Masterseminare eine Publikation mit dem Titel »Tacit Knowledge. Post Studio/Feminism – CalArts (1970–1977)« heraus, die bei Spector Books erscheint. Höhepunkt der Zusammenarbeit mit der Freien Universität Berlin ist ein öffentliches Symposium, das am Samstag, den 26. Oktober 2019 im Schloss Herrenhausen in Hannover stattfindet. Sprecher*innen u.a.: Kim Albrecht, Amelia Jones, Benjamin Meyer-Krahmer, Jeffrey Schnapp, Beate Söntgen, Wolfgang Ullrich und Eyal Weizman. Die Ausstellung wird von einem umfangreichen Katalog begleitet, der Aufsätze unter anderem von Géraldine Gourbe, Thomas Lawson, Annette Jael Lehmann, Glenn Phillips, Janet Sarbanes sowie den Herausgeber*innen des Buches Philipp Kaiser und Christina Végh enthält. Der in einer deutschen und einer englischen Ausgabe geplante Katalog erscheint im Verlag Prestel / Prestel DelMonico.
Kestner Gesellschaft, Hannover

Kestner Gesellschaft | Goseriede 11
30159 Hanover

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posted 26. Sep 2019

viennacontemporary 2019 / Gotovac, Tolj, Morbin & Zink

26. Sep 201929. Sep 2019
viennacontemporary 2019 / Gotovac, Tolj, Morbin & Zink galerie michaela stock / Messestand G13 26.09.2019 – 29.09.2019 Vernissage: 26.09.2019 Narrative Kriegsgeschichten / stille Bilder des Krieges Tomislav Gotovac, Giovanni Morbin, Slaven Tolj, Marko Zink Die Vergangenheit ist nie tot. Sie ist nicht einmal vergangen. So wird die Vergangenheit allmählich zur Gegenwart... Jean-Luc Godard, «Hélas pour moi – Weh mir» 1993 100 Millionen Menschen kamen im 20. Jahrhundert infolge von Krieg, Vertreibung und Genozid ums Leben. Der 2.Weltkrieg hat bereits innerjugoslawisch massive Gewalt generiert und Jugoslawien war nach dem Zweiten Weltkrieg 1945 als Vielvölkerstaat neu gegründet worden. Nationalistische Strömungen führten nach dem Zusammenbruch des Sozialismus Ende der 80iger Jahre zum Jugoslawienkrieg und somit sind diese zwei Kriege tief miteinander verwoben. Am Messestand der galerie michaela stock wird das Grauen dieser Kriege durch Performance, Video, Installation und Fotografie gezeigt. Die vier ausgestellten Künstler – Giovanni Morbin (Italien), Tomislav Gotovac (Kroatien), Slaven Tolj (Kroatien) und Marko Zink (Österreich) zeigen gesellschaftlich-politisch Verantwortung, für das was in ihrem Land passiert ist. Die aus unterschiedlichen Generationen stammenden Künstler teilen einen konzeptuellen, performativen Ansatz und haben sich auf ganz unterschiedlicher Weise mit dem Thema beschäftigt und hinterfragen aus den jeweiligen Perspektiven das Erinnern an den Krieg (Zweiter Weltkrieg und Balkankrieg). Doch das Erinnern allein reicht nicht aus, um die Auswirkungen der Vergangenheit sichtbar zu machen, es soll ein Warnsignal - wenn man an die populistischen Tendenzen in ganz Europa denk - für das Kommende sein. Die Performancekünstler Morbin, Gotovac, Tolj und der Fotograf Zink zeigen keine ›Schockbilder‹. Die Kunstwerke handeln nicht von Verhungerten und Hingemetzelten und den brutalen Gräuel des Kriegs, sie zeigen auf den ersten Blick eine beinahe Unsichtbarkeit, eine subtile und leise, überlappende Erzählung der Kriegsgeschehnisse. Der Fokus der ausgestellten Kunstwerke liegt nicht auf dem eigentlichen Kampf und auch die geografische Zuordnung ist zeitweise schwer herauszufinden. Nachdenklich oder schockierend wird das Werk erst, wenn man den Kontext des Bildes kennt. Es zwingt den Betrachter sich als Teil dieser Welt zu sehen und seine eigene Historie zu hinterfragen. Tomislav Gotovac wurde 1937 in Sombor geboren und verstarb 2010 in Zagreb. Tom Gotovac (aka Antonio Lauer) war ein kroatischer Filmregisseur, Konzept- und Performancekünstlers. 1967 realisierte er das erste Happening in Zagreb. Er war vor allem für seine politisch aufgeladenen Arbeiten bekannt, die sich dem kommunistischen Jugoslawien befassten. Ausgangspunkt seiner künstlerischen Arbeiten war immer das Aufdecken alltäglicher Lebensumstände, politischer Manipulationen sowie die Neuinterpretation historischer bzw. politischer Fakten. Das Zusammenspiel von Leben und Kunst spielt im Werk von Tomislav Gotovac eine bedeutende Rolle. Er arbeitete meist mit seinem Körper um Protest in radikalen, emanzipatorischen und anarchischen Ansätzen auszudrücken und stellte sich selbst in den Mittelpunkt. Während Osteuropa seiner politischen und künstlerischen Freiheiten entkleidet wurde, benutzte Gotovac seinen nackten Körper, und entkleidete sich wortwörtlich, um diese Freiheiten zu versinnbildlichen. Der Performance und post-konzeptualistische Künstler Morbin Giovanni wurde 1956 in Valdagno geboren. Er arbeitet immer mit seinem Körper und schreckt auch nicht vor radikalen, destruktiven Performances zurück, um auf politische oder soziale Missstände aufmerksam zu machen. Seine antiquarischen oder gefundenen Objekte, wie Vintage Fotografien oder Bücher werden geschnitten oder bearbeitet - dabei wird immer wieder die Linie, die das faschistische Symbol verherrlicht, herausgearbeitet. Anhand von einigen kleinformatigen Kunstwerken beleuchtet Giovanni Morbin eine Zeit, die ohne ihn stattgefunden hat. Die Arbeit von Giovanni Morbin warnt uns davor, was passiert, wenn Grenzen geschlossen werden und auf welche Weise Linien gezogen werden können. Minimalistisch verweist er auf die Gefahr des neuen Aufstiegs der rechtsextremen Parteien in ganz Europa. Der 1964 in Dubrovnik geborenen kroatische Künstler Slaven Tolj erreichte internationale Anerkennung durch seine Installationen, Body-Art und Performances, die ausgeprägte politische und soziokulturelle Kritik widerspiegelten. Der Beginn seiner Laufbahn als Künstler wurde unmittelbar geprägt von seinen Erlebnissen im Jugoslawienkrieg, dem Zerfall des Staates und insbesondere der Eroberung von Dubrovnik durch die jugoslawische Armee in den Jahren 1991-92. Ruhig und aus einem persönlichen, zurückhaltenden Blickwinkel untersucht er die Beziehungen und Hinterlassenschaften des Krieges. Das zentrale Thema seiner Arbeiten ist die Vermeidung direkter Sprache und Bilder, er arbeitet mit Weg- und Auslassungen, zwischen Sichtbarem und Unsichtbarem. Marko Zink wurde 1975 in Gaschurn geboren und er versucht mit fotografischen Mitteln ein zweifaches Verschwinden sichtbar zu machen: die Auslöschung von Menschen und die Tilgung von Erinnerung. Die von Marko Zink gewählte Kunstform ist die analoge Fotografie. Er bearbeitet seine Filme, eher er sie belichtet. Er kocht, stanzt oder zerschneidet sie, behandelt sie mit Chlor oder Tintentod. Mit diesem filigranen Filmmaterial fotografiert er ausgewählte Orte in- und außerhalb des ehemaligen Konzentrationslagers Mauthausen in Österreich. Manchmal wirken Zinks Fotoarbeiten wie historische Fundstücke, rasch und heimlich aufgenommen, ausgebleicht von der Sonne, halb zerstört durch die Einwirkungen der Zeit. Manchmal scheinen die Fotos mit ihren Beschädigungen auf einer eigenen Ebene von jenem Ungeheuerlichen zu berichten, das sich hier vor weniger als acht Jahrzehnten zugetragen hat. Und manchmal scheint auf ihnen etwas sichtbar zu werden, was nur scheinbar nicht mehr zu sehen ist. Event / Präsentationen während der Vienna Contemporary 1) Freitag, 27.9, 10 – 12h in galerie michaela stock, Schleifmühlgasse 18, 1040 Wien Gallery Breakfast in der galerie michaela stock Helen Carey, Direktorin der Firestation Artists' Studio in Dublin im Gespräch mit internationalen Kuratoren Stef van Bellingen und und irischen Performancekünstlerinnen Amanda Coogan, Laura Fitzgerald, Ann Maria Healy, Suzanne Walsh zu der performativen Ausstellung Capture Performance Focus / Ireland, welche über acht Wochen lang in der Galerie stattfindet. Eine Kooperation: Dublin/Irland und Wien/ Österreich 2) Freitag, 27.9, 16 – 18h am Messestand G13 Katalogpräsentation: Marko Zink M 48° 15' 24.13'' N 14° 30' 6.31 E, Mauthausen – Die Tilgung von Erinnerung, mit Autoren und Autorinnen der Publikation Seit April 2019 wird die Ausstellung M 48° 15' 24.13'' N 14° 30' 6.31 E des Fotokünstlers Marko Zink in der Gedenkstätte ¬Mauthausen gezeigt. Das Buch beinhaltet einerseits die Werkserie, andererseits die Dokumentation der Ausstellungen. Die Autorinnen und Autoren tragen mit ihren Texten maßgeblich zu den verschiedenen Perspektiven der Werkserie bei, liefern darüber hinaus historische, pädagogische und gesellschaftspolitische Einbettungen. Mit Textbeiträgen von Felicitas Thun-Hohenstein, Wolfgang Huber Lang, Thomas Licek, Gudrun Blohberger, Bertrand Perz, Christian Dürr, Felicitas Heimann-Jelinek, Marija Nujic und Barbara Glück, erscheint im Verlag Mandelbaum 3) Samstag, 28.9. um 15 Uhr am Messestand G13 CD Präsentation: Gordan Paunovic "OTHER VOICES - echoes from a war zone" mit Elisabeth Zimmermann Elisabeth Zimmermann, Redakteurin der Ö1 Sendereihe Radiokunst - Kunstradio, präsentiert die CD des Belgrader Medienkünstlers Gordan Paunovic "OTHER VOICES - echoes from a war zone". Diese CD ist ein Remix von Gordan Paunovics aus seiner 100-minütigen Live-Kunstradio-Sendung, die am 29. April 1999 im Studio RP4 im ORF Funkhaus Wien ausgestrahlt wurde. Es thematisiert die Bombardierung Belgrads, die vor 20 Jahre stattgefunden hat, mit Live Audiostreams, Tagebüchereinträgen und Soundarbeiten. Die CD wird für 10,- Euro verkauft. Der Erlös kommt einem guten Zweck zu Gute (Frauenhaus in Belgrad).
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posted 25. Sep 2019

Sarah Abu Abdallah - For the Fist Time in a Long Time

10. Aug 201920. Oct 2019
opening: 09. Aug 2019 07:00 pm
**Eröffnung der Ausstellung** 9.8.2019, 19 Uhr Redner: András Siebold, Tobias Peper Mit anschließendem Sommerfest DJs: Ab 0 Uhr Le1f & ab 2 Uhr Ashus Sarah Abu Abdallah (*1990 in Qatif, Saudi- Arabien) arbeitet mit Video, Malerei, Text und Installation. Ihre Bildwelten sind geprägt von ihrer sich ständig verändernden Umgebung zwischen ihren Reisen und ihrer Heimat in Saudi-Arabien, von den visuellen Datenströmen des Internets oder auch der Popkultur in der Golfregion. Es geht in den Arbeiten um die Suche nach einem Selbst und einem Gefühl von Zugehörigkeit. Wie manifestiert sich beides im öffentlichen und im privaten Raum, insbesondere wenn die Rahmenbedingungen sehr unterschiedlich sind? Fragmentarisch kombiniertes Text- und Bildmaterial verweist in dieser Untersuchung auf die Flüchtigkeit von Erinnerungen und auf Momente von Beklemmung in einer sich immer schneller drehenden Welt. Abu Abdallahs Arbeiten stecken voller Poesie. Wiederkehrende Motive sind Momente des Verschwindens und der Zerstörung sowie Fragen nach genderspezifischen Codierungen und Restriktionen im Häuslichen und Öffentlichen – auch vor dem Hintergrund ihrer Rolle als Künstlerin in der saudischen Gesellschaft. Ein zentraler Aspekt in allen Arbeiten ist die Metaphorik von ungezähmter versus vom Menschen gebändigter Natur. Die erste Einzelausstellung der Künstlerin in Europa vereint zwei Filme und neue Malereien zu einer Gesamtinstallation. Der Film The Salad Zone (2013) nimmt das alltägliche Leben in den Blick. Abu Abdallah untersucht darin das Absolute, das Vorgeschriebene und das Absurde gesellschaftlicher Übereinkünfte in einer Zeit des Überflusses sowie daraus resultierende Konstruktionen von Angst. Der zweite Film, The House That Ate Them Whole (2018), erzählt anspielungsreich die Geschichte eines Hauses, das seine Bewohner*innen verschlingt, während es davon träumt, sich aus seiner statischen Situation zu befreien. Hintergrund der Arbeit ist ein Nachdenken darüber, wie uns unsere alltägliche Umgebung – die Inneneinrichtung von Häusern und die Dinge, die wir darin anhäufen – formt und beeinflusst. Der Mikrokosmos der häuslichen Umgebung wird hier mit den sozio-politischen Fragestellung unserer Gesellschaft verknüpft. Die Beobachtung von kleinen Alltäglichkeiten ist bestimmend in Abu Abdallahs durchaus humorvoller Analyse unterschiedlicher Kulturen und Gesellschaftsformen; immer geleitet von der Frage danach, wie sich diese in unserem Leben und unserer Identität widerspiegeln. Dies zeichnet sich auch in einer großformatigen Malereiinstallation ab, die vergleichbar mit einem Wandfries einen weiten Teil des Ausstellungsraums umfasst. Die Ausstellung ist eine Koproduktion mit dem Jameel Arts Centre, Dubai, wo sie im Dezember 2019 eröffnet wird. In Zusam- menarbeit mit Art Jameel erscheint die erste Monografie der Künstlerin. Die Ausstellung und der Katalog wurden unterstützt durch die Alfried Krupp von Bohlen und Halbach-Stiftung im Rahmen des Förderpreises „Kataloge für junge Künstler“.
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