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posted 21. Sep 2017

SIMONE FORTI. To Play the Flute

21. Sep 201723. Sep 2017
SIMONE FORTI To Play the Flute September 21, 22, and 23, 2017 Sala Fontana, Museo del Novecento, Milan In the framework of FURLA SERIES #01 Time after Time, Space after Space Curated by Bruna Roccasalva and Vincenzo de Bellis Museo del Novecento and Fondazione Furla present Simone Forti: To Play the Flute, a selection of performances by this Italian-born American artist, choreographer and dancer that will fill the Museo del Novecento’s Sala Fontana with sound and movement for three days. Simone Forti: To Play the Flute is the first event in Furla Series #01 - Time after Time, Space after Space, a performance-centered program that will feature five events by five artists of different generations and backgrounds, to show a range of approaches to this form of expression. For over fifty years, Simone Forti has been a leading figure in postmodern dance. From the simple, minimalist movements of her early pieces, to improvisations joining words to movement, her work has profoundly influenced contemporary dance and performance practices. To Play the Flute is a reenactment of four historic performances that mark fundamental points in Forti’s career: Huddle and Censor (both from 1961), Cloths (1967) and Sleepwalkers (1968). This selection highlights her approach to the interplay of actions and objects, and the key role assigned to sound. It was with her famous Dance Constructions—now in the permanent collection of the Museum of Modern Art in New York—that Simone Forti built a reputation in the 1960s art world for innovative experimentation with the language of movement. Presented for the first time in 1961 as part of Five Dance Constructions and Some Other Things, in a series of events that La Monte Young organized at Yoko Ono’s New York studio, the performances completely rethink the relationship between body and object, movement and sculpture, rules and improvisation. Based on everyday movements or interactions with objects, these are pieces in which personal expression and improvisation are always hampered by the effort required to carry out a given physical task or follow certain rules. In one of the best-known works from this series, Huddle, a group of people performs the title gesture. Together, they form a single structural entity, an uneven cluster of arms, legs, torsos and heads that takes shape before the viewers’ eyes, like a sculpture made of bodies taking turns at climbing over and rejoining the mass. First presented in 1961 as part of the same event, Censor is instead a clash between sounds: a pan full of nails is energetically rattled as a song is sung. In To Play the Flute, this unnerving acoustic composition is repeated more than once, serving as an intermezzo between performances. In Cloths, performed for the first time in 1967 at the School of Visual Arts in New York, the human body disappears, giving the stage completely over to those fundamental elements of Forti’s practice: movement—in this case, the movement of cloth being thrown—and music. Three black canvases attached to frames occupy the space, concealing performers who progressively toss pieces of fabric over the frames to form colored layers, while singing over pre-recorded tracks of other songs. Lastly, Sleepwalkers, here performed by dancer Claire Filmon, is one of Forti’s best-known works, and stems from the artist’s time in Italy in the 1960s. The piece was performed for the first time in 1968 at Galleria L’Attico in Rome, as the culmination of days spent watching and sketching the fauna in the city zoo. The result is a meditative work based on the habits that animals develop in response to confinement, conveyed in the performance through pared-down movements that explore the complicated balance between restriction and freedom. The program for Time after Time, Space after Space will include four more events featuring artists from around the world, at bimonthly intervals: Alexandra Bachzetsis (November 2017), Adelita Husni-Bey (January 2018), Paulina Olowska (March 2018), and Christian Marclay (April 2018). Simone Forti: To Play the Flute September 21-22-23, 2017 Sala Fontana, Museo del Novecento, Milan Times: first group admitted at 6:30 PM with performance starting at 7; second group admitted at 8 PM with performance beginning at 8:30. Admission free, but room capacity is limited

artist

Simone Forti 
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posted 20. Sep 2017

Fribi White Card

16. Sep 201722. Oct 2017
Fribi White Card Vernissage: 15.09.2017 16.09.2017 - 22.10.2017 Artists: Arunà Canevascini, Diane Deschenaux, Wojtek Klakla, Johan Kokov, Laurence Cotting, Johan Renevey, Rustre, Bastien Schmid, Alma Cecilia Suarez, Grégory Sugnaux, Stéphanie Baechler
Fri Art Fribourg

Petites-Rames 22
CH-1701 Fribourg

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posted 19. Sep 2017

Immortalismus

15. Sep 201729. Oct 2017
opening: 15. Sep 2017 19:00
Immortalismus 15.09.2017 – 29.10.2017 Eröffnung: Freitag, 15.09. um 19 Uhr Einführung: Heinrich Dietz, Direktor Mit Werken von: Ivana Bašić, Harm van den Dorpel, Cécile B. Evans, Pakui Hardware, Lina Hermsdorf, Kitty Kraus, Oliver Laric, On_Kawara, Dominik Sittig, Anton Vidokle, Tchelet Weisstub Die Ausstellung Immortalismus führt Arbeiten zeitgenössischer KünstlerInnen zusammen, die unterschiedliche Perspektiven auf Visionen, Technologien und Ideologien zur Überwindung des Todes öffnen. Einen historischen Hintergrund bilden die utopischen Projekte zur Abschaffung der menschlichen Sterblichkeit von Nikolaj Fedorov und des Russischen Kosmismus der frühen Sowjetzeit. Sie werden in der Ausstellung vorgestellt und aktuellen, transhumanistischen Visionen gegenübergestellt. Unter der Parole „Immortalismus und Interplanetarismus” forderten 1922 die Moskauer Biokosmisten nicht weniger als die sofortige Aufhebung der zeitlichen und räumlichen Begrenztheit des menschlichen Lebens. Sie stehen damit in der Tradition des russischen Philosophen Nikolaj Fedorov: 
Er sah die Überwindung der Sterblichkeit als zentrale Aufgabe der Menschheit, die sich mit Hilfe von Wissenschaft und Technik umsetzten ließe und mit dem Ausgreifen ins Weltall einhergehen sollte. Unter der Obhut eines Staates, der zum Museum wird, würde die Natur in ein menschengemachtes Kunstwerk umgeformt werden. In der frühen Sowjetzeit griffen Theoretiker, Wissenschaftler und Aktivisten Fedorovs Ideen auf. Dabei vereint die Kosmisten der Glaube an eine rationale Umgestaltung des Gegebenen, die in der Abschaffung des Todes und Eroberung des Kosmos ihre Vollendung findet. Entwicklungen der künstlichen Intelligenz und Biotechnologie befeuern heute wieder Projekte einer Aufhebung der zeitlichen Beschränkung des menschlichen Lebens. Solche Vorhaben, menschliche Begrenztheiten mit technologischen Mitteln zu überwinden, bilden den Kern aktueller, transhumanistischer Ideen. Doch während die Kosmisten die Aufhebung des Todes aller Menschen als drängende, „gemeinsame Tat“ einforderten, stehen viele aktuelle transhumanistische Heilsversprechen unter dem Vorzeichen der Selbstoptimierung. Einen unmittelbaren Bezug zu Nikolaj Fedorov und der Ideenwelt des Russischen Kosmismus schafft das neue Video “Immortality and Resurrection for All!” (2017) von Anton Vidokle. Der Film inszeniert Texte von Fedorov, in denen er das Museum als Ort der physischen Wiederherstellung theoretisiert. Die Gemälde von Dominik Sittig konterkarieren die Idee einer Lebendigkeit, die sich vermeintlich in gestischer Malerei manifestiert. Oliver Larics Relief „Life Masks“ (2016) basiert auf Scans von Lebend-Masken bekannter Hollywood Schauspieler. Die inszenierte Lebendigkeit von Stars wird hier zum reproduzierbaren Datencode. Von Cécile B. Evans wird eine neue Episode aus der Video-Arbeit „Amos’ World“ (2017) gezeigt, eine Allegorie auf unsere Netzwerkgesellschaft und den Versuch, komplexe Systeme rational zu kontrollieren. Für „Death Imitates Language“ (2016) hat Harm van den Dorpel eine künstliche Intelligenz programmiert, die mehr und mehr die kreativen Entscheidungen des Künstlers verinnerlicht und ihn schließlich ganz ablösen kann. Pakui Hardware richten in ihrer futuristischen Installation das Augenmerk auf die künstliche Reproduktion von Leben und die ökonomischen Interessen hinter transhumanistischen Zukunftvisionen. Ivana Bašićs Skulpturen aus Wachs und Silikon machen die Schwächen und Mängel eines ineffizienten Körpers sichtbar, die seiner vollständigen Optimierung entgegenstehen. Die Videoinstallation "I don’t believe in death" (2016) von Tchelet Weisstub hinterfragt die Verleugnung von Verfall und Altern als Triebfeder des technologischen Fortschritts. In der Soundinstallation „Antonia“ (2017) setzt sich Lina Hermsdorf ausgehend von J.L. Borges Erzählung „Der Unsterbliche“ mit Formen einer unvergänglichen, virtuellen Existenz auseinander. In einem enigmatischen Video-Loop fängt Kitty Kraus die Idee einer ewigen Gegenwart ein, in der das entscheidende Ereignis auf immer aufgeschoben bleibt: Ein Tonabnehmer neigt sich langsam zur drehenden Schallplatte ohne diese je zu erreichen. * Rahmenprogramm Sa, 16.09., 15 Uhr Gutes Sterben – Falscher Tod / Immortalismus Führung mit Heinrich Dietz und Finn Schütt, Start im Museum für Neue Kunst Mi, 20.09., 19 Uhr Werden wir irgendwann ewig leben? Vortrag und Gespräch mit Dr. Oliver Müller, Universität Freiburg, Philosophisches Seminar, Exzellenzcluster BrainLinks-BrainTools, Partner: Museum für Neue Kunst Do, 05.10., 19 Uhr Führung Mi, 11.10., 19 Uhr Gespräch mit der Künstlerin Lina Hermsdorf So, 15.10., 14 Uhr Kinderworkshop (um Anmeldung wird gebeten) Di, 17.10., 19 Uhr „Sterbliche aller Länder, vereinigt euch!” – Russische Projekte zur Überwindung
des Todes, 1900–1930
 Vortrag von Prof. Dr. Michael Hagemeister, Ruhr-Universität Bochum, Lehrstuhl für osteuropäische Geschichte So, 29.10., 15 Uhr Direktorenführung mit Heinrich Dietz
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posted 18. Sep 2017

Rupprecht Geiger. Farbe tanken

25. Jun 201724. Sep 2017
Rupprecht Geiger. Farbe tanken 25 Jun 2017 - 24 Sep 2017 Für Rupprecht Geiger werden Licht- und Farberscheinungen des weiten Himmels über kriegszerstörten und menschenentleerten Landschaften während seines Einsatzes als Kriegsmaler in Russland zum prägenden Schlüsselerlebnis seiner Malerei: „Der Himmel ist von beispielloser Farbenpracht und von unglaublicher Weite. Die Möglichkeiten sind unbegrenzt. … In der traurigen Düsternis des Kriegsgeschehens wird das Rot, der leuchtende Abendhimmel ein hoffnungsvolles Fanal.“ (Tagebucheintrag 1941) Die in diesem Zusammenhang entstandenen Werke verweisen trotz ihrer Abbildhaftigkeit bereits auf die von Geiger später provozierten Stimmungen und Energiefelder in abstrakten Farbbildern. Als Sohn des Malers Willi Geiger 1908 geboren und früh durch seinen Vater für Licht- und Farbwirkungen in der Natur sensibilisiert, wählt er die Laufbahn des Architekten und verschreibt er sich erst nach seinem Russlanderlebnis der konsequenten Erforschung des Wesens der Farbe. Schon 1948 experimentiert er mit einer Werkgruppe von „shaped canvases“, die seine Überzeugung, dass Farbe eine Ausdehnung braucht und somit seine Suche nach Formen der Farben, sein „Bauen mit Farbe“, unterstreichen. Als Mitbegründer der Künstlergruppe „ZEN 49“ ging es ihm in seinem Kunstschaffen immer auch um das Verhältnis von Materie und Geist, um den Ausdruck von Spiritualität. Als malendes Individuum nimmt er sich zunehmend zurück und schließt jeglichen handschriftlichen Duktus beim Farbauftrag aus. Dies gelingt ihm durch eine Spritzpistole, die er seit 1965 benutzt und mit ihr Acryl gebundenen fluoreszierenden Pigmenten auf die Leinwand bringt, um so der Farbe optimal die Entfaltung ihrer Wesenhaftigkeit zu ermöglichen. Um dem individuellen Wesen einer Farbe zu entsprechen, verlässt er bisweilen das klassische Rechteckformat und sucht nach genuinen Formen, die als ovale Bilder, Farb- und Leinwandkombinationen bis hin zu dreidimensional konstruierten oder imaginierten Farbobjekten wirksam werden. Dabei entziehen sich Geigers Farbmaterialisationen dem empirischen Raum: Für ihn relativieren sich Kategorien wie oben und unten, so dass seine Werke bisweilen keine eindeutige Vorgabe der Hängung haben. Im Jahre 2002 fördert der damalige Leiter des Lenbachhauses München, Helmut Friedel, indem er ihn als Vertreter Deutschlands zur XXV Biennale de Sao Paulo einlädt, wo dieser auf großen Leinwänden eine geradezu monumentale Farbmalerei verwirklicht. Im hohen Alter gelingt es Geiger, der im Alter von 101 Jahren 2009 verstarb, mit der Souveränität eines Zen-Meisters noch einmal mit Pinsel und Leinwand die Wesenhaftigkeit der Farbe wirksam werden zu lassen. Die lebenslange Beschäftigung mit Farben führt ihn immer weiter zurück zu seinem Initiationserlebnis: das Rot des Abendhimmels über der Weite Russlands. „Rot, die Farbe Rot ist mehr als Farbe, Farbe ist Element – Rot.“ (Geiger 2009) Nachdem Rupprecht Geiger auch in seiner Funktion als Professor für Malerei an der Staatlichen Kunstakademie Düsseldorf von 1965 bis 1976 erheblichen Einfluss auf die Entwicklung der Farbmalerei genommen hat, gibt die Bochumer Ausstellung nach vielen Jahren hier im Westen Deutschlands wieder einmal einen repräsentativen – und dennoch sehr kontemplativ angelegt – Einblick in Geigers Werk. Eine exemplarische Auswahl lässt entscheidende Schritte seines Schaffensprozesses nachvollziehen unter besonderer Berücksichtigung seiner bis zum Schluss andauernden Beschäftigung mit der Farbe Rot. Bezüge zu Bochum thematisiert die Schau über Werke aus der städtischen Kunstsammlung hinaus mit der 1974/75 entstandenen, dreiteiligen Wandgestaltung an der Ruhr-Universität, Bochum in der Aula der Medizinischen Fakultät (2 Wände je 9 × 3,35 m und 1 Wand 5,05 × 3,35 m), die mit einem neu abgedruckten Text von Max Imdahl im Katalog, der die Ausstellung dokumentiert, erläutert wird. Die Ausstellung entsteht in enger kuratorischer Zusammenarbeit mit der Geiger–Expertin und Enkelin des Künstlers, Julia Geiger, und dem Archiv Geiger in München.
Kunstmuseum Bochum

Kortumstraße 147
44777 Bochum

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posted 17. Sep 2017

Leonardo Drew. Number 197

25. Mar 201729. Oct 2017
Leonardo Drew. Number 197 March 25–October 29, 2017 Hours: Tuesday–Sunday 9:30am–5:15pm The de Young Museum presents Number 197, a new expansive installation by Leonardo Drew (American, b. 1961), comprising a multitude of discrete sculptural elements, arranged on a linear grid. Spanning three walls in the museum’s atrium, it reprises a format he first explored in 2007, albeit on a much larger scale and in response to the unique context of the de Young’s landmark architecture. Like all of the artist’s works it is titled numerically according to the order of its creation. While deeply informed by the trajectory of twentieth-century abstraction, Drew’s allusion to “natural” materials and processes also echo those found in the rich vernacular of African American art traditions from the South, a selection of which is concurrently on view at the museum in the exhibition Revelations: Art from the African American South. Using off-the-shelf-materials and the occasional found object, Drew works primarily with wood, which he subjects to processes that mimic naturally occurring ones—such as fading, rusting, or burning—and arranges these into wall-mounted sculptures whose forms evoke both the organic and the manmade. Born into a working-class family in Tallahassee, Florida, in 1961, Drew grew up in the housing projects of Bridgeport, Connecticut. During his childhood, he spent many hours sifting through refuse in nearby dumps and rearranging debris for visual effect. When speaking about his creative process, he likes to describe himself as an agent of nature, drawing attention to the cyclical processes of decay and regeneration by “becoming the weather” that ages but also gives birth to materials and objects. From the outset of his career in the early 1990s, Drew has employed the grid to organize his assemblages and installations. Acutely aware of the format’s historical weight as an influence on Western science, art, geographical conquest, and colonization since the early Renaissance, he fluidly negotiates the grid’s geo- and socio-political implications. Leonardo Drew: Number 197 will remain on view through October 29, 2017 at the de Young Museum in San Francisco. The installation is part of a recently launched contemporary art initiative, which presents the work of living artists in dialogue with the unique histories and identities of the sites, buildings, and collections of the de Young and Legion of Honor museums. The installation is organized by the Fine Arts Museums of San Francisco, with support provided by Anthony Meier Fine Arts and the Contemporary Support Circle of the Fine Arts Museums.

artist

Leonardo Drew 
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posted 16. Sep 2017

Ed van der Elsken. La vie folle

13. Jun 201724. Sep 2017
Ed van der Elsken. La vie folle 13.06.2017-24.09.2017 Concorde, Paris Ed van der Elsken (1925-1990) is a unique figure in Dutch 20th-century documentary cinema and photography. As a photographer, his preferred subject was the street, and in cities like Paris, Amsterdam, Hong Kong or Tokyo, he enjoyed ‘hunting’ for subjects. Often qualified as a "photographer of marginal figures", he sought in reality an aesthetic form, a visual authenticity, devoid of artifice, a beauty that was sometimes openly sensual, at times even erotic. Ed van der Elsken was fascinated by these proud figures, full of life and vitality. The exhibition at the Jeu de Paume presents a large selection of some of his most iconic images: shots of Paris from the 1950s, figures photographed on his numerous travels or in his native Amsterdam from the 1960s onwards, as well as his books, and excerpts from his films and slide shows, particularly Eye Love You and Tokyo Symphony. Van der Elsken photographs and films his subjects in situations that are often theatrical, and he behaves like a director, engaging in conversation with the people he photographs. He likes to be provocative and encourages his subjects to exaggerate or accentuate certain personality traits he detects in them. In addition to his theatrical, extravagant photography, Van der Elsken has also produced a large number of understated and moving images, revelatory of his poetic nature, his innate sense of solidarity with others, and his profound empathy for all living creatures. Van der Elsken published approximately twenty books and produced a large number of films. His first book, Love on the Left Bank, was published in 1956. Taking the form of a banal but rather unusual photobook, Love on the Left Bank is a semi-fictive account of disaffected young people, living in Paris after the Second World War. The dark tone and expressive approach, as well as the book’s almost cinematic quality contributed to its instant success. Love on the Left Bank was followed by a number of photo documentaries from his travels: Bagara (1958) featuring photographs from his trip to Equatorial Africa, and Sweet Life (1966), from his round-the-world journey in 1959-1960. Jazz (1958) is also worth mentioning. The book is a vibrant ode to the explosion of jazz music on the Amsterdam scene. In the 1980s, he published photobooks on Paris and Amsterdam, as well as De ontdekking van Japan (The Discovery of Japan) based on his numerous trips to Japan, and colour publications: Eye Love You (1976), depicting photographs from around the world against the backdrop of the liberal atmosphere of the 1960s and 70s, and Avonturen op het land (Adventures in the Countryside) (1980), Van der Elsken’s tribute to life in the polders in the northern Netherlands. [...] The exhibition is organised by the Stedelijk Museum Amsterdam in collaboration with the Jeu de Paume. With special thanks to Anneke Hilhorst and Han Hogeland, Nederlands Fotomuseum Rotterdam, the Special Collections Department of Leiden University, EYE Film Museum Amsterdam, Netherlands Institute for Sound and Vision, Hilversum, Annet Gelink Gallery Amsterdam and Paradox Edam. This exhibition is part of Oh ! Pays-Bas, Dutch cultural season in France 2017-2018. Curator : Hripsimé Visser

curator

Hripsime Visser 
Jeu de Paume, Paris

JEU DE PAUME | 1, place de la Concorde
F-75008 Paris

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posted 15. Sep 2017

Sandra Man + Moritz Majce. CHOROS III (Koroška)

08. Sep 201706. Oct 2017
opening: 07. Sep 2017 18:30
Sandra Man + Moritz Majce. CHOROS III (Koroška) 8. September bis 6. Oktober Eröffnung: 07. September, 18.30 Uhr Einführung: Nora Leitgeb Seit 2010 arbeiten die Autorin und Choreographin Sandra Man und der bildende Künstler und Choreograph Moritz Majce, beide in Berlin und Wien lebend, zusammen. Ihre gemeinsame Arbeit zeichnet aus, Choreographie nicht aus dem Blick der darstellenden, sondern aus dem der bildenden Kunst zu verstehen und zu machen: als Raumkunst. Für die Ausstellung Choros III (Koroška), von den beiden als künstlerisches Forschungsprojekt zu Chor(eographie) konzipiert, erarbeiten sie im Sommer 2017 chorische Konstellationen im Freien als Auseinandersetzungen mit den spezifischen räumlichen Bedingungen von Landschaft als „Natur“, ihrer Rezeptionsmöglichkeiten, ihrer Akustik, ihrer Perspektive und ihres Horizonts. Parallel dazu wird im Kunstraum eine Ausstellung errichtet, die sich ebenfalls als eine Art „Landschaft“ aus Ansichten und Klängen zusammensetzt. Die Arbeit beinhaltet verschiedene Elemente des „Chorischen“, des altgriechischen Choros, der Bezeichnung für Reigen, Tanzplatz und die auf ihm Tanzenden, die Verknüpfung von Tanz, Theater und Musik. Der Chor wird wahrgenommen als räumliches Geflecht sinnlicher Bezüge. In einer direkten Auseinandersetzung mit dem Publikum realisiert sich die Raum Choreographie unabhängig von den verwendeten Medien als Bewegung zwischen den einzelnen Elementen und dem Publikum. Wesentlich dafür ist die unmittelbare Begegnung mit der Landschaft Kärntens, die als Produktionsumgebung für Stimm- und Bildaufnahmen diente, denn sämtliche Aufnahmen sind im Freien, im alpinen Raum, entstanden. Körper und Stimme verstehen sich als Teil der Natur und reagieren auf die Witterung und die topografischen Gegebenheiten. Jenseits der politischen Vereinnahmung von Landschaft und Chor denkt die Arbeit Verbundenheit neu als mehrdimensionales Landschaftsgefüge, das absolut unverfügbar ist und niemandem gehört. Idee, Konzept: Moritz Majce + Sandra Man Stimme, Bewegung: Christine Börsch-Supan Kuratorin: Nora Leitgeb Wir bedanken uns bei Lakeside Labs GmbH für die großzügige Unterstützung bei den Videoaufnahmen mit einer Drohne und bei Franz Habich für die Steuerung, sowie bei der Agrargemeinschaft Nachbarschaft Söbriach für den freundlichen Zugang zu einer ihrer Almen.

artists & participants

Moritz Majce,  Sandra Man 

curator

Nora Leitgeb 
kunstraum lakeside, Klagenfurt

Lakeside Science & Technology Park GmbH, Lakeside B02
A-9020 Klagenfurt

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posted 14. Sep 2017

Nicole Eisenman. Dark Light

14. Sep 201705. Nov 2017
opening: 13. Sep 2017 19:00
Nicole Eisenman. Dark Light 14. September – 5. November 2017 Ausstellungsgespräch: Nicole Eisenman im Gespräch mit Monika Baer Mittwoch, 13. September 2017, 18 Uhr Eröffnung/Sommerfest: Nicole Eisenman, Toni Schmale und Chadwick Rantanen Mittwoch, 13. September 2017, 19 Uhr Nicole Eisenman ist als Malerin komplexer Erzählungen in Form psychologisch tiefgründiger Gemälde mit oft dystopischen Untertönen bekannt. Ihre figurative Malerei zeichnet sich sowohl durch ihre Themen als auch ihren Malstil aus: Letzterer ist eklektisch und bedient sich praktisch der gesamten neuzeitlichen Bildtradition. Verpackt in die Malweise großer Epigonen sind Bildinhalte, die zwischen autobiografischen Sujets und gesellschaftspolitischen Themen oszillieren. Seit Beginn ihrer Karriere in den frühen 1990er-Jahren, als sie vorwiegend mit einem zeichnerischen und grafischen Ouevre hervortrat, arbeitet Eisenmann am Vokabular einer zeitgenössischen Bildsprache für queere und feministische Themen, die sich durch die Theoretisierungen queerer Politiken seit den späten 1980er-Jahren zunehmend aus den marginalisierten Randbereichen der Gesellschaft herausbewegt und auch im künstlerischen Feld etabliert haben. Diese Wurzeln im Bereich der Gegen- oder Untergrundkultur sind vor allem in Eisenmans frühen Arbeiten spürbar, die an die Zine-Kultur anknüpfen und eine Vielzahl von Referenzen aufweisen, die von Populärkultur über Kunstgeschichte bis hin zu Pornografie reichen. Die Liste der Künstler, vornehmlich aus dem 19. und 20. Jahrhundert, deren Malstile Eisenman zitiert, ist lang: Picasso, Munch, Chagall, Monet, Renoir, Matisse sind nur einige, deren charakteristische Malweisen sich Eisenman zu eigen macht und deren sie sich je nach Bildstimmung frei bedient. Beeindruckend bleibt, dass ihre Werke trotz dieses scheinbaren Verzichts auf einen individuellen Malgestus unverkennbar ihre Handschrift zeigen. Trotz ihres Festhaltens an figurativer Malerei enthalten Eisenmans Gemälde auch abstrakte Elemente, deren Formen von den BetrachterInnen ebenso mit Bedeutung erfüllt werden sollen, wie die offensichtlicheren Gestaltungselemente wie Sujet und Malweise. Mit ihrem eklektischen Malstil, ihren oft rohen und provokativen Bildinhalten und vor allem ihrer Gabe, komplexe Geschichten in einem Bild erzählerisch umzusetzen, wurde Eisenman bereits selbst zu einer wichtigen Referenzfigur für eine ganz junge Generation von KünstlerInnen. Nicole Eisenman, geboren 1965 in Verdun (Frankreich), lebt und arbeitet in New York City.
Wiener Secession

Friedrichstraße 12
A-1010 Vienna

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posted 13. Sep 2017

Art Without Death: Russian Cosmism

01. Sep 201703. Oct 2017
Art Without Death: Russian Cosmism 2017, Sep 01, Fri — 2017, Oct 03, Tue Conference: September 1–2, curated by Boris Groys HKW is pleased to present three new exhibitions on Russian Cosmism: a film trilogy by Anton Vidokle, an exhibition of Russian avant-garde curated by Boris Groys, and a new installation by Arseny Zhilyaev. Please join us at the opening reception on August 31 at 7pm. Immortality for All! A Film Trilogy on Russian Cosmism **Anton Vidokle** Today the Russian philosophy known as Cosmism has been largely forgotten. Its utopian tenets—combining Western Enlightenment and Eastern philosophy, Russian Orthodox traditions and Marxism—inspired many key Soviet thinkers until they fell victim to Stalinist repression. In this three-part film project, artist Anton Vidokle probes cosmism’s influence on the 20th century and suggests its relevance to the present day. Combining essay, documentary, and performance, Vidokle quotes from the writings of cosmism’s founder Nikolai Fedorov and other philosophers and poets. His wandering camera searches for traces of Cosmist influence in the remains of Soviet-era art, architecture, and engineering, moving from the steppes of Kazakhstan to the museums of Moscow. Music by John Cale and Éliane Radigue accompanies these haunting images, conjuring up the yearning, for connectedness, social equality, material transformation, and immortality, at the heart of Cosmist thought. Cosmic Imagination: Artists of the Russian Avant-Garde **Curated by Boris Groys** The artists of the Russian avant-garde saw themselves as prophets of a New Age in the history of mankind—the Age of Cosmic Mankind, when humans would leave the Earth and conquer cosmic space. The very first manifestation of the Russian avant-garde was seen in the opera Victory over the Sun, which was staged in Saint Petersburg in 1913. The scenography was by Kazimir Malevich. It was the first time Malevich’s famous Black Square appeared—as a symbol of dark cosmic space, which revealed itself after the Sun of traditional culture met its demise and was imprisoned. Throughout his artistic career Malevich dreamed of the possibility of cosmic flight, artificial cities beyond gravity, and the ability to travel through the black infinity of cosmic space. The influence of Malevich’s Black Square can also be seen in the works of a later generation of Russian avant-garde artists who are presented in this exhibition. These works anticipate the unstable, porous characte of the dividing line between abstraction and figuration in the Russian avant-garde of the post-Revolutionary period. Abstract art was not understood as opposing “reality,” rather, it functioned as a project or announcement of a new, as yet unknown, but coming reality. Following Malevich, the generation of Russian artists used this ambivalence productively by navigating the border between abstraction and science fiction. With works selected from the Greek State Museum of Contemporary Art - Costakis Collection, Thessaloniki, by: Vassily Chekrygin, Ksenia Ender, Maria Ender, Ivan Kliun, Gustav Klutsis, Ivan Kudriashev, Solomon Nikritin, Kliment Redko, Aleksandr Rodchenko, Olga Rozanova & Aleksei Kruchenykh Intergalactic Mobile Fedorov Museum-Library, Berlin, 2017 **Arseny Zhilyaev** Arseny Zhilyaev’s installation uses an imaginary institution as a framework for creative expression. The artist pays homage to Nikolai Fedorov’s notion that the library should be considered a research platform connecting the museum with the scientific laboratory in a single goal: material resurrection. In his late 19th century essay “The Author’s Debt and the Bylaws of the Museum-Library,” Fedorov wrote: “If a repository may be compared to a grave, then reading, or more precisely research, is a kind of exhumation, while an exhibition is, as it were, a resurrection.” In constructing a library named after Fedorov, Zhilyaev reflects on the roles of artists, curators, and spectators in relation to the production of knowledge and the production of life. The conference The conference, curated by Boris Groys, focuses on the key concepts, continuities, and impact of Russian Cosmism: from Nikolai Fedorov’s philosophy of the Common Task—the prime stimulus for the rise of Russian Cosmism—to the significance of Cosmist ideas for the philosophy, literature, and art of the Soviet era; from authors and artists of the Russian avant-garde who envisioned modern technology as the pathway to a society of universal happiness, to contemporary artistic positions indebted to Cosmism and Universalism. With Boris Groys and Robert Bird, Angeliki Charistou, Maria Chehonadskih, Svetlana Cheloukhina, Keti Chukhrov, Anastasia Gacheva, Michael Hagemeister, Trevor Paglen, Alexei Penzin, Marina Simakova, Hito Steyerl, Anton Vidokle, and Arseny Zhilyaev

curator

Boris Groys 
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posted 12. Sep 2017

Lichtblicke. Zeitgenössische finnische Fotografie

03. Sep 201722. Oct 2017
Lichtblicke. Zeitgenössische finnische Fotografie Markus Henttonen - Pertti Kekarainen - Ola Kolehmainen - Anni Leppälä - Nelli Palomäki Eröffnung: Sonntag, 3. Sept. 2017, 18h Begrüßung: Dr. Birgit Möckel, Vorstandsvorsitzende Kunstverein KunstHaus Potsdam Grußworte: Noosha Aubel, Beigeordnete für Bildung, Kultur und Sport der Landeshauptstadt Potsdam Dr. Laura Hirvi, Leiterin des Finnland-Instituts in Deutschland, Berlin Einführung: Ritva Röminger-Czako, Kuratorin, Bonn Licht spielt in der Kunst des Nordens eine besondere Rolle. Von kühler Klarheit und Brillanz der lichten Mitsommer bis zu tiefster Dunkelheit der Polarnächte zeigt sich ein reiches Spektrum zwischen Hell und Dunkel, dessen Wirkung sich nicht zuletzt auch in der zeitgenössischen finnischen Fotografie entfaltet. Seit den 1990er Jahren spielt das Medium Fotografie neben dem Video in der Kunst Finnlands eine wesentliche Rolle. Längst wird die hohe Qualität im internationalen Kunstbetrieb wahrgenommen. Die finnische Fotografie präsentiert sich heute als ein reich gedeckter Tisch mit verschiedenen künstlerischen Strategien und Sichtweisen. Die Ausstellung LICHTBLICKE gibt einen Einblick in die vielfältigen Tendenzen der aktuellen finnischen Fotografie. Sie präsentiert exemplarisch Arbeiten unterschiedlicher Generationen, die alle eine wichtige Position in der finnischen Fotokunst einnehmen und darüber hinaus den Sprung auf die internationale Kunstbühne geschafft haben. Gemeinsam für die ausgewählten Arbeiten ist der meisterhafte und kühne Einsatz des Lichtes. Vielleicht ist es gerade dieses kühle und klare nordische Licht, das die Künstler und Künstlerinnen – bewusst oder unbewusst - inspiriert? Markus Henttonen zeigt in seiner jüngsten Serie „Twisted Tales – Road to Hope“ eine Vielfalt von Motiven. Die narrativen, teils dokumentarischen, teils inszenierten Arbeiten erinnern an Stills von Roadmovies. Dies wundert nicht, denn sie sind unterwegs auf mehreren Autotrips durch zufällige Begegnungen entstanden. Sie berichten über Ängste, Erinnerungen, Hoffnungen und Träume und lassen Raum für die persönlichen Geschichten des Betrachters. Das Thema von Pertti Kekarainen ist der Raum - dessen Eigenschaften und Mehrschichtigkeit- sowie die Mechanismen unserer Wahrnehmung. Seine großformatigen Arbeiten zeigen Innenräume, Eingangstüren, Durchblicke oder Treppen. Sie sind so raffiniert verfremdet, dass unsere herkömmliche Vorstellung von der Realität ins Schwanken gerät. Gezeigt werden Arbeiten der aktuellen Serie „Tila“, ein Begriff, der in der finnischen Sprache mehrere unterschiedliche Bedeutungen - wie Raum, Platz, Lage oder Zustand – hat. Das fotografische Interesse von Ola Kolehmainen gilt der Architektur. Allerdings geht es ihm nicht darum, Bauten mit ihren Außen- und Innenräumen im dokumentarischen Sinne festzuhalten. Ob Profan- oder Sakralarchitektur, der Künstler sucht in einem aufwendigen Arbeitsprozess einzelne Details, die mit Hilfe von Farbe und Lichte künstlerisch interpretiert werden. Die Motive für die monumentalen und minimalistischen Aufnahmen fand er in der europäischen Moderne. Seit einigen Jahren fokussiert er auch historische Sakralarchitektur im islamischen und jüdischen Kulturraum. Das Oeuvre von Anni Leppälä besteht aus meist inszenierten Einzelaufnahmen in unterschiedlichen kleineren Formaten. Ihre Bilder zeigen Interieurs, Landschaften, Menschen und Stillleben, die sie in Ausstellungen zu rätselhaften Wandinstallationen zusammenführt. Dabei kommunizieren die einzelnen Aufnahmen miteinander, vergleichbar den Strophen eines Gedichtes. Wichtiger Ausgangspunkt sind ihre eigenen Erinnerungen, vor allem aus der Kindheit. Es inspiriert sie auch die nordische Malerei des frühen 20. Jahrhunderts. Die Jüngste in der Ausstellung ist Nelli Palomäki. Sie richtet ihre Kamera auf Kinder und Jugendliche, die meist an der Schwelle zum Erwachsenwerden stehen. In ihren großformatigen, intensiven und sensiblen Schwarz-Weiß-Aufnahmen schauen die Protagonisten den Betrachter mit großer Ernsthaftigkeit an. In den klassisch anmutenden Porträts hält die Fotografin nicht nur die äußere Erscheinung der Dargestellten meisterhaft fest, sondern auch ihre innere Welt. Ausstellungsrundgang und Vortrag am Sonntag, 22.10.2017, 17h: Ritva Röminger-Czako: „Im Licht des Nordens. Die finnische Malerei des Goldenen Zeitalters 1880-1917“ Ausstellungsdauer: 3. September bis 22. Oktober 2017 In Kooperation mit dem Finnland-Institut in Deutschland, Berlin Öffnungszeiten: Di. 11-15h, Mi.-Fr. 11-18h, Sa. und So. 12-17h. Eintritt frei.
Kunstverein Kunsthaus Potsdam

KUNSTVEREIN KUNSTHAUS POTSDAM | Ulanenweg 9
14469 Potsdam

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posted 11. Sep 2017

WILLIAM ANASTASI

08. Sep 201714. Oct 2017
opening: 08. Sep 2017 18:00
WILLIAM ANASTASI Eröffnung im Rahmen des DC Open zum Saisonstart der Köln Düsseldorfer Galerien am 8. September 2017 zwischen 18 und 22 Uhr Ausstellung: 08.09.2017 - 14.10.2017 Wir freuen uns besonders, in dieser Schau zahlreiche Arbeiten auf Papier zu zeigen, die aus verschiedenen bedeutenden Werkgruppen des US-amerikanischen Konzeptkünstlers stammen. WILLIAM ANASTASI (*1933) gehört zu den Konzeptkünstlern der ersten Stunde und führt in den hier zusammengetragenen Werken grundlegende Ansätze der Konzeptkunst vor, die die Entstehung von Kunst auf alltägliche, ja banale Bedingungen zurückführt. Anastasis Subway Drawings, Walking Drawings oder Blind Drawings entstehen beim Gehen, bei Fahrten in der U-Bahn, oder mit verbundenen Augen. Die Pocket Drawings entstehen während Anastasi gedankenverloren auf einem zusammengefalteten Stück Papier in seiner Hose herumkritzelt, seine Aufmerksamkeit auf eine Meditationsübung oder die Betrachtung eines Films gerichtet. Der Künstler als solcher, in programmatischer Ablehung des traditionellen Bildes vom genialen Schöpfer, verweigert somit bewußt die gestalterische Einflussnahme, um sich stattdessen ablenkenden und sogar störenden Tätigkeiten zu überlassen. Der Künstler als solcher, in programmatischer Ablehung des traditionellen Bildes vom genialen Schöpfer, ist von Ohnmacht gekennzeichnet. Anastasi entbindet den künstlerischen Schöpfungsprozess von der Erfindungskraft und dem Einfallsreichtum des Künstlers. Nicht die von ästhetischen Erwägungen motivierte Kunst findet hier Ausdruck, sondern vielmehr eine unkontrollierbare, auf äußere Umstände zurückgeworfene Kunst.
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posted 10. Sep 2017

Antony Gormley: Still Moving

09. Sep 201726. Nov 2017
Antony Gormley: Still Moving 09.09.2017 - 26.11.2017 Organizer: Long Museum West Bund This will be the first major presentation of Antony Gormley’s work in China. At its core is Critical Mass II (1995) an installation of 60 life-size cast iron body forms. This seminal work has been widely exhibited in Europe, but this will be its first showing in Asia. Some of the body forms are installed in a linear progression, in positions from foetal to stargazing recalling the ‘ascent of man’.Some are suspended in arrested fall, others lie scattered across the space or form a jumbled pile.This multiple work celebrates the sculptural body as object and ground for feeling and engages our deepest hopes and fears; our attraction to light as well as to darkness. The exhibition also includes spatial works that attempt to create instruments of proprioception. Breathing Room (2012) is an environment made ofnesting photo-luminescent space frames all containing the same volume, but stretched in different directions. Ten minutes of darkness are interrupted by 40 seconds of blinding light. Its virtual, abstract architecture invites the viewer to look at it as an object and engage with it as a subject, providing both a soothing and confrontational experience. A new work, Passage II(2017),is a 15.5 metre-long tunnel, whose shape is modelled on a standing human form. It too is both object and experience, suggesting a correlative for the interior of the body and offering a journey into darkness and the unknown. Four additional suspended sculptures (2008 – 2012), function like drawings in space, each transforming mass into energy and object into field to reveal an open body-space at its core. In these dematerialised works the bodies are free and weightless – evoking a state of being rather than illustrating an action. Drawing has always been the fertile core of the artist’s work and this exhibition will include a wide selection of work on paper from 1981 – 2016. The drawings and prints exhibited here chart intimate movements of the hand andimpressions of the body and forms that result from an interaction between the behaviour of materials and intuition. The works possess an immediacy, range and intensity that is the result of immersion in time and substance. With Still Moving, Antony Gormley offers an exhibition which interacts with the unique architecture of the Long Museum to create a test site for both the work and the viewer, while introducing the major themes that have concerned him over the last 40 years: body as space and space as object. About the Artist Antony Gormley is widely acclaimed for his sculptures, installations and public artworks that investigate the relationship of the human body to space. His work has developed the potential opened up by sculpture since the 1960s through a critical engagement with both his own body and those of others in a way that confronts fundamental questions of where human beings stand in relation to nature and the cosmos. Gormley continually tries to identify the space of art as a place of becoming in which new behaviours, thoughts and feelings can arise. Gormley’s work has been widely exhibited throughout the UK and internationally with exhibitions at the National Portrait Gallery, London (2016); Forte di Belvedere, Florence (2015); Zentrum Paul Klee, Bern (2014); Centro Cultural Banco do Brasil, São Paulo, Rio de Janeiro and Brasilia (2012); Deichtorhallen, Hamburg (2012); The State Hermitage Museum, St Petersburg (2011); KunsthausBregenz, Austria (2010); Hayward Gallery, London (2007); Malmö Konsthall, Sweden (1993) and Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Denmark (1989). Permanent public works include the Angel of the North (Gateshead, England), Another Place (Crosby Beach, England), Inside Australia (Lake Ballard, Western Australia) Exposure (Lelystad, The Netherlands) and Chord (MIT – Massachusetts Institute of Technology, Cambridge, MA, USA). Gormley was awarded the Turner Prize in 1994, the South Bank Prize for Visual Art in 1999, the Bernhard Heiliger Award for Sculpture in 2007, the Obayashi Prize in 2012 and the PraemiumImperiale in 2013. In 1997 he was made an Officer of the British Empire (OBE) and was made a knight in the New Year’s Honours list in 2014. He is an Honorary Fellow of the Royal Institute of British Architects, an Honorary Doctor of the University of Cambridge and a Fellow of Trinity and Jesus Colleges, Cambridge. Gormley has been a Royal Academician since 2003. Antony Gormley was born in London in 1950.
Long Museum, Shanghai °

LONG MUSEUM, No.210, Lane 2255, Luoshan Road
Shanghai

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posted 09. Sep 2017

EMPFANGSHALLE ‚Wäsche’

09. Sep 201711. Nov 2017
opening: 08. Sep 2017 18:00
Ausstellungsort I: Galerie der DG Vernissage: Freitag, 8. September 2017, 18 bis 21 Uhr 19.30 Uhr, Begrüßung: Dr. Walter Zahner, 1. Vorsitzender Einführung: Benita Meißner, Kuratorin Die Künstler sind anwesend. OPEN art Samstag, 9. September 2017 Sonntag, 10. September 2017 11 bis 18 Uhr Gespräch What if? - Gedankenspiel eines alternativen Weltverlaufs mit Claudia Zeiske und Manaf Halbouni Mittwoch, 4. Oktober 2017, 19 Uhr Führungen Dienstag, 10. Oktober 2017, 18 Uhr Dienstag, 7. November 2017, 18 Uhr Lange Nacht der Museen Samstag, 14. Oktober, 19 bis 24 Uhr Musikalisches Programm Saskia Hirschinger und Johannes Välja, Klasse Prof. Wen-Sinn Yang, Hochschule für Musik und Theater 19.15 Uhr und 21 Uhr Künstlergespräch | Verleihung des Kunstpreises der DG Dienstag, 24. Oktober 2017, 19 Uhr Finissage Samstag, 11. November 2017 11 bis 15 Uhr Ausstellungsort II: St. Paul Eröffnung und TatOrtZeit-Gottesdienst mit Kunst-Betrachtung von Dr. Ulrich Schäfert Sonntag, 10. September 2017, 20.15 Uhr Lange Nacht der Museen Samstag, 14. Oktober 2017, 19 bis 24 Uhr Sound-Collage zur Kunstinstallation von und mit Peter Gerhartz und Axel Nitz Finissage und TatOrtZeit-Gottesdienst mit Kunst-Betrachtung Sonntag, 12. November 2017 20.15 Uhr * Im Rahmen der OPEN art eröffnet die Galerie der Deutschen Gesellschaft für christliche Kunst e.V. (DG), in Kooperation mit der Kunstpastoral der Erzdiözese München und Freising, die Ausstellung ‚Wäsche’ des Münchner Künstlerduos EMPFANGSHALLE. Partizipation von Dritten ist ein wesentlicher Bestandteil des künstlerischen Schaffens von Corbinian Böhm (*1966) und Michael Gruber (*1965), die seit 2000 unter dem Namen EMPFANGSHALLE zusammenarbeiten. Neben klassischen Skulpturen entstehen somit auch performative und ephemere Arbeiten, deren Verlauf das Unvorhersehbare durch die Interaktion der Menschen widerspiegeln. In der Galerie der DG sind neue Arbeiten der Künstler zu sehen, darunter eine Rauminstallation, Fotografien und eine Auswahl an Videoarbeiten. Ausgangspunkt der Ausstellung ‚Wäsche’ ist die Intention, zwei Orte im Zentrum Münchens, die nicht unterschiedlicher sein könnten, mit ihren gesellschaftlichen Realitäten zu verknüpfen: Die Kirche St. Paul und die Galerie der DG. EMPFANGSHALLE schafft dafür ein Bild. Gesammelt werden Kleider rund um St. Paul: Liturgische Gewänder, Altkleider der Gemeinde sowie Fundstücke obdachloser Wanderarbeiter, die unter anderem auf den Stufen des Kirchenportals schlafen. Diese Kleidungsstücke werden zusammen in einer in der Galerie aufgestellten Industriewaschmaschine gereinigt und als Rauminstallation zum Trocknen auf eine Wäscheleine gehängt. So entsteht ein buntes Wäschebild der Gesellschaft des Bahnhofsviertels in einer der teuersten Lagen Münchens, am Odeonsplatz. Der Kirchenraum in St. Paul wird mit den Waschvorgängen in der Galerie verbunden. Dazu projiziert EMPFANGSHALLE das Bild einer Waschmaschinentrommel auf das große gotische Rosetten-Fenster über dem westlichen Eingangsportal der Kirche. Besucher des Kirchenraums haben zudem die Möglichkeit, an einer großen gemeinsamen Waschstation Teil einer Videoarbeit zu werden, die als Projektion in der Galerie der DG zu sehen ist. Besonders im Kontext des sakralen Raums klingen hier vielfältige Assoziationen an: Reinigung, Umkehr, Versöhnung. Das Waschen aller Kleidungsstücke in einer Maschine erscheint wie die Umsetzung des Bibelzitates Levitikus 19,18 in Anlehnung an die Übersetzung von Buber/Rosenzweig "Liebe deinen Nächsten, denn er ist wie du.“ Alle Menschen sind miteinander verbunden in ihrer Kreatürlichkeit, ihren Hoffnungen, Wünschen, Nöten, Abgründen und eben in der Notwendigkeit, sich regelmäßig zu waschen und zu kleiden. Dieses kollektive Menschsein und das Teilen eines gemeinsamen Schicksals unterstreicht EMPFANGSHALLE in der Fotoserie ‚Betende Hände’, die in der Galerie der DG ausgestellt ist. Auf den Fotos stellen gefaltete beziehungsweise ineinander verschränkte Hände von jeweils zwei unterschiedlichen Personen das etwas überstrapazierte Motiv ‚Betende Hände’ von Dürer bewusst nach. Die Arbeiten strahlen durch die dargestellte Gestik, ihre Textur und Farbgebung eine versöhnliche Innigkeit, Sinnlichkeit und Harmonie aus, die auf den Betrachter tröstend und ausgleichend wirken und Hoffnung auf Verständigung wecken. In der öffentlichen Diskussion hingegen werden vielfach die Unterschiede zwischen den Menschen betont, nicht aber das sie Verbindende. In der Galerie der DG diskutiert EMPFANGSHALLE diese scheinbar unüberbrückbare Kluft zwischen den verschiedenen Lebenswelten in ihrer Zweikanal Videoinstallation ‚Gläubiger & Schuldner’ (2016). In dem Video begeben sich die Künstler an einen Ort, an dem sich Reichtum und Elend buchstäblich gegenüberstehen. Unweit des Münchner Hauptbahnhofs liegt die Abtei Sankt Bonifaz, ein zentraler Anlaufpunkt für Obdachlose. Auf der anderen Seite befinden sich die Lenbach Gärten, ein hochexklusives Gebäudeensemble. Dazwischen navigieren die Künstler in einer Endlosschleife, jeweils aus der entgegengesetzten Richtung kommend. Corbinian Böhm und Michael Gruber sind Preisträger des diesjährigen Kunstpreises der DG, der alle drei Jahre in den Bereichen bildende Kunst, angewandte Kunst und Baukunst vergeben wird. Der Preis zeichnet zeitgenössische Künstler, einzelne ihrer Werke oder ihr Gesamtoeuvre aus. Bei der Preisverleihung am 24. Oktober 2017 wird ein Künstlergespräch mit Dr. Ulrich Schäfert stattfinden.

artists & participants

Corbinian Böhm,  Empfangshalle,  Michael Gruber 

curator

Benita Meißner 
DG Deutsche Gesellschaft für christliche Kunst, München

DG Deutsche Gesellschaft für christliche Kunst e.V. | Finkenstraße 4
80333 Munich

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posted 08. Sep 2017

Talia Chetrit. POSER

08. Sep 201708. Oct 2017
opening: 08. Sep 2017 18:00
Talia Chetrit. POSER Sep 8th—Oct 8th, 2017 Opening Friday, Sep 8th, 2017, 6—10 pm In Poser Talia Chetrit takes her own archive as the subject of an exhibition. In this show she presents two rooms of staged photographs taken over a 23 year span as a contiguous body—portraits taken by Chetrit as a teenager of her friends, all aged 12-15 from 1994-1997, and three new self-portraits shot in 2017. In the first set of photographs we see crops of young girls’ faces, other girls in lackadaisical repose, two listlessly lying on a bed nude as well as more recent, provocative images Chetrit has taken of herself—donning only panty hose on her face or a plastic shirt, both in overly dramatized makeup. In a second set of photographs, Chetrit presents a series, also taken as a teenager in 1997, of a girl dressed in everyday clothes whom she has posed in various iterations of a violent murder scene. The work is possible within scalar and temporal shifts of representation that call the very processes of image making into question—framing and reframing the failures of her subjects’ intentions, of pretense and of appearing. Her preoccupation with the memory of those early shoots gives impetus to this show as something beyond ‘autobiography’, however. At the time, she—newly behind the lens as an artist—and her friends were enacting their burgeoning agencies through each other, as peers, sharing in the spectacle of these photoshoots; this—opposed to her present experience, in which she uses these same images of the girls, then more than half age that she is now, along side images of her adult self—elicits a potently perverse anachronism. We see structures of power and dynamics of relations, prescience of our younger selves, all stripped bare and redressed by turns. She has consistently, and by necessity, been concerned with the limits of the self-image and the implication of others in her practice. The forensic aspect of this work allows the artist to produce a double take on her own processes. The leaky, violent sophistication of the teen murder scenes alongside the almost clown level of makeup and ‘costuming’ --in both the images taken of her friends, and those she takes of herself--are leveled on a strange plane of equivalence. Like her previous shows, this work sits inside the unbounded intersections of staging and discovery, of human bodies, objects and meaning, which naturally emerge when photography is considered an act of performance—it's through this process that Chetrit continually reappraises her role as a photographer and that of photography itself. —Sahra Motalebi

artist

Talia Chetrit 
Sies + Höke, Düsseldorf

Poststr. 2 / Poststr. 3
40213 Dusseldorf

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posted 07. Sep 2017

Heimat|en. Rana Matloub

30. Jul 201708. Oct 2017
opening: 30. Jul 2017 12:00
Mit der Einzelausstellung der deutsch-irakischen Künstlerin Rana Matloub führt das Syker Vorwerk die Frage nach kultureller Identität fort, die bereits 2015 mit der Ausstellung „pieces“ von Jeanno Gaussi begonnen hat. Rana Matloub, die in Bagdad geboren ist und seit 27 Jahren in Deutschland lebt, widmet sich in ihrem künstlerischen Schaffen dem kulturellen Dazwischen, das sie durch ihre eigene Biographie selbst erlebt. Die Absolventin der Bildenden Kunst an der Kunsthochschule Kassel und Meisterschülerin von Norbert Radermacher versteht sich als deutsche Künstlerin und wird doch oft vor allem auf ihre irakische Herkunft angesprochen. Dies veranlasst sie in ihrem vielschichtigen Werk den Begriff Heimat zu hinterfragen. Der spielerische Ansatz, mit dem sie diese Frage angeht, macht ihr Werk so spannend. Es ist weder Verklärung noch Kritik an einer oder der anderen Kultur. Es ist ein Crossover, das eindeutige kulturelle Zuschreibungen überwinden will. Kein Suchen nach dem Entweder-oder, sondern ein Hinterfragen von kulturellen Grenzen schlechthin. Matloubs kulturelles Dazwischen ist von Widersprüchen geprägt – schwer auszuhalten, will man diese auflösen. Beginnt aber ein Spiel damit, wie in ihrem Werk, wird der Zwischenraum leicht erfahrbar – auch für die Betrachter, die sie in dieses Spiel mit einbindet. Dafür arbeitet Rana Matloub mit Installationen und Zeichnungen, die sie immer wieder variiert und zitiert. Sie verlässt das Blatt und zeichnet mit Materialien im Raum und bezieht den Ausstellungsraum mit ein. Vor Ort schafft die Künstlerin Stationen des Übergangs, des Abbruchs und Neuanfangs. So wird der Ausstellungsraum selbst zu einem Ort des Dazwischen. Ihre Zeichnungen wandeln sich in Texte, Erzählungen, Gedichte, die im Raum akustisch projiziert werden. Mit der Ausstellung möchte das Syker Vorwerk die Besucherinnen und Besucher nicht nur herausfordern, sich der Frage nach „Heimat|en“ zu widmen, sondern auch kulturelle Zuschreibungen und vermeintliche Eindeutigkeiten kritisch zu reflektieren. Die Ausstellung wird gefördert vom Landschaftsverband Weser-Hunte e.V. mit Mitteln des Landes Niedersachen. Das Skulpturenprojekt im Park wird außerdem unterstützt durch die Firma Voß + Sohn. Termine: Ausstellungseröffnung, 30. Juli 2017, 12 Uhr Einweihung der Plastik "Der größte gemeinsame Nenner" von Rana Matloub im Skulpturenpark, 20. August 2017, 15 Uhr

artist

Rana Matloub 

curator

Nicole Giese 
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posted 06. Sep 2017

Marianna Uutinen „WAIT LIGHT“

31. Aug 201728. Jan 2018
opening: 31. Aug 2017 18:00
Marianna Uutinen „WAIT LIGHT“ Ortsspezifische Rauminstallationen in der Kunst-Station im Hauptbahnhof Wolfsburg und in der Städtischen Galerie Wolfsburg Eröffnung am 31. August um 18 Uhr im Hauptbahnhof Wolfsburg 31. August 2017 bis 28. Januar 2018 Einladung zur Eröffnung der neuen Präsentation in der Kunst-Station im Hauptbahnhof Wolfsburg am Donnerstag, 31. August 2017 um 18 Uhr: Marianna Uutinen „WAIT LIGHT“ Ortsspezifische Rauminstallation In der Kunst-Station im Hauptbahnhof und in der Städtischen Galerie Wolfsburg zeigt die finnische Künstlerin Marianna Uutinen (*1961) neue Arbeiten. Schon seit ihrem Studium lotet Marianna Uutinen konsequent die Möglichkeiten der ungegenständlichen Malerei aus. Ihre intensive Auseinandersetzung mit diesem traditionellen Medium führt weit über herkömmliche Techniken hinaus und eröffnet der so häufig totgesagten Malerei neue Perspektiven. Die von ihr entworfenen Farbräume und Farbkörper oszillieren zwischen Beinahe-Monochromie und teilweise gewagter Buntheit, zwischen Opulenz und prägnanter Kargheit, Spontaneität und Kalkül, Bewegung und Ruhe, Fläche und Raum. Das Ergebnis ist ein dichtes, vielfältiges und in der Erinnerung nachwirkendes Erlebnis der Malerei. Für die Erstellung ihrer Arbeiten löst Marianna Uutinen in Acryl angelegte Farbschichten von der Leinwand und bringt sie wie eine zarte Haut auf neue Leinwände auf. Mehrere Schichten werden übereinandergelegt. Dabei negiert jede neue Schicht die vorangegangene, die aber immer noch durchscheint. Uutinen gelingt eine Doppelerscheinung von Verbergen und Enthüllen. In der Kunst-Station verlässt Marianna Uutinen das geschlossene klar abgegrenzte Bildsystem Leinwand und stellt einen Bezug zu der umgebenden Architektur her. Indem Farbe in den Umraum hineingreift, verliert sie den Schutz der autonomen Bildgrenze und mischt sich in fremde Zusammenhänge ein. Das Resultat dieser entgrenzten, entfesselten Malerei ist gleichsam ein begehbares Bild. Die Begegnung mit Uutinens Malerei im Hauptbahnhof ist für die Betrachter eine körperliche Herausforderung. Sie integriert das Publikum in ein ästhetisches Geschehen, das auch die Architektur einbindet. Wahrnehmung und Erkenntnis werden freigesetzt und Modelle und Versionen der Welt verhandelbar. Die zweite Präsentation findet vom 31. August 2017 bis zum 28. Januar 2018 im musealen Umfeld der Städtischen Galerie Wolfsburg im Schloss Wolfsburg statt. Eine Ausstellung in Zusammenarbeit mit der Deutschen Bahn, der Neuland Wohnungsgesellschaft und der Galerie carlier | gebauer. Mit freundlicher Unterstützung durch den Lüneburgischen Landschaftsverband. Ausstellungsorte: Kunst-Station im Hauptbahnhof Wolfsburg Willy-Brandt-Platz 3 38440 Wolfsburg Städtische Galerie Wolfsburg Schloss Wolfsburg Schlossstraße 8 38448 Wolfsburg Telefon +49.5361.28 10 10/12/17, Fax +49.5361.281025 staedtische.galerie@stadt.wolfsburg.de www.staedtische-galerie-wolfsburg.de www.facebook.com/StaedtischeGalerieWolfsburg
Städtische Galerie Wolfsburg

STÄDTISCHE GALERIE IM SCHLOSS WOLFSBURG | Schlossstraße 8
38448 Wolfsburg

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posted 05. Sep 2017

Das Ereignis eines Fadens / The Event of a Thread

02. Sep 201728. Jan 2018
opening: 01. Sep 2017 18:30
THE EVENT OF A THREAD / DAS EREIGNIS EINES FADENS 1. Sep – 3. Dez 2017 VORSCHAU / ERÖFFNUNG: Fr, 1. September 2017, 18.30 Uhr Orte: Kunsthaus Dresden, Kunstgewerbemuseum Schloss Pillnitz, Stadtraum GLOBALE ERZÄHLUNGEN IM TEXTILEN Eine Ausstellung des ifa (Institut für Auslandsbeziehungen), Stuttgart. Kuratiert von Susanne Weiß in Zusammenarbeit mit Inka Gressel (ifa). ERÖFFNUNG UND KOLLOQUIUM DAS EREIGNIS EINES FADENS Zur Eröffnung der Ausstellung der ifa- Tourneeausstellung Das Ereignis eines Fadens /The Event of a Thread - Globale Erzählungen im Textilen im Kunsthaus Dresden am Freitag, den 1. September und einem anschließendem Kolloquium der Künstler_innen zu Hintergründen und Kontexten ihrer Werke in der Hochschule für Bildende Künste laden wir herzlich ein! Die Eröffnung der Ausstellung zu globalen Erzählungen im Textilen, kuratiert von von Susanne Weiß und Inka Gressel, bildet den Auftakt der Ausstellung und des Veranstaltungsprogrammes in Kooperation mit der Hochschule für Bildende Künste, dem Kunstgewerbemuseum Pillnitz, dem Kulturhauptstadtbüro der Landeshauptstadt Dresden und zahlreichen weiteren Partnern. Das Kolloquium Das Ereignis eines Fadens beleuchtet die thematischen Zusammenhänge innerhalb der Ausstellung. Mit Ulla von Brandenburg, Andreas Exner, Uli Fischer, Zille Homma Hamid, Heide Hinrichs, Olaf Holzapfel, Christa Jeitner, Elisa van Joolen & Vincent Vulsma, Eva Meyer & Eran Schaerf, Karen Michelsen Castañón, Judith Raum und Anette Rose Im Mittelpunkt der neuen ifa-Tourneeausstellung steht das Textile und die Frage danach, welche Bedeutungen und Botschaften es in sich trägt – welchen kulturellen Stellenwert es besitzt – und wie sich Textiles ›lesen‹ lässt. In Textilien berühren sich Tradition und Gegenwart, Kunst und Kunsthandwerk, treffen lokale Formen des Wissens und globale Beziehungen aufeinander. In ihnen verknüpfen sich persönliche und ästhetische Geschichten mit jenen über die sozialen und ökonomischen Verhältnisse in einer globalisierten Welt. Es gibt kaum eine Region, in der sich das Textile nicht vielschichtig in die Kultur- und Industriegeschichte eingeschrieben hätte. So erzählt ein Stoff auch davon, welche Materialien wann und wo wichtig wurden, wie Techniken und Formen migrierten und sich weiterentwickelten. Die Ausstellung zeigt den vielschichtigen Umgang der eingeladenen Künstlerinnen und Künstler mit den Eigenschaften von Gewebe und hebt mit ihrer Auswahl sowohl die transkulturelle Dimension als auch die Verwobenheit des Materials mit zeitgenössischen Fragestellungen. Die Bauhaus-Künstlerin Anni Albers beschrieb 1965 »das Ereignis eines Fadens« als etwas multilineares, ohne Anfang und Ende. Eine Möglichkeit, Beziehungen und Zusammenhänge immer wieder neu zu betrachten und strukturieren zu können. Diesen neu-ordnenden Blick entfalten die in der Ausstellung versammelten Objekte, Installationen und Videoessays. Die Werke zeigen dabei auch immer, wie das Textile mit den unterschiedlichsten Aspekten unseres Lebens verbunden ist. Der Bauhausraum Die Künstlerin Judith Raum wurde vom ifa eingeladen, sich mit der Geschichte der historischen Textilwerkstatt am Bauhaus auseinanderzusetzen und sich auf die Suche nach den losen Enden zu machen – sie machte erstaunliche Funde. In neun Kapiteln wird die außergewöhnliche Erfolgsgeschichte der Weberei veranschaulicht. Dabei sprechen insbesondere die Stoffe selbst: Neu gewebte Annäherungen an Gebrauchsstoffe des Bauhauses können betrachtet und ertastet werden. Sie erzählen davon, wie die einzelnen Weberinnen eine ausgeprägt künstlerische Auffassungs- und Arbeitsweise mit handwerklichem Können verbanden. Konzept: Judith Raum in Zusammenarbeit mit Jakob Kirch, Pascal Storz und den Architekten s.t.i.f.f. Verflechtungen vor Ort Die ifa-Ausstellung trifft bei ihrer Premiere in Dresden auf eine lebendige Auseinandersetzung im Umgang mit dem Motiv des Textilen. Sechs Künstler und Künstlerinnen spinnen die Ausstellung in die Textur der Stadt ein und lassen Gemeinsamkeiten lokaler und globaler Traditionen in neuem Licht erscheinen. Eine Satellitenausstellung sowie Workshops thematisieren die Migration von Wissen durch Weitergabe im Textilen. The Event of a Thread / Das Ereignis eines Fadens – Globale Erzählungen im Textilen. Eine Ausstellung des Instituts für Auslandsbeziehungen (ifa), Stuttgart Kuratiert von Susanne Weiß in Zusammenarbeit mit Inka Gressel (ifa) Die Verflechtungen vor Ort finden in Zusammenarbeit mit dem Kunstgewerbemuseum/ Staatliche Kunstsammlungen Dresden statt. Kuratiert von Christiane Mennicke-Schwarz in Zusammenarbeit mit Daniela Hoferer. Das Veranstaltungsprogramm findet in Zusammenarbeit mit der Hochschule für Bildende Künste Dresden und dem Maxim Gorki Theater statt. Es wird von der Kulturstiftung des Freistaates Sachsen und der Robert Bosch Stiftung gefördert. Die Veranstaltungen und Workshops werden unter anderem in Zusammenarbeit mit dem Kulturhauptstadtbüro der Landeshauptstadt Dresden durchgeführt. Ulla von Brandenburg, Noa Eshkol, Andreas Exner, Uli Fischer, Zille Homma Hamid, Heide Hinrichs, Olaf Holzapfel, Christa Jeitner, Elisa van Joolen & Vincent Vulsma, Eva Meyer & Eran Schaerf, Karen Michelsen Castañon, Judith Raum, Franz Erhard Walther Verflechtungen vor Ort – Ausstellungen, Performances / Aktionen / Workshops Christa Jeitner, Constanze Nowak, Anette Rose, Anna Schapiro/ Theresa Schnell, Lara Schnitger, Raul Walch
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posted 04. Sep 2017

Claire Fontaine, Fabian Herkenhoener, Martin Soto Climent, Tris Vonna-Michell

05. Aug 201709. Sep 2017
opening: 05. Aug 2017 15:00
t twoninethree in-residence at Luciana Brito Galeria Claire Fontaine, Fabian Herkenhoener, Martin Soto Climent, Tris Vonna-Michell 5 August – 9 September, 2017 Opening 5 August, 15 pm Luciana Brito Galeria, Av. Nove de Julho, 5162 – Jardim Europa, São Paulo The ambiguous relationship between appropriation, authorship and ready-made object and the equally delicate one between language, personal narrative and collective history: these are the themes that Claire Fontaine, Fabian Herkenhoener, Martin Soto Climent and Tris Vonna-Michell will examine in the exhibition ’t twoninethree in-residence at Luciana Brito Galeria’. In Claire Fontaine’s works, the denial of authorship and originality is asserted through the appropriation and re-elaboration of symbols, objects and images of the contemporary art culture with the aim of investigating the consequences of Capitalism on our society. Surely one of the most iconic artworks by the Paris-based collective, Via Tribunali 293, 22.03.2010 is the copy of the keys of the historical Neapolitan venue of the gallery: the decision to exhibit these ordinary objects in a different gallery and potentially available to anyone, translates the intention of using art as a device for the analysis and critique of socio-political issues such as the concept of private property. In God They Trust it’s a U.S. quarter that has been cut in half and outfitted with a folding box cutter blade. Not detectable by security controls it becomes a weapon that, despite being simple and small, feeds a paranoid fear of a potentially omnipresent violence. Written text is another crucial element in the artistic practice of Claire Fontaine who, coherently with her social critique, presents the text May Our Enemies Not Prosper written on the occasion of another exhibition, held in another gallery in 2016, revolving around the themes of violence and the refugee crisis. Authorship is also a key word in the practice of Fabian Herkenhoener, who decided to confront it through the literary technique of the ‘cut-up’. Proposed for the first time by poet Tristan Tzara during a surrealist rally in the 1920s, it consists in the deconstruction of a primary text using the random cutting up of words and phrases to form new sentences with a new logical sense. Herkenhoener’s interpretation of this technique leads to a ‘processing text’, an expression he invented to explain his artistic research in which a random language is enriched by a biographical dimension (since he is the author of some of the original texts) and by a visual one where words and phrases take geometric forms or invade the canvas as grid-like structures that are meant to emphasize the mental and emotional dynamics that generated them. On the occasion of this show, Herkenhoener will create wall-based works using texts he has been writing during a trip in California and Mexico on his way to São Paulo. In his surrealist-like creations Mexican artist Martin Soto Climent exploits the transformative potential of everyday objects and found materials to create new poetic forms in which these elements assume a new and deeper symbolic role. Through conceptual artistic strategies such as appropriation and juxtaposition, these objects are gently reassembled into collages, installations and sculptures that, in their simplicity, appear ready-made. Soto Climent’s amazing skill of interpreting the site-specific and conferring softness and sensuality to objects through minimal intervention takes shape through wall-based works where old clothes become pictorial tools and act as colors, lines and geometries on the surface of the canvases. New ways of interacting with reality to suggest new perspectives. Though many of the works by Tris Vonna-Michell have clearly autobiographical traits, these are not employed in order to authenticate or legitimize the wroks but rather assist in anchoring the multifaceted socio-political and cultural-historical constellations in which certain imagineries can be produced. A consummate storyteller, Vonna-Michell elaborately constructs tales that include historical research and social observation filtered through personal adecdotes. His works are always context-specific and are constantly modified through slights interventions to create what he terms a ‘narrative of the form’. The version of Registers specifically created for this exhibition consists of an animated sequence of slides taken during a trip to Japan in 2008. All slides were taken in transient spaces such as underpasses, viaducts, stations, docks and are re-assembled into an anachronistic narrative which forces the viewer to move constantly backwards and forwards in time. The unmistakable, fast-moving voice of the artist accompanies the sequence of images along with a soundtrack which is the result of a montage of musical compositions by Antwerp-based artist/musician Jan Matthé. t twoninthree in-residence at Luciana Brito Galeria is the second stage of a successful collaboration with the Brasilian gallery that held an exhibition in Rome in June 2017 presenting works by Héctor Zamora, Pablo Lobato and Rafael Carneiro.
Luciana Brito Galeria, Sao Paulo °

Rua Gomes de Carvalho, 842
04547-003 Sao Paulo

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posted 03. Sep 2017

moving is in every direction. Environments – Installationen – Narrative Räume

17. Mar 201717. Sep 2017
Die Ausstellung „moving is in every direction. Environments – Installationen – Narrative Räume” zeichnet die Geschichte der Installationskunst von den 1960er-Jahren bis heute nach mit dem Fokus auf erzählerischen Strukturen. In der Bewegung durch den Ausstellungsparcours erschließen sich die BesucherInnen begehbare, raumgreifende Environments, Video- und Soundinstallationen sowie eigens entstandene medienübergreifende Werke. Ein Ausgangspunkt für die Erkundung der skulpturalen Anordnungen, Bildfolgen oder räumlich inszenierten Narrationen ist die von Gertrude Stein propagierte nicht-lineare Erzählstruktur, auf die der Ausstellungstitel verweist. Auf ca. 3.500m2 Ausstellungsfläche werden u.a. Werke von Joseph Beuys, Marcel Broodthaers, Peter Fischli/David Weiss, Isa Genzken/Wolfgang Tillmans, Bruce Nauman, Susan Philipsz, Pipilotti Rist, Bunny Rogers, Gregor Schneider, Thomas Schütte, Christopher Kulendran Thomas und Wolf Vostell gezeigt. Historisch bewegt sich die Ausstellung von Allan Kaprows 1958 eingeführten „Environments“ über die „Situations“ von Dan Flavin oder Wolf Vostells „Räume“ der 1960er- und 1970er-Jahre bis hin zu der in den 1980er-Jahren etablierten „Installation Art“. Der bis in die Gegenwart geltende Begriff „Installation“ setzte sich als Bezeichnung für eine den gesamten Raum gestaltende künstlerische Arbeit durch, wobei die jüngste Künstlergeneration physischen und virtuellen Raum verbindet. Als „Narrative Räume“ eröffnen die aktuellen Entwicklungen der installativen Kunst utopische Entwürfe über das gesellschaftliche Zusammenleben. „moving is in every direction. Environments – Installationen – Narrative Räume” zeigt Werke aus der Sammlung der Nationalgalerie, der Friedrich Christian Flick Collection im Hamburger Bahnhof, der Sammlung Marx, der Haubrok Foundation sowie ausgewählte Leihgaben. Neben temporär präsentierten Exponaten sind permanent installierte Arbeiten von Dan Flavin, Joseph Beuys, Robert Kusmirowski und Bruce Nauman Teil der Ausstellung, genauso wie ein anlässlich der Ausstellung wieder zugänglich gemachtes Werk von Gregor Schneider im Westflügel des Erdgeschosses. Kuratiert von Anna-Catharina Gebbers und Gabriele Knapstein / Kuratorische Assistenz: Ina Dinter.
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posted 02. Sep 2017

Nick Brandt. Inherit the Dust

20. May 201703. Sep 2017
Nick Brandt. Inherit the Dust The Multimedia Art Museum, Moscow presents ‘Inherit the Dust’, a new project by the celebrated British photographer Nick Brandt. Nick Brandt was born and raised in London. After studying painting and cinematography at St. Martin’s School of Art he made a successful career as a director of music videos. In the early 90s he moved to the USA, where he worked with Michael Jackson and Moby. Nick Brandt first visited Tanzania in 1995, while filming a clip for Jackson’s ‘Earth Song’, which is dedicated to protection of the environment. That trip radically changed Brandt’s life: he fell in love with the natural world of Africa and decided to devote himself to photography. ‘Few photographers have ever considered the photography of wild animals as an art form,’ explains Nick Brandt. ‘The emphasis has generally been on capturing the drama of wild animals in action, on capturing that dramatic single moment, as opposed to simply animals in the state of being... My aim is for the images to go beyond the animal documentary genre and reach the arena of fine art photography. To achieve this I eschew action shots and, most importantly, the use of a telephoto lens. Instead I move in close, often taking photos from a few feet away.’ The first series of photographs created by Nick Brandt in East Africa in 2000 attracted public attention to his work and to the important issues he raises. Solo exhibitions of Brandt’s images in London, New York, Los Angeles, Sydney, Melbourne and San Francisco from 2004 to 2006 have been highly acclaimed. Brandt first conceived the project ‘Inherit the Dust’ in 2014. Previously unpublished portraits of wild animals were printed in large format, pasted on panels and installed in locations where these animals once roamed but have now been wiped out due to human greed and indifference. Nick Brandt then photographed the panels, combining urban landscapes and animal images in a single frame. The exhibition is comprised of 19 photographs with titles that provoke a sense of dissonance in the viewer: ‘Wasteland with cheetahs and children’, ‘Factory with chimpanzee’, ‘Construction site with rhinos’, ‘Quarry with elephant’, ‘Road to factory with zebra’, ‘Railway line with lioness’, and so on. These animal pictures reminiscent of classic portrait paintings have been inserted in the threatening landscapes of urban outskirts and industrial zones, underscoring the extraordinary fragility of a world that is slowly but inexorably vanishing under the influence of man. ‘In nearly all the final photographs the panels with animal images are practically invisible to the people who walk around them. The animals have become the ghosts of these shattered landscapes,’ says Nick Brandt. ‘It may be a cliché, but we urgently need to do something. If we continue to do nothing, future generations will be inheriting the sad remnants of a once-vibrant living planet. They will be inheriting dust.’

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Nick Brandt 
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