daily recommended exhibitions

posted 22. Feb 2018

Jacob Riis - The Other Half

16. Feb 201815. Apr 2018
Jacob Riis - The Other Half 16.02.2018 - 15.04.2018 Foam is proud to present the first exhibition of Danish-American photographer Jacob Riis in the Netherlands. In 1870, the Danish immigrant Jacob Riis (1849-1914) arrived in New York City, aged twenty-one and penniless. This background stimulated his concern for the poor living conditions of inhabitants of the city’s Lower East Side. In time, his concern propelled him to become an important journalist and social reformer. In addition, he is now viewed as one of the founders of documentary photography. The Other Half – The Activist Photography of Jacob Riis comprises vintage photographs by Riis and his contemporaries, prints from 1946 and more recent prints from 1994. Visitors can also see and listen to a reconstruction of one of his lectures. The exhibition includes a magic lantern as used by Riis during his lectures, and a number of personal belongings such as his notebook. The Other Half - The Activist Photography of Jacob Riis was developed in collaboration with the Museum of the City of New York.

artist

Jacob Riis 
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posted 21. Feb 2018

Guerrilla Girls | The Art of Behaving Badly

06. Jan 201808. Apr 2018
Guerrilla Girls | The Art of Behaving Badly 26.01.2018 - 08.04.2018 Pressevorbesichtigung: Mittwoch, 24.01.2018 11:00 Uhr Eröffnung: Donnerstag, 25.01.2018 18:30 Uhr mit performativem Vortrag der Guerrilla Girls Guerrilla Girls | The Art of Behaving Badly Mit der Ausstellung »The Art of Behaving Badly« der Guerrilla Girls präsentiert die Kestner Gesellschaft eine der international einflussreichsten Positionen feministischer Institutionskritik. Seit 1985 operieren die Guerrilla Girls als eine anonyme Gruppe, die auf die Unterrepräsentanz von Frauen und »People of color« in Galerien, Museen und anderen Kunstinstitutionen aufmerksam machen. Mit Plakaten im öffentlichen Raum, Videos, Aktionen, Performances und Publikationen enthüllen die Guerrilla Girls weit verbreitete Ausgrenzungsmechanismen in der Kunstwelt, die weltweit bis heute zu einer von weißen Männern dominierten Kunst- und Kulturlandschaft beitragen. Die Ausstellung ist ihre erste institutionelle Einzelausstellung in Deutschland. Gezeigt werden Arbeiten, die zwischen 1985 und 2017 entstanden sind. Der künstlerische Ansatz der Guerrilla Girls bedient sich insbesondere statistischer Methoden, die mit Humor und karikierter Überspitzung in grafisch anspruchsvolle und informative Plakate, Banner und Videos umgesetzt werden.  Die Künstlerinnen treten in der Öffentlichkeit nur mit Gorilla-Maskierung in Erscheinung und verschleiern ihre wahren Identitäten hinter Namen verstorbener Künstlerinnen, wie Käthe Kollwitz, Eva Hesse oder Zubeida Agha. Ergänzend werden die Guerrilla Girls eigens für die Kestner Gesellschaft eine neue Arbeit realisieren. Zur Eröffnung der Ausstellung werden Frida Kahlo und Käthe Kollwitz eine Performance realisieren.

curator

Elmas Senol 
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posted 20. Feb 2018

Mary Bauermeister. Zeichen, Worte, Universen

10. Dec 201708. Apr 2018
Mary Bauermeister. Zeichen, Worte, Universen in der Reihe ORTSTERMIN 10.12.2017 – 08.04.2018 Das künstlerische Werk Mary Bauermeisters (geb. 1934) zählt alleine aufgrund seiner Vielseitigkeit zu den ungewöhnlichsten OEuvres der zeitgenössischen Kunst. Weit über 50 Jahre umspannt dieses enorm produktive Schaffen, das bereits 1962 zu einer ersten bahnbrechenden Museumspräsentation im Stedelijk Museum in Amsterdam führte. Mary Bauermeisters Werk ist ebenso schillernd und facettenreich wie ihre Persönlichkeit. Früh experimentiertesie mit außergewöhnlichen Materialien wie optischen Linsen, Prismen, Leinentüchern, Kieselsteinen und vielem mehr. In ihren Zeichnungen, Bildern und Objekten, aber auch in ihren als Gesamtkunstwerk angelegten Land-Art-Projekten manifestiert sich eine ganz eigene, die Grenzen von Bild und Skulptur in eine utopische Dimension erweiternde Bildsprache, mit der sie vor allem in den USA für Furore sorgte. Nicht minder weitreichend war ihr Einfluss als Katalysator für die Musik- und Kunstszene im Köln der 60er Jahre, als ihr Atelier in der Kölner Lintgasse zum Zentrum einer künstlerischen Avantgarde wurde und Musiker und bildende Künstler aus aller Welt anzog. Mary Bauermeister gilt als Schlüsselfigur der Fluxus-Bewegung, die im Umfeld des Studios für Elektronische Musik des WDR entstand. Bis heute fasziniert sie mit einem eigenwilligen Werk, das von einem tiefen Gespür für den Einklang von Mensch und Natur geprägt ist und universelle Phänomene von Struktur, Rhythmus und Zahl in immer neuer Form zum Ausdruck bringt. Logik und Mathematik beschäftigen Bauermeister ebenso wie Musik und Klang, Märchen und Mythen, Licht und Schatten. Sie wendet sich existentiellen Fragestellungen zu und findet zu mal zauberhaften, mal provokanten oder abstrakten Antworten. Immer liegt ihren Äußerungen ein beeindruckendes Menschenbild zugrunde, das fest in der Natur und in archaischen Traditionen verwurzelt ist. Die Ausstellung konzentriert sich auf den großen Komplex ihres Werkes, der durch Chiffren, Zeichen, Worte und Zitate gekennzeichnet ist. Hier greift die stets die intellektuelle Herausforderung suchende Künstlerin Kernfragen des Seins auf und bindet sie mit spielerischer Leichtigkeit und kraftvoller Vitalität in ihr ganzheitlich geprägtes Universum. Kuratorin Dr. Petra Oelschlägel Zur Ausstellung erscheint ein Katalog im Kettler Verlag, 96 Seiten.
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posted 19. Feb 2018

sign just under the skin

20. Jan 201824. Feb 2018
opening: 19. Jan 2018 18:00
sign just under the skin Private View/Opening: 19.01. 18:00 - 21:00 Exhibition: 20.01.2018 - 24.02.2018 Rosana Antolí Katarina Hruskova Catherine Parsonage Sandra Vaka Olsen curated by Àngels Miralda and Catherine Parsonage
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posted 18. Feb 2018

Stefano Graziani - Questioning Pictures

09. Nov 201726. Feb 2018
Fondazione Prada is presenting Questioning Pictures, a new exhibition project by Stefano Graziani, at its Osservatorio venue in Galleria Vittorio Emanuele II in Milan. Curated by Francesco Zanot, the exhibition includes a new body of works commissioned by Fondazione Prada that explores photography as a tool for narration, cataloguing and reinterpretation. Stefano Graziani investigates archival and conservation systems in museums like the CCA (Canadian Centre for Architecture) in Montreal; John Soane’s Museum in London; the Kunstmuseum in Basel, Switzerland; Museum Insel Hombroich in Neuss, Germany; the Museo di Castelvecchio in Verona, Italy; and the Plaster Cast Gallery at Museo Canova in Possagno, Italy, focusing on the ambivalent relationship between photography and museum object. Photography navigates an ambiguous territory in Graziani’s work: on one hand he documents diverse materials like drawings and architectural models, books, photographs and paintings; on the other he embarks on an interpretative path through the careful use of light and camera angles, as well as the inclusion of disturbing elements in his shots. His photographs not only shed light on museum collections and archives usually denied to visitors, but reactivate them according to entirely subjective logic and perspectives. As Francesco Zanot emphasizes, "Questioning Pictures is a sort of crash test designed to assess the museum's ability to resist external attacks and increase its permeability in proportion. Graziani transforms the invisible into something visible, preventing these terms from being subsequently reversed, and thus sheds light on one of the primary mechanisms through which museums generate and control their power. The regulations that museums impose on reproducing materials in their collections fulfill the same role. Graziani systematically evades them, carrying out an act of civil disobedience by adopting an ethical and formal rigor reminiscent of the photographs of Walker Evans and Lewis Baltz." The exhibition set up was designed by the studio OFFICE Kersten Geers David Van Severen as a system of colorful, modular screens laid out across the two levels of the Osservatorio, creating unexpected visual and semantic combinations between the photographs and the objects represented. This heterogeneous collection of objects and artworks is united through Graziani’s thinking, as the artist transforms them into disorienting and unexpected still lifes. In this project photography functions as a conveyer belt, collector and transmission vehicle that can reconnect and combine works that are far apart in space and time, and that are often impossible to physically transfer from one place to another. It also operates as a tool that—through subtle deviations, minimal alterations and personal interpretations—unhinges traditional archival and cataloguing systems in order to grant new visibility, and therefore new life, to the documents, materials and artworks conserved in museum collections. Graziani injects “visual and interpretative viruses” into these archives, accomplishing a feat of “hacking” that triggers a potentially infinite chain of new analyses and enigmas.

curator

Francesco Zanot 
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posted 17. Feb 2018

MOYRA DAVEY »HELL NOTES«

17. Feb 201808. Apr 2018
opening: 16. Feb 2018 19:00
MOYRA DAVEY »HELL NOTES« 17.02.2018 - 08.04.2018 PRESSETERMIN: DONNERSTAG, 15.02.2018 12:00 UHR ERÖFFNUNG: FREITAG, 16.02.2018 19:00 UHR Im künstlerischen Schaffen der Fotografin, Filmemacherin und Autorin Moyra Davey verbinden sich Bild und Sprache, Fotografieren und Schreiben, Sehen und Lesen. Dabei setzt sich Davey mit dem Werk anderer Kulturschaffender ebenso wie ihrem persönlichen Umfeld auseinander. Diese besondere Verbindung von Kunst und Leben zeigt sich auch in ihrem Umgang mit dem Medium Fotografie. Seit den späten 1980er Jahren entstehen fotografische Serien, die sich auf alltägliche Motive wie Zeitungskioske, Menschen in der U-Bahn oder Aufnahmen aus ihrem eigenen Apartment konzentrieren. Daneben hat Davey einen eigenen Umgang mit ihrer fotografischen Arbeit entwickelt, indem sie ihre Fotografien auf Briefgröße faltet und einzeln per Post an Familienmitglieder, FreundInnen oder an die MitarbeiterInnen der jeweiligen Ausstellung verschickt. Diese C-Prints werden auf Wänden arrangiert und haben, samt ihrer Spuren von Klebebändern, Etiketten und Briefmarken, die Anmutung eines Fototableaus. Im Zentrum ihrer Ausstellung im Bielefelder Kunstverein werden ein Film und Fotografien stehen, die in die 1990er Jahre zurückreichen und sich mit der Materialität und Funktion von Geld auseinandersetzen. Der Film »Hell Notes« (1990/2017), ursprünglich auf Super8 gedreht, versammelt Daveys eigene Recherche zur Entwicklung des Geldwesens mit Auszügen aus psychoanalytischen Fallstudien und einer Reihe von Grübeleien zu verschiedenen Wahrzeichen in New York City. Gerahmt wird er von den »Copperheads« (1990-heute). Die Fotoserie besteht aus stark vergrößerten Makroaufnahmen amerikanischer Pennies, deren Zustand und Gebrauch sich am Profil des 16. Präsidenten der USA, Abraham Lincoln (1809-1865) ablesen lässt. Ergänzt um eine aktuellere Filmtriologie (2011-2017) sowie korrespondierende, kleinformatigere Fotoserien ermöglicht die Ausstellung einen umfassenden Einblick in die interdisziplinäre Arbeit von Moyra Davey. Moyra Davey, geboren 1958 in Toronto (CAN) lebt in New York (USA). Der Künstlerin sind zahlreiche Einzelausstellungen gewidmet worden, unter anderem im Portikus in Frankfurt (2017), der Bergen Kunsthall (NR, 2016) sowie im Camden Arts Centre in London (GB, 2014). Ihre Arbeiten wurden erst kürzlich auf der documenta 14 in Kassel (2017), der Biennale de Montréal (CAN, 2016), im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia in Madrid (ES, 2017) oder im New Yorker Metropolitan Museum of Art (USA, 2016) gezeigt. Die Ausstellung ist die erste institutionelle Einzelausstellung von Moyra Davey in Deutschland und entsteht in Zusammenarbeit mit dem Portikus Frankfurt, wo ihre Arbeit bis Ende Januar 2018 zu sehen war. Weitere Informationen und Bildmaterial auf Anfrage.

artist

Moyra Davey 
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posted 16. Feb 2018

SABINE GROSCHUP, PAUL ALBERT LEITNER, TWO SOPHISTICATED AUSTRIAN ARTISTS IN SELF-PORTRAITS

27. Jan 201803. Mar 2018
opening: 26. Jan 2018 19:00
SABINE GROSCHUP, PAUL ALBERT LEITNER, TWO SOPHISTICATED AUSTRIAN ARTISTS IN SELF-PORTRAITS CURATED BY GEORG WECKWERTH 27.01.2018 – 03.03.2018 Einladung zur Eröffnung am Freitag, den 26.01.2018 19:00 Uhr „ICH … und die Kamera“ Der Kontrast zwischen dem vergleichbar jungen fotografischen Œuvre von Sabine Groschup und dem in bald 40 Jahren analoger Fotografie auf über siebzigtausend Kleinbildnegative angewachsenen Werk von Paul Albert Leitner, ist auf den ersten Blick erkennbar. Während Leitner, der klassisch ausgebildete Fotograf, sein universelles fotografisches Programm von Kunst und Leben mit formaler Strenge und akribisch-genüsslicher Detailversessenheit verfolgt, kommt Groschups ruhelose Digitalkamera im Alltäglichen und in jeder Beziehung forschend zum Einsatz; egal ob sie ihren Apparat auf sich selbst oder auf andere(s), nahezu alle(s) lenkt – spätestens hier treffen sich die beiden Tiroler Künstler übrigens. Formale Aspekte und „Schulen“ – für Leitner durchaus von Bedeutung – sind ihre Sache eher nicht. (Auszug Text Georg Weckwerth)

artists & participants

Sabine Groschup,  Paul Albert Leitner 

curator

Georg Weckwerth 
Lisi Hämmerle, Bregenz

Anton-Schneiderstr. 4a
A-6900 Bregenz

Austriashow map
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posted 15. Feb 2018

Klaus Staeck. Sand fürs Getriebe

09. Feb 201808. Apr 2018
Klaus Staecks (*1938) Plakate gehören zu den wirkmächtigsten Arbeiten im öffentlichen Raum. Seine Bilderfindungen prägte das visuelle Gedächtnis der Bundesrepublik von den späten 1960er bis in die späten 1980er Jahre mit. Staeck verstand sich immer als Politprovokateur, der mit seinen Entwürfen gesellschaftlich brisante Themen sowie Krisen kommentierte und damit bewusst weitreichende Skandale auslöste. Die Werkschau zeigt nicht nur rund 180 seiner Plakate, sondern präsentiert auch Klaus Staecks frühe Druckgrafik. Ergänzt wird die Show durch einige Multiples, in denen Staeck seinen politischen Intentionen dreidimensionale Form gibt.

artist

Klaus Staeck 
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posted 14. Feb 2018

Asymmetrical Objects

19. Jan 201828. Mar 2018
Asymmetrical Objects 19.01.2018 - 28.03.2018 Industrial Arts Gallery | 19th Century Gallery | Origins of Mumbai Gallery | Kamalnayan Bajaj Gallery | Special Projects Space Artists: Atul Bhalla, Jitish Kallat, Manish Nai, Mithu Sen, Prajakta Potnis, Ranbir Kaleka, Reena Kallat, Rohini Devasher, Sahej Rahal, Shilpa Gupta Curated by Tasneem Zakaria Mehta Co-curated by Himanshu Kadam In January 2018, the Museum will complete 10 years since it opened to the public in 2008 after a major restoration that took 5 years. In March 2017 the Museum completed 160 years since it was first opened to the public by Lord Canning in 1857. Inspired by these important dates, we have conceptualised an exhibition that takes its cue from the earliest impulses to establish the Museum and have juxtaposed it with our ongoing engagement with the prevailing 'environment'. Nature and Science were the founding principles of the Museum and are as significant today as they were then. However the lens through which we view both has changed radically. Nature traditionally was seen as a celebration of the divine and was sacralised and ritualised. Many of those values have been compromised or rejected as industrialisation and consumption have threatened older rituals and modes of thought. Science was the instrument through which one observed and made sense of the world. It held out the possibility of endless hope. Today Artificial Intelligence is seen more as a threat than a remedy. In the 19th century science and nature represented certainty and objectivity. Those assumptions have given way to more subjective and inclusive modes of thought. But we are constantly challenged by nature and science to redefine who we are and the value systems we wish to privilege. We have invited ten of our foremost artists whose practice includes an interest in nature and science or consumption and degradation as process and product, to respond to these ideas and to explore the much debated Age of the Anthropocene and its impact on the environment and the effects on biodiversity. The exhibition endeavours to articulate a visual vocabulary that addresses these issues. Each artist has explored a different theme such as alienation, pollution, destruction of biodiversity, unnatural divisions, mutations and distortions, the politics of water and waste and the destruction of landscapes and rivers. Is healing and redemption possible? What does the future hold? The exhibition invites viewers to form their own conclusions and share these with the Museum in a dialogue that will continue for the length of the exhibition through many activities and discussions. Established in 1857 as the Government Central Museum of Natural History, Geology, Archaeology and Economic Products, the Museum’s original collection included natural history specimens, archaeological artefacts and geological materials. However, many of the artefacts, including sculptures, coins and taxidermied animals were given to the erstwhile 'Prince of Wales Museum' now Chhatrapati Shivaji Maharaj Vastu Sangrahalaya, the 'Haffkine Institute', Parel, the ‘Reay Industrial Museum’ now the Mahatma Phule Museum, Pune and the 'Government Central Museum', Nagpur to enable them to start their Museums. The Museum retains a small but significant natural history collection as well as a rich archive that documents its early efforts at displaying natural history specimens. Interestingly it won a gold medal at the 1883 International Fisheries Exhibition, London for specimens of dried fish and fishing nets. * ABOUT THE ARTISTS Atul Bhalla Vaitarna I (Abandoned Journeys) 2017, Archival Pigment Print (ed. 1 of 3), 34 x 48 in Vaitarna II (Abandoned Journeys) 2017, Archival Pigment Print (ed. 1 of 3), 34 x 48 in Vaitarni 2017, Archival Pigment Print (ed. 1 of 3), 60 x 48 in Atul Bhalla’s practice navigates issues relating to water. Here he explores myths about the Vaitarna River which you encounter after death in your journey towards heaven. The mythical river does not contain water; it is a river full of blood, pus, mucus, with heaps of rotting bones and flesh on its banks, seething with smoke, fumes, decay and misery. Worms, maggots, insects, scavenging birds and animals crowd its bank as they sift through carrion. It is impossible to cross this river to enter heaven, as you are obstructed by your deeds which are represented by all the grotesque creatures you encounter. They are your karma in this life. If you are thirsty, you have to drink from the blood filled river. If you fall into it with there is no one to rescue you; the hundreds of whirlpools in the river will take you to the lowest depths, only to rise again, choking in the filth of our own creation. Water has always been a symbol of life and purification. For the artist it is also a symbol of our inner life. The external world reflects our inner selves. These works came about from images shot following the Vaitarna River; north of Mumbai to its Dam, a source of water to most of Mumbai. Courtesy: The artist Special thanks to Vadehra Gallery Jitish Kallat Aquasaurus 2008, Resin, Paint and Steel, 100 x 105.9 x 270.9 inches Jitish Kallat’s work has been engaged with questions about sustenance, life cycles, historical events and natural phenomena. Referencing two Museum Reports from 1876 and 1877 about the procurement and the mounting procedure of a whale’s skeleton in the centre of the ground floor of the Bhau Daji Lad Museum, Jitish Kallat's mammoth sculpture titled Aquasaurus (2008) is installed in that very location 142 years later. Aquasaurus (2008) is the largest among a series of skeletal vehicles by the artist that include Autosaurus Tripous (2007) and Collidonthus (2007). These emerged from small gouache drawings that Kallat made in 2002 referencing found photographs of vehicles burnt or otherwise damaged in riots. Modelled on water tankers that ferry drinking water to water-short localities in urban India, Aquasaurus is described by the artist as “grotesque, burlesque and arabesque in equal measure” for its mammoth size and heavily ornamented yet monstrous body. Aquasaurus is both playful and unsettling, inscribed as it is with themes of violence, drought, death and mortality. Courtesy: The artist Manish Nai Untitled 2018, Compressed used clothes, Aluminium, 375 pillars, 80 x 3 x 3 inches each Manish Nai’s works engage in complex processes and protocols of creation, recalling an ethics of fabrication that appears mostly lost in the frenzy of mass scale production. The works are presented as a tightly organized unit through media that is often cheap and ubiquitous, alluding to both hierarchies of artistic production and Indian social structures. Nai comes from a family of textile artisans and he uses discarded clothes and fabric to create minimalist forms that vary in colour from exuberant to meditative inviting the audience to reflect on the extraordinary potential of art to renew and rethink the mundane. Courtesy: The artist Special thanks to Galerie Mirchandani Mithu Sen I have only one language; it is not mine 2014, Video installation (from a performance-based project), Duration: as long as you want to watch Mithu Sen presents a multi-media installation which engages with the idea of radical hospitality, exploring the limitations of language and the possibility of dialogue outside it. Sen spent several days at a home for minor female orphans who were victims of abuse. She entered their world and lived their life in Kerala, interacting with the children as their alter-identity ‘Mago’- an apparently homeless person who speaks gibberish, does not understand the concept of time and is in a state of transit between two unknown places. During this unscripted performance, Sen sought to surrender herself to this group of disenfranchised children who became her host during the days the performance unfolded. Sen constructed a fiction that attempts to understand the complexity of domestic and family relationships. The performance was documented on video by the artist herself and the children who intermittently took the camera into their own hands. Reflecting on the work, Sen believes “Language imposes a strange and alien logic that tells us not to smell poetry, hear shadows or taste lights. Escaping this rigid framework, this project seeks not only to locate communication outside the narrow alleys of comprehension, but also tries to envisage dialogue in ways that cannot be read or heard” Courtesy: The artist Prajakta Potnis Capsule 2012, Lightbox, 36 x 84 in Capsule 2012, Lightbox, 72 x 120 in Going Up – Coming Down 2018, Metal sculpture, 36 x 14 x 14 in Prajakta Potnis photographs have a hallucinatory form, inviting the viewer to enter a strange world that seems both real and unreal. She employs a sterile, temperature controlled space that expands time by delaying the process of decay. Its captivating light has a sense of the familiar and is reminiscent of the inside of a mall or an airport, where you lose a sense of time and place. These “non places” as Marc Auge calls them, follow a certain kind of archetype, the inside of these sterile spaces have a compelling antiseptic character that is disconnected from the local or the outside. The anodyne and anonymous solitude of these non-places offers the transitory occupant the illusion of being part of some grand global scheme: a fugitive glimpse of a utopian city-world. Escalators, a common feature in these “non-spaces”, offer the experience of being suspended in motion and in time, freezing departures and arrivals. These non spaces have homogenised the urban and the modern, removing the impure and the unnecessary. Courtesy: The artist Special thanks to Project 88 Ranbir Kaleka House of Opaque Water 2012-2013, HD three Channel Video with Synchroniser, 10 minutes 33 seconds loop After a long careful look, the man says, "This is my home". He is in a boat, surrounded by the sea on all sides. "..and over there was a tree which fell in a storm and the children played amongst its branches". We see nothing, there is the sea all around him. He continues to describe his friends, home and village. The islands of the Sundarbans in Bengal, home to the world's largest mangrove forest, are being swallowed by the ever rising sea-level due to global warming and other man-made calamities.Sheikh Lal Mohan, whose name is a curious mix of Muslim and Hindu names, took us to the spot on the sea under which lies his submerged village. He now lives on a new island, Sagardweep. He has returned to the site of his village. But there is no true returning. In a ritual of reclamation, he sculpts a mud map of his village and house as a healing rite. In an overflow from reality, invented events are enacted in fictive spaces, which project the imaginary interiority of the protagonist. In 'The House of Opaque Water' we follow him and enter a feverish dream of loss and desire. The seed for this installation was a passage in the film "Mean Sea Level"by environmentalist and activist Pradeep Saha. In the film, Sheikh Lal Mohan, sitting in a boat, reminisces about the village that disappeared under the sea. "Mean Sea Level" looks at how the rising sea level is eating away at whatever little the poor islanders are left with. Credits: Pradip Saha (Camera, sound, editing and research); Gautam Pandey (Camera) Special Thanks: Volte Art Projects, Tushar Jiwarajka (Volte Gallery), Sheikh Lal Mohan, and the Islanders of Sagardweep Ranbir Kaleka Forest 2009-2012, Single Channel HD Video projection on painted wall, 16 minutes loop with sound The Forest is full of metaphorical events, which have a universal resonance. This work can be described as an open-ended work about ‘rejuvenation’ in a period of ‘confusion’ and ‘strife’. A field of flowers reveals burnt ground underneath where a man flagellates himself in an act of atonement. Signs of burnt-ground has in recent times meant ‘hidden atrocities’ as well as deforestation. The flagellant gets up and walks off changing into an animated cartoon. He appears at various points in the video: He rescues some books from a burning library*. He educates himself with the books. He shows the power of knowledge by re-growing lost limbs. He pours the ‘water of knowledge’ into a hole dug by a child. From the hole fountains rise and we see a city born underneath. *Book shelves in the forest symbolise a library of knowledge. The lion is the guardian of knowledge. The lion is driven away by the forces of destruction as the library is burnt. In the end, we see a little cub return to the emergent city. Credits: Elliot Goldenthal (Music); Gautam Pandey (Camera); Nand Katyal, Maitreya; Aban Raza; Amba Sanyal (Cast) Special Thanks: Volte Art Projects, Tushar Jiwarajka (Volte Gallery); O.P. Jain; Harveen Kapur Reena Kallat Hyphenated Lives 2017-18, Gouache, charcoal, ink and electric wire on handmade paper Earth Citizens 2017-18, Gouache, charcoal, ink and electric wire on handmade paper, 75 x 46 in each Siamese Trees 2014, Electric wire, metal ring, motion sensor, LED assembling rope light, 69 x 67 x 1 in Developing from Hyphenated Lives is Earth Citizens, evoking an imaginary planetary system where hybrid flora and fauna formed by merging the national animals and plants of hostile neighbour states roam the earth and sky. The existence of one depends on the other or the disappearance of one species affects the other adversely. Earth Citizensis cleaved apart by the superimposition of barbed wires woven from electric cables, a recurring motif in the artist’s works. Nineteenth century books from the Bhau Daji Lad Museum library prompted three of the most recent drawings from Reena Kallat’s series of works titled Hyphenated Lives. Displayed alongside the reference books are drawings titled Cob-ger, Lo-mine and Deo-yan, hybrids formed by the merger of species appropriated as national symbols by India and Pakistan. By combining one half from each side of the border, the artist creates a poignant narrative of convergence, uniting a subcontinent that was divided by an occupying colonial force. In Siamese Trees, an enlarged embroidery ring, whose base itself is a painstakingly woven mesh of electrical wiring, forms a fabric fence even as these conduits of contact entangle and morph into barriers. One half grows into the Banyan tree, while the other left half bifurcates into the Deodar tree, the national trees of India and Pakistan respectively. They grow like conjoined Siamese twins paying no heed to partitioned national borders and alluding to the shared and rooted past, enmeshed in a complex civilisational history. Courtesy: The artist Rohini Devasher SPHERES 2017, Video and drawing installation, Dimensions variable Rohini Devasher creates imagined worlds in her work evoking both wonder and awe. SPHERES explores ideas of interiority, inversion and the construction of a 'climate' that evokes a strangeness; not of haunting but of wonder. Through a series of encounters between the ‘natural’ and ‘technological’, intersecting patterns between the two will be made visible. SPHERES is somewhere between reality and fiction. Shot on site at the Mt Aso Caldera in Japan, the site is re-imagined so we seem to be looking inside some form of hollowed out space, a sphere or cylinder. SPHERES is a work in four parts. In the first, we see a strange crater, which stands as a sentinel of past upheaval; we see mist, cloud and fog, a distant horizon, an atmosphere. And we see a cylindrical sea, rising overhead. An artificial sun or suns simulate a daylight cycle, illuminating and obscuring the landscape by turns. The following chapters - the valley and the cloud-maker or active volcano, are each by turns, propositions, both geographic and metaphoric of an attempt to imply the unobservable, on the basis, of what can be observed. The images conjured are a species of “chimera”. They are one thing, standing in for something else, pushing the limits of the known and the imagined. The landscape because of its scale provides an almost mythic realisation of oneself within an environment. Courtesy: The artist Sahej Rahal The Walker XV 2018, Salvaged objects around the museum, polyurethane and synthetic lacquer, 204 x 96 x 72 x 60 in The Walker is a sculpture that references ideas around mythology, difference and otherness. Made using found objects this sculpture appears as an archaeological excavation as well as a mutated being arriving from the future. Playing on this pull between the past and future this walker serves as a constant reminder of the whirl of our contemporary existence. It is playful, yet strange. Courtesy: The artist Special thanks to Chatterjee and Lal Sahej Rahal Watcher 2018, Fibreglass, 53 x 43 in The Watcher is a fiberglass sculpture that references ideas around mythology, difference and otherness. Cast from found objects, this sculpture appears as a ceremonial mask as well as dissected remains of an extinct organism. Courtesy: The artist Special thanks to Chatterjee & Lal Shilpa Gupta Shadow 3 2007, Interactive video with sound Shadow 3 is one of the key manifestations of Shilpa Gupta’s ongoing inquiry in the blurring of relationships between different entities. In the projection, the viewer becomes an active participant of the unfolding narrative where fragments of an aftermath from an environment under rampage, begin to re-enter our lives. Particiants take on a new being in the projected images questioning our perception of our selves and our actions. Courtesy: The artist Special thanks to Thomas Eichhorn (technician) and Foundation for Indian Contemporary Art (FICA)
Dr. Bhau Daji Lad Museum, Mumbai °

Dr. Bhau Daji Lad Museum | Veer Mata Jijabai Bhosale Udyan (Rani Baug), 91/A, Dr Babasaheb Ambedkar Road
400027 Mumbai

Indiashow map
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posted 13. Feb 2018

Parallels. Barbara Kasten

02. Feb 201818. Mar 2018
opening: 01. Feb 2018 18:00
Parallels. Barbara Kasten 02.02.2018 - 18.03.2018 Eröffnung: 01.02.2018 18:00 Uhr Die in Chicago lebende Barbara Kasten wird mit Parallels, nach ihrer großen Retrospektive Stages im Institute of Contemporary Art Philadelphia 2015, ihre erste retrospektiv angelegte Ausstellung in Deutschland zeigen. Fotografische Experimente, das Verhältnis von Volumen sowie die Erforschung der Präsenz von Licht und Schatten sind zentrale, wiederkehrende Auseinandersetzungen Barbara Kastens. Dabei spielen auch Bewegungen und die Verknüpfung von Malerei, Skulptur und Architektur durch die Fotografie eine Rolle. Ihrer Serie Construct entstehen in Aktion, indem sie sich durch ein installatives Set aus Requisiten wie Glas, Spiegeln oder Metallkonstruktionen bewegt. Durch farbiges Licht in Szene gesetzt, wird dieser konstruierte Bühnenraum durchwandert und zur Bildarchitektur formiert. Ab 1986 erweitert Barbara Kasten dieses Vorgehen auf den architektonischen Raum. Ihre Serie Architectural Site setzt sich mit Corporate Architecture auseinander. Durch monumentale Lichtarrangements und große Spiegel überführt Kasten imposante Bank- und Museumsvorräume in abstrakte Konstruktionen. Vertraute postmoderne Architektur und ihre jeweiligen Konnotationen werden somit dekonstruiert. Trotz des analogen Entstehungsprozesses treten sie als psychedelische, digitale Collagen in Erscheinung. Neben Einflüssen aus dem Light and Space-Movement ist das Werk Barbara Kastens im Wesentlichen von Ideen, die am Bauhaus entwickelten wurden, durchzogen. Sie studierte bei Trude Guermonprez am CCAC und ihre Serien Amalgam, Studio Construct und Scene zeigen eine Verwandschaft zu den frühen fotografischen Experimenten László Moholy-Nagys. Barbara Kasten löst Malerei, Skulptur, Architektur und Fotografie von ihrer rein abbildenden Funktion und transformiert sie in abstrakte Inszenierungen. Dabei spielt sie mit Dimensionen, macht Transparenz und Bewegung sichtbar, nähert sich phänomenologisch dem Verhältnis zwischen Objekt und Kamera und manifestiert Licht als gestalterische Prämisse. Barbara Kastens fotografische Werke finden sich neben der Sammlung Philara in renommierten internationalen Sammlungen wie: Centre Pompidou Paris; Tate Modern London; Generali Foundation; Museum of Modern Art NY; Whitney Museum NY; J. Paul Getty Museum L.A.; High Museum of Art, Atlanta; National Gallery of Art, Washington DC; Museum der Moderne Salzburg; Hirshhorn Museum Washington. Während des Düsseldorf Photo Festivals 2018 wird neben einem Porträt über Barbara Kasten der Film High Heels and Ground Glass: Pioneering Women Photographers (1990, Produktion in Zusammenarbeit mit Deborah Irmas) in der Sammlung Philara gezeigt.
Sammlung PHILARA, Düsseldorf

PHILARA | Birkenstraße 47
40233 Dusseldorf

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posted 12. Feb 2018

Althea Thauberger. Althea Lorraine

08. Feb 201824. Mar 2018
Althea Thauberger. Althea Lorraine 08.02.2018 - 24.03.2018 During the pivotal post war period, the National Film Board’s ‘Still Image Division’ administered the development of two significant centennial projects: an ambitious social documentary and architectural project entitled, The People Tree for Expo67’s Canadian Pavilion and the photo publications, Call Them Canadians and Ces Visages qui sont en pays. Instigated by executive producer Lorraine Althea Monk, these intersecting endeavours articulated the federal government’s shifting views on how to visualize its growing population. Composed of seemingly candid photographic moments, the images included in these projects expressed Canadians at work or at play—with statistically accurate diversity. As art historian Carol Payne has noted, “the faces [reflected] an emergent federal bilingual and multiculturist rhetoric” that were “packaged to serve more readily as idealized national types.” Rather than portray particular individuals—individuals with names and specific subject positions—the images combined to represent an idealized self-portrait of the nation at a time when Canada was trying to “posit new models of normative citizenry” in opposition to British imperialism. However, alongside their utopian ambitions, these projects reinforced an aggressive and assimilative form of government-sanctioned multiculturalism that worked to maintain a white, middle-class center. So that, in effect, by engaging the concept of ‘mosaic’, the images worked hand-in-hand with the state to conceal real practices of discrimination and bias across race, culture, and socio-economic difference. When most women were excluded from positions of power and expressions of public voice, Monk emerged as a vitally effective architect of Canadian national identity. As overseer of these projects, she skilfully exploited photography’s unique capacity to both depict and construct. Likewise, through numerous self-portraits, she used the medium to position herself at the center of Canada’s changing cultural landscape. By working surgically from inside the NFB’s archive, Althea Thauberger interrogates Monk’s role as propagandist and photography itself as an ideological and technical apparatus capable of conflating layers of time, expression, and cultural forces. Posing as Monk, Thauberger reimagines herself as a woman who employed images to imagine a nation as well as her own role within it. Althea Lorraine extends the artist’s experimental video project L’arbre est dans ses feuilles [The Tree Is in Its Leaves]. Featuring poems commissioned by four emerging Montréal writers—Danica Evering, Natasha Kanapé Fontaine, Kama La Mackerel, and Chloé Savoie-Bernard—and reflections written by cultural historians Andrea Kunard and Carol Payne, the film was produced for In Search of Expo 67 at the Musée d'art contemporain de Montréal. Althea Thauberger is an artist based in Vancouver. Her internationally produced and exhibited work typically involves interactions with a group or community that result in performances, films, videos, audio recordings and books, and involve sometimes provocative reflections of social, political, institutional and aesthetic power relations. Her film and video installations are often the result of long-term negotiations and collaborations with those depicted—such as religious choir members, tree planters, conscientious objectors and speakers of endangered languages and explore relationships between individualism, collectivism, and conformity.
Susan Hobbs Gallery, Toronto

137 Tecumseth Street
ON-M6J 2H2 Toronto

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posted 11. Feb 2018

Indigenous Australia

17. Nov 201702. Apr 2018
Indigenous Australia. Masterworks from the National Gallery of Australia 17 November 2017 – 02 April 2018 me Collectors Room Berlin / Olbricht Foundation Opening hours: Wed – Mon, 12 – 6 pm With the exhibition Indigenous Australia: Masterworks from the National Gallery of Australia the National Gallery of Australia (NGA) and me Collectors Room Berlin are setting out to provide an insight into the many qualities of traditional and modern art by Aboriginal Australians as well as the inhabitants of the many islands dotting the Torres Strait between Australia and Papua New Guinea. Beginning with pieces from the early 19th century, the exhibition leads up to contemporary works by artists from these same communities, spanning all regions of the continent. The selection of almost 180 of the most important pieces – including works by many of Australia’s greatest Indigenous artists in the category of masterworks – aims to demonstrate the great diversity within this family of art practices as well as its more recent development. While paintings form the core of the exhibition, they are accompanied by videos, sculptures, installations, traditional jewellery, head dresses and ceremonial objects. Indigenous Australia: Masterworks from the National Gallery of Australia is a National Gallery of Australia Exhibition. The project has been assisted by the Australian Government.
me Collectors Room Berlin

ME COLLECTORS ROOM - STIFTUNG OLBRICHT | Auguststraße 68
10117 Berlin

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posted 10. Feb 2018

SETH PRICE. SOCIAL SYNTHETIC

21. Oct 201708. Apr 2018
opening: 20. Oct 2017 19:00
SETH PRICE. SOCIAL SYNTHETIC Eröffnung: 20.10.2017 19:00 Uhr Ausstellungslaufzeit: 21.10.2017 – 08.04.2018 Das Museum Brandhorst präsentiert die international erste Überblicksausstellung des US-amerikanischen Künstlers Seth Price (*1973). Die mehr als 100 Werke umfassende Ausstellung zeigt Skulpturen, Filme, Fotografien, Zeichnungen, Malerei, Videos, Kleider und Textilien, Web-Design, Musik und Dichtung. Price dringt seit seinen künstlerischen Anfängen programmatisch in Territorien jenseits der bildenden Kunst vor. Er greift die Produktions- und Vertriebsformen der Musikindustrie, der Modewelt und des Literaturbetriebs auf und nutzt ihre Dynamiken für seine Kunst. Dabei beschäftigt er sich mit den fundamentalen Veränderungen der visuellen Kultur, die mit der flächendeckenden Etablierung digitaler Medien der jüngsten Gegenwart einhergehen. Seth Price gehört jener Generation an, die noch vor der Etablierung des Internets geboren wurde und seine Ausbreitung in allen Schritten hautnah miterlebt hat: die ersten Computerspiele und -programme der 1980er-Jahre, die demonstrativ ihre pixeligen Ästhetiken zur Schau stellten; das Internet als Ort politischer Utopien der 1990er-Jahre, die in der neuen Technologie demokratisierende Potentiale vermuteten; und schließlich die alle Lebensbereiche durchdringende Digitalisierung zu Beginn des 21. Jahrhunderts durch Web 2.0 und Smartphone. Die Digitalisierung fungiert ab 2001 zunehmend als Katalysator aufziehender gesellschaftlicher Krisen, vom „War on Terror“, der auch als Krieg der Bilder geführt wurde, bis zu den Krisen des Finanzsystems. Die künstlerische Praxis von Seth Price entwickelt sich entlang dieser Konflikte und der Begehrensmuster, die das Leben in einer globalen neoliberalen Gesellschaft antreiben. Eines der zentralen Themen in Prices Arbeiten ist der bedrohte Status des Subjekts. Angesichts der dramatischen Umwälzungen einer mediatisierten Gegenwart zieht sich dieses Selbst zunehmend an seine Oberflächen zurück oder scheint in seiner Abwesenheit auf: die „Vacuum Forms“ (2004-12) zeigen in Kunststoff abgeformte Körperteile, die „Silhouettes“ (2007-09) greifen digitale Aufnahmen aus dem Internet auf, die intime Gesten menschlicher Verständigung – wie der Handschlag oder Kuss – nur noch als Negativraum fassbar werden lassen, und die im Untergeschoss des Museums Brandhorst gezeigten Leuchtkästen (2016-17) basieren auf tausenden Fotografien menschlicher Haut, die unter der Verwendung einer Satellitensoftware zu einem einzigen Bild zusammengefügt wurden. Einige der Werke besitzen keine feste Form, sondern können je nach Raum und Kontext unterschiedlich installiert werden: Geknickt, gefaltet, ausgerollt oder zerknittert werden sie an Wände, Decke oder auf dem Boden platziert. Sie spielen nicht zuletzt auf die Flexibilität und Ortlosigkeit der digital zirkulierenden Bilddateien – im Falle der „Mylar Sculptures“ (2004-08) handelt es sich um Standbilder aus dschihadistischen Propagandavideos – an. Die in der Ausstellung gezeigten Werke vermitteln ein Bild der emotionalen Landschaft des beginnenden 21. Jahrhunderts. Wir sehen Fleisch und Haut, kommerzielle Logos, Abfall und Trash, Mode und Design, Verpackungen, Horrorbilder, leuchtende Screens, Humor und Brutalität, Computerspiele und Luxusobjekte. Einzelne Arbeiten besitzen inzwischen einen geradezu ikonischen Status. In seinen „Vintage Bombers“ etwa reflektiert Price den Mechanismus ständiger Reproduktion und Umwertung im digitalen Zeitalter. Während des 1. Weltkriegs für Piloten entwickelt, wurde die Bomberjacke bald zum Emblem konkurrierender Identitätsmuster. Als Modeartikel wurde sie zum Aushängeschild von Subkulturen wie der Punk- und Skinheadszene. Später wurde sie zum Signet von Hetero- und für Homosexualität, und erlebt in den letzten Jahren ein Revival sowohl als Massenware wie als Haute Couture. Festgefroren in ein Objekt, der linke Ärmel hängt schlaff herab, zeigen die „Vintage Bombers“ die Hülle menschlicher Präsenz, die zunehmend von kommerziellen Interessen und gesellschaftlichen Vereinnahmungen bestimmt wird. „Seth Price – Social Synthetic“ ist eine Kollaboration des Museums Brandhorst mit dem Stedelijk Museum Amsterdam, wo die Ausstellung vom 15. April bis 03. September 2017 zu sehen war. Die Ausstellung wurde kuratiert von Achim Hochdörfer, Tonio Kröner und Beatrix Ruf, Direktorin des Stedelijk Museum Amsterdam, in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler. Eine neue, eigens für die Ausstellung produzierte Werkserie schließt die im Jahr 2000 einsetzende Präsentation der vielseitigen und einflussreichen Praxis von Seth Price ab. Zur Ausstellung ist ein umfangreicher Katalog mit Text-Beiträgen von Cory Arcangel, Ed Halter, Achim Hochdörfer, Branden Joseph, John Kelsey, Michelle Kuo, Arianne Reines, und einem Gespräch zwischen Rachel Kushner und Laura Owens erschienen (356 Seiten, ca. 400 farbige Abbildungen).

artist

Seth Price 
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posted 09. Feb 2018

Rudolf Polanszky: Eidola

09. Feb 201822. Apr 2018
opening: 08. Feb 2018 19:00
Rudolf Polanszky: Eidola (Hauptraum) 09.02.2018 - 22.04.2018 Pressekonferenz: Donnerstag, 08.02.2018 10:00 Uhr Eröffnung: Donnerstag, 08.02.2018 19:00 Uhr Rudolf Polanszky hat seit Mitte der 1970er-Jahre ein vielschichtiges Werk geschaffen, das von konzeptuellen Film-, Video- und Fotoarbeiten über Zeichnung und Malerei bis zu skulpturalen Objekten und Assemblagen reicht. Sein Werk ist geprägt durch die beabsichtigte und durchaus methodische Einbindung des Zufälligen. Eine besondere Rolle spielt dabei die Verwendung von Materialien, die Gebrauchsspuren aufweisen oder der Witterung ausgesetzt waren, da sie gewissermaßen die Aufgabe der Kontrolle über die Formgebung und die Unterwanderung des künstlerisch-konstruktiven Gestaltungswillens fördern. Die Faszination für wissenschaftliche Erklärungsmodelle gepaart mit der Skepsis gegenüber einer vermeintlich unerschütterlichen Logik, die Welt zu begreifen, haben den Künstler selbst diverse Verstehensschemata entwickeln lassen. Diese folgen der Nicht-Sinnstiftung als Leitidee und nehmen in intuitiv konstruierten Objekten Gestalt an, die er als provisorische Verkörperungen gedanklich-sprachlicher Gebilde versteht. Polanszkys Interesse für Schein- und Trugbilder ist folglich groß. Dem Prinzip der Festlegung setzt er eine Art „hypothetische Einstweiligkeit“ entgegen, die die Veränderlichkeit von Strukturen ins Bewusstsein rufen soll. Schon in frühen Super-8-Filmen wie Die Semiologie der Sinne (1976) und Der musikalische Affe (1979) thematisierte Polanszky Fragen von Erkennen/Erkenntnis, Täuschung und Illusion. Er experimentiert mit dem filmischen Aufbau, dekonstruiert ihn mit verschiedenen Versuchsanordnungen und manipuliert so seine Wahrnehmung. In seinen Sprungfedernzeichnungen und Sitzbildern, die Mitte der 1980er-Jahre entstanden, spielt die Geste des Zufälligen und Unkontrollierten sowohl in der Konzeption als bei der Gestaltung eine wichtige Rolle. Seit Mitte der 1990er-Jahre arbeitet Polanszky vornehmlich mit Materialien wie Plexiglas, Metall und Schaumstoff – in der Vorstellung des Künstlers „freie“, d.h. von ihrem ursprünglichen Zweck oder vorgesehenen Nutzen befreite Materialien. Mittels Überlagerung, Schichtung, Überschneidung, Verschachtelung oder Faltung erzeugt er daraus Wandobjekte und raumgreifende Skulpturen. Dieses non-lineare Verfahren des spontanen Zusammenfügens vorhandener Materialien und zufälliger Formen zu einer neuen Struktur bezeichnet der Künstler als „Ad-hoc-Synthese“. Diese vom Künstler bevorzugte Arbeitsmethode dient der Erschaffung von Modellen für „translineare“ bzw. „transaggregate“ Strukturen. In der Weiterentwicklung seiner Idee der translinearen Verfahren beschäftigt sich Polanszky in jüngster Zeit mit „Prim-Räumen“ in freien räumlich-skulpturalen Umsetzungen ansonsten linear wiedergegebener Primzahlen-Reihen sowie mit deren Pendants, den sogenannten „Negativräumen“. Die Einzelausstellung Rudolf Polanszkys wird eine Auswahl an skulpturalen Werken und Wandarbeiten aus unterschiedlichen Werkgruppen präsentieren und damit einen Einblick in die Theorien des freigeistigen Künstlers bieten, die allesamt mit der Unbeständigkeit der Behauptung spielen – von den bereits genannten Prim-Räumen über hyperbolische Räume, Faltungen und Schleifen hin zu Konfusionsspiegelungen und Negativ-Positiv-Strukturen. Zeitgleich zur Ausstellung veröffentlicht Polanszky außerdem ein Künstlerbuch. Darin sind ausgewählte Schriften des Künstlers in Form von Faksimiles und Transkriptionen versammelt, die er aus der Sicht der Gegenwart einer kritischen Befragung unterzieht. Das Ausstellungsprogramm wird vom Vorstand der Secession zusammengestellt. Kuratorin: Jeanette Pacher

curator

Jeanette Pacher 
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posted 08. Feb 2018

Before Projection: Video Sculpture 1975-1995

08. Feb 201815. Apr 2018
Before Projection: Video Sculpture 1975-1995 08.02.2018 - 15.04.2018 Before Projection: Video Sculpture 1975-1995 shines a spotlight on a historical moment and a body of work in the history of media art that has been largely overlooked since its inception. The exhibition explores the connections between our current moment and the point at which video art was transformed dramatically with the entry of large-scale, cinematic installation into the gallery space. This exhibition will present a re-evaluation of monitor-based sculpture since the 1980’s and serve as a tightly focused survey of works that have been rarely seen in the last twenty years. Artists in the exhibition include Dara Birnbaum, Takahiko Iimura, Shigeko Kubota, Mary Lucier, Antoni Muntadas, Nam June Paik, Tony Oursler, Diana Thater, Maria Vedder, and others. Before Projection: Video Sculpture 1975-1995 is curated by Henriette Huldisch, Director of Exhibitions & Curator, MIT List Visual Arts Center.
MIT List Visual Arts Center, Cambridge / MA °

20 Ames Street Building E15, Atrium level
MA-02139 Cambridge / MA

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posted 07. Feb 2018

Art Rotterdam 2018

08. Feb 201811. Feb 2018
opening: 07. Feb 2018 18:00
**Final report of Art Rotterdam 2018** 26,500 visitors at 19th edition of Art Rotterdam The Art Fair Art Rotterdam that took place over the past four days, in the historical Van Nelle factory, was once again a major success. The 19th edition of this annual and dynamic presentation of the, mainly, young art, attracted 26,500 art lovers and professionals both domestic and international. As the centre of the Art Rotterdam Week, an annual four day Art event in the city, the fair once again exceeded the forecasts. Fons Hof: “The city was buzzing all week long during, for instance, the spectacular openings in the Museum Boijmans Van Beuningen and De Kunsthal (The Art Hall) and during performances in Art Centre Witte de With". Both domestic and international galleries were unanimous in their opinion about the sales: Again admirable results were achieved. Even during the first hour of the fair, Gallery Upstream sold an enormous painting of 3.40 meters high and 5.20 meters wide to a Belgian collector. Galerie Borzo sold 5 paintings and 17 works on paper, of the Dutch artist Koen Vermeule and in the video section Projections, the Paris gallery Dix9 sold two animations, consisting of 1,800 drawings of the Serbian artist Nemanja Nikolic to both a Swiss and a Dutch collector. Fons Hof: “There is an increase of international interest for Art Rotterdam. There was a remarkable number of active foreign collectors this year”. NN Group Award During this 19th edition of Art Rotterdam the second conferment of the NN Group Award took place. Nominees for this contemporary art award were: Pauline Curnier Jardin, Main Section, Ellen de Bruijne Projects Amsterdam; Salim Bayri, Intersections, SIGN, project space Groningen; Sam Samiee, Main Section Redgallery Antwerp; Rafaël Rozendaal, video section Projections, Upstream Gallery Amsterdam. This year's winner, Pauline Curnier Jardin, received a cash prize of €10,000. In addition, insurer and investment manager NN Group purchased work from the oeuvre of one of the nominees, in favor of the corporate collection. This work will be given a place in the head office in The Hague. About Art Rotterdam Art Rotterdam is a renowned and surprisingly diverse art fair. Every year this event offers a platform to the latest developments in visual art. The focus is on young art, while the variety within the different sections, the relation with the City of Rotterdam, as well as the fascinating location give Art Rotterdam a unique appearance. For an increasing number of art lovers, Art Rotterdam is the attractive alternative within the international field of art fairs, while it attracts more visitors, domestic and international, every year. * **Art Rotterdam 2018** Thursday, 08.02.2018 - Sunday, 11.02.2018 Wednesday, 07.02.2018 12.30 – 13.00 hrs Press Conference at Art Rotterdam Reflections Room 13.00 – 18.00 hrs Preview Art Rotterdam 18.00 – 22.00 hrs Opening Art Rotterdam Location: Art Rotterdam: Van Nelle Factory | Van Nelleweg 1 | 3044 BC Rotterdam The nineteenth edition of Art Rotterdam is once again located in the iconic Van Nellefabriek from Thursday 8 February to Sunday 11 February. And with a strong mission – just as the previous editions. Or, as formulated by director Fons Hof: “For a large group of art lovers, Art Rotterdam is becoming more and more the annual moment to seize the opportunity and obtain a magnificent work of art. We will do everything to create the right atmosphere to enable this. What we want is for people to go from one experience to the other during Art Rotterdam. Collectors should feel like they’re part of a large, dynamic culture!” An effective aid in this aim is undoubtedly the typical, characteristic presentation of Art Rotterdam which consists of a large variety of exhibition models. **Focus on young art in a varied concept** Art Rotterdam manages to increasingly stand out as a ‘curated fair’. With the exception of the **Main Section**, each section bears the imprint of a young and/or renowned curator. New, this year, is the **Commonities** section, designed by Lorenzo Benedetti, curator of contemporary art at Kunstmuseum St.Gallen. In Commonities, Benedetti establishes links based on thematic and materiality between artists of various galleries present. **Open Air**, intended for the presentation of large scale works on the Van Nellefabriek terrain, is curated by Niekolaas Johannes Lekkerkerk, curator at The Office for Curating, Rotterdam. Suzanne Wallinga, co-founder and director of A Tale of a Tub, curates **Intersections**. The focus in this section, a platform for non-profit performance and installation art, is on the experiment. Art Rotterdam **Projections**, curated by Martha Kirszenbaum, will dispose of a 700 m2 darkened room with a large number of videos on big, freestanding projection walls. Kirszenbaum, working in Los Angeles and Paris, is curator and publicist. Patrick Constantin Haas, curator at the Witte de With Center for Contemporary Art, curates the **New Art Section** for young galleries which present solos by up-and-coming talent. In the **Main Section**, where some 70 national and international galleries have their stands, a space has also been reserved for dealers in post-war art and vintage photography. For the sixth time, the **Prospects & Concepts** exhibition is located in the old distribution centre of the Van Nellefabriek. The enormous 2,500m2 space shows work by almost eighty visual artists who received a Stipendium for Emerging Artists from the Mondriaan Fund in 2016. Curator is Stijn Huijts, director of the Bonnefantenmuseum in Maastricht. Commonities, Intersections, CitizenM Cinema and the fine-dining restaurant are located in the new Art Rotterdam pavilion. * GALLERIES 2018 MAIN SECTION Galerie A (NL) | AKINCI (NL) | ALBADA JELGERSMA Gallery (NL) | andriesse eyck galerie (NL) | artlead.net (BE) | ASPN Galerie (DE) | Willem Baars Projects (NL) | Rod Barton (UK) | Base-Alpha Gallery (BE) | Vriend van Bavink (NL) | van den Berge (NL) | Francis Boeske Projects (NL) | BorzoGallery (NL) | Rutger Brandt Gallery (NL) | Galerie Caroline O'Breen (NL) | Ellen de Bruijne Projects (NL) | Les filles du calvaire (FR) | C&H gallery (NL) | Kristof De Clercq gallery (BE) | COSAR HMT (DE) | Marian Cramer Projects (NL) | l'étrangère (UK) | Galerie la Ferronnerie (FR) | Flatland Gallery (NL) | Annet Gelink Gallery (NL) | GNYP Gallery (DE) | GRIMM (NL) | Galerie Rianne Groen (NL) | Gerhard Hofland (NL) | Hopstreet Gallery (BE) | Galerie Iragui (RU) | Juliette Jongma (NL) | Roger Katwijk (NL) | Krokus (SK) | Martin Kudlek (DE) | Maurits van de Laar (NL) | RonLangArt (NL) | Wouter van Leeuwen (NL) | Livingstone gallery (NL) | Lumen Travo (NL) | Galerie Ron Mandos (NL) | mariondecannière (BE) | Kunsthandel Meijer (NL) | NOUVELLES IMAGES (NL) | Galerie Onrust (NL) | Ornis A. Gallery (NL) | Pablo's Birthday (USA) | PHOEBUS Rotterdam (NL) | Private View Gallery (IT) | Galerie Ramakers (NL) | The Ravestijn Gallery (NL) | (re)D. 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Art Rotterdam °

Van Nelle Fabriek, Van Nelleweg 1
3044BC Rotterdam

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posted 06. Feb 2018

Thomas Schütte

21. Jan 201808. Apr 2018
Thomas Schütte 21.01.2018 - 08.04.2018 Ausstellungseröffnung am Sonntag, 21.01.2018 16:00 Uhr Begrüßung: Gertrude Wagenfeld-Pleister, Vorsitzende des Kunstvereins Grußwort: Jürgen Krogmann, Oberbürgermeister Stadt Oldenburg Einführung: Prof. Dr. Georg Imdahl, Münster Thomas Schütte, 1954 in Oldenburg geboren, zählt zu den prominentesten deutschen Gegenwartskünstlern. Er war mehrfacher documenta-Teilnehmer und wurde 2005 mit dem Goldenen Löwen (bester Einzelkünstler) der Biennale in Venedig ausgezeichnet. Das Werk des in Düsseldorf lebenden Künstlers ist innerhalb seines Schwerpunkts Bildhauerei sehr vielseitig. Seine üppig bestückte Ausstellung im Oldenburger Kunstverein hat Thomas Schütte selbst konzipiert. Der Bildhauer zeigt drei Werkgruppen mit zum Teil neuen Arbeiten, die er durch Aquarelle aus verschiedenen Serien (u.a. „Radio Songs“ und „Deprinotes“) ergänzt. Die schon in ihren Dimensionen imposante Skulptur „Aluminiumfrau Nr. 17“ (2009) begrüßt die Besucher am Anfang, begleitet von 18 Radierungen mit dem Titel „Frauen“ von 2006. Das Blatt Nummer 17 korrespondiert mit der Aluminiumskulptur. Das Thema wird an anderer Stelle in einer Serie von acht kleineren Bronzen aufgegriffen. Die zweite Werkgruppe trägt den Titel „Mann im Matsch“. Im Zentrum steht ein kleines Modell aus verschiedenen Aluminiumgüssen – drei Treppen, die verschiedene Ebenen verbinden und eine Figur im Mittelpunkt mit eben diesem Titel. Dieses Modell von 1982/83 ist eines der ersten Werke aus der Gruppe. Schütte realisierte für Oldenburg eine Version des „Mann im Matsch“ als gut fünfeinhalb Meter hohe Bronzeskulptur mit einer Wünschelrute in der Hand – seine bis heute größte Skulptur überhaupt. In der Ausstellung zeigt er neben diesem frühen Modell weitere Versionen der Werkgruppe. In einem fast quadratischen Raum stehen vier „Fratelli“ (2012/17), vier Büsten auf hohen Sockeln, die auf den Betrachter herunterblicken. Sie werden ergänzt durch Radierungen aus der Serie der „Alten Freunde“ (2010). Thomas Schütte hatte unter anderem Einzelausstellungen im Moderna Museet Stockholm (2016), Kunsthalle Vogelmann / Städtische Museen Heilbronn (2014), Kunstmuseum Luzern (2013), Fondation Beyeler Basel (2013), Museum Folkwang Essen (2013), Serpentine Gallery London (2012), Bundeskunsthalle Bonn (2010) und Haus der Kunst München (2009). Zur Ausstellung erscheint eine Edition. Gefördert durch: Landessparkasse zu Oldenburg, Niedersächsisches Ministerium für Wissenschaft und Kultur, Stadt Oldenburg * Am Dienstag, den 23. Januar 2018 und Mittwoch, den 24. Januar 2018 um 18 Uhr sowie am Samstag, den 27. Januar 2018 und Sonntag, den 28. Januar 2018 um 16 Uhr finden die ersten Führungen durch die Ausstellung Thomas Schütte statt.
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posted 05. Feb 2018

Luchezar Boyadjiev. DYSTOPIAN COZY

02. Feb 201824. Mar 2018
opening: 02. Feb 2018 18:30
Luchezar Boyadjiev. DYSTOPIAN COZY 02.02.2018 - 24.03.2018 Opening: 02.02.2018 18:30 in the presence of the artist SARIEV Contemporary, Plovdiv is pleased to present „Dystopian Cozy“, first solo show of Luchezar Boyadjiev at the gallery. The exhibition is organised in the context of the retrospective exhibition “Luchezar Boyadjiev. Sic Transit Media Mundi (The present is too short and rather tight)” in Sofia City Art Gallery, 14 February – 11 March 2018. Exhibition text by curator Iara Boubnova Luchezar Boyadjiev is one of the most influential artists in Bulgaria and from Bulgaria in spite of the fact that he rarely does solo shows, especially in his country. However, his participations in group art events, his curatorial projects and central position in theoretical conferences and educational courses, his texts, as well as written and spoken comments on events, his involvement in debates, witty titles for exhibitions and bon mots on artists and artworks have left a unique and enduring mark over the hesitant, almost invisible and hard to define but energetic mass ambitions of the Bulgarian art scene. The presence of this artist not only in art but in our notions for what art is pervades wide spaces – from the drawing on the cover of “Ars Simulacri”, the collection of essays from 1989, to last year walking in a pair of red high heels for the action “Walk a kilometer in her shoes” in front of the Palace of Culture in Sofia. For quite some time now work of the artist Luchezar Boyadjiev has been focusing on the notion of renegotiation as a mandatory condition for both human nature and social relations. Renegotiating is fundamental for what we think of as the Western intellectual thought, culture and society as a whole. From the form, the color and the media to gender, faith, ethics, architecture, science and philosophy – every system of our existence is an endless process of negotiations. Luchezar Boyadjiev has been investigating ceaselessly how imagination overcomes limitations and ultimately transforms complex social, economic and cultural systems while surmounting the distinctions between realities and notions. He is freely mixing political, religious, media, everyday life, pop-culture and so on symbols thus creating zones of fusion where thinking, fictions and phantoms are all beginning to influence life. His belief that truth cannot be owned, that it is an opinion with its related chains of meanings, makes him a firm pillar for the autonomy of creative work and for the freedom of the artist. It is not by chance that the moment when he became aware of himself as an artist happened to coincide with the flourishing of postmodernism (though not in its academic and scholastic version, which is investigating the “death” of various cultural phenomena). This moment was the moment of the vigorously vital, succulent, daring, fighting and sexy visual arts of the 1980s in New York City. He was not only a contemporary but also a “space co-inhabitant” with artists such as Robert Longo, Julian Schnabel, Keith Haring, Cindy Sherman, David Salle, Nan Goldin, Barbara Kruger, Jenny Holzer, Jeff Koons, Jean-Michel Basquiat and many others at the time. Luchezar Boyadjiev extracted the maximum artistic benefit (for us as well) from that time and space. His art is both polyvalent and a palimpsest, it is theoretically “equipped”, playful and ironic; its orientation is geared toward the visually literate and free from clichés audiences. He pays attention not to be a hostage of predictable notions, of “what art must do today”, or of what should the artist do regarding this or because of that. Every time Luchezar Boyadjiev is also renegotiating things and terms with himself. The first solo show of the artist with Sariev Contemporary in Plovdiv, titled “Dystopian Cozy” is a new approach to themes that he has engaged with for a long time – cities and territories. We already had the experience of his conceptual analysis of urban material from his “Walk-and-talk around Sofia with Luchezar Boyadjiev” cycle that was organized by the Open Arts Foundation in 2016. The new show is a deduction based on the “Walks…” – cities today are in need of what people want too – making peace with reality through coziness, kawaii, and huegge... Counting on relax rather than on revolt; on “furnishing” rather than on “projecting”; on using the methodology of private/personal decisions within the common/public spaces. The author is suggesting solutions to problems while fusing cultural codes, notional fetishes, political clichés and marketing myths all of them coexisting in our minds. Such an idea is hugely organic for Luchezar Boyadjiev. Whoever has met him would know the he is often the first to take the floor after a lecture or during public discussions of artistic and academic themes related to visual culture. That’s because he is an eager, attentive and well-meaning listener able to grasp various positions. And also because he is always ready to help out the speaker overcome those threatening moments of silence right after the talk when misunderstanding, lack of interest and even hostile audiences might be lurking. He is after creating coziness in a friendly discussion. In a project series Boyadjiev is demonstrating how he wants to make life more comfortable in such cities that are abused by the international art world: “Venice needs a metro!” 2007-2018 and “Kassel needs and airport!” 2007-2018. One of the drawings here displays how it is possible to solve the problems of Jerusalem – the city of conflict is cloned and the clones are positioned up along the vertical axis – well within the spirit of the avant-garde architects from the early 20th c. (“Jerusalem needs to hover!” 2008-2018). On the other hand “Paris needs to reboot!” (2004-2018), claims the artist in a drawing where the Eiffel Tower, the ex-symbol of technological progress, is multiplied. An act of making peace with Walter Benjamin’s theories about the “mechanical reproduction” of art, as well as the new 3D printing technology provide the grounds to think about such possibilities for real. Of course, the influx of tourists will also increase though now everyone will have the chance to get to the top of the tower(s). The artist is making his intentions clear: “Artists are always trying to re-imagine the world but the question is to shelter and make it cozy”. Instead of the aggressive imperial double-headed eagles the artist is suggesting that there should be double-headed doves of peace – they should occupy all the division walls in the world, while the world itself should sink in yellow (in the painted collage „Joie de Vivre“, 2017). For yellow is the warm and bright color that artists like and use for precisely these qualities – by Van Gogh and Gauguin, Albers and Rodchenko, Christo and Kusama, Eliasson and Solakov. And for those lucky visitors to the show coziness waits – a small stove is metaphorically heating up the space, the gazes, the hearts and the thoughts (“Eternal Sunshine”, 2018). Iara Boubnova * Luchezar Boyadjiev (b. 1957) graduated from the National Art Academy in Sofia in 1980. One of the most famous contemporary artists from Bulgaria, his work is about personal interpretation of social processes, about the interaction between private and public, about urban visuality and the world of today split between utopia and dystopia. His media is installation, photography, drawing, objects, text, video, and performative lectures. Selected exhibitions are: the solo shows “Places of Wisdom”, ICA-Gallery, Sofia (in partnership with Open Arts-Plovdiv, 2016); “Not a Library Artist either”, SALT, Istanbul (2013); “Artist in the Storage” from “The Other Eye” series, City Art Gallery, Sofia (2010); and the group shows in 2016-17 “Economize”, Ludwig Museum, Budapest, as well as “Symptoms of Society”, Guangdong Museum of Art (Guangzhou) and Zhejiang Art Museum (Zhejiang Sheng), China; in 2016 “Cold Wind from the Balkans”, PERA Museum, Istanbul; “Upside Down: Hosting the Critique”, MCA, Belgrade, and “Low-budget Utopias”, Moderna Galerija, Ljubljana; in 2015 “Inside Out”, City Gallery, Ljubljana; “The Grammar of Freedom”, GARAGE Museum of Contemporary Art, Moscow, and “Art for Change 1985-2015”, City Art Gallery, Sofia; in 2014 “Disconsent”, CCA “Ancient Bath”, Plovdiv; in 2013 “Economics in Art”, MOCAK, Cracow; in 2012 “The Best of Times, the Worst of Times”, 1st Biennial, Kiev, and “The Eye Never Sees itself”, 2nd Biennial, Yekaterinburg; and in 2011 “The Global Contemporary”, ZKM, Karlsruhe. The artist is a Founding Member of ICA-Sofia.
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posted 04. Feb 2018

I AM THE MOUTH

19. Jan 201818. Mar 2018
I AM THE MOUTH Works from Central and Eastern European Artists from Art Collection Telekom 19.01.2018 - 18.03.2018 Artists: Nevin Aladağ, Anatoly Belov, Geta Brătescu, Yane Calovski, Levan Chelidze, Braco Dimitrijević, Aleksandra Domanović, Petra Feriancova, Ksenia Gnylytska, Ion Grigorescu, Igor Grubić, Aneta Grzeszykowska, Nilbar Güreş, Petrit Halilaj, Hristina Ivanoska, Pravdoliub Ivanov, Nikita Kadan, Mi Kafchin, Alevtina Kakhidze, Šejla Kamerić, Lesia Khomenko, Luka Kedžo, Genti Korini, Eva Kot’átková, Zofia Kulik, Volodymyr Kuznetsov, Nino Kvrivishvili, Piotr Łakomy, Little Warsaw, Vlado Martek, Ciprian Mureşan, Şükran Moral, Lada Nakonechna, Vlad Nancă, Paul Neagu, Paulina Ołowska, Roman Ondák, Dan Perjovschi, Agnieszka Polska, Cristian Răduţă, Stepan Ryabchenko, Slavs and Tatars, Nedko Solakov, Mladen Stilinović, Marko Tadić, Iza Tarasewicz, Nil Yalter Curated by Nathalie Hoyos, Radmila Iva Jankovic and Rainald Schumacher Commissoned projects by: Hrvoslava Brkušić, Vlatka Horvat, EQUALS Collective (initiated and led by Andreja Kulunčić, the other members wish to remain anonymous) Museum of Contemporary Art, Zagreb, presents with I AM THE MOUTH, works from Art Collection Telekom. The corporate Art Collection Telekom was initiated by Deutsche Telekom in 2010 and comprises today of some 200 art works by about 60 artists from around 15 countries. The collection has a clear focus on contemporary art from Central and Eastern European countries. The title of the exhibition I AM THE MOUTH is from a video work by Polish artist Agnieszka Polska. It expresses the characteristic qualities of contemporary art from a region in Europe, which is searching for identity in the global context. These voices are looking for new social and political structures, for a democratic and civic exchange by balancing opposing ideas and interests. The artworks in the exhibition are the mouth of a whole generation that wants to shape its own future and take responsibility for it. The works are telling the stories, concerns, hopes and visions of this generation not literally with words. They prefer strong sensual qualities by transforming our perception into a narration. A narrative that refers to private and individual experiences in life but touches at the same time the burning issues in politics. The artists are concentrating quite complex themes into the compressed immediate evidence of an artwork that appeals to our intelligence, provokes empathy and encourages solidarity. I AM THE MOUTH means also listening carefully to these voices and to translate their visual artistic language into a personal attitude.
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posted 03. Feb 2018

AKA­DE­MIE [Arbeitstitel]

21. Oct 201707. Feb 2018
opening: 20. Oct 2017 21:00
* [**kunstaspekte-Interview zur Ausstellung AKA­DE­MIE [Arbeitstitel]** mit Gregor Jansen, Leiter der Kunsthalle Düsseldorf. Die Fragen stellte Lothar Frangenberg.](http://kunstaspekte.art/special/zwischenstand) * **PROGRAMM** 7. Februar 2018 Nach 16 spannenden und erfolgreichen Wochen laden wir am 7. Februar 2018 zur Finissage der Ausstellung „Akademie [Arbeitstitel]“ ein. Über 100 Projekte wurden während der Laufzeit von Studierenden und Lehrenden der Akademien Düsseldorf und Münster sowie der Kunsthochschule für Medien Köln (KHM) in der Kunsthalle realisiert. Einen Überblick über die Schau bekommen Sie auf unserem Blog bei Monopol. Wir beenden die Ausstellung am 6. und 7. Februar mit einer letzten Veranstaltung aus der Reihe Performing Archive. Der Düsseldorfer Künstler und Musiker Stefan Schneider lädt unter dem Titel „Die Landschaft dahinter“ zu Konzert, Gespräch und Performance ein, u.a. mit Michaela Melián, Ronald Steckel, Mo Loschelder, Philipp Schulze & Brian Parks sowie Katharina Grosse. * 1. und 4. Februar 2018 Die Kölner Band HFU stellt am Donnerstag, den 1. Februar bei einem Konzert ihr Debütalbum „WE MADE AMERICA GREAT“ im Rahmen der aktuellen Ausstellung vor. Beginn ist um 16.30 Uhr. Samstag, den 3. Februar, und Sonntag, den 4. Februar, gibt es zwei weitere Aufführungen von „CARNE VALE!“ der Ben J. Riepe Company in der Kunsthalle. * 31. Januar 2018 Zudem startet die Veranstaltungsreihe „Treffpunkt Kunsthalle 50plus“ mit einem Besuch der Konrad Fischer Galerie am Mittwoch, den 31. Januar ins neue Jahr. * 30. Januar 2018 Am Dienstag, den 30. Januar begrüßen wir Sie beim Booklaunch von Mischa Kuball. Gemeinsam mit Gregor Jansen stellt der Künstler sein Projekt „Solidarity Grid“ vor. * 21. Januar 2018 Die Künstlerin Nicola Gördes von der Kunstakademie Münster präsentiert am Sonntag, den 21. Januar, von 18 bis 20 Uhr den zweiten Teil ihrer Videoarbeiten „Trump!“ und „No Trump!“. Im Rahmen des Programms „Performing Archive“ realisiert die Kuratorin Petra Ponte am Sonntag, den 21. Januar ihr Projekt „Museum des Geldes. Musée des sacrifices. a gathering“. Am Dienstagabend, den 30. Januar, laden wir zur Buchpräsentation von Mischa Kuball zum Projekt „Solidarity Grid“ in die Kunsthalle ein. * 13. Januar 2018 Am Samstag, den 13. Januar findet um 16 Uhr eine akustische Führung für blinde, sehbehinderte und sehende Besucher*innen mit der Kulturwissenschaftlerin Irina Raskin statt. Der Eintritt in die Ausstellung sowie die Teilnahme an der Führung sind kostenlos. Um Anmeldung wird gebeten unter bildung@kunsthalle-duesseldorf.de. * 9. Januar bis 12. Januar 2018 Und Christian Jendreiko und seine Gäste blicken von Dienstag, 9. Januar bis Freitag, 12. Januar in einem öffentlichen Think Tank auf John Latham. * 7. Januar 2018 Am Sonntag, den 7. Januar lädt die Klasse von Klaus Merkel von der Kunstakademie Münster zur Finissage ihrer Arbeiten mit Künstlergesprächen und einer Dialogführung mit Kunsthallen-Direktor Gregor Jansen ein. * Auch im Dezember begrüßen wir Sie in einer sich ständig wandelnden Kunsthalle zur Ausstellung „Akademie [Arbeitstitel]“. Über 16 Wochen präsentieren mehr als 100 Künstler*innen in einem dynamischen Prozess unterschiedlichste Arbeiten zum Themenkomplex des Archivs. Jeden Mittwoch, um 17 Uhr (außer am 27. Dezember) gibt es eine Kurator*innenführung durch die Schau. Am 13. Dezember wird die Führung von einem Gebärdensprachdolmetscher begleitet und richtet sich somit explizit auch an gehörlose Besucher*innen. Am Samstag, den 9. Dezember laden wir Sie von 16 bis 17.30 Uhr zum Vortrag „Der Resteraum (vom Gedankenhotel)“ von Matthis Bacht mit Installation des Art Ashram-Kollektivs ein. Die Gruppe bearbeitete im Sommer 2017 die Frage „Wie wollen wir leben?“. Die Installation in der Kunsthalle setzt sich mit der Dokumentation und Archivierung solcher Gedankenvorgänge auseinander. Der 10. Dezember ist bei uns Familientag. Von 11 bis 18 Uhr ist der Eintritt in die Ausstellung frei. Von 13.30 bis 15 Uhr laden wir Kinder von 5 bis 12 Jahren in die „Kunsthallen-Akademie“ ein, um dort unterschiedliche Kunstgattungen kennen zu lernen und auszuprobieren. Eine weitere Gelegenheit dazu bietet sich am Samstag, den 23. Dezember, von 13 bis 17 Uhr. Zur Eröffnung des Projektes MUR BRUT 11: Julius Brauckmann – C3 Picasso laden wir Sie am Freitag, den 15. Dezember, um 18.30 Uhr ins Parkhaus der Kunsthalle ein. Explizit für das Parkhaus hat der Künstler eine ortsspezifische Wandarbeit entwickelt. Sollten Sie noch eine Kleinigkeit für das Fest suchen, schauen Sie doch einmal in der Kunsthalle vorbei. Vielleicht werden Sie ja bei unseren ausgesuchten Taschen aus Ausstellungsbannern fündig – jede Tasche ein Unikat. Oder Sie erfreuen Ihre Lieben mit Kaffee-Genuss mit dem eigens für die Kunsthalle gerösteten Jubiläums-Blend. Das Etikett dafür wurde vom Düsseldorfer Künstler Hans-Peter Feldmann gestaltet. Wie im letzten Jahr wird die Fassade der Kunsthalle im Dezember in einen überdimensionalen, projizierten Kunst-Adventskalender verwandelt. Gemeinsam mit renommierten, zeitgenössischen Künstlern wie Thomas Ruff, Thomas Schütte, Karin Kneffel oder dem Kabarettisten Dieter Nuhr macht die Initiative „Edition 12 – 21“ mit der Installation auf neue Therapieansätze bei Demenzkranken aufmerksam. Bis zum 24. Dezember wird sich jeden Tag eins der Türchen öffnen. Mehr dazu erfahren Sie unter edition12-21.de * **Marlon Bösherz mit der Klasse von Stefan Kürten:** Dienstag, 14.11.17, Beginn 18 Uhr Soundperformance Marlon Bösherz und Pietro Conti „Faltungen – Bitumen“ Mittwoch, 15.11.17, Beginn 18 Uhr Interview mit Akademiestudenten Donnerstag, 16.11.17, Beginn 18 Uhr Konzert Jazztrio Graustufen Freitag, 17.11.17, Einlass 18:30 Uhr und Beginn 19 Uhr Konzert Stefan Kürten „Wall of Sound“ Samstag, 18.11.17, Einlass 18 Uhr und Beginn 18:30 Uhr Soloperformance Marlon Bösherz „Salvador Dalís Gardenparty“ Sonntag, 19.11.17, Einlass 20 Uhr und Beginn 20:30 Uhr Konzert Botticelli Baby Dienstag, 21.11.17, Beginn 16:30 Uhr Lesungsimprovisation / Situationslesung durch eine Gruppe Studierender der Kunstakademie Düsseldorf EINTRITT FREI * **CARNE VALE!** Eine Produktion von Ben J. Riepe im Rahmen der Ausstellung „Akademie [Arbeitstitel]“ Freitag, 10. November 2017, 18 Uhr Samstag, 11. November 2017, 18.30 Uhr Sonntag, 12. November 2017, 18.30 Uhr Samstag, 3. Februar 2018, 18.30 Uhr Sonntag, 4. Februar 2018, 18.30 Uhr Im Fokus der Inszenierung CARNE VALE! steht der menschliche Körper mit seinem grenzenlosen Potential. Riepe stellt ihn aus, verhüllt ihn, entblößt ihn, experimentiert mit Formen einer universellen nonverbalen Sprache und setzt dabei auf das ephemere Potential eines jeden von uns: der Körper als Projektionsfläche. Und zwar für die aktuellen Geschehnisse der Zeit und der dem Menschen zutiefst inne liegenden Instinkte. Wie solche eines Urmenschen, der handelt, weil er handeln muss, und Gemeinschaft eingeht, weil er alleine nicht wagt zu existieren. Das Publikum ist eingeladen, dem Sezierspiel beizuwohnen, wenn die Hüllen fallen und ein Tier in Menschengestalt das Licht der Welt erblickt, zu Boden geht, danieder kriecht und nach Atem ringend verendet, um schließlich dem Phönix gleich aus der Asche neu geboren zu werden. CARNE VALE! nähert sich folglich dem mittelalterlichen Karneval, kurzum einem uralten Ritual: den Wert des Fleisches erkennen und gleichsam dem Fleische absagen, um alles, was war, abzustreifen. CARNE VALE! ist eine Produktion von Ben J. Riepe, koproduziert mit der Kunsthalle Düsseldorf. Gefördert durch die Kunststiftung NRW, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW, Fonds Darstellende Künste, Kulturamt der Landeshauptstadt Düsseldorf und Kunst- und Kulturstiftung der Stadtsparkasse Düsseldorf. **NACHTFOYER** Im NACHTFOYER präsentiert der Düsseldorfer Künstler und Musiker Stefan Schneider am Dienstag, den 7. November den Konzertmitschnitt „MOEBIUS SCHNEIDER – LIVE KUNSTHALLE DÜSSELDORF“, der im Oktober erschienen ist. **APPROXIMATION FESTIVAL** Das APPROXIMATION FESTIVAL gastiert am 24. und 25. November in der Kunsthalle. Das Programm zum Festival finden Sie hier. **Herbstferienprogramm** Zu „Akademie [Arbeitstitel]“ laden wir zudem zum Herbstferienprogramm Kinder ab 6 Jahren in die Kunsthallen-Akademie ein. Hier lernen die Teilnehmer*innen unterschiedliche Kunstformen und Materialien kennen und erfahren, wie aus einer Idee ein fertiges Kunstwerk wird. **FÜHRUNGEN** Kuratorenführung: jeden Mittwoch, 17 Uhr (außer am 1.11.) Öffentliche Führung: jeden Sonntag, 13.30 Uhr **KUNST IM GESPRÄCH** jeden Dienstag, 15 bis 18 Uhr und jeden Sonntag, 14.30 bis 17.30 Uhr * **ERÖFFNUNG** Mit einem großen Fest bei Essen und Trinken, der Gruppe TORESCH und DJ Hermes eröffneten wir mit 1300 Gästen am 20. Oktober die Ausstellung „Akademie [Arbeitstitel]“, zu deren Besuch wir Sie im November herzlich einladen. Angelehnt an die legendäre Ausstellungsreihe „between“ (1969–1973) hat die Kunsthalle Studierende und Lehrende der Akademien Düsseldorf und Münster sowie der Kunsthochschule für Medien Köln (KHM) eingeladen, sich mit dem Themenkomplex des Archivs auseinanderzusetzen und damit aus einem gegenwärtigen Blickwinkel kritisch zu verhandeln, was ein historisches Erbe und die Nähe von Institutionen und Akademien im Rheinland für die eigene Kunstproduktion bedeuten. Wie der Titel bereits vermuten lässt, handelt es sich um ein experimentelles Format mit offenem Ausgang in einem sich ständig wandelnden Ausstellungs-Setting. Sie dürfen also gespannt sein, was Sie erwartet. **AUSSTELLUNG AKA­DE­MIE** 21.10.2017 - 07.02.2018 In der dritten Schau des Jubiläumsjahres rückt die Gegenwart in den Fokus, aber nicht, ohne auch die Geschichte und das Archiv der Kunsthalle zu betrachten. Angelehnt an der legendären Ausstellungsreihe „between“ (1969-1973), die aus Protesten und Unmut von Studierenden insbesondere der Kunstakademie gegenüber der Institution hervorging, lädt die Kunsthalle Düsseldorf zu Akademie [Arbeitstitel] Lehrende und Studierende der Kunstakademien Düsseldorf und Münster sowie der Kunsthochschule für Medien Köln (KHM) ein, sich mit dem Themenkomplex des Archivs auseinanderzusetzen und damit aus einem gegenwärtigen Blickwinkel kritisch zu verhandeln, was ein historisches Erbe und die Nähe von Institutionen und Akademien im Rheinland für die eigene Kunstproduktion bedeuten. Wie der Begriff „Arbeitstitel“ im Titel der Ausstellung bereits indiziert, handelt es sich um ein experimentelles Format mit offenem Ausgang. Für die Besucher*innen wird ein permanenter Zugang nicht nur zu immer wieder erneuerten Ausstellungs-Setzungen, sondern auch zum Weg dahin, zum diskursiven Austausch und zu Arbeitsprozessen und -strukturen eröffnet. Inwieweit sie sich dabei am Austausch beteiligen, nur beobachten oder sich bewusst einmischen und damit Eingang in die künstlerischen Arbeiten und finalen „Resultate“ der Ausstellung und so auch in die Institutionsgeschichte finden, bleibt jedem selbst überlassen. Programmpunkte zwischen Theater, Performance, Konzerten, Workshops und Vorträgen von zahlreichen Gästen werden zudem unter dem Label „Performing Archive“ immer wieder neue Akzente aus dem Archiv suchen und vermitteln. Vor dem Hintergrund des 50-jährigen Jubiläums der Kunsthalle Düsseldorf in ihrem heutigen Gebäude setzt sich die Ausstellung mit dem Themenkomplex „Archiv“ auseinander. Der Titel der Ausstellung legt den Fokus dabei bewusst nicht auf das Thema selbst, sondern vielmehr auf die künstlerische Perspektive und den Prozess der Erarbeitung: Professor*innen und Studierende der Kunstakademie Düsseldorf, der Kunstakademie Münster und der Kunsthochschule für Medien Köln wurden eingeladen, sich mit den Themen Archiv, dem Archiv der Kunsthalle Düsseldorf oder auch einzelnen Aspekten wie der Architektur, spezifischen Arbeiten oder der (Ausstellungs-)Historie der Kunsthalle auseinanderzusetzen. Der Begriff „Arbeitstitel“ ist dabei fester Bestandteil des Ausstellungstitels und indiziert, dass es sich um ein experimentelles Format mit offenem Ausgang handelt, angelehnt an das Format der legendären between-Reihe Ende der 1960er Jahre. Neben einer Beschäftigung mit Archivmaterialien der Kunsthalle erfolgen Auseinandersetzungen mit der Idee des Archivs auch weitläufiger und abstrakter, indem das Archiv als Ort der Erinnerung zwischen wertvollem Erbe, historischer Last, Speicher-Architektur u.v.m. betrachtet wird. Die Kategorie Archiv und die Kategorien, anhand derer ein Archiv angelegt wird und so Kunstgeschichte, kulturelle Identitäten und individuelle Mythologien hervorbringt, werden ebenfalls befragt. Welche Rolle spielen Archive für das eigene künstlerische Schaffen oder die Wahrnehmung einer Institution? Wie wird aus der Jetzt-Zeit heraus mit der spezifischen Vergangenheit umgegangen und diese bewertet? Inwiefern stellen nicht nur kollektive, sondern auch private Archive selbst Formen künstlerischer Praxis dar? Die Ausstellung erstreckt sich über einen Zeitraum von 16 Wochen, innerhalb derer rund 100 Projekte im Wechsel gezeigt werden. Eröffnet wird mit einer auf ihre architektonischen Grundlagen reduzierten Halle, deren 50-jähriges Jubiläum und die 500 Ausstellungen umfassende Geschichte gefeiert werden. Die Entstehung einzelner Werke sowie auch Auf- und Umbauphasen finden während der Öffnungszeiten statt und können von den Besucher*innen verfolgt werden. Zeitgleich mit den Projekten wird vor Ort der Ausstellungskatalog von Studierenden der Köln International School of Design (KISD) entwickelt. Unter dem Label „Performing Archive“ wurden zudem einzelne Künstlerinnen, Musikerinnen und Kurator*innen eingeladen, über die Ausstellung hinausgehende Auseinandersetzungen in Form von Tanz, Performances, Konzerten und Vorträgen zur Geschichte der Institution zu präsentieren. **KATALOG** Ab sofort ist der Katalog zur Ausstellung „Wirtschaftswerte / Museumswerte“ in unserem Shop erhältlich. **CARNE VALE!** Eine Produktion von Ben J. Riepe im Rahmen der Ausstellung „Akademie [Arbeitstitel]“ Freitag, 10. November 2017, 18 Uhr Samstag, 11. November 2017, 18.30 Uhr Sonntag, 12. November 2017, 18.30 Uhr Samstag, 3. Februar 2018, 18.30 Uhr Sonntag, 4. Februar 2018, 18.30 Uhr Im Fokus der Inszenierung CARNE VALE! steht der menschliche Körper mit seinem grenzenlosen Potential. Riepe stellt ihn aus, verhüllt ihn, entblößt ihn, experimentiert mit Formen einer universellen nonverbalen Sprache und setzt dabei auf das ephemere Potential eines jeden von uns: der Körper als Projektionsfläche. Und zwar für die aktuellen Geschehnisse der Zeit und der dem Menschen zutiefst inne liegenden Instinkte. Wie solche eines Urmenschen, der handelt, weil er handeln muss, und Gemeinschaft eingeht, weil er alleine nicht wagt zu existieren. Das Publikum ist eingeladen, dem Sezierspiel beizuwohnen, wenn die Hüllen fallen und ein Tier in Menschengestalt das Licht der Welt erblickt, zu Boden geht, danieder kriecht und nach Atem ringend verendet, um schließlich dem Phönix gleich aus der Asche neu geboren zu werden. CARNE VALE! nähert sich folglich dem mittelalterlichen Karneval, kurzum einem uralten Ritual: den Wert des Fleisches erkennen und gleichsam dem Fleische absagen, um alles, was war, abzustreifen. CARNE VALE! ist eine Produktion von Ben J. Riepe, koproduziert mit der Kunsthalle Düsseldorf. Gefördert durch die Kunststiftung NRW, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW, Fonds Darstellende Künste, Kulturamt der Landeshauptstadt Düsseldorf und Kunst- und Kulturstiftung der Stadtsparkasse Düsseldorf. **NACHTFOYER** Im NACHTFOYER präsentiert der Düsseldorfer Künstler und Musiker Stefan Schneider am Dienstag, den 7. November den Konzertmitschnitt „MOEBIUS SCHNEIDER – LIVE KUNSTHALLE DÜSSELDORF“, der im Oktober erschienen ist. **APPROXIMATION FESTIVAL** Das APPROXIMATION FESTIVAL gastiert am 24. und 25. November in der Kunsthalle. Das Programm zum Festival finden Sie hier. **Herbstferienprogramm** Zu „Akademie [Arbeitstitel]“ laden wir zudem zum Herbstferienprogramm Kinder ab 6 Jahren in die Kunsthallen-Akademie ein. Hier lernen die Teilnehmer*innen unterschiedliche Kunstformen und Materialien kennen und erfahren, wie aus einer Idee ein fertiges Kunstwerk wird. **ERÖFFNUNG** Mit einem großen Fest bei Essen und Trinken, der Gruppe TORESCH und DJ Hermes eröffneten wir mit 1300 Gästen am 20. Oktober die Ausstellung „Akademie [Arbeitstitel]“, zu deren Besuch wir Sie im November herzlich einladen. Angelehnt an die legendäre Ausstellungsreihe „between“ (1969–1973) hat die Kunsthalle Studierende und Lehrende der Akademien Düsseldorf und Münster sowie der Kunsthochschule für Medien Köln (KHM) eingeladen, sich mit dem Themenkomplex des Archivs auseinanderzusetzen und damit aus einem gegenwärtigen Blickwinkel kritisch zu verhandeln, was ein historisches Erbe und die Nähe von Institutionen und Akademien im Rheinland für die eigene Kunstproduktion bedeuten. Wie der Titel bereits vermuten lässt, handelt es sich um ein experimentelles Format mit offenem Ausgang in einem sich ständig wandelnden Ausstellungs-Setting. Sie dürfen also gespannt sein, was Sie erwartet. **FÜHRUNGEN** Kuratorenführung: jeden Mittwoch, 17 Uhr (außer am 1.11.) Öffentliche Führung: jeden Sonntag, 13.30 Uhr **KUNST IM GESPRÄCH** jeden Dienstag, 15 bis 18 Uhr und jeden Sonntag, 14.30 bis 17.30 Uhr * **AUSSTELLUNG AKA­DE­MIE** 21.10.2017 - 07.02.2018 In der dritten Schau des Jubiläumsjahres rückt die Gegenwart in den Fokus, aber nicht, ohne auch die Geschichte und das Archiv der Kunsthalle zu betrachten. Angelehnt an der legendären Ausstellungsreihe „between“ (1969-1973), die aus Protesten und Unmut von Studierenden insbesondere der Kunstakademie gegenüber der Institution hervorging, lädt die Kunsthalle Düsseldorf zu Akademie [Arbeitstitel] Lehrende und Studierende der Kunstakademien Düsseldorf und Münster sowie der Kunsthochschule für Medien Köln (KHM) ein, sich mit dem Themenkomplex des Archivs auseinanderzusetzen und damit aus einem gegenwärtigen Blickwinkel kritisch zu verhandeln, was ein historisches Erbe und die Nähe von Institutionen und Akademien im Rheinland für die eigene Kunstproduktion bedeuten. Wie der Begriff „Arbeitstitel“ im Titel der Ausstellung bereits indiziert, handelt es sich um ein experimentelles Format mit offenem Ausgang. Für die Besucher*innen wird ein permanenter Zugang nicht nur zu immer wieder erneuerten Ausstellungs-Setzungen, sondern auch zum Weg dahin, zum diskursiven Austausch und zu Arbeitsprozessen und -strukturen eröffnet. Inwieweit sie sich dabei am Austausch beteiligen, nur beobachten oder sich bewusst einmischen und damit Eingang in die künstlerischen Arbeiten und finalen „Resultate“ der Ausstellung und so auch in die Institutionsgeschichte finden, bleibt jedem selbst überlassen. Programmpunkte zwischen Theater, Performance, Konzerten, Workshops und Vorträgen von zahlreichen Gästen werden zudem unter dem Label „Performing Archive“ immer wieder neue Akzente aus dem Archiv suchen und vermitteln. Vor dem Hintergrund des 50-jährigen Jubiläums der Kunsthalle Düsseldorf in ihrem heutigen Gebäude setzt sich die Ausstellung mit dem Themenkomplex „Archiv“ auseinander. Der Titel der Ausstellung legt den Fokus dabei bewusst nicht auf das Thema selbst, sondern vielmehr auf die künstlerische Perspektive und den Prozess der Erarbeitung: Professor*innen und Studierende der Kunstakademie Düsseldorf, der Kunstakademie Münster und der Kunsthochschule für Medien Köln wurden eingeladen, sich mit den Themen Archiv, dem Archiv der Kunsthalle Düsseldorf oder auch einzelnen Aspekten wie der Architektur, spezifischen Arbeiten oder der (Ausstellungs-)Historie der Kunsthalle auseinanderzusetzen. Der Begriff „Arbeitstitel“ ist dabei fester Bestandteil des Ausstellungstitels und indiziert, dass es sich um ein experimentelles Format mit offenem Ausgang handelt, angelehnt an das Format der legendären between-Reihe Ende der 1960er Jahre. Neben einer Beschäftigung mit Archivmaterialien der Kunsthalle erfolgen Auseinandersetzungen mit der Idee des Archivs auch weitläufiger und abstrakter, indem das Archiv als Ort der Erinnerung zwischen wertvollem Erbe, historischer Last, Speicher-Architektur u.v.m. betrachtet wird. Die Kategorie Archiv und die Kategorien, anhand derer ein Archiv angelegt wird und so Kunstgeschichte, kulturelle Identitäten und individuelle Mythologien hervorbringt, werden ebenfalls befragt. Welche Rolle spielen Archive für das eigene künstlerische Schaffen oder die Wahrnehmung einer Institution? Wie wird aus der Jetzt-Zeit heraus mit der spezifischen Vergangenheit umgegangen und diese bewertet? Inwiefern stellen nicht nur kollektive, sondern auch private Archive selbst Formen künstlerischer Praxis dar? Die Ausstellung erstreckt sich über einen Zeitraum von 16 Wochen, innerhalb derer rund 100 Projekte im Wechsel gezeigt werden. Eröffnet wird mit einer auf ihre architektonischen Grundlagen reduzierten Halle, deren 50-jähriges Jubiläum und die 500 Ausstellungen umfassende Geschichte gefeiert werden. Die Entstehung einzelner Werke sowie auch Auf- und Umbauphasen finden während der Öffnungszeiten statt und können von den Besucher*innen verfolgt werden. Zeitgleich mit den Projekten wird vor Ort der Ausstellungskatalog von Studierenden der Köln International School of Design (KISD) entwickelt. Unter dem Label „Performing Archive“ wurden zudem einzelne Künstlerinnen, Musikerinnen und Kurator*innen eingeladen, über die Ausstellung hinausgehende Auseinandersetzungen in Form von Tanz, Performances, Konzerten und Vorträgen zur Geschichte der Institution zu präsentieren. **KATALOG** Ab sofort ist der Katalog zur Ausstellung „Wirtschaftswerte / Museumswerte“ in unserem Shop erhältlich.

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Isabel Urban 
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