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posted 19. Dec 2018

JOSEF KOUDELKA. Industrial landscapes

16. Oct 201827. Jan 2019
Kunsthal Helmond JOSEF KOUDELKA. Industrial landscapes 16.10.2018 - 27.01.2019 From 16 October 2018 to 27 January 2019, Helmond Museum will present an extraordinary exhibition on the works of legendary photographer Josef Koudelka in the Kunsthal Helmond gallery. The exhibition will feature a selection of 35 of Koudelka’s best iconic industrial landscape photographs taken over the past three decades in Europe, the United States, and South America. The exhibition, Josef Koudelka / Industries, features extraordinary panoramic photos in black and white photos that span nearly three metres in length. At first glance, they look like huge graphic illustrations, but take a closer look and you’ll see they are indeed photographs, the images abstracted in a dark room to create a powerful and timeless image. Bizarre humour Koudelka draws on his skills as a photographer to capture vast spaces. His landscapes seem to materialize from the photograph and suck us into their depths. We become aware of the devastating effect of industry on the landscape while enjoying the beautiful depictions and the way Koudelka plays with shapes and forms. We even smile at times at Koudelka’s bizarre humour, presented through his choice of subject, viewpoint, or visual framing. Invasion of Prague Josef Koudelka, éminence grise of engaging photography, will celebrate his eightieth birthday this year and will also exhibit his now-legendary images of the Soviet invasion of Prague, which took place exactly fifty years ago. This photo series launched the Czechoslovakia-born Koudelka into instant stardom in 1968, but also made him a political refugee. Magnum Despite having worked and trained as an aeronautical engineer, Koudelka decided to focus fully on photography at the age of 29. He photographed the theatre and gypsy life. After his photo series on the invasion of Czechoslovakia by Warsaw Pact troops gained him international acclaim, and after receiving the 1969 Robert Capa Gold Medal, Koudelka decided to remain abroad for his own safety. After Great Britain rejected his asylum application, he remained stateless until he was granted French citizenship in 1987. In the meantime, he became a member of the prestigious Magnum photo agency, he exhibited at important locations, and he gained critical acclaim with his photographic book Gitans (Gypsies) in 1975. Panoramic photos For Koudelka, absolute freedom is a must in his work. This is why he rarely works on commission and leads a Spartan existence that requires very little money. One exception is his participation in the DATAR project, for which twenty photographers were asked to capture the French landscape. Koudelka chose Paris and the northern region of France as his inspiration. This was the first time he had used a panoramic camera. The subject and the camera so impressed him that they continued to work with them for the next thirty years. Given the expense of the panoramic medium, Koudelka was forced to find a way to pay for his materials. He therefore took on assignments that granted him absolute artistic freedom. He had two conditions: he would only photograph locations of his own choosing and the factory or company that hired him could not use the photographs for commercial or advertising purposes. In 1990, when Czechoslovakia broke away from Russian influence, Koudelka returned to his homeland. There, he photographed the Black Triangle in Bohemia, the most polluted place in Central Europe. This border region shared by the Czech Republic, Germany, and Poland was devastated by sulphur dioxide emissions from brown coal combustion for electricity generation used to power heavy industry. Koudelka used an analogue panoramic camera until 2012. The availability of film and the printing options for his materials were starting to decline. In that same year, Leica converted his camera into an ultra-light definition format. His landscape photos were featured in acclaimed photo books like Black Triangle (1994), Chaos (1999), and Industries (2017). Acclaim Koudelka published several extraordinary photo books, including Exiles (1988) and Wall (2012), about the wall constructed by Israel on the West Bank. Koudelka has received dozens of awards, including the Grand Prix de la Photografie (1987), the Henri Cartier-Bresson Award (1992), and the Cornell Capa Infinity Award (2004). In 2013, he was named Commandeur de l’Ordre des Arts et des Lettres by the French Ministry of Culture after receiving the Czech medal of honour in 2002. Koudelka lives alternately in Paris and Prague. Fondazione MAST The exhibition was created by photography curator François Hébel for the biennial Photo/Industria 2017 in Bologna, under the auspices of Fondazione MAST. This is the first time this exhibition is being held outside Bologna. The exhibition was created in collaboration with Magnum Photos Paris.


Francois Hebel 
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posted 18. Dec 2018


29. Sep 201827. Jan 2019
SAMMLUNG FALCKENBERG, HAMBURG-HARBURG RALF ZIERVOGEL. AS IF 29.09.2018 - 27.01.2019 Wichtiger Hinweis: Die Sammlung Falckenberg befindet sich in Hamburg-Harburg. Die aktuellen Ausstellungen können nur im Rahmen einer Führung oder am ersten Sonntag im Monat von 12 bis 17 Uhr besucht werden. Aktuelle Termine und die Möglichkeit zur Buchung finden Sie in unserem Buchungssystem. Die Deichtorhallen Hamburg zeigen vom 29. September 2018 bis 27. Januar 2019 mit der Ausstellung RALF ZIERVOGEL − AS IF in der Sammlung Falckenberg die bislang größte Einzelausstellung des Berliner Künstlers, der vor allem für seine überdimensionalen, oft drastischen Zeichnungen bekannt ist. In enger Zusammenarbeit mit Ralf Ziervogel (*1975) konzipiert, präsentiert die Schau auf drei Stockwerken des Sammlungsgebäudes rund 130 Werke, darunter groß- und kleinformatige Zeichnungen, Videos und Installationen. Aufsehenerregende Motive ziehen sich über Ralf Ziervogels bis zu zehn Meter große Papierbahnen: Ohne Vorzeichnung entstehen Tintezeichnungen, die handflächengroße Figuren zeigen, die sich in extremen physischen Situationen befinden: Sie sind gefesselt, ineinander verschränkt und verknotet. Es sind feingliedrige, komplexe Zeichnungen, die vorwiegend menschliche Körper zeigen und in monochrome, ornamentale Geflechte aufgehen. In Ziervogels Werken werden Körper zu geteilten Wesen, die einerseits alle erdenklichen Metamorphosen menschlichen Seins spiegeln und zugleich an dessen Grenzen stoßen. Seit 2014 arbeitet Ziervogel an einem Zyklus mit Körperprints: aus fragmentarischen Abdrucken in schwarzer Gouache, entsteht ein neuer dynamischer Körper auf bis zu fünf Meter großen Blättern. Jede Bewegung, jede Pressung und Verwischung auf dem Papier wird von selbsterfassten, handgeschriebenen Texten begleitet, die, wie ein großes Spinnennetz über die schwarzen Abdrucke gespannt, eine zweite Ebene der Arbeiten bilden. Aus der Konsequenz zeichnerischer Inhalte resultieren dreidimensionale Arbeiten, die über Jahre oder sogar Jahrzehnte entwickelt werden. Sie sind Ziervogels Utopien, als riesige Bauwerke, kleine Versuchsanlagen, Skulpturen oder Installationen verarbeitet. Die Videos aus den Jahren 2001-2004, kurze, affektartige Gefühlsbeschreibungen generieren ein Konvolut an Existenzmöglichkeiten und sind dennoch als Verweissysteme zu verstehen. Ralf Ziervogels Arbeiten waren unter anderem auf der Kunst- und Architekturbiennale in Venedig, in der Kunsthalle Wien, dem Museum of Modern Art in New York, dem Modern Art Museum of Fort Worth in Texas, der Kunsthalle Düsseldorf, der DESTE Foundation for Contemporary Art in Athen, dem maison rouge in Paris und in der Pinakothek der Moderne in München zu sehen. Wir weisen darauf hin, dass einige Werke dieser Ausstellung für Jugendliche unter 18 Jahren nicht geeignet sind.
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posted 17. Dec 2018

Akram Zaatari. The Third Window

30. Aug 201805. Jan 2019
opening: 30. Aug 2018 19:00
Akram Zaatari. The Third Window 30.08.2018 - 05.01.2019 Opening on Thursday 30.08.2018 19:00 - 21:00 We are happy to invite you to the third solo show of celebrated Lebanese artist AKRAM ZAATARI at our Beirut space, opening on August 30, 2018. After Earth of Endless Secrets (2009) and This Day @ Ten (2013), Sfeir-Semler Gallery presents The Third Window, which capitalizes to a large extent on Zaatari’s study of photographs and their histories, mainly in the framework of his involvement with the Arab Image Foundation. The Third Window is a term that Zaatari borrows from Paul Virilio, who uses it in reference to television broadcast, a frame that allows a glimpse into a parallel life, referring to screens that can transport the viewer across space and time. But in the context of this exhibition, Zaatari uses the term to designate the different transactions that reproduce photographic records and that leave traces on the bodies of photographs, which Zaatari tries to understand as part of their genealogies. Zaatari takes photographs of photographs and narrates them in diverse ways. Sometimes they are organized into films, like On Photography Dispossession and Times of Struggle, 2017, commenting on their histories, focusing on how fragile they become at times of war. Sometimes they are reorganized in the gallery space highlighting specific details in them, disregarding the main subjects in pictures, the main purpose(s) of taking the picture(s), to reveal something else that would have otherwise stayed invisible. In original photographs he looks for accidents, records of unintended happenings, like the shadow of the photographer falling in the scene in the series A Photographer’s Shadow, 2017, or like a disintegrating image in Archeology, 2017. He makes of these the center of his work. Since the late nineties, Zaatari based an entire body of work on collecting and studying photographs; he’s explored how they are made, who they serve and how they circulate. He has examined the photograph as a site for diffusing fashion, culture, codes of behavior and sometimes values. This exhibition marks a move to another level while studying photographs. Zaatari looks at something else that was not intended in a photograph, and maybe something that happened to it after it was taken. He looks for what remains after something vanishes, what settles down after contamination has taken place, or what gets reconfigured by accidental binding. He tries to learn from these accidents or phenomena and deploys them as tools into the making of what he calls “informed objects,” or objects that can speak of what they have been through. Zaatari has often evoked Archeology, metaphorically, while talking about his search for photographic documents, uncovering or excavating, and displacing artifacts away from their original uses to study them. In this exhibition he relies on methods used in Archeology, such as 3D scanning, to record the textured surfaces of deteriorating photographic negatives, as in the series Against Photography, 2017. There are multiple media used in this exhibition, which does not include any original material. From traditional techniques like Cyanotypes, traditional print making and painting, to inkjet printing on paper or glass and video; all merge into making a single photographic journey. The Third Window offers in the beginning a broad reading of the history of photography, through its basic material, moving away from image content in order to uncover what’s buried within banalities, and that which nevertheless testifies to a century of unsettlement and violence. * Akram Zaatari (b.1966 in Lebanon) has produced more than fifty films and videos, a dozen books, and countless installations of photographic material, all sharing an interest in writing histories, pursuing a range of interconnected themes, subjects, and practices related to excavation, political resistance, the lives of former militants, the legacy of an exhausted left, the circulation of images in times of war, and the play of tenses inherent to various letters that have been lost, found, buried, discovered, or otherwise delayed in reaching their destinations. Zaatari has played a critical role in developing the formal, intellectual, and institutional infrastructure of Beirut’s contemporary art scene. As a co-founder of the Arab Image Foundation, a groundbreaking, artist-driven organization devoted to the research and study of photography in the Arab world, he has made invaluable and uncompromising contributions to the wider discourse on preservation and archival practice. Zaatari’s represented Lebanon at the Venice Biennial in 2013. His work has been featured at Documenta 13 in 2012. His work is part of institutional collections such as the Centre Pompidou, Paris; Guggenheim Museum, New York; Guggenheim Museum, Abu Dhabi; Hammer Museum, Los Angeles; K21 Dusseldorf; MACBA, Barcelona; MoMA, New York; Serralves Foundation, Porto; Tate Modern, London and Walker Art Center, Minneapolis.


Akram Zaatari 
Sfeir-Semler Gallery, Beirut °

Tannous Bldg. - 4th Fl. Str. 56 - Jisr Sector 77

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posted 16. Dec 2018


22. Sep 201813. Jan 2019
opening: 21. Sep 2018 19:00
FLORENTINA PAKOSTA 22.09.2018 – 13.01.2019 Eröffnung: Freitag, 21. September 2018, 19 Uhr Kuratoren: Dr. Reinhard Spieler (Sprengel Museum Hannover) und Elsy Lahner (ALBERTINA, Wien) Anlässlich ihres 85. Geburtstages stellt das Sprengel Museum Hannover in einer umfangreichen Retrospektive das Werk der österreichischen Künstlerin Florentina Pakosta vor, eine der wichtigsten Vertreterinnen feministisch engagierter Kunst in Österreich. Nach großen Ausstellungen in der ALBERTINA (2004 und 2018) und dem Leopold Museum (2011) in Wien ist es die erste Museumsausstellung der Künstlerin in Deutschland überhaupt. Von Beginn an ist ihr Werk politisch und gesellschaftlich engagiert und reagiert vor allem auf die Diskriminierung von Frauen. Anders als bei den meisten Vertreterinnen der feministischen Avantgarde ist aber nicht der weibliche Körper ihr Thema, sondern der weibliche Blick auf den männlichen Körper in seinem sozialen Kontext. Sie widmet sich Gesichtszügen und Körpersprache, studiert in großformatigen Zeichnungen das Porträt sowie männliche Grimassen in Anlehnung an den deutsch-österreichischen Bildhauer Franz Xaver Messerschmidt (1736 – 1783). Die Trikoloren Bilder, eine Werkgruppe seit den 1980er-Jahren, zeugen als abstrakte Kompositionen von den destruktiven Entwicklungen und Aggressionspotenzialen unserer Zeit. In Kooperation mit der ALBERTINA, Wien Die Ausstellung wird gefördert durch das österreichische Bundeskanzleramt.
Sprengel Museum, Hannover °

30169 Hanover

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posted 15. Dec 2018

Congo Stars

22. Sep 201827. Jan 2019
opening: 22. Sep 2018 11:00
Congo Stars 22.09.2018 - 27.01.2019 Eröffnung: 22.09.2018 11:00 Uhr Kuratiert von: Sammy Baloji, Bambi Ceuppens, Fiston Mwanza Mujila, Günther Holler-Schuster und Barbara Steiner Congo Stars zeigt populäre Malerei von den 1960er-Jahren bis heute sowie zeitgenössische Kunst, auch von Künstlerinnen und Künstlern, die inzwischen in Paris oder Brüssel leben, mit Leihgaben aus dem Königlichen Museum für Zentralafrika Tervuren, dem Iwalewahaus in Bayreuth, von privaten Sammlern und aus österreichischen Sammlungen wie der Sammlung Armin Prinz der Österreichischen Ethnomedizinischen Gesellschaft, der Sammlung Horvath Politischer Kunst, dem Weltmuseum Wien, der Sammlung Peter Weihs und mehr. Mit den österreichischen Sammlungen entsteht ein ungewöhnlicher Blick auf die „Peinture Populaire“, handelt es sich dabei doch um selten bis überhaupt noch nie gezeigte Werke aus diesem Genre. Der Ethnologe und Mediziner Armin Prinz, der seit den frühen 1970er-Jahren sowohl die Sammlung für die Österreichische Ethnomedizinische Gesellschaft als auch wesentliche Teile der Sammlung Horvath Politischer Kunst aufgebaut hat, sammelte nicht nach ästhetischen Kriterien, sondern selektierte nach inhaltlichen Überlegungen. Der mediale bzw. dokumentarische Aspekt dieser Kunst wird dabei besonders deutlich. Peter Weihs andererseits war in den 1970er- und 80er-Jahren Professor für Keramik an der „Academie des Beaux Arts“ in Kinshasa und hatte als solcher sehr frühen Kontakt zu den populären Malern. Einige davon, wie Chéri Cherin, waren auch seine Studenten. Die Konfrontation der „Peinture Populaire“ mit Positionen kongolesischer Gegenwartskunst, die ein wichtiger Aspekt der Ausstellung Congo Stars ist, kann durchaus als Novum bezeichnet werden. Die Künstler/innen, die teilweise in der Diaspora (etwa in Paris oder Brüssel) oder im Kongo – vorwiegend in der Hauptstadt Kinshasa – leben und arbeiten, haben oft dieselben Themen im Auge wie die „Peinture Populaire“, haben sich aber gleichzeitig weit davon abgesetzt bzw. emanzipiert. Analytisch, detailreich, viele Metaebenen erreichend, arbeiten sie in unterschiedlichen Medien. Durch die Hinzunahme von Dokumentarmaterial (Fotos, Filme, Plakate etc.) wird die Ausstellung ein Konglomerat an unterschiedlichen Informationen und Bildmedien. Dabei wird eine visuell und inhaltlich das Publikum nahezu überfordernde Dichte erreicht, die modellhaft die Struktur einer Stadt in sich trägt. Urbane Moloche wie beispielsweise die Hauptstadt des Kongo sind dabei das Vorbild. Die Gleichzeitigkeit der Information bzw. die chaotische Akkumulation von unterschiedlichen Visualitäten erzeugt ein explosives und spannungsgeladenes Klima einer Großstadt. Das spiegelt diese Ausstellung auf einer symbolischen Ebene wider. Ausgangspunkt der Ausstellung ist das Buch Tram 83 des in Graz lebenden Schriftstellers Fiston Mwanza Mujila. Er beschreibt darin einen imaginären Ort, der zwar von der (harten) gesellschaftlichen Realität kongolesischer Städte (Lubumbashi und Kinshasa) ausgeht, jedoch letztlich nahezu überall sein könnte. Darüber hinaus legt Congo Stars einen besonderen Schwerpunkt auf die historischen und aktuellen Beziehungen zwischen der Steiermark, Österreich und dem Kongo, ausgehend von diplomatischen Beziehungen und Ausbildungsprogrammen in den 1960er-Jahren, der Gründung des Afro-Asiatischen Instituts 1964 bis hin zum Aufenthalt des ehemaligen kongolesischen Stadtschreiber Fiston Mwanza Mujila in Graz und österreichischen Sammlungen kongolesischer Kunst. In Kooperation mit dem Königlichen Museum für Zentralafrika Tervuren, der Kunsthalle Tübingen und dem Iwalewahaus in Bayreuth.
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posted 14. Dec 2018

Lara Favaretto - NEED OR NO NEED

14. Dec 201817. Feb 2019
opening: 13. Dec 2018 19:00
Lara Favaretto: NEED OR NO NEED 14.12.2018 - 17.02.2019 Ausstellungseröffnung: 13.12.2018 19:00 Uhr NEED OR NO NEED – diese vier Worte bringen Lara Favarettos künstlerische Praxis auf den Punkt. Welche Gegenstände benötigen wir? Welche Materialen verwenden wir? Was sondern wir aus, werfen wir weg, verschrotten wir? Aber auch: Was braucht es für eine künstlerische Setzung, eine Skulptur? Was ist zu viel, was zu wenig – in der Kunst, unserer Gesellschaft, unserem Leben? Die italienische Künstlerin entwickelt Objekte, Installationen und Situationen, die tief in der Materialästhetik der Arte Povera wurzeln, doch weit über sie hinausreichen. Immer wieder beschränkt sich Lara Favaretto. Sie nimmt weg, fängt auf, fügt hinzu. Man ist verleitet sie als Komponistin zu bezeichnen, die Gegenstände, Materialien, Farben und Formen in ungewöhnliche, spannungsreiche Verbindungen zueinander setzt. Dabei arbeitet sie mit „armen“, also alltäglichen und einfachen, Materialien – Holz, Metall, Beton – die sie mit oftmals kostbaren, farbintensiven Stoffen wie Seide, Gold oder Konfetti kombiniert. Aus den Kontrasten zwischen hart und weich, schwer und leicht, vorgefunden und erschaffen, ärmlich und teuer entstehen skulpturale Setzungen innerhalb bestehender Raumgefüge. Ihre Eingriffe sind minimal, der Logik der Materialien folgend, von großer Leichtigkeit, dabei absolut präzise und radikal. So errichtet sie beispielsweise ein Feld aus gebrauchten Baugerüststangen, von denen eine einzige eng mit einem farbigen Wollfaden umwickelt ist. Sie platziert korrodierte Überfahrplatten aus Stahl auf hauchdünnen Seidenbahnen in leuchtenden Farben. Sie taucht ihre Hände in noch nicht ausgehärteten Zement und hinterlässt so Abdrücke einer körperlichen Aktion. Oder sie fährt mit einem Citroën LNA an den Wänden des Ausstellungsraumes entlang und kreiert dabei eine Zeichnung aus Farbe und Kratzern. An diesen Beispielen wird deutlich, dass sich ihr künstlerisches Interesse um Prozesse des Sammelns, Erinnerns, des Wandels und Zerfalls dreht. Ihre Werke tragen die Eigenschaften der Materialien in sich, erzählen von deren zurückliegender Existenz und Lebensdauer. Jedes Material besitzt die Tendenz sich im Laufe der Zeit zu verändern, zu verringern und schließlich zu verschwinden. Diese Prozesse sind unaufhaltsam. Bei Lara Favaretto erhalten sie aber eine besondere Qualität, denn sie setzt ihre Objekte hohen Belastungen aus. So wird es unmöglich vorauszusagen, wie sie sich im Laufe der Zeit entwickeln, wie stark der Zahn der Zeit an ihnen nagt. Das Interesse der italienischen Künstlerin gilt den Methoden Eliminationsvorgänge zu beschleunigen. Dies verdeutlichen auch Videoarbeiten wie Eraser, in der die Künstlerin ein gelbes Radiergummi wieder und wieder gegen die weiße Wand ihres Ateliers wirft, oder Doing, die zeigt, wie drei Personen Carrara-Marmorblöcke durch beständiges Beschlagen langsam zu Staub verarbeiten. Jedes ihrer Werke versucht den Betrachtern, wie es Lara Favaretto formuliert, einen Tag zu schenken – einen zusätzlichen Moment. Einen Freiraum, der nicht den alltäglichen Pflichten und Gesetzen unterworfen ist, sondern im Zeichen neuer Kollaborationen steht. Der einen Austausch mit anderen Menschen und ein Mitwirken an Prozessen bedeutet – eine aufständische Geste gegenüber der Gleichförmigkeit und Konformität menschlicher Handlungen und Gedanken. Lara Favarettos Ausstellung NEED OR NO NEED in der Kunsthalle Mainz ist ihre erste Einzelausstellung in Deutschland.
Kunsthalle Mainz

KUNSTHALLE MAINZ | Am Zollhafen 3–5
55118 Mainz

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posted 13. Dec 2018

Revolutionize. Reflections on revolutionary history unfolding in the present

21. Nov 201827. Jan 2019
Revolutionize. Reflections on revolutionary history unfolding in the present 21.11.2018 - 27.01.2019 Participating artists: Francis Alÿs, Lara Baladi, James Beckett, Maksym Bilousov, Marinus Boezem, Adelita Husni-Bey, Irina Botea, Nazar Bilyk, Latifa Echakhch, Harun Farocki, Jack Goldstein, Hamza Halloubi, Yuriy Hrytsyna, Iman Issa, Illya Isupov, Alevtina Kakhidze, Lesia Khomenko, Sasha Kurmaz, Dariia Kuzmych, Cristina Lucas, Basim Magdy, Lev Manovich, Olexa Mann, Olaf Nicolai, Maria Plotnikova, Letícia Ramos, Vlada Ralko, Fernando Sánchez Castillo, Wolfgang Tillmans, Mona Vatamanu & Florin Tudor, Vova Vorotniov, Pavel Wolberg. With the participation of the Planning for Protest, Mystetskyi Barbican, Strike Poster, Piotr Armianovski, Aftermath VR: Euromaidan Curators: Kateryna Filyuk (Ukraine), Nathanja van Dijk (the Netherlands) Exhibition architecture: studioBASAR Where democracy is under pressure and crisis reigns, alternative participatory models are developed, as evidenced by the recent worldwide gulf of revolts and protest movements. One of the brightest among them was the Ukrainian Revolution of Dignity. The group-exhibition Revolutionize marks the 5th anniversary of this mass protest that took to the street in 2013–2014. Departing from Kyiv’s Independence Square—the very heart of the Ukrainian protest movement—the exhibition Revolutionize can be seen as an exercise, an attempt at imagining the future narrative of the newly-established Museum of the Revolution of Dignity. This memorial museum doesn’t have a permanent venue yet, however it is responsible for a collection of numerous objects and artifacts of the recent revolution. This became the starting point for the commissioned project entitled Couplings by James Beckett, which runs like a thread through the exhibition. The artist paired the museum's artifacts with mundane objects, emphasising the unique nature of the revolutionary moment and its power to alter the function of ordinary things that could turn into a weapon or protection as well as symbolic agents of historic events. A museum is a place where a society tells stories to itself about what is significant in its history and culture. A society is alive and flexible when it interprets and upsets its own narratives. Hence, in anticipation of the future Museum of the Revolution of Dignity, the exhibition Revolutionize aims to commemorate past events, yet simultaneously critically reflects on how we—in a post-revolution era—deal with history when the dust has not yet settled. How do we find the words and images to capture a historical moment when it unfolds before our eyes? How can we access and understand a revolutionary event and create space for the many voices that should be heard when history is still in the making? What is the role of art in a crisis driven time? These questions are relevant for Ukraine, but also concern everyone who wants to question the status quo of our contemporary moment and who wants to rewrite the singular, hegemonic narratives with which we describe our present. Organizers: Mystetskyi Arsenal, Museum of the Revolution of Dignity, A Tale of a Tub The project is implemented with support of the Ukrainian Cultural Foundation.
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posted 12. Dec 2018

Kochi-Muziris Biennale 2018/19

12. Dec 201829. Mar 2019
Kochi-Muziris Biennale 2018/19 12.12.2018 - 29.03.2019 Various locations Kochi Kerala India It is with great excitement that the Kochi Biennale Foundation announces the first list of participating artists for the fourth edition of the Kochi-Muziris Biennale (KMB). KMB is the largest contemporary art biennale in South Asia, and the first of its kind in India. The main exhibition and an ancillary programme of talks, workshops, film screenings, and music will take place across a range of venues in the city of Kochi, Kerala. In its title, the Biennale is an invocation of the latent cosmopolitan spirit of the contemporary metropolis, Kochi, as well as its mythical past—the ancient port of Muziris, a centre of trade and cultural exchange that is still an active archaeological site. In spirit, the Biennale seeks to explore resonances of this past alongside the pluralities of the present in the current global context to posit alternatives to dominant political and cultural discourses. Kochi-Muziris Biennale is an invitation of dialogue for new aesthetics and politics—rooted in its socio-geographical setting, but receptive to winds blowing in from other worlds. The fourth edition of the Kochi-Muziris Biennale is curated by eminent artist Anita Dube. Her appointment as curator, unanimously decided upon by an Artistic Advisory Committee put together by the Kochi Biennale Foundation at the beginning of last year, stays with the Biennale’s tradition of being an exhibition helmed by an art practitioner. On curating an exhibition of this scale, Dube notes: “My earliest intuitive vision for this edition of the Kochi-Muziris Biennale to explore the possibilities for a non-alienated life has remained with me. The need to listen, think, and learn with each other, particularly voices from the margins—of women, of the queer community, the oppressed castes, the whispers and signs of nature—with a spirit of freedom and comradeship is vital. In both the exhibition and the carefully designed interactive spaces, I hope the incredible range of exhibiting artists and visitors will become active participants and co-producers of the Biennale as a knowledge laboratory.” As part of her research and curatorial process, Dube visited a total of 29 countries where she was hosted by a wide array of arts institutions and independent supporters of the Biennale. Her artist list, a selection of whom are announced here, reflects the dynamic range of practises and conversations she shared along the way. Kochi Biennale Foundation The Kochi-Muziris Biennale is organized by the Kochi Biennale Foundation (KBF), an artist-led non-profit institution founded by artists Riyas Komu and Bose Krishnamachari in 2010. In conjunction with creating the Kochi-Muziris Biennale, KBF fosters and manages a diverse range of critical spaces for cultural and educational engagement, with an aim to strengthen contemporary art infrastructure across India. An integral part of the Foundation’s mission is to change the discourse around arts education through intervention and platforming. The Biennale’s fourth edition will present a multifaceted programme that showcases, in particular, the results of KBF’s educational efforts among students of all ages. The Students’ Biennale, the largest of KBF’s educational initiatives in scale, brings together undergraduate and graduate students from across the SAARC countries under the guidance of prominent educators and curators—culminating in projects exhibited in parallel to the Kochi-Muziris Biennale. In this edition, Students’ Biennale is also initiating the Expanded Education Forum, which aims to make pedagogical and curricular interventions in arts educational institutes across the country. Art by Children (ABC) is India’s first children-only art event—a project aimed at initiating and enriching primary school students’ experience of making and thinking about art. Another ongoing project is the Pepper House Residency + Exhibition, which hosts cycles of international artists throughout the year, offering the chance to create a body of work whilst in Kochi, with an exhibition alongside the main Biennale. * Expanded artist list Aernout Mik (Netherlands), Akram Zaatari (Lebanon), Arunkumar HG (India), Anju Dodiya (India), Annu Palakunnathu Matthew (India/US), Anoli Perera (Sri Lanka), Araya Rasdjarmrearnsook (Thailand), BV Suresh (India), Bapi Das (India), Barthélémy Toguo (Cameroon/ France), Bracha Ettinger (Israel/France), Brook Andrew (Australia), Chandan Gomes (India), Chitra Ganesh (USA/India), Chittaprosad (India), Dennis Muraguri (Kenya), Domenec (Spain), EB Itso (Denmark), Goshka Macuga (Poland/UK), Guerrilla Girls (USA), Hassan Khan (Egypt), Heri Dono (Indonesia), Ines Doujak + John Barker (Austria + UK), Jitish Kallat (India), Julie Gough (Australia), Jun Nguyen-Hatsushiba (Japan/Vietnam), Juul Kraijer (Netherlands), KP Krishnakumar (India), Kausik Mukhopadhyay (India), Madhvi Parekh (India), Marlene Dumas (Netherlands), Martha Rosler (USA), Marzia Farhana (Bangladesh), Mrinalini Mukherjee (India), Mochu (India), Monica Mayer (Mexico), Nathan Coley (UK), Nilima Sheikh (India), Otolith Group (UK), PR Satheesh (India), Pangrok Sulap (Malaysia), Prabhakar Pachpute (India), Priya Ravish Mehra (India), Probir Gupta (India), Radenko Milak (Bosnia and Herzegovina), Rana Hamadeh (Netherlands/Lebanon), Rehana Zaman (Pakistan), Rina Banerjee (US/India), Rula Halawani (Palestine), Santu Mofokeng (South Africa), Shambhavi Singh (India), Shilpa Gupta (India), Shirin Neshat (Iran/USA), Shubigi Rao (Singapore), Song Dong (China), Sonia Khurana (India), Subhash Singh Vyam + Durgabai Vyam (India), Sue Williamson (South Africa), Sunil Gupta + Charan Singh (India/UK), Sunil Janah (India), Tabita Rezaire (France/French Guyana/South Africa), Tania Bruguera (Cuba), Tania Candani (Mexico), Tejal Shah (India), Temsuyanger Longkumer (India/UK), Thomas Hirschhorn (Switzerland/France), VALIE EXPORT (Austria), Veda Thozhur Kolleri (India), Vicky Roy (India), Vinu VV (India), Vipin Dhanurdharan (India), Vivian Caccuri (Brazil), Walid Raad (Lebanon/USA), William Kentridge (South Africa), Young-Hae Chang Heavy Industries (South Korea), Zanele Muholi (South Africa)


Anita Dube 
Kochi-Muziris Biennale

1/1903, Kunnumpuram, Fort Kochi PO
Kerala 682001 Kochi

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posted 11. Dec 2018


01. Nov 201824. Feb 2019
ULLA VON BRANDENBURG. SWEETS / QUILTS / SUN 01.11.2018 - 24.02.2019 Ulla von Brandenburg hat bis heute ein umfassendes, komplexes und charakteristisches Œuvre entwickelt, dem sich das Kunstmuseum Bonn und die Whitechapel Gallery London mit zwei unterschiedlichen Ausstellungen und einer gemeinsamen Publikation widmen. Die motivische Verdichtung im Werk Ulla von Brandenburgs, die aus der Formsprache von Folklore, Theater und Zirkus speist, korrespondiert mit einer außer­gewöhnlich hohen medialen Vielfalt. In ihren Filmen, Installationen und Zeichnungen verwendet von Brandenburg Methoden des Theaters, um sich mit gesellschaftlichen und historischen Fragen aus­einanderzusetzen. Facetten des Bühnenhaften und Theatralischen oder die Regelhaftigkeit des Spiels werden zu Metaphern des Zusammenlebens, in denen die Trennung zwischen Zuschauer*innen und Akteur*innen, Realität und Illusion stets hinterfragt und stellenweise durchbrochen wird. Ulla von Brandenburgs Referenzen an das Theater führen uns immer wieder auf die Grundfragen unserer Existenz und Gesellschaft zurück: Wer sind wir? Welche Rolle spielen wir? Welche Position wird uns durch unsere Rolle zugewiesen? Uns wird ein Blick hinter die Bühnen des Lebens gewährt, ohne dabei die Faszination für das eigene Spiel zu zerstören. Mit jedem Bild, das von Brandenburg als Illusion, als Schatten oder Spiegelbild entlarvt, entsteht ein ebenso vielschichtiges neues. Ulla von Brandenburg (*1974 in Karlsruhe) lebt und arbeitet in Paris. Von 1995 bis 1998 studierte sie Szenografie und Medienkunst an der Hochschule für Gestaltung in Karlsruhe und von 1998 bis 2004 Freie Kunst an der Hochschule für Bildende Künste in Hamburg. Seit 2016 hat Ulla von Brandenburg eine Professur im Fachbereich Malerei und Grafik an der Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe inne. Mit Einzelausstellungen im Institut Mathildenhöhe Darmstadt (2018), im Musée Jenisch Vevey (CH, 2018), der Kunsthal Aarhus (2017), dem K21 Ständehaus der Kunstsammlung NRW (2017) und der Beteiligung an zahlreichen Gruppenausstellungen, gehört Ulla von Brandenburg mittlerweile zu den international beachteten, diskursprägenden Positionen ihrer Generation.
Kunstmuseum Bonn °

Friedrich-Ebert-Allee 2
53113 Bonn

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posted 10. Dec 2018


20. Oct 201821. Dec 2018
GEROLD MILLER 20.10.2018 – 21.12.2018 Die galerie lange + pult fre­ut sich, die fünfte Einzelausstellung von Gerold Miller in den Zürcher Galerieräumen zu präsentieren. Einmal mehr setzt sich Gerold Miller mit Fragen der Bildlichkeit im Grenzbereich von Skulptur und skulptural-bildhaft definierter Architektur auseinander. Seine Objekte können als Bilder gelesen werden, genauso legitim ist es aber sie als Skulpturen aufzufassen. Die präzisen, kantigen Aluminiumobjekte wirken elegant und erinnern in ihrer Industrie-Ästhetik an Werke der Minimal Art. Die imposante „section“-Arbeit zu Beginn der Ausstellung sowie die neusten „sets“ oszillieren zwischen Abstraktion und Realität, Inhalt und Nicht-Inhalt, Bild und Objekt. Ihre frontale Ausrichtung entspricht den oberflächlichen Ästhetisierungstendenzen unserer visuellen Kultur. Zufällige Eindrücke spiegeln sich in ihren perfekt lackierten, monochromen Oberflächen wider und bewirken, dass eine Verbindung zwischen Werk und umgebender Architektur hergestellt wird: Die Leere des Monochromen wird zum Protagonisten, der alles und nichts repräsentiert, während das Zusammenspiel von mattem und glänzendem Lack sowie der kontrastierenden Farben einen virtuellen Raum hinter der Bildebene entstehen lässt. Zudem bringen die drei „Verstärker“ – Millers erste Serie von freistehenden, nicht wandbezogenen Skulpturen – als offene Struktur die minimalen Grundbegriffe der Dreidimensionalität mit sich: Höhe, Länge und Tiefe. Die „Verstärker“ stellen damit buchstäblich ein grundlegend wiederkehrendes Thema Millers künstlerischer Forschung dar: Die unzähligen Möglichkeiten, den unendlichen Raum beschreiben zu können. Schliesslich ergibt sich eine ausgeklügelte Kollision von Konzepten: der reale 3D-Raum der drei „Verstärker“ sowie der virtuelle Raum der „sets“ und „section“ Arbeiten, die durch ihre gegenseitige Reflexionen den Ausstellungsraum zu einem Gesamtkunstwerk komponieren lassen. Dieses offene Zusammenspiel der verschiedenen Parameter wie Raum, Leere, Form und Farbe sowie der Aspekt einer aktiven Beteiligung des Betrachters widerspricht der traditionellen Theorie des Bildes als statisches und hermetisch abgeschlossenes Objekt. Gerold Miller (*1961) ist seit Ende der 80er Jahre weltweit in Einzel- und Gruppenausstellungen sowie in internationalen Kunstinstitutionen und öffentlichen Sammlungen vertreten wie; Borusan Contemporary, Istanbul; Bundesministerium für Kunst, Wien; CCNOA, Brüssel; Daimler Contemporary, Stuttgart / Berlin; Esbjerg Museum, Dänemark; Graphische Sammlung ETH, Zürich; Kunstsammlung Weishaupt, Ulm; Louisiana Museum of Modern Art, Dänemark; Mallorca Art Foundation, Spanien; Musée d'Art et d'histoire, Neuchâtel; Museum Ritter, Stuttgart; Société Générale, Paris; Staatsgalerie, Stuttgart; Sammlung Schauwerk, Sindelfingen; oder Museum am Ostwall, Dortmund. Gerold Miller wurde in Altshausen, Deutschland, geboren und lebt und arbeitet in Berlin.


Gerold Miller 
Lange + Pult, Zürich

Limmatstrasse 291
CH-8005 Zurich

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posted 09. Dec 2018

Jörg Immendorff: Für alle Lieben in der Welt

14. Sep 201827. Jan 2019
Jörg Immendorff: Für alle Lieben in der Welt 14.09.2018 — 27.01.2019 Jörg Immendorff (1945-2007) pflegte sein Image als Künstler und harter Kerl, doch er hatte auch weiche und nachdenkliche Seiten, die man neben seinem politischen Sendungsbewusstsein in der Retrospektive „Für alle Lieben in der Welt“ entdecken kann. Mitte der 1960er-Jahre als Beuys-Schüler an der Düsseldorfer Akademie erprobt sich Immendorff zunächst als Agitationskünstler. Die Aktionen der Lidl-Akademie, die er mit seiner ersten Ehefrau Chris Reinicke entwickelt, stehen für Liebe und Frieden und den Wunsch die Welt zu verändern, sich gegen die uninspirierte und wenig geistreiche Politik in Deutschland aufzulehnen. „Lidl“ ist dabei ein Kunstwort in der Tradition von Dada. Intuition und Schöpfergeist sollen durch die Aktionen befreit werden. Später steht Immendorff der KPD nahe. Einige Jahre arbeitet er als Hauptschullehrer und entwickelt eine Bildsprache, in der Wort und Bild gleichberechtig nebeneinander stehen. Unter dem Titel „Rechenschaftsbericht“ entsteht ein Zyklus von Gemälden mit klarer politisch-pädagogischer Botschaft. Erst Ende der 1970er-Jahre fasst Immendorff den Entschluss sich vollkommen der Kunst zu verschreiben. 1976 beteiligt er sich an der Biennale in Venedig und 1977 folgt schließlich der Einstieg in den Café Deutschland-Zyklus, angeregt durch Renato Guttusos Café Greco, das Immendorff in einer Ausstellung in Köln gesehen hatte. In den Café Deutschland-Bildern arbeitet sich Immendorff an der Politik seiner Zeit ab – es ist die Zeit der RAF und innenpolitischer Konflikte auf beiden Seiten der Mauer –, eine Wiedervereinigung scheint vollkommen außerhalb jeglicher Realität. In düsteren, theaterhaften Barszenen, die von Prominenten und Künstlern bevölkert sind, stellt Immendorff sich selbst meist als Grenzgänger zwischen Ost und West dar. Neben der klaren politischen Motivation zeigen die Bilder jedoch auch Immendorffs Gedankenwelt, in der Ideen über Zeit und Raum miteinander im Dialog stehen. 1998 erfährt Immendorff, dass er an ALS erkrankt ist. Seine Welt wird dunkler und sein Werk richtet sich zunehmend nach innen. Er arbeitet bis zu seinem Tod – am Ende nur noch mit Unterstützung von Assistenten, die seine Anweisungen im Atelier ausführen. Die Retrospektive umfasst ca. 200 Werke aller Schaffensphasen. Sie folgt keiner strengen Chronologie, vielmehr stellt sie entscheidende Schwerpunkte der Werkentwicklung in Kapiteln dar. Kurator: Ulrich Wilmes Assistenzkurator: Damian Lentini
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posted 08. Dec 2018

Martha Jungwirth

20. Oct 201803. Feb 2019
Mit der Einzelausstellung von Martha Jungwirth (*1940, Wien) präsentiert das Kunstmuseum Ravensburg die bislang umfassendste Ausstellung der österreichischen Malerin in Deutschland, deren Bildwelten zwischen gestischer Abstraktion und Gegenständlichkeit oszillieren. Mit einem nuancenreichen Kolorit formen Jungwirths Werke ein eigenes, bedeutungsoffenes »Äquivalent zur starren verbindlichen Realität« (Jungwirth, 1988). Die Werkschau spannt einen Bogen von Schlüsselwerken aus den 1970er Jahren bis heute und setzt einen Schwerpunkt bei Jungwirths Aquarellen. Jungwirth wurde 2018 mit dem renommierten Oskar-Kokoschka-Preis für ihr Lebenswerk ausgezeichnet, das die Albertina Wien in einer Retrospektive vorstellte. In Deutschland fand die letzte Einzelausstellung vor 20 Jahren statt. Martha Jungwirths Malereien sind sensuelle Notationen von Gesehenem, Erfahrenem und Erinnertem. In ihren Arbeiten gelingt es ihr, innere Bilder in eigenständige Farb- und Formkompositionen zu überführen, ohne die Referenz zum gegenständlichen Motiv, als Urzelle der Arbeit zu verleugnen. Impulsgeber ihrer Aquarelle und Ölmalereien sind sowohl Eindrücke von Reisen nach Griechenland, Mexiko oder Kambodscha, wie auch Abbildungen politischer Ereignisse, kunsthistorischer Gemälde oder die griechische Mythologie. Im Arbeitsprozess dient Jungwirth der Körper in zweifacher Hinsicht als Filter äußerer Eindrücke: »Wenn die äußere Bewegung, die Körperbewegung und die innere Bewegung zusammentreffen und wenn dieses Zusammentreffen glückt, dann geht die Malerei los« (Jungwirth, 1994). Der energisch körpergebundene Malprozess bleibt bei Jungwirth unter Einschluss des Zufalls sichtbar. Flecken, Tropfen und Farbrinnsale schaffen eine Atmosphäre des Fluiden, Offenen und Transparenten und lassen sinnliche Turbulenzen entstehen. Um in den Arbeiten dieser Künstlerin anzukommen, muss man das Risiko eingehen, sich in ihnen zu verlieren.
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posted 07. Dec 2018

Philipp Timischl

16. Nov 201820. Jan 2019
opening: 15. Nov 2018 19:00
Philipp Timischl Artworks for all Age Groups November 16, 2018 – January 20, 2019 Philipp Timischl’s expansive multimedia tableaus combine personal notes from the humdrum of daily life with found materials to build narrative structures. Balancing between documentation and fiction, between the private and public spheres, they play with intimacy and self-reference. Major themes in Timischl’s art include the lasting influence of our roots, exclusion, and queerness in relation to social classes as well as the power dynamics between art and its audience. One recurring media element that has already emerged as a signature feature of the young artist’s growing oeuvre are hybrid towers combining a flat-screen monitor with a canvas mounted directly above it. With their conjunction of two image fields, these sculptures echo traditional forms in the history of art such as the diptych or collage. Timischl’s installations usually play out on several such towers. The seamless fusion of painting and technology extends to the motifs as well. The interplay between static and time-based digital images weaves dense textures, although the disparate visual material does not congeal into a single unified narrative, which is merely hinted at in the manner of vignettes. A similar play with ambivalence is evident in the titles of Timischl’s exhibitions: consider Philipp, I have the feeling I’m incredibly good looking, but have nothing to say (21er Haus, Vienna, 2013), They were treating me like an object. As if I were some sextoy or shit. I don’t wanna see them again (Künstlerhaus, Halle für Kunst & Medien, Graz, 2014–15), or Hostile Habits Domestic Monuments, Class Drag (Galerie Layr, Vienna, 2017). Like many of the titles he chooses for his works, they quote a variety of sources including TV shows, books, movies, as well as conversations he happens to overhear in the street. Philipp Timischl, born in 1989 in Graz (Austria), lives and works in Vienna. The exhibition program is conceived by the board of the Secession. Curator: Annette Südbeck
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posted 06. Dec 2018

Claus Goedicke. Plastik und Kartoffeln

23. Nov 201820. Jan 2019
opening: 23. Nov 2018 16:00
Claus Goedicke. Plastik und Kartoffeln 23.11.2018 – 20.01.2019 Eröffnung der Ausstellung am Freitag, den 23. November 2018, um 19.30 Uhr Begrüßung Gertrude Wagenfeld-Pleister, Vorsitzende des Kunstvereins Einführung Felix Hoffmann, Berlin Ein roter Lippenstift, ein Telefonhörer, ein Apfel und eine Halskette - Dinge, die uns im täglichen Leben umgeben, einzeln auf einem schlichten Untergrund drapiert und im dokumentarischen Stil fotografiert, arrangiert Claus Goedicke in der Ausstellung zu Bildgruppen, die nicht nur eine große visuelle Wirkung entfalten, sondern Geschichten erzählen. Der in Berlin lebende Künstler untersucht das bildnerische Potenzial von Alltagsgegenständen. Nahsichtig und in großer Reduktion mit sorgfältigem Einsatz von Farbe und Licht hält er Dinge fest, die sich durch den häufigen Gebrauch unserer bewussten Betrachtung entziehen. Jeder einzelne Gegenstand ist ein Artefakt, Zeugnis des menschlichen Lebens, der das Potenzial einer Erzählung in sich birgt. In einer anderen umfassenden Werkgruppe beschäftigt sich Claus Goedicke mit Plastikgefäßen, die er in extrem farbigen Bildern inszeniert. Die Ästhetik der Bilder orientiert sich sowohl an der Produktfotografie als auch am klassischen Stillleben. Die Aufnahmen zeugen von einer intensiven Auseinandersetzung mit Oberfläche, Farbe, Licht und Raum und reflektieren in höchster Konzentration die Gestaltungsmittel und Möglichkeiten der Fotografie. Kunststoff ist ein Zeugnis unserer Zeit, dass sich als allgegenwärtiges Material seit Mitte des 20. Jahrhunderts durchgesetzt hat. Wie bei den Dingen rückt Claus Goedicke (geb. 1966 in Köln) damit ein Zeitphänomen der menschlichen Existenz in den Focus. Neben den Fotografien der Dinge und Plastikgefäße die er seit 25 Jahren verfolgt, zeigt er andere Serien wie „Köhles Schuppen“ und „Kurz nach’m Tod”. Gefördert durch: EWE STIFTUNG, VR Stiftung und Raiffeisenbank Oldenburg, Niedersächsisches Ministerium für Wissenschaft und Kultur, Stadt Oldenburg * Programm im November und Dezember: Sonntag , 25. November 2018, 16 Uhr Führung durch die Ausstellung mit Vanessa Reis Dienstag, 27. November 2018, 17 Uhr Besichtigung für Lehrkräfte und Erzieher (kostenfrei) Sonntag, 09. Dezember, 18 – 19:30 Uhr Mindful art – Kunst und Meditation Sonntag, 16. Dezember 2018, 16 Uhr Führung durch die Ausstellung mit Mareike Urfels
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posted 05. Dec 2018

Arturo Herrera. HOP

23. Aug 201810. Mar 2019
KUNST-STATION im Hauptbahnhof Wolfsburg Arturo Herrera. HOP 23.08.2018 - 10.03.2019 Einladung zur Eröffnung einer neuen Ausstellung in der KUNST-STATION im Hauptbahnhof Wolfsburg am 23. August 2018 um 18 Uhr: Arturo Herrera „HOP“ Rauminstallation Im Anschluss an die Eröffnung laden die Veranstalter zum Sommerfest an den Mittellandkanal ein. Der 1959 in Caracas/Venezuela geborene Arturo Herrera kam 2003 mit einem DAAD-Stipendium nach Berlin/Deutschland, wo er seitdem lebt und arbeitet. Davor studierte er in Chicago und lebte in New York/USA. Seine häufig collageartigen Arbeiten setzt der Künstler aus Fundstücken vom Flohmarkt, Motiven aus Comics, Kunstbänden, Fotoalben oder Kinderbüchern zusammen. Dabei verbindet er persönliche Erinnerungsstücke mit dem kollektiven Bildgedächtnis und es entsteht ein spannender Dialog verschiedener Kulturen, die den Künstler im Verlauf seiner biografischen Stationen prägten. So können sich in seinen Arbeiten ganz unterschiedliche Themen verbinden, die er in Comics aus der Disney-Welt oder in deutschen Märchenbüchern mit Schlossmotiven findet bis hin zu Fragmenten von antiken Skulpturen aus Kunstbüchern. Die Erscheinung und Ausformulierung der Motive kann vertraut und dennoch befremdlich wirken. Auf jeden Fall stellen sie eine Herausforderung an die weltweit verbreiteten kollektiven Bildgedächtnisse und tradierten Sehgewohnheiten einschließlich ihrer eingebrannten Interpretation dar. Für die KUNST-STATION hat Herrera eine raumgreifende Wandarbeit entwickelt. Andy Warhols Siebdrucke wie auch die übergroßen Comicmotive von Roy Lichtenstein zählen wohl zu den bekanntesten Beispielen künstlerischer Auseinandersetzung mit dem POP. Wenn sich Arturo Herrera heute der Bildsprache unserer Alltags- und Populärkultur bedient, steht für ihn nicht die Wiedererkennbarkeit des Zeichens im Vordergrund, sondern das Malerische als eine abstrakte Ausdrucksform menschlicher Emotionalität und individueller Subjektivität. Mit seiner temporären Rauminstallation HOP, die sich von der KUNST-STATION über einen Teil der Fensterfront im Hauptbahnhof Wolfsburg erstreckt, schafft der Künstler nicht nur einen Gegenpol zu der streng-funktionell gegliederten Architektur des Gebäudes. Zugleich verbindet er mit seinen dynamisch-abstrakten, ineinander verwobenen Linien die offene Fensterfläche mit dem geschlossenen Raum und schafft so ein energiegeladenes Gesamtwerk, das diese große Eingangshalle als einzigartigen Ort dauernder Bewegung und bleibender Statik kennzeichnet. Reisenden, Besuchern und Gästen eröffnet dieses Kunstwerk somit eine ganz neue Perspektive auf diesen Ort und ermöglicht eine besondere Wahrnehmung in diesem Raum. Eine Ausstellung in Zusammenarbeit mit der Deutschen Bahn und der Neuland Wohnungsgesellschaft.
Städtische Galerie Wolfsburg

38448 Wolfsburg

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posted 04. Dec 2018

Jaume Plensa. Invisibles

15. Nov 201824. Feb 2019
Jaume Plensa. Invisibles 15.11.2018 - 24.02.2019 Palacio de Cristal Throughout his career as a sculptor, Jaume Plensa (Barcelona, 1955) has drawn on spirituality, the body and collective memory as the primary sources which tie together his visual artwork. Literature, psychology, biology, language and history become strategic tools in the creation of his work, and, through a broad spectrum of materials — steel, cast iron, resin, glass, water, sound — Plensa lends weight and physical volume to the components of the human condition and the ephemeral. In this instance, the invisible forms the essence of his intervention in the Palacio de Cristal: a group of steel mesh sculptures which take the space to draw the incomplete faces of figures hanging in the air, intersected by light and suspended in time. As a multidisciplinary artist, Jaume Plensa has experimented equally with etchings, drawing, sound, video and even stage design. He is also one of Spain’s foremost artists internationally, and has lived and worked in Germany, Britain, France and the USA. Following his first solo exhibition in 1980 at the Fundació Joan Miró in Barcelona, his work has been displayed in museums worldwide, including the Galerie nationale du Jeu de Paume in Paris, France; the Lehmbruck Museum in Duisburg, Germany; the Nasher Sculpture Center in Dallas, USA, the Espoo Museum of Modern Art in Helsinki, Finland; the Toledo Museum of Art in Toledo, USA; the Musée d’art moderne et contemporain in Saint-Étienne, France; and the Madison Museum of Contemporary Art, USA. A major part of his work is the site-specific sculptures and installations for public spaces – perhaps the best-known of which was Crown Fountain in Chicago in 2014. His works can also be seen in Britain, Japan, Germany, Sweden, Canada, the USA, Australia, Korea and China. Moreover, he has received numerous national and international awards: the Medaille des Chevaliers des Arts et Lettres from France’s Ministry of Culture in 1993; the Premi Nacional de Cultura d’Arts Plàstiques from the Autonomous Government of Catalonia in 1997; Spain’s National Visual Arts Award in 2012; and the prestigious Velázquez Award for the Arts in 2013, both presented by Spain’s Ministry of Education, Culture and Sports. In 2005 he was invested Doctor Honoris Causa by the School of the Art Institute of Chicago and received the Global Fine Art Award in Miami in 2015 for Together, his contribution to the Venice Biennale in the same year. This project is in conjunction with a retrospective at the Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) and features works stretching from the 1980s to the present day in a survey which reflects the dialogue, repeated across Plensa’s career, between the representation of the human figure and abstraction.


Jaume Plensa 
Museo Reina Sofia, Madrid °

28012 Madrid

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posted 03. Dec 2018


06. Nov 201823. Dec 2018
SAMSON YOUNG | THE HIGHWAY IS LIKE A LION’S MOUTH 06.11.2018 - 23.12.2018 Samson Young’s 2018 solo exhibition at Edouard Malingue Gallery (Shanghai) entitled ‘The highway is like a lion’s mouth’ follows from the English translation of a slogan that is familiar to Hong Kongers. Originating in a 1990s government-sponsored jingle, it educated children about the dangers of jaywalking. Multi-disciplinary artist Samson Young was trained as a composer and graduated with a Ph.D. in Music Composition from Princeton University in 2013. His academic background in music has led him to incorporate elements of experimental music, sound studies and site-specific performance into his distinctive contemporary art practice. Young has had solo exhibitions at the Kunsthalle Düsseldorf, Centre for Contemporary Chinese Art in Manchester, M+ Pavilion in Hong Kong, and Hiroshima City Museum of Contemporary Art, among others. In 2017, he represented Hong Kong in a solo project at the Hong Kong Pavilion of the 57th Venice Biennale. Samson Young continues to be an active composer and years of practice in composition have earned him insights into the symbolism of musical structure. In his work, the auditory represents a reality that is hidden from plain sight. He excavates the ideological significance of sound and music and examines music’s role as an instrument of power. His oeuvre employs sound as a thinking tool, cutting through the veil of the everyday and of common sense, to uncover its political propositions. In ‘Noise: A Political Economy of Music’ (1977), Jacques Attali pointed out that music is a mirror of society: “Music is a herald, for change is inscribed in noise faster than it transforms society.” Ever since the notion of car culture and car living was promoted to great fanfare at the 1933 World’s Expo in Chicago, a new mode of living emerged alongside new social systems and behavioural norms. In this exhibition the artist revisits the dawn of the automobile age, exploring motor vehicle’s dual nature as a symbol of optimism and a source of anxiety as road safety increasingly became a public concern. At the core of this exhibition is an animated music video titled ‘The highway is like a lion’s mouth’. The animation is the artist’s take on a road safety educational jingle, a genre of music that has evolved independently in many parts of the world, which serves as a prime example of how governments use mass media and advertising campaigns to regulate existing social norms or instigate new ones. ‘The highway is like a lion’s mouth’ is the first part of a trilogy of animated music videos, the entirety of which will be presented in a solo exhibition in 2019 at the SMART Museum in Chicago. Also included in this exhibition are ‘My car makes noises’ and ‘Solid’ – two series of new sound drawings by the artist. ‘My car makes noises’ are visual representations of the sounds of malfunctioning automobiles. For those with driving experience, such sounds contain a great deal of information with minute differences allowing one to detect the state of the vehicle so that preemptive measures may be taken to avoid terrible accidents. Solid are graphical transcriptions of the sound of Porsche and Mercedes-Benz doors slamming shut. In the common lexicon of car ‘talk’, European cars have a reputation for being strong and solid. The truth of the matter is that luxury carmakers invest considerable resources into engineering a bass-heavy, full-bodied, door-shutting sound. Through the act of transcription in ‘Solid’, it is as though the artist is wondering whether these luxury cars can convey through sound a sense of reliability and safety. The exhibition rounds off with a theme park bumper car in the shape of a gigantic 3D-printed shoe. As the “shoe” makes its way, in snail-like speed, across the gallery floor, its movement is accompanied by the theme song from the classic BBC radio programme ‘Music While You Work’. The post-war program piped popular light music into offices and factories across the nation with the aim of relieving the tedium of labour and raising workers’ productivity. The “shoe” also references the “boot” piece in Monopoly. In the classic board game the boot was a long-standing symbol of the working class before it was removed from the game in 2017 along with the thimble and wheelbarrow, Samson Young’s accomplishments as a composer have made his work stand out in the world of contemporary art through his acute powers of aural perception – his distinctive tool to understand reality. Today, “car living” has become a reality and highways and thoroughfares for automobiles have become a completely ordinary element of living. By rethinking what is now an accepted condition of living, and by magnifying the sound and music that such conditions generate, the artist ultimately seeks to examine how we as a society adapt and conform in the face of rapid progress. Multi-disciplinary artist Samson Young was trained as a composer, and graduated with a Ph.D. in Music Composition from Princeton University in 2013. Young has had solo exhibitions at the Kunsthalle Düsseldorf, Centre for Contemporary Chinese Art in Manchester, M+ Pavilion in Hong Kong, and Hiroshima City Museum of Contemporary Art, among others. In 2017, he represented Hong Kong in a solo project at the Hong Kong Pavilion of the 57th Venice Biennale. Group exhibitions include Solomon R. Guggenheim Museum, New York; Biennale of Sydney; National Museum of Art, Osaka; National Museum of Modern and Contemporary Art, Seoul; and documenta 14: documenta radio; amongst others. Furthermore, he has participated in multiple festivals, as well as been the recipient of several prizes, including the 2015 BMW Art Journey Award and 2018 Hong Kong Art Centre Honorary Fellowship. Further awards include Artist of the Year (Hong Kong Arts Development Council), Prix Ars Electronica, Bloomberg Emerging Artist Award. THE HIGHWAY IS LIKE A LION'S MOUTH Venue: Edouard Malingue Gallery, Shanghai


Samson Young 
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posted 02. Dec 2018

Strange Days: Memories of the Future

02. Oct 201809. Dec 2018
Strange Days: Memories of the Future 02.10.2018 - 09.12.2018 The Store X 180 The Strand London WC2R 1E UK www.strangedays-memoriesofthefuture.com The Store X and New York’s New Museum, in partnership with The Vinyl Factory, are proud to present Strange Days: Memories of the Future, on view at The Store X, 180 The Strand in London, from October 2 to December 9, 2018. Through the work of 21 acclaimed artists and filmmakers, the exhibition considers how images shape memories while anticipating visions of what the future may hold. Curated by Massimiliano Gioni, Edlis Neeson Artistic Director of the New Museum, in collaboration with The Store X The Vinyl Factory, Strange Days brings together an extraordinary group of artists whose works in video and film weave reportage and lyricism to blend images and sound into polyphonic, dreamlike compositions. Exhibition highlights include John Akomfrah’s Vertigo Sea (2015), an epic three-screen meditation on the sea as an environmental, cultural, and historical force; Camille Henrot’s Grosse Fatigue (2013), in which a rapid succession and layering of images tells the story of creation; Kahlil Joseph’s Fly Paper (2017), a deeply personal portrait of black cultural life in Harlem, which premiered at the New Museum before making its European debut at The Store X Berlin earlier this year; and Pipilotti Rist’s video and sound installation 4th Floor To Mildness (2016), a work that featured prominently in the artist’s celebrated New Museum exhibition. Participating artists include: John Akomfrah, Jonathas de Andrade, Ed Atkins, Cheng Ran, Camille Henrot, Kahlil Joseph, Hassan Khan, Ragnar Kjartansson, Oliver Laric, Klara Lidén, Maha Maamoun, Daria Martin, Laure Prouvost, Lili Reynaud-Dewar, Pipilotti Rist, Anri Sala, Mounira Al Solh, Cally Spooner, Ryan Trecartin, Wu Tsang, and Wong Ping. Strange Days is the third major show commissioned by The Store X The Vinyl Factory, following critically acclaimed exhibitions The Infinite Mix (2016) and Everything at Once (2017), presented with the Hayward Gallery and Lisson Gallery, respectively. More than 120,000 visitors attended last year, making the annual autumn show an anticipated highlight of London’s Frieze week. Admission to the exhibition is free. About New Museum The New Museum is the only museum in New York City exclusively devoted to contemporary art. Founded in 1977, the New Museum is a center for exhibitions, information, and documentation about living artists from around the world. From its beginnings as a one-room office on Hudson Street to the inauguration of its first freestanding building on the Bowery designed by SANAA in 2007, the New Museum continues to be a place of experimentation and a hub of new art and new ideas. About The Store X The Vinyl Factory An ongoing collaboration between The Store X and its curatorial partner The Vinyl Factory, supporting the creation of original, site-specific audio-visual installations by some of today’s most innovative artists, designers, and musicians. These commissions premiere at The Store X, 180 The Strand in London, and The Store X Berlin as well as in partnership with leading institutions and festivals around the world. Commissions to date include Kahlil Joseph’s Fly Paper, Ryoji Ikeda’s mind-bending audio-visual installation test pattern [no.12], Virgil Abloh and Ben Kelly’s RUIN, and Jeremy Deller and Cecilia Bengolea’s film collaboration Bom Bom’s Dream. 180 The Strand 180 The Strand is an iconic Brutalist building currently undergoing a transformation into a creative hub for people and progress. It aims to foster and connect creatives, entrepreneurs, dynamic thinkers and cultural explorers by integrating the creation, display, learning and social functions of culture throughout its spaces. Launched in spring 2016, 180 The Strand is now home to The Store X and a mix of creative companies including Dazed Media Group, IMG, The Vinyl Factory, Charcoal Blue, The Spaces and Fact magazine.
Store X & The Vinyl Factory, London

16-18 Marshall Street
WC2R 1E London

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posted 01. Dec 2018

EXTENDED MIND - Light Art Weekend

30. Nov 201802. Dec 2018
ARTE LUCE zeigt EXTENDED MIND - Light Art Weekend 30.11.2018 - 02.12.2018 Die erste Edition des Light Art Weekends präsentiert ARTE LUCE internationale Lichtkunst im historischen Keller der Alten Münze in Berlin. Zwölf Künstler zeigen zum Thema Extended Mind ortsbezogene und immersive Installationen. Das Light Art Weekend ist ein jährliches Projekt organisiert von der Lichtkunstplatform ARTE LUCE, welches wissenschaftliche Thesen und Konzepte mit internationaler Lichtkunst in ungewöhnlichen Räumlichkeiten zusammenbringt. Die erste Edition 2018 trägt den Titel <Extended Mind>, welche von der gleichnamigen These der Philosophen Andy Clark und David Chalmers von 1998 inspiriert wurde. Der einflussreichen These über erweiterte Kognition und Externalismus nach, steht der Geist im Zusammenhang mit dem Körper und der Umwelt. Sie bilden ein kognitives System, während der Geist sich auf die Welt entfaltet. Die Extended Mind These wurde für das Light Art Weekend 2018 künstlerisch interpretiert. Dabei liegt der Fokus auf interaktive und transzendente Installationen, die sich hauptsächlich Licht aber auch anderen Reizen wie Haptik und Ton bedienen. künstler Thorbjørn Lausten, Regine Schumann, Yvonne Goulbier, Protey Temen, Shuster & Moseley, Carlo Bernardini, Dori Deng, Jakob Oredsson, Clifton Mahangoe, mayer+empl Kuratiert von Alice Hinrichs (ARTE LUCE) www.arte-luce.com


Alice Hinrichs 
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posted 30. Nov 2018

4th International Biennial of Casablanca 2018

27. Oct 201804. Dec 2018
4th International Biennial of Casablanca 2018 "Tales from Water Margins" curated by Christine Eyene The 4th International Biennial of Casablanca curated by Christine Eyene will be entitled Tales from Water Margins. The theme is inspired by Ifitry, the biennial’s artists residency located near Essaouira, facing the Atlantic Ocean. The biennial will propose to reflect on Morocco’s geographic position at the crossroad of the Maghrib, sub-Saharan Africa and Europe, and how this translates in the arts. It will also examine the country’s historical relationship with the notions of travel and transit, from 14th century traveller Ibn Battuta (1304-c.1368 / 77), one the world’s first geographers, to the current position of Morocco as one of the gateways to, and gatekeepers of, fortress Europe. The curatorial project will also build on Eyene’s prior research and interest in the history and contemporary experiences of insular territories like Reunion Island, ‘pre-Brexit’ Britain and Japan. The title of the biennial stems from encounters with cultures from the Edo era (between 1603 and 1868) in Japan. Among the literature and prints that emerged from this period was Suikōden or Water Margins, an adaptation and illustrations of a 14th century Chinese novel attributed to Shi Nai'an (c.1296-1372) and Luo Guanzhong (c. 1330–1400) chronicling the prowess of outlaws operating from a marsh-edged mountain, fighting against tyranny, and adopting a strategic relation to topography similar to the one later found in Maroon resistance. Without literally referencing the adapted novel, the biennial borrows one of its translated titles as a metaphor for the current state of spaces that exist at the margin of what is considered cultural mainstreams. In this respect, it will also propose to examine interconnections between islands and the power relations at play in their interactions with mainland territories. Tales from Water Margins will take the form a multidisciplinary ‘laboratory’ encompassing space for reflection, creative processes, as well as exhibitions of existing and newly created pieces. With this 4th edition, the International Biennial of Casablanca will ambition to position itself as an artistic platform both inscribed within its local context and open to the world at large. Artists wishing to take part in the 4th International Biennial of Casablanca are invited to fill an application form and provide all the required documents. artists: Ibrahim Ahmed (Koweït / Égypte), Yoriyas Yassine Alaoui (Maroc), Héla Ammar (Tunisie), Gilles Aubry (Suisse / Allemagne), Bianca Baldi (Afrique du Sud / Belgique), Raphaël Barontini (France), Shiraz Bayjoo (Île Maurice / Royaume-Uni), Cristiano Berti (Italie), Sutapa Biswas (Royaume-Uni), Rémy Bosquère (France), Abdessamad El Montassir (Maroc / France), Raphaël Faon et Andres Salgado (France / Colombie), Thierry Geoffroy (France / Danemark), M'hammed Kilito (Maroc), Mehdi-Georges Lahlou (France / Maroc), Mohammed Laouli & Katrin Stroebel (Maroc / Allemagne), Mehryl Levisse (France), Fatima Mazmouz (Maroc / France), Emo de Medeiros (Bénin / France), MELD & Alexander Schellow (États-Unis / Allemagne), Gideon Mendel (Afrique du Sud / Royaume-Uni), Amine Oulmakki (Maroc), Anna Raimondo (Italie / Belgique), Saïd Raïs (Maroc), Ben Saint-Maxent (France), Magda Stawarska-Beavan & Joshua Horsley (Pologne / Royaume-Uni), Oussama Tabti (Algérie / France), Filip Van Dingenen (Belgique), ainsi que Mo Baala (Maroc) et Haythem Zakaria (Tunisie /France) présentés en collaboration avec Limiditi – Temporary Art Projects.


Christine Eyene 
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