daily recommended exhibitions

posted 09. Apr 2021

Gabriella Hirst. Darling Darling

11. Feb 202130. May 2021
Gabriella Hirst. Darling Darling Ian Potter Moving Image Commission 2020 February 11–May 30, 2021 ACMI and The Ian Potter Cultural Trust are excited to announce the world premiere of Darling Darling, by Gabriella Hirst, as the first solo art exhibition in the new ACMI. Darling Darling is a two channel video installation exploring hierarchies of care, romanticism and the enduring colonial gaze upon the Australian landscape and the devastation of Australia’s third largest waterway, the Barka Darling River. The installation presents two contrasting perspectives of the same body of water: the detailed work by art conservators to restore the 19th century painting, The flood in the Darling, 1890, by colonial painter WC Piguenit, and the environmental crisis facing the Barka Darling today, as a result of drought, climate change, and severe water mis-management. Presented simultaneously, the sounds from these two contrasting locations leak into one another, blurring the boundaries between these two seemingly distinct treatments of care and implicating the viewer in the contradictions of the Gallery. The film is a timely investigation into the nature of environmental care and neglect, scrutinising the colonial gaze on Country and the relationship between pictorial framing and ecological destruction. Darling Darling was filmed at various sites on Barkindji Country, under the guidance of Barkindji Elder Uncle Badger Bates, and on the sovereign lands of the Gadigal at the Art Gallery of NSW (AGNSW). Darling Darling is the result of Australia's most significant commission for moving image art, the Ian Potter Moving Image Commission (IPMIC), an initiative of the Ian Potter Cultural Trust and ACMI. Hirst's 2020 commission follows previous recipients who include Angelica Mesiti, (2013) and Daniel Crooks (2016). To explore more about Gabriella Hirst's Darling Darling, visit here to view supporting content about her work including essays and videos. About Gabriella Hirst Gabriella Hirst (she/her) is an artist. She was born and grew up on Cammeraygal land (Australia) and is currently living between Berlin and London. She works primarily with moving image, performance, and with the garden as a site of critique and care. Gabriella’s practice and research explores connections between various manifestations of capture and control—spanning plant taxonomies, landscape painting, art conservation and nuclear history. Credits: Producer: Bridget Ikin DoP Barka-Darling River: Meg White DoP AGNSW: Justine Kerrigan Film editor: Sam Smith Sound recordist: Daniel Miau Sound editor: Liam Egan Barkandji consultant: Uncle Badger Bates Regional liaison/location manager: Justine Muller Production coordinator: Mia Timpano Production assistant: Lesley Holland Videographer AGNSW: Christopher Snee Camera assistant: Cameron Dunlop Sections of the work were filmed by permission at the Art Gallery of New South Wales (AGNSW) in close collaboration with Conservators Paula Dredge, AGNSW Head of Painting Conservation, Andrea Nottage, Painting Conservator and Barbara Dabrowa, AGNSW Senior Conservator of Fine Arts – Frames.
ACMI - Australian Centre for the Moving Image, Melbourne

ACMI | Federation Square, Flinders St
VIC 3000 Melbourne

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posted 08. Apr 2021

SHIMABUKU 
- The 165-metre Mermaid and Other Stories

19. Feb 202103. Oct 2021
The exhibition The 165-metre Mermaid and Other Stories stems from a mediaeval Japanese legend and unfurls in the manner of an epic poem. It tells of the artist’s adventures and encounters as he goes with the flow, roving between his native Japan and Monaco via Brazil, Australia and many other lands. Freely combining performance, land art, music and cooking, Shimabuku’s poetic actions are forever spinning new tales. His texts, which form the narrative thread of the exhibition, interweave installations, films, sculptures and photographs executed over the past thirty years. Shimabuku was born in Kobe in 1969. He studied at the Osaka College of Art then at the San Francisco Art Institute before moving to Berlin in 2004 and living there for 12 years. Since 2016 he has lived in Naha on the Southern Japanese island Okinawa, where his family comes from. From older works conceived in the Kobe region, which he happily compares topographically to the Riviera, to his latest installations produced in Monaco, Shimabuku develops a practice inspired by the profound attention he pays to his environment. On his travels, he makes elements of the landscape or popular culture into his own, leading experimental poetic actions that combine humour, performance, music or cooking. On a visit to Fukuoka he discovered the legend and relics of a mermaid whose body was 165 metres long and decided to make this story his own and expand it, buying a long rope also 165 metres long. Taken around the world, this rope brings him closer to the fish-woman and becomes a vector linking fiction to reality, past to present and Japan to the different countries where the work is presented. Acquired by the Nouveau Musée National de Monaco in 2018, the installation I’m travelling with 165-metre Mermaid (1998–ongoing) forms the starting point for the exhibition and is enriched by the presence of artefacts produced in Monaco by different craftspeople invited in turn to make this story into a work of their own. Each of Shimabuku’s work can be seen as a poetical-philosophical experience, questioning our relationship with otherness and engaging with an individual or collective action of care and attention. Initiated on Norihama beach following the tsunami in 2011, the installation Erect has been made into a new specific production created in Monaco following the poem-protocol established by the artist. Put things upright. Lift things lying on the ground. Stand the trees and rocks scattered on the beach vertically. Working in numbers, we will put numerous things upright. Pooling our energy, we will try to lift the large trees. And maybe we will lift something in our hearts too. (Shimabuku) The exhibition The 165-metre Mermaid and Other Stories will be accompanied by a catalogue published jointly by the NMNM and the Berlin publisher Manuel Raeder (Bom Dia Books). This major monograph of Shimabuku’s work will feature previously unpublished texts by Nicolas Bourriaud, Claire Le Restif and Rirkrit Tiravanija.

artist

Shimabuku 

curators

Celia Bernasconi 
Nouveau Musée National de Monaco

NOUVEAU MUSÉE NATIONAL DE MONACO | 56, boulevard du Jardin Exotique
MC 98000 Monaco

Monacoshow map
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posted 07. Apr 2021

Schule der Folgenlosigkeit

06. Nov 202009. May 2021
Schule der Folgenlosigkeit Übungen für ein anderes Leben 6. November 2020 bis 9. Mai 2021 Ein Projekt von Friedrich von Borries Wie sähe ein Leben aus, das – im ökologischen, aber auch im virologischen Sinne – möglichst folgenlos bleibt? Könnte Folgenlosigkeit ein neues regulatives Ideal werden, wie Freiheit, Gerechtigkeit und Gleichheit, unerreichbar, aber dennoch erstrebenswert? Welche Auswirkungen hätte ein solches Streben auf die materielle und immaterielle Gestaltung unseres Alltags, auf die Wirtschafts- und Sozialordnung, auf unseren Glauben und auf die Art, wie wir miteinander umgehen? Und welche Vorbilder lassen sich für ein solches Leben in Gegenwart und Geschichte finden? Diese Fragen stellt die Schule der Folgenlosigkeit, ein künstlerisch-diskursives Projekt von Friedrich von Borries im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MK&G). Von Borries verknüpft Sammlungsobjekte mit einem eigens für die Ausstellung eingerichteten „Selbstlernraum“ so, dass eine neue Perspektive auf „Nachhaltigkeit“ entsteht und vermeintlich allgemeingültige Vorstellungen eines „richtigen Lebens“ hinterfragt werden. Besucher*innen können hier im Selbstversuch Entscheidungen abgeben, ihre Hände in Unschuld waschen oder sich im Nichts-Tun üben. Ein digitales Begleit- und Diskursprogramm in Form einer App sowie das Stipendium für Nichtstun ergänzen das Projekt. Im Rahmen der Ausstellung wird das Stipendium für Nichtstun vergeben, deren Bewerber*innen in der Ausstellung gezeigt werden. Ein diskursive Bildungsprogramm in Form einer App ergänzt das Projekt. Der Selbstlernraum in der ehemaligen Aula des MK&G ist der zentrale Ort der Schule der Folgenlosigkeit. In dieser raumgreifenden Installation erproben sich Besucher*innen spielerisch in möglicher Folgenlosigkeit – und konfrontieren sich mit den daraus erwachsenden Konsequenzen. In abwechslungsreichen Übungen wie Entscheidung abgeben, Sorge tragen oder Nichts-Tun liefern sie sich dem Zufall am Glücksrad aus, waschen ihre Hände in Unschuld oder üben sich im Warten. Das Schaudepot zeigt ausgewählte Objekte aus dem MK&G, die als Werkzeuge und Ausrüstungsgegenstände einer nach Folgenlosigkeit strebenden Gesellschaft verstanden werden können. So zeugen etwa Astragale (aus Schafsknochen gefertigte Spielsteine) davon, wie im antiken Griechenland der Zufall in die Entscheidungsfindung mit einbezogen wurde. Indonesische Amulette aus dem 19. Jahrhundert sollen vor Kontakt mit sogenannten Dschinen schützen: Diese unsichtbaren Wesen können, so die magisch-religiöse Vorstellung, durch menschliches Handeln Schaden nehmen und Rache suchen. Interventionen in die bestehenden Sammlungspräsentationen des MK&G eröffnen weitere Perspektiven auf historische Vorläufer eines folgenlosen Lebens. So wird beispielsweise an einer chinesischen Tee-schale mit Goldlack-Reparatur (12./13. Jahrhundert) im Bereich Ostasien gezeigt, dass Zerstörung nicht immer negative Folgen haben muss. Die japanische kintsugi-Technik entfaltet eine ganz eigene Ästhetik, die den Wert des wiederhergestellten Objektes sogar steigern kann.   Die Schule der Folgenlosigkeit schreibt außerdem ein „Stipendium für Nichtstun“ aus. Für die drei zu vergebenden Stipendien, die jeweils mit 1.600 Euro dotiert sind, können sich alle Interessierten ab sofort bis zum 15. September 2020 bewerben. Die Entscheidung der Jury, der u.a. der Philosoph Armen Avanessian (bekannt durch seine Theorie der Beschleunigung) angehört, wird zum Beginn der Ausstellung verkündet. Weitere Informationen unter www.hfbk-hamburg.de. Die politischen, technischen, ökonomischen und ästhetischen Dimensionen von Folgenlosigkeit mitsamt ihrer Ambivalenz und Widersprüchlichkeit werden von Friedrich von Borries und dem österreichischen Filmemacher Jakob Brossmann in begleitenden Filmen reflektiert. Eine vom Berliner Künstlerkollektiv Refrakt entwickelte App führt in Form eines Spiels durch die Ausstellung und stellt Exponate und Übungen vor. Darüber hinaus hält sie vertiefende Inhalte wie Filmbeiträge oder Expert*inneninterviews zur Ausstellung bereit. Friedrich von Borries (*1974) ist Architekt und seit 2009 Professor für Designtheorie an der Hochschule für bildende Künste Hamburg (HFBK). Sein Berliner Projektbüro Friedrich von Borries agiert im Spannungsfeld von Architektur, Design, Kunst und Stadtentwicklung. 2010 kuratierte er die Ausstellung Klimakapseln. Überlebensbedingungen in der Katastrophe im MK&G. Die Schule der Folgenlosigkeit ist eine Initiative der HFBK Hamburg in Kooperation mit dem MK&G. Die Schule der Folgenlosigkeit wird gefördert durch die Behörde für Wissenschaft, Forschung, Gleichstellung und Bezirke der Freien und Hansestadt Hamburg (BWFGB), die Hamburg Open Online University (HOOU), die Friede Springer Stiftung, die Kursbuch Kulturstiftung sowie die Leinemann Kunststiftung Nikolassee und unterstützt von der Hamburg Innovation GmbH. Weitere Partnerinnen sind die Katholische Akademie Hamburg sowie die Evangelische Akademie der Nordkirche. Das diskursive Bildungsprogramm ist eine Kooperation zwischen der Bundeszentrale für politische Bildung und der HFBK Hamburg.
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posted 06. Apr 2021

Voluspa Jarpa. Syndemic Studies

20. Mar 202114. May 2021
Voluspa Jarpa. Syndemic Studies Kuratiert von Tiago de Abreu Pinto Eröffnung: Samstag, den 20. März 2021, 16-21 Uhr Laufzeit: 20. März bis 14. Mai 2021 Voluspa Jarpa, Gewinnerin des neuen Julius Baer Art Prize for Latin American Female Artists präsentiert erste Solo Show in Berlin NOME freut sich, die Einzelausstellung Syndemic Studies von Voluspa Jarpa ankündigen zu können, kuratiert von Tiago de Abreu Pinto. Syndemic Studies ist die Studienphase des Projekts SINDEMIA, mit dem Jarpa den ersten Julius Baer Art Prize for Latin American Female Artists, gewonnen hat, in Zusammenarbeit mit dem Modern Art Museum in Bogota - MAMBO (2021). Der Begriff “syndemisch” wurde in den 1990er Jahren im Bereich der medizinischen Anthropologie eingeführt, um die synergetische Natur von Krankheiten zu beschreiben, d.h. wie eine Erkrankung mit anderen Krankheiten interagiert. In Syndemic Studies diagnostiziert Jarpa die vielfältigen, miteinander verflochtenen Krankheiten, von denen ihr Heimatland Chile derzeit betroffen ist. Zwischen Oktober 2019 und Juni 2020 erlebten die Bürger Chiles eine Krise nach der anderen. Eine soziale Revolte breitete sich auf den Straßen der Städte des Landes aus, die durch eine Erhöhung der U-Bahn-Tarife ausgelöst wurde, sich aber schnell auf breitere Themen im Zusammenhang mit wirtschaftlicher und sozialer Ungleichheit ausweitete. Als “social outbreak” (dt.: sozialer Ausbruch) bezeichnet — ein Begriff, der typischerweise bei der Ausbreitung von Krankheiten verwendet wird — brachten die Versammlungen, die im öffentlichen Raum stattfanden, neue Konstellationen dessen hervor, was die Theoretikerin Ariella Azoulay "die zivile Sprache der Revolution" nennt. Bestehend aus einer Reihe von Gesten, Bewegungen, Zeichen, Klängen und Bildern, die zeitgenössische geopolitische Grenzen sowohl transzendieren als auch untergraben, kann diese Sprache von jedem gesprochen werden, "aber niemals allein, ihre Aussagen werden von vielen und durch viele gemacht." Voluspa Jarpa greift auf das visuelle Vokabular dieses sozialen Schocks zurück, um eine Reihe neuer Arbeiten zu schaffen, die die Sprachen von Macht und Widerstand erforschen. Luftgewehrkugeln, mit denen Demonstranten gezielt geblendet wurden, und Laser, mit denen Demonstranten die Polizei verwirrten, erscheinen in unterschiedlichen Formationen in einer Reihe von "Studien", darunter eine Laser-Installation, eine "schwebende" Skulptur aus Metallkugeln und Drucke von durch Kugeln zerlöcherten Bäumen. Voluspa Jarpa (geb. 1971, Rancagua, Chile) lebt und arbeitet in Santiago de Chile. Ihre Arbeiten wurden in bedeutenden internationalen Einzelausstellungen gezeigt, darunter Cuerpo político: archivos públicos y secretos in der Gabriela Mistral Gallery der Universidad de Chile (2017) und En nuestra pequeña región de por acá im MALBA, Buenos Aires (2016). Sie hat an vielen internationalen Ausstellungen teilgenommen, darunter in Altered Views, Chilenischer Pavillon auf der 58. Biennale von Venedig, Italien (2019); bei der BIENALSUR, Riad und Buenos Aires (2019); in Artists & Agents - Performance Art and Secret Services (Gewinnerin des AICA "Exhibition of the Year" Award in 2020), HMKV, Dortmund (2019); Proregress, 12. Shanghai Biennale (2018); Parapolitics: Kulturelle Freiheit und der Kalte Krieg, Haus der Kulturen der Welt, Berlin (2017-2018); Resistance Performed - Aesthetic Strategies under Repressive Regimes in Latin America, Migros Museum, Zürich (2016); 31. Sao Paulo Biennale, Brasilien (2014); und 12. Istanbul Biennale (2011).

artist

Voluspa Jarpa 
NOME Berlin

Potsdamer Str. 72
10785 Berlin

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posted 05. Apr 2021

PAOLO CANEVARI - SELF-PORTRAIT / AUTORITRATTO

22. Feb 202117. Apr 2021
PAOLO CANEVARI SELF-PORTRAIT / AUTORITRATTO 22 Febbraio - 17 Aprile 2021 Italian contemporary artist Paolo Canevari is best known for transforming everyday materials and icons into large-scale sculptures that confront his audience with stark, political and philosophical commentary. Throughout his career, Canevari has worked in a variety of media, most notably tyres and inner tubes, painting, drawing, performance, animation and film. The provocative nature of the artists’ works, and his active role within art world in New York, where he lived and worked for many years, have kept Canevari in the spotlight of both the American and Italian contemporary art scenes. Cardi Gallery is proud to present the first major solo show of Canevari’s work in the UK, an extensive survey exploring thirty years of the artist’s practice, the culmination of a decade-long collaboration with the gallery. A museum-scale exhibition occupying four floors at Cardi London in Mayfair, ‘Self-portrait / Autoritratto’ brings together over 30 works including sculptures, drawings and installation that range from the artist’s notorious 1990s rubber sculptures to his most current series ‘Monuments of the Memory: Landscapes’ and ‘Constellations’. Many of the works are shown here for the first time. ‘Self-portrait / Autoritratto’ aims
to illustrate Canevari’s worldview
through the artist’s deeply
introspective creative process.
It brings to the fore not only a
reflection on the self but also,
in the artist’s words “…a political
reading of making art, intended to
measure what Pasolini had defined
“the injustice of the world”. “Art is a democratic, progressive force, so it should ideally serve society, not the powers that be. In my work, the use of icons, symbols, and forms from various cultures is a way of drawing attention to their true meaning, tied to dogmas or other forms of power; they’re a way to open up a dialogue with the viewer and stimulate a reaction. […] The “political” character of my work is just one of many possible interpretations of what I do.” “What I wish to express is a radical, subversive attitude towards art and the idea of art as it has been conceived and conveyed by globalised consumeristic society, therefore raising the level of moral and ethical perception of the world.” The ambiguity of Canevari’s artworks, suspended in their brutalist aesthetic between irony and disquiet, is a successful result of both conceptual and formal transformation of industrial materials. Oil and its applications (synthetic rubber, exhaust motor oil, etc) are at the heart of his vocabulary; in his hands they become ambiguous symbols of the systemic violence that permeates today’s declining world, where the threat of war – whether in the name of spiritual or monetary values – is constant and humankind’s memory is tragically too short. “To me, an artwork is profoundly important when it does not recoil into a one- way structure – whether ideological or technical – but when it opens up to different perspectives for the viewer, therefore broadening their thought.” Paolo Canevari The exhibition is accompanied by a catalogue with an essay by the eminent American curator Robert Storr; an interview with Iranian artist Shirin Neshat and a homageto Canevari by the acclaimed Italian novelist Andrea Camilleri. A series of artist talks, and exhibition tours will be held in conjunction with the show.
Cardi Gallery, London

22 Grafton Street
W1S 4EX London

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posted 04. Apr 2021

Rinus Van de Velde. I’d rather stay at home, ...

02. Mar 202120. Jun 2021
opening: 02. Mar 2021
Rinus Van de Velde I’d rather stay at home, ... 02.03.2021 - 20.06.2021 Rinus Van de Velde (*1983) erzählt fiktive autobiografische Geschichten mittels grossformatiger Kohlezeichnungen, dreidimensionaler Kartonwelten, Filmen, Fotografien, Farbstiftzeichnungen und Keramik. Zwischen Realität und Fiktion schwankend, tauchen in seinen Werken schei-ternde Helden, grossmütige Forscher und schlaksige Tennisspieler in langen Hotelfluren auf. Mit I’d rather stay at home, ... widmet das Kunstmuseum Luzern dem belgischen Künstler Rinus Van de Velde die erste umfassende Einzelausstellung. Der Kern der Präsentation bilden die Vi-deos The Villagers (2019–2020) und La Ruta Natural (2019–2021). The Villagers erzählt Ge-schichten verschiedener Protagonisten, die durch ein Bergdorf und das Regenwetter verbunden sind: Ein Abenteurer brät im Wald sein Spannferkel, ein anderer ist im Nirgendwo mit dem Auto unterwegs, während sich der eine Künstler ein Hotelzimmer zu eigen macht und der andere Kopfüber im Atelier malt. La Ruta Natural («Naturpfad») ist der zweite Film von Rinus Van deVelde. Der Titel ist ein Palindrom, eine Folge von Buchstaben die vor- und rückwärts gelesen (den gleichen) Sinn ergibt. In La Ruta Natural verfolgt der Held scheinbar einen Plan, der darin mündet, mittels einer komplizierten Maschinerie einen roten Luftballon aufzublasen und losflie-gen zu lassen. Auf seinem Weg fährt er in einem hellblauen Cabriolet eine spektakulär steile Passstrasse hinab. Danach überschüttet er das Gefährt mit Benzin und zündet es an. Der Wagen taucht schon in The Villagers auf, der Fahrer trägt nun aber eine Maske mit Rinus Van de Veldes Gesicht, was ihm ein puppenhaftes Aussehen verleiht. Dieser Maske begegnen Besucherinnen und Besucher am Eingang zur Ausstellung. Wie die Filme in endloser Schlaufe laufen, folgt die Ausstellung keiner linearen Erzählung. Dieselben Protagonisten, Requisiten und Szenen tauchen auf Zeichnungen, in Filmen und Kulissen auf und oft erschliessen sich die Objekte erst bei der zweiten Begegnung. So taucht man immer tiefer in Rinus Van de Veldes Kosmos ein und trifft an jeder Kreuzung eine Entscheidung, bis man in den Requisiten beinahe verloren geht, zwischen einem meterlangen Tunnel, durch den der Protagonist im Film in einen unterirdischen Maschinenraum gelangt, und dem Hausdach, dass aus dem Hochwasser ragt und im Film einem Pärchen Schutz bietet. Rinus Van de Velde baut die Kulissen in seinem Atelier mit viel Liebe zum Detail aus Holzlatten, Karton und Pappmaché. Die Helden in seinem Werk erinnern an die Typen aus Filmen und Geschichten, Figuren, die ihre Gültigkeit verloren haben: Das schweigsame Grossmaul, das sich alleine durch die entlegensten Regionen kämpft, der introvertierte Held, der einsam im Atelier an seinem Lebenswerk schafft. Die Vergeblichkeit ihrer Expeditionen und Absurdität ihrer Unternehmungen weckt Neugierde und lässt uns über die menschliche Unzulänglichkeit lächeln. Rinus Van de Velde nutzt die Zeichnung, um einer Idee oder einem Plan Form zu geben, für die Visualisierung von Ideen und der Schaffung seiner fiktiven Universen. Die Zeichnungen zitieren pseudo-autobiografische Momente aus dem Leben des Künstlers: Als Forscher im Einbaum oder als Maler im Studio nimmt er beliebige Identitäten an. Dabei bedient er sich frei im kunsthisto-rischen Repertoire von Malstilen. Verspielte Keramiken mit Referenzen zu Bob Dylan oder Gus-tave Courbets L’Origine du monde sind eigenständige Objekte. kuratiert von Fanni Fetzer

curator

Fanni Fetzer 
Kunstmuseum Luzern

Europaplatz 1
CH-6002 Lucerne

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posted 03. Apr 2021

Daniel Dewar & Grégory Gicquel

26. Mar 202120. Jun 2021
Daniel Dewar & Grégory Gicquel 26. März – 20. Juni 2021 Erster Ausstellungstag: Donnerstag, 25. März 2021 Daniel Dewar & Grégory Gicquel Das Künstlerduo Daniel Dewar und Grégory Gicquel experimentierte über die Jahre mit einer Vielzahl von Materialien und Techniken. Diese erlernen sie zunächst autodidaktisch und stellen dafür auch teilweise die Arbeitsmittel wie Webrahmen oder holzbefeuerte Brennöfen her. Sie hauen Stein, schnitzen Holz, formen Ton und Keramik und greifen auch handwerkliche Techniken wie Sticken und Weben auf. Den Bruch mit der Tradition stellen die beiden durch die Verbindung der Medien mit ihren Motiven dar: Massive Kästen und Schränke aus Eichenholz beispielsweise, aus denen Eingeweide, Tierteile oder menschliche Gliedmaßen hervorwachsen, amüsieren und irritieren gleichermaßen. In ihren Werken verschmelzen Menschen, Tiere und Pflanzen zu einer bizarren und sinnlichen Einheit. Durch Kontextverschiebung und phantasievolle Kombinationen schaffen Dewar & Gicquel absurde Objekte, die wie Chimären oder Fabelwesen einer anderen Wirklichkeit angehören. Daniel Dewar, geboren 1976 in Forest of Dean (GB), lebt und arbeitet in Brüssel. Grégory Gicquel, geboren 1975 in Saint-Brieuc (FR), lebt und arbeitet in Plévenon (FR). * Zur Ausstellung erscheint ein Künstlerbuch.
Wiener Secession

Friedrichstraße 12
A-1010 Vienna

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posted 02. Apr 2021

The Absence of Mark Manders

20. Mar 202120. Jun 2021
The Absence of Mark Manders Sat. 20 Mar - Sun. 20 Jun, 2021 Sculptures looking as though a mere touch would bring them crashing down, objects of obscure age and origin, a studio bearing the evidence of departed occupants, long dark corridors, ... Welcome to the world of Mark Manders, a mixture of calmness and unease. The Museum of Contemporary Art Tokyo (MOT) is delighted to present the first solo exhibition at a Japanese art museum by Mark Manders, a Dutch artist who occupies a unique position in the contemporary art scene. Mark Manders was born in 1968 in Volkel, the Netherlands, and currently works from his studio in Ronse, Belgium. In 1986, at the age of eighteen, he had a sort of epiphany that inspired his “Self-Portrait as a Building” concept. This has informed his work ever since, utilizing the form of a "building" for over thirty years as the framework for a self-portrait of an imaginary artist named, like the artist himself, “Mark Manders.” During this period, the artist has produced a series of sculptures and objects to be placed in the rooms of the building, presenting them as installations. By means of the overall layout of these works, he is constructing a human figure, which results in the creation of a world with a unique and extremely large framework. Based on this fictional framework, the creative world of his works displays an unparalleled vision, and attracts worldwide acclaim, as does the quality of each of the individual works, probing deeply into the concept of sculpture. For this solo exhibition, Manders conceived of the whole exhibition as the installation of a single work, the building. Individual works are assembled from images based on art history and personal memories, from statuary and words, and from a variety of furniture and other objects. To the viewer, they invoke complex emotions, distort the sense of time, and encourage thought and introspection. Each independent work is fascinating in isolation, but being part of a larger framework reveals new aspects that are even more captivating. Each work manifests as a part of this imaginary building, where the real Manders who produces the works and the self-portrait of the imaginary Manders intermingle, fading and reappearing as they lure viewers into a fictional space. At the same time, individual works are interchangeable—like words in a sentence, they can be swapped around according to the room and the configuration. Because of that, the imaginary building as a whole resembles an automatic mechanism undergoing constant modification and updating. The “Absence” in the title is one of the keywords behind all of Manders’ works. It carries multiple meanings, including reference to the stillness and the sense that what can be seen in an installation is a moment frozen in time, to the traces of departed occupants, and to the way that agency flits between the real artist and the imaginary artist. It can also be considered to denote the fact that the work is autonomous, capable of maintaining an independent existence even if the artist is absent. Manders’ world continues to enthrall those who enter it, encouraging them to reconsider their thoughts regarding the meaning of art, and their thoughts regarding time and experiences of human life and imagination. This solo exhibition is a highly valuable opportunity to gain a deep appreciation of Manders’ work and to observe its unique structure. Viewers are recommended to hone their senses and take their time to encounter this world to the full. * Highlights Meticulously crafted works—"Frozen moment" Each and every work by Manders incorporates a multitude of elements, such as his personal memories and lifestyle, and fragments of art history from a number of periods and regions. Some works appear heavily weathered, with fragile material likely to collapse at any moment, while others have the moist gloss of freshly-sculpted clay. There are works combining parts in inconceivably tense arrangements, and works with strangely uncomfortable scale. In addition to the mixture of calmness and unease, from these carefully calculated and meticulously executed works comes the sense that everything froze in place at the same instant, stopping the flow of time. This world, which the artist describes as a “frozen moment,” incites a longing for an unchanging world without decay, leaving a powerful impression on viewers. Intriguing installations at the heart of Manders’ practice Each of Manders’ individual works is viable in its own right, but the works are all connected to the idea of a "building" as the self-portrait of an imaginary artist named “Mark Manders.” In that sense, a viewer standing in front of one of these physical works is simultaneously in the imaginary room that is a part of the building. This space where fact and fiction overlap is one of the great attractions of Manders’ works. The artist began working on his ideas for this exhibition back in March 2019, and conceived of the whole of the exhibition gallery space on one floor at the museum (1,000m2) as a single work. Installation is a key part of Manders’ practice. His world can only be appreciated to the fullest extent by actually entering these installations. Venice Biennale exhibit presented for the first time in Japan The exhibition incorporates the well-known works that have been a consistent feature of the artist’s recent major solo exhibitions. These include his representative works Nocturnal Garden Scene and Mind Study, which MOT is arranging to borrow from museum collections in Belgium and the Netherlands to be exhibited in Japan for the first time. Mind Study was part of his presentation at the 55th International Venice Biennale in 2013. In addition, Manders plans to produce one of the room motif installations that he professes to be very fond of. Viewers who enjoyed the interplay between the works of Manders and Michaël Borremans in their dual exhibition at the 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa (19 September 2020 – 28 February 2021) will be fascinated to see Manders’ works from a different perspective. The differences in approach between the two exhibitions results in a rare opportunity for a multifaceted exploration of the work of Mark Manders, leading to a deeper understanding of the attraction and significances of his work. Profile of Mark Manders Born in 1968 in Volkel, the Netherlands, and currently lives and works in Ronse, Belgium. Studied design at the Arnhem Academy of Art and Design from 1988 to 1992. Since 1986, his works have been based on his “Self-Portrait as a Building” concept. Creating sculptures and objects to be placed in the rooms of this imaginary building, he presents his works as a series of installations. In 1988, he collaborated with Roger Willems to launch Roma Publications. In addition to Manders’ artist books and exhibition catalogues, this publishing company produces books for other artists, and makes the notional newspapers that are one of Manders’ representative works. He has participated in many international art festivals, including the São Paulo Biennale (1998), Documenta 11 (2002) and the Venice Biennale (2013). Solo exhibitions include an exhibition that toured Europe from 2008 to 2009, an American tour in 2011, and, more recently, an extensive retrospective at the Bonnefantenmuseum in the Netherlands (2020). He has also produced monumental outdoor sculptures for the Public Art Fund (2019, Central Park, New York, USA) and Rokin Square (2017, Amsterdam, the Netherlands). His main exhibitions in Japan have been the inclusion of Tokyo Newspaper in “Territory: Contemporary art from the Netherlands" at Tokyo Opera City Art Gallery (2000), participation in the Aichi Triennale (2016), and “MICHAËL BORREMANS MARK MANDERS: Double Silence” at the 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa (2020). * Exhibition Catalogue It is scheduled to be published by HeHe at the end of April, 2021. Including installation views and texts by the artist, it will be the first Mark Manders monograph to be published in Japan.

artist

Mark Manders 
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posted 01. Apr 2021

Helen Mirra - Nine Years of Slope-Walking

10. Dec 202025. Apr 2021
Helen Mirra Nine Years of Slope-Walking 10 Dec 2020 - 25 Apr 2021 The work presented here by artist Helen Mirra is the result of more than nine years during which her daily activity has been to walk through different topographies. Walking, writing, and weaving: all everyday activities, all performed in the present tense, producing a record of time through action, a sort of meditation in motion. What we see exhibited here today is time, time in the present tense. The significance of the pieces is the process of making, of waking and walking, of walking and weaving: taking the threads of linen, wool and silk, and creating from them a composition whose beauty and value reside not only in the materials, the natural dyes, and the simple designs, but also in the concrete realization of a present time. Being and making: making in order to be. Helen Mirra was born in Rochester, New York in 1970 and lives in Muir Beach, CA. In 2015 she participated in the 12th Havana Biennial with a month-long walking project. She also participated in the 30th São Paulo Biennial (2012) and the 50th Venice Biennial (2003). A fifteen year survey (1996-2010) of her work was presented at Culturgest in Lisbon in 2014. Major exhibitions include “Acts for placing woolen and linen” at Cample Line (2020), Thornhill SCT; “No Horizon” at the Berkeley Art Museum (2019); “Gehen, weben/Caminare, tessere” at Kunst Meran/Merano Arte (2017); “Hourly Directional” at Radcliffe Institute for Advanced Study and with Ernst Karel at the MIT List Visual Arts Center (both Cambridge MA and in 2014); “gehend (Field Recordings 1-3)”, which was held at three venues: Haus Konstruktiv, Zürich (2012), KW Institute for Contemporary Art, Berlin, and Bonner Kunstverein (both 2011), “65 Instants” at the Berkeley Art Museum (2003), “Declining Interval Lands” at the Whitney Museum in New York (2002); and “Sky-wreck” at the Renaissance Society at the University of Chicago (2001). Mirra has been awarded various fellowships and residencies, including the Guggenheim Fellowship (2020), OCA in Oslo (2007/08), DAAD in Berlin (2005/2006), and IASPIS in Stockholm (2011).

artist

Helen Mirra 
Museo de Arte de Zapopan

Andador 20 de Noviembre 166, Zapopan Centro, Jalisco
45100 Zapopan

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posted 31. Mar 2021

SALON REAL / VIRTUAL 7# Salon: Viktors Svikis | Candies and Stones

27. Mar 202105. May 2021
SALON REAL / VIRTUAL 7# Salon: Viktors Svikis | Candies and Stones 27.3. – 5.5.2021 Eröffnung: Samstag, 27.3., 14 – 19 Uhr one-by-one / Timeslot alle 15 min / come-and-go galerie michaela stock [**VIRTUAL 3D GALLERY**](https://artspaces.kunstmatrix.com/en/exhibition/2505270/salon-real-virtual-7-viktors-svikis-candies-and-stones) My mama always said, life is like a box of chocolates. You never know what you're gonna get. Forrest Gump In der siebten Ausstellungreihe Salon Real / Virtual werden unter dem Titel „Candies and Stones" die neuesten, großformatigen Ölbilder und Zeichnungen des lettischen Künstlers Viktors Svikis präsentiert. Wie der Ausstellungstitel andeutet, sind die Werke auf den ersten Blick verführerisch bunt und süß, doch bei genauerer Betrachtung fällt es schwer aus dem Wirrwarr der dargestellten Motive etwas Befriedigendes herauszulesen. Die künstlerische Strategie Svikis' beruht insbesondere auf Gegensätzen und psychoanalytischen Überlegungen zu seiner bisher erfahrenen Wirklichkeit, die als solche im Kopf des Künstlers im Laufe des malerischen und zeichnerischen Arbeitsprozesses existieren. Dabei wird das Wesen des Bildes und die Sprache in unserer Gesellschaft und ihre gegenseitigen, medialen Beziehungen und Abgrenzungen ständig hinterfragt. Auf den Spuren von Winckelmann und Lessing thematisiert der Künstler ein altes Dilemma über die Grenzen der Malerei und Poesie. Obwohl sich in den Arbeiten Svikis' eindeutig die klassischen, malerischen und zeichnerischen Ansätze widerspiegeln, provozieren sie mit ihrer collagenartigen Gestaltung. In diesem Punkt eignet er sich die surrealistische Bildstruktur an, indem er scheinbar unverbundene und entfremdende Motive und Realitäten auf der gleichen Ebene miteinander spielen lässt. Aus so einer trügerischen Willkür an Motiven, Mustern und Perspektiven ergibt sich eine neue, poetisch narrative Ebene des Kunstwerks. Wie in einem surrealistischen Traum existieren verschiedene Bildebenen parallel nebeneinander. Nach dem Prinzip des dialektischen Denkens leben Malereien und Zeichnungen Svikis von Gegensätzen, die in einem Spannungsfeld zwischen l'art pour l'art und Engagement existieren. Seinen malerischen Impuls folgend, reiht Svikis Konfetti, Unterwäsche, Hühner, Meerjungfrauen, Fische, Schildkröten, Ziegel usw. an die Leinwand. Das Dargestellte steuert er spielerisch und intuitiv während des Arbeitsprozesses. Einzelne Themen kreisen semantisch um den betreffenden Werktitel, während ihre Kombinierbarkeit und Verbindung zueinander mehr Freiraum für Interpretation und Rekonstruktion des Handlungsbogens lassen. Er entwickelt Ideen weiter, denkt sich immer neue Geschichten aus und übermalt immer wieder. Svikis überlässt es dem Betrachter, seine eigene Geschichte zu finden, denn die Wirklichkeit der Malerei ist nicht die Realität. Mag. Jelena Grabovac kostenloser Atelierbesuch auf Anfrage Ein Atelierbesuch bei Viktors Svikis kann bei der Galeristin Michaela Stock kostenlos gebucht werden. Terminvereinbarung unter +43 699 19207778. Dokumentiert wird die virtuelle Ausstellung in Form von einer gedruckten Informationsbroschüre. Gleichzeitig können Kunstinteressierte von der Ausstellung ein limitiertes, signiertes Kunstplakat für € 20,- erwerben. SALON REAL / VIRTUAL ein neues Galerienkonzept: real vs virtuell Das Augenmerk liegt auf dem Ineinandergreifen von realer und virtueller Welt und ihrer Kombination von akustischen, visuellen, haptischen Reizen. Das Ziel ist es die reale Welt stärker und aktiver an der Schnittstelle zur virtuellen Welt anzudocken, um damit neue Denkansätze und Arbeitsprozesse in Gang zu setzen und auf diese Weise die interaktive Medienkunst weiter zu entwickeln. Kamingespräche im Salon Real mit Experten aus verschiedenen Disziplinen ergänzen die virtuelle Ausstellung.
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posted 30. Mar 2021

Demokratie heute – Probleme der Repräsentation

28. Mar 202104. Jul 2021
Maschinenhaus M1 28. März – 4. Juli 2021 **Demokratie heute – Probleme der Repräsentation** **Weltweit befinden sich existierende Demokratien vielfach in einer Krise: Freiheitsrechte und die Optionen auf politische Partizipation werden eingeschränkt oder immer weniger in Anspruch genommen, der Einfluss der sogenannten Global Player auf politische Entscheidung hingegen wächst.** Die gastkuratierte Ausstellung nimmt die Störanfälligkeit der demokratischen Grundordnung in gegenwärtigen Systemen als Ausgangspunkt. In unterschiedlichen Medien – darunter Malerei, Sound, Video und Installation – beleuchtet sie Problemfelder wie den weltweit aufkeimenden Rechtspopulismus und die Medialisierung von Politik sowie das Spannungsfeld von In- und Exklusion bei Entscheidungsprozessen. Darüber hinaus reflektiert sie neue Formen der politischen Teilhabe und das Verhältnis von außerparlamentarischem Protest und offizieller Politik. Die Positionen der neun Künstler*innen werden durch Malereien ergänzt, die in einem offenen Atelier im Flüchtlingslager Moria auf Lesbos entstanden sind. Zusätzlich wird das Projekt durch das „Assembly RST“ erweitert, das als Brainstorming konzipiert unterschiedliche Aspekte der Ausstellung in freier Assoziation aufgreift. Die begleitende Publikation entsteht in Kooperation mit Florian Malzacher und erscheint in Form einer Zeitung, also eines Mediums, das zur demokratischen Willensbildung beiträgt. Künstler*innen: Pierre Bismuth, Claus Föttinger, Julia Lazarus, Erik van Lieshout, Marina Naprushkina, Oliver Ressler, Anja Schrey, Jonas Staal, Joulia Strauss, Assembly RST, Künstler*innen von The Hope Project / Moria (Raha Amiri, Attaullah, Fereshteh, Nazgol Golmuradi, Sahar Haqpana, Sara Hossini, Mohammad Jafari, Javad, Sara Juddin, Joseph Kangi, Senait Lelisa, Masoumeh, Ommolbanin, Rehab, Murtaza Safari, Sima, Jean-Paul Waroma, Batol Yasim) Kuratiert von Raimar Stange

curator

Raimar Stange 
KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst, Berlin

KINDL – ZENTRUM FÜR ZEITGENÖSSISCHE KUNST | Am Sudhaus 2
12053 Berlin

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posted 29. Mar 2021

Albert Oehlen

11. Feb 202101. Apr 2021
11.02.2021 — 01.04.2021 **Albert Oehlen** Der Zyklus der groß- und kleinformatigen Zeichnungen, der in der aktuellen Ausstellung bei Jahn und Jahn, München, präsentiert wird, entstand während eines Amerika-Aufenthaltes in Los Angeles im vergangenen Jahr (2020). Es sind ausnahmslos Schwarz-Weiß-Zeichnungen, für deren Ausführung Albert Oehlen Tusche auf Bütten gewählt hat. Zentrales Thema und zugleich alles bestimmendes Bildmittel dieser Zeichnungen ist die Linie, die der Künstler stark variieren lässt. Schwarze Linien, manchmal kalligrafisch exakt gesetzt, manchmal verwischt, stehen allein, überkreuzen oder verdichten sich, eröffnen oder verschließen Bildfläche und Bildraum. Mittels der gestischen und freien Formsprache fordern die Linien die Betrachtenden auf, genau hinzuschauen, ihrem Verlauf zu folgen; sie machen den spontanen künstlerischen Akt des Zeichnens fühlbar. Der Prozess des Zeichnens läuft schnell, direkt und intuitiv ab, dennoch kontrolliert Oehlen die Bildstruktur in jedem Detail. Das grafische Werk Oehlens stellt innerhalb seines gesamten, über nunmehr 40 Jahre umfassenden, multimedial angelegten Œuvres eine eigenständige Kategorie dar. Trotzdem spielt auch hier die Aufhebung der Unterscheidung von Form und Inhalt, von Figuration und Abstraktion eine zentrale Rolle. Seit den 1970er-Jahren – als die Malerei für tot und als ein veraltetes Medium erklärt, "Bad Paintings" und bewusster Dilettantismus von den jungen Künstlern proklamiert wurden – setzt sich Oehlen kritisch und provokativ mit dem Medium auseinander. Zusammen mit Sigmar Polke, Martin Kippenberger, Werner Büttner, Georg Herold, seinem Bruder Markus und anderen sollte Kunst entstehen, die sich dem Status quo der Kunstrezeption widersetzt. Albert Oehlen trieb das Medium Malerei mit seinen Behauptungen an die Grenze der Überforderung, um es bloßzustellen, Erwartungen ins Leere laufen zu lassen und letztlich die Kunst von den Ansprüchen zu befreien. Er hinterfragte von Beginn an Methoden, Mittel und Hierarchien der Malerei, aber – vergleichbar mit Gerhard Richter – artikulierte er seine grundsätzliche Skepsis innerhalb des Mediums und wandte sich nicht von der Malerei ab. Im Gegenteil: Unter Einbeziehung neuer Technologien – als ein Beispiel hierfür sind die in den 1990er-Jahren entstandenen Computer generierten Bilder zu nennen, die insbesondere der abstrakten Malerei neue Impulse gaben – und seinen immer wieder veränderten künstlerischen Ansätzen, hat er eine Erweiterung des Bewusstseins für das Medium der Malerei und des Kunstbegriffs im Allgemeinen bewirkt. Mit seinen Bildthemen und deren einhergehenden Problemlösungen ist Oehlen die Verwandlung von Wirklichkeit in eine reine autonome Malbehauptung gelungen, die ihn zu einem der international angesehensten zeitgenössischen Künstler haben werden lassen.

artist

Albert Oehlen 
Jahn und Jahn, München

Jahn und Jahn | Baaderstraße 56 B und C
80469 Munich

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posted 28. Mar 2021

Eliza Ballesteros DARE, 2021. MUR BRUT 18

04. Feb 202125. Apr 2021
4.2. – 25.4.2021 **Eliza Ballesteros DARE, 2021. MUR BRUT 18 (04.02.2021 – 05.04.2021) Für MUR BRUT 18 gestaltet Eliza Ballesteros die Wand im Parkhaus der Kunsthalle Düsseldorf. Eliza Ballesteros reagiert mit ihren Arbeiten stets auf die räumlichen Gegebenheiten, in denen diese gezeigt werden. Die Materialien und Formen ihrer Objekte fungieren dabei als Bedeutungsträger, die Fragen nach Geschlechterrollen, tradierten Räumen und kulturellen Praktiken verhandeln. Für das Parkhaus der Kunsthalle Düsseldorf entwickelte Eliza Ballesteros in Kooperation mit der Grafikdesignerin Teresa Schönherr einen Schriftzug, der als bildhauerische Arbeit angelegt ist. In einer verspielten Typografie erscheint das Wort DARE (engl. Mutprobe, etw. wagen), das mit Fahrbahnmarkierungsfarbe auf die Wandfläche aufgetragen ist. Das großformatig angelegte Schriftbild wird sichtbar, sobald der Lichtkegel eines Autos auf die Wand trifft. DARE, 2021 ist eine künstlerische Reaktion auf das medial tradierte Bild des Parkhauses. Es ist als Angstraum oder Ort des Verbrechens in unser Gedächtnis eingegangen und bleibt durch diese visuelle Festschreibung ein Ort des Unheimlichen. Das raumbezogene Schriftbild, das wie ein ermutigender Lichtblick erscheint, reagiert auf die bereits im Parkhaus vorhandenen Schriften. Darüber hinaus bildet es durch seine verspielte Gestaltung auch einen Gegenpol zur kalten Architektur des Parkhauses. Angeknüpft an Schriftbilder feministisch-aktivistischer Gruppierungen und aus der Popkultur, verweist DARE, 2021 auf die Potentiale von Schriftbildern, um gesellschaftliche Muster herauszustellen. Eliza Ballesteros studierte an der Kunstakademie Düsseldorf und machte dort 2019 ihren Abschluss als Meisterschülerin von Prof.in Rita McBride. Ihr Schaffen umfasst Installationen, Objekte und Schriftbilder. Kuratiert von Katharina Bruns Parkhaus Kunsthalle Düsseldorf, Grabbeplatz 4, 40213 Düsseldorf Die Ausstellung ist jeden Tag von 6 bis 22 Uhr geöffnet.

artists & participants

Eliza Ballesteros,  Teresa Schönherr 

curator

Katharina Bruns 
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posted 27. Mar 2021

CHRIS REINECKE

18. Feb 202128. Mar 2021
CHRIS REINECKE Partizipation von ich und wir. Leben und Wohnen und Arbeiten in der Stadt. Düsseldorf 1967–1971 ca. 18.02.2021 bis 28.03.2021 Die Ausstellung ist in Kooperation mit der Galerie "Beck & Eggeling" entstanden Mit der Ausstellung Partizipation von ich und wir. Leben und Wohnen und Arbeiten in der Stadt.Düsseldorf 1967 – 1971 zeigt das Stadtmuseum Düsseldorf ein Konvolut von Flugschriften, Aktionsblättern und „Plakaten“ (die Anführungsstriche beziehen sich auf das DIN A4-Format der Blätter), ergänzt um einige Objekte, aus dem Archiv von Chris Reinecke. Sie stammen aus den späten 1960er Jahren, in denen Chris Reinecke als Mitbegründerin des Lidl-Projekts, aus dem später die Mietersolidarität hervorging, für Aufsehen in der Düsseldorfer Kunstszene sorgte. Die Exponate zeigen, wie sehr sich im Diskurs der damaligen Zeit Kunst, Politik und Leben miteinander verbinden sollten und welche revolutionäre Kraft dem „erweiterten Kunstbegriff“ als kollektiven Prozess beigemessen wurde. Vor allem aber überraschen sie mit der fast ungebrochenen Aktualität und der fast hellsichtigen Art, mit der sich Chris Reinecke den gesellschaftlichen, politischen, ökonomischen und künstlerischen Fragen ihrer Zeit gestellt hat und die vielfach bis heute immer wieder zur Diskussion stehen. Chris Reinecke beginnt ihre künstlerische Laufbahn als Malerin 1959 in Paris, studiert zunächst im Atelier de Dessin et d’Arts Décoratifs und dann an der École Nationale Supérieure des Beaux Arts. 1961 verlässt sie Frankreich, enttäuscht von einem akademisch rückwärtsgewandten Lehrbetrieb und kehrt zurück zu ihrer Familie nach Düsseldorf. Noch im selben ja beginnt sie ihr Studium an der Kunstakademie bei K.O. Götz und wechselt dann in die Klasse zu Gerhard Hoehme. Zu diesem Zeitpunkt ist sie die einzige Frau in den Klassen für bildende Künste. 1964 lernt sie an der Akademie Jörg Immendorff kennen, den sie ein Jahr später heiratet und beginnt sich nach Abschluss ihres Studiums im selben Jahr sich in der mittlerweile von Joseph Beuys (bei dem Immendorff studiert) geprägten Düsseldorfer Szene, im Umfeld von Fluxus, Happening und Neuer Musik und vor dem Hintergrund einer sich formierenden, politisierten Studentenbewegung, künstlerisch zu positionieren. Reineckes Arbeit ist in dieser Zeit gekennzeichnet von einem partizipatorischen Prinzip. Sie schafft Ausgangssituationen für offene Prozesse, die dem Publikum die Möglichkeiten des eigenen Handelns bewusst machen, die Menschen für die sie umgebenden Verhältnisse sensibilisieren und darüber zu einer Erweiterung des Erfahrungsraumes führen sollen. Bei ersten Aktionen, die dieser Idee des kollektiven Prozesses folgen, entstehen beispielsweise die Umgebungskleider. Auf transparenten Plastikkleidern, die den Teilnehmern der Aktion übergezogen werden, notiert Reinecke Eindrücke und Wahrnehmungen. In Ausstellung präsentiert Reinecke Arbeiten wie den Klima-Tisch, an dem Besucher*innen auf Landschaftstafeln mit Ventilatoren, farbigen Lichtern, Pudern und Raumsprays verschiedene Klimata simulieren können, oder das Dombild, eine Zeichnung des Kölner Doms, auf das das Publikum Kaugummis kleben soll. 1968, in der Hochphase der studentischen Unruhen und unter dem Eindruck der Auseinandersetzung mit kommunistischen Theorien und dem Kontakt zu politisch aktiven Gruppen, kommen Reinecke und Immendorff zu dem Schluss, dass es neue Wege brauche, um auch ein uninformiertes, kulturell nicht vorgebildetes Publikum , die „normale“ Bevölkerung, zu erreichen. So wird das Projekt Lidl ins Leben gerufen. Im Lidl-Raum (zunächst in der Blücher-/ Ecke Parkstraße in Pempelfort) finden Ausstellungen, Aktionen und Veranstaltungen zu gesellschaftlichen und politischen Themen statt. Lidl ist ein in alle Richtungen offenes Modell: offen für jedes Publikum, offen auch für Beteiligung anderer Künstler*innen und Mitwirkenden und bietet somit den exemplarischen Rahmen zur Erprobung des „erweiterten Kunstbegriffs“ und die intendierte endgültige Auflösung der Trennung zwischen Künstler*in und Publikum. Reineckes Arbeit, die sich nun ganz weg vom Schaffen von Kunstwerken hin zur Aktion entwickelt hat, lotet sie das Verhältnis des Einzelnen im sozio-politischen Gefüge aus, Beleuchtet das Verhältnis von Arbeit und Kreativität, stellt die Frage nach der Gültigkeit von normativen gesellschaftlichen Kategorien wie Geschlecht und Klasse. In der Performance Zeit und Arbeit beispielsweise simuliert sie während einer Lidl-Aktion in Kopenhagen einen 8-Stunden Tag am Computer (in dieser Zeit arbeitete sie zur Finanzierung des Lebensunterhalts für sich und Immendorff im Düsseldorfer Finanzamt an einem solchen). In einer anderen Aktion bringt sie Frauen das Löten und Männern das Häkeln bei. Insbesondere im Flugblatt NORM NORM NORM fasst Reinecke ihre Gedanken über das Geschlechterverhältnis und generell normative Kategorien noch einmal konkret zusammen. In den Jahren bis 1970 hat sich Lidl stark politisiert. Es wird nicht nur gegen den etablierten Kunstbetrieb agiert – Störaktionen von Lidl im Rahmen der Ausstellung „Jetzt – Künste in Deutschland heute“ führen zur Verhaftung von Lidl-Mitgliedern und zum Ausschluss der Gruppe aus der Ausstellung – mit dem Umzug in die Neubrückstraße wird der Lidl-Raum, der jetzt als Büro Olympia firmiert (Teile von Lidl protestieren gegen die Kommerzialisierung und politisch motivierten Subventionierungen im Sport und erklären den Kampf gegen die Olympischen Spiele 1972 in München), zum Anlaufpunkt verschiedener politischer und gesellschaftlicher Interessengruppen. Reinecke verfasst Flugschriften und Aktionsblätter und fertigt Schaufensterplakate an. Sport (als Möglichkeit einer spielerischen Zusammenkunft als Kollektiv) und Transport (als Metapher für gesellschaftliche Beweglichkeit und Veränderung) tauchen auf ihnen wie Kampfbegriffe auf. Gleichzeitig entsteht die Figur der Minna Beuff, eine Art Alter Ego, mit der Reinecke den Kampf um ihre Autonomie als Frau im Umfeld eines noch immer von Männern dominierten politischen Aktivismus verhandelt. Immer öfter suchen Mieternotgemeinschaften, die sich im Kampf gegen Wohnungsnot, Spekulation und Mietwucher haben in Düsseldorf zusammengeschlossen haben, den Kontakt zum Büro Olympia. Im Sommer 1970 wird die Selbst-Hilfe Wohnen gegründet, die sich wenig später Mietersolidarität nennt. Reinecke organisiert Zusammenkünfte in Parks, hilft bei Auseinandersetzungen mit Behörden, besucht Unterkünfte von Gastarbeiterfamilien und natürlich entstehen auch nun Flugschriften und Plakate, die in Ton und Agitation immer schärfer werden. Unter dem Motto „Baut Euch Eure Häuser selbst“ findet im September 1970 auf dem Platz vor dem Schauspielhaus eine einwöchige Protestaktion statt, die Lutz Mommartz in seinem Film Mietersolidarität dokumentiert. Für Reinecke tritt die Kunst in dieser Zeit hinter der konkreten politischen Arbeit zurück. Spannungen und Differenzen über künstlerische und politische Strategien innerhalb der Lidl-Gruppe werden immer virulenter. Während Reinecke sich in der Mietersolidarität engagiert, arrangieren sich andere mit einer gewissen Etablierung der Anti-Haltung und der damit einhergehenden Marktfähigkeit im Kunstbetrieb. Reinecke enttäuscht dies. Mit dem Text Mischeis trinken. Minna Beuff. Alarm. Roman III kündigt sie die Trennung von Lidl an, um in einem letzten großen Pamphlet – KUNST MUSS SEIN – ihren Standpunkt zu den Entwicklungen zu formulieren. Nach eigener Aussage hat gerade dieser Text zum endgültigen Zerwürfnis mit den alten Weggefährten geführt, von denen Einzelne zu späteren Erfolg gelangen und bis heute mit ihrer Perspektive die Sicht auf die damalige Zeit prägen. Reinecke führt die Mietersolidarität noch bis 1971 fort. Vom Kunstbetrieb zieht sie sich vorerst zurück und wird erst in den 1980er Jahren wieder vermehrt in Ausstellungen präsent sein. Chris Reinecke wurde 1936 in Potsdam geboren. Sie lebt und arbeitet in Düsseldorf.
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posted 26. Mar 2021

Xianwei Zhu - all the world is green

19. Mar 202125. Apr 2021
* **videos:** [- AKTION ZUR ERÖFFNUNG](https://www.facebook.com/Krefelder_Kunstverein-104718930976090/videos/1061488617679691/) [- INTERVIEW](https://www.facebook.com/Krefelder_Kunstverein-104718930976090/videos/interview-mit-xianwei-zhu-zur-ausstellung-all-the-world-is-green/3754308977998158/?__so__=permalink&__rv__=related_videos) * 19. März 2021 - 25. April 2021 **Xianwei Zhu - all the world is green** Dauer 19. März 2021 25. April 2021 ES FINDET KEINE ERÖFFNUNG STATT! Eröffnung Freitag, 19. März 2021, um 00:00 Uhr Xianwei Zhu ist ein Wanderer zwischen den Welten, zwischen Asien und Europa, Deutschland und China. In seiner Malerei führt Xianwei Zhu die beiden Traditionen zusammen, wobei er sich oft an der Grenze zwischen Gegenständlichkeit und Abstraktion aufhält. Dr. Tobias Wall, Kunstwissenschaftler und Autor, 2017 In seinen gemalten Seelenlandschaften jedoch findet Xianwei Zhu so etwas wie „Heimat“. Vor diesem Hintergrund muss seine aktuelle Landschaftsmalerei gelesen sein: als Ort bildkünstlerischer Selbsterfahrung. Als Selbsterprobungsfeld, in welchem er wie kein Zweiter die Tradition der chinesischen Malerei mit freier gestischer, europäischer Abstraktion verbindet. Dr. Melanie Klier, Kunsthistorikerin, 2018 Die Ausstellung ist zu den Bürozeiten des Kunstvereins und nach persönlicher Vereinbarung zu besichtigen. In jedem Fall ist eine Anmeldung (telefonisch oder per E-Mail) erforderlich!Kontakt: 02151-777 080 info@krefelder-kunstverein.de Anlässlich der Ausstellung „ALL THE WORLD IS GREEN“ bieten wir eine kleine Edition an: Es sind 12 Variationen eines Themas (siehe Abbildung). Auf bedrucktem Saugpostpapier mit gelblicher Altersfärbung hat der Maler Tuschpinselzeichnungen eines Jungen erstellt. 'Portrait of a Gentleman' Format A 4 (ca 30 x 20), signiert und rot gestempelt. Unikate. Preis während d. Ausstellung € 150.

artist

Xianwei Zhu 
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posted 25. Mar 2021

Tess Jaray. Return to Vienna: The Paintings of Tess Jaray

19. Feb 202118. Apr 2021
Seit mehr als 60 Jahren widmet sich Tess Jaray in ihrer formal reduzierten Malerei der Analyse der Beziehungen zwischen Malerei und Architektur, zwischen Bild und BetrachterIn. Mit Return to Vienna: The Paintings of Tess Jaray zeigt die britische Künstlerin mit österreichischen Wurzeln ganz bewusst keine retrospektive Ausstellung, was angesichts ihrer langen künstlerischen Tätigkeit durchaus spannend gewesen wäre. Vielmehr ist eine Auswahl von 25 Werken zu sehen, die zum überwiegenden Teil in den letzten Jahren entstanden sind und aktuelle Fragestellungen in Jarays Arbeit beleuchten wie ihre Auseinandersetzung mit dem Topos des runden Bildes in der Kunstgeschichte. Begleitet werden die jüngeren Bilder von einer Gruppe von fünf Gemälden aus den 1960er-Jahren, der Schaffensperiode, in der Jaray zu ihrer unverwechselbaren künstlerischen Sprache fand: einer gegenstandslosen, formalistischen Malerei, die mit geometrischen Grundformen, Mustern, Wiederholung, Serialität, Präzision und Geradlinigkeit die Beziehungen zwischen Malerei und Raum, Farbe und Oberfläche, Form und Inhalt, Wahrnehmung und Emotion auslotet. Jarays künstlerische Einflüsse sind vielfältig und mit ihrer ungewöhnlichen Biografie verbunden: Als Kind jüdischer Emigranten wuchs die 1937 in Wien geborene Künstlerin ganz selbstverständlich mit der Kultur ihrer Eltern auf, die diese in ihrer neuen Heimat England weiterhin pflegten. Klimt, Schiele, Kokoschka waren für die Künstlerin ebenso prägend wie ihre spätere Auseinandersetzung mit dem deutschen Expressionismus und als Studentin mit dem amerikanischen abstrakten Expressionismus. Für die Entwicklung ihres eigenen Stils waren zwei kulturelle Begegnungen über die Jahrzehnte konstante Quellen der Inspiration und der Auseinandersetzung und beide zeichnen sich auch in den ausgestellten Werken ab: Zum einen ist das ihre Beschäftigung mit der Malerei und Architektur der italienischen Renaissance, allen voran ist hier der Maler Piero della Francesca zu nennen, zum anderen ihre Faszination für islamische Kunst, die sie in den 1980er-Jahren auf Reisen nach Marokko und später Syrien und Jordanien erkundete. Diese Einflüsse stellen sich nicht unmittelbar im Werk dar, sondern werden von Jaray auf intellektueller, emotionaler und intuitiver Ebene transformiert und in ihre charakteristische Formensprache übersetzt. Die meist großformatigen Bilder in der Ausstellung spielen mit geometrischen Grundformen, einfachen Mustern, harmonisch aufeinander abgestimmten Farbfeldern oder starken Farbkontrasten. Sie zielen auf visuelle Effekte wie räumliche Illusion, Nachbilder oder optisches Flirren ab und bieten zugleich sinnliche wie geistige Anregung – kurz: sie fordern die konzentrierte Betrachtung ein. Die Titel bieten interpretative Einstiegshilfen, sie können deskriptiv sein wie Seventeen Small Squares (2018), einen künstlerischen Forschungsprozess nahelegen wie Discovery & Proof (2018), Architekturbezüge andeuten (Citadel, 2017) oder eine Stimmung evozieren wie Victory (2019). Die Zeichnung als Studie, Skizze und Entwurf ist für die Künstlerin ein unverzichtbares Werkzeug für ihre Malerei, ihr umfangreiches druckgrafisches Werk und ihre Platzgestaltungen im öffentlichen Raum. Das zur Ausstellung erscheinende Künstlerbuch gibt einen umfassenden Einblick in ihr zeichnerisches Oeuvre zwischen 1960 und 2000. „Im ganz und gar intuitiven Prozess des Zeichnens kann eine Linie oder Form plötzlich eine Bedeutung annehmen, die sich entfalten lässt. Diese Zeichnungen sind in gewisser Weise eine Archäologie des Unbewussten. Ein Verfahren, auf dem Papier Entdeckungen zu machen, die sich malerisch entwickeln lassen. Paul Klee sprach in einer berühmt gewordenen Formulierung von der ‚Kunst, Striche spazieren zu führen‘. Ich würde noch weiter gehen und sagen: Für mich ist es die Spur einer Reise mit dem Stift.“ (Tess Jaray) Tess Jaray, 1937 in Wien geboren, lebt und arbeitet in London. Das Ausstellungsprogramm wird vom Vorstand der Secession zusammengestellt. Kuratorin: Bettina Spörr

artist

Tess Jaray 

curator

Bettina Spörr 
Wiener Secession

Friedrichstraße 12
A-1010 Vienna

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posted 24. Mar 2021

Henning Strassburger. Splashes, Targets und Raster.

12. Mar 202110. Apr 2021
Henning Strassburger. Splashes, Targets und Raster. Mar 12th — Apr 10th, 2021 We are very happy to announce Splashes, Targets und Raster., the third solo exhibition of works by the painter Henning Strassburger at Sies + Höke. The exhibition is on view from 12 March to 10 April 2021. Splashes, Targets und Grids. - The title might suggest a " Best of Modern" exhibition. But of course, the idea is deceptive, since the artist deals with the possibilities of the painted picture in the face of the ubiquitous flood of images. He does this by exploring art-historical precedents such as Jasper Johns' iconic Flags and Targets as well as other image strategies used by mainstream products and media. It may be the music that is playing on his newly compiled Spotify playlist or personal experiences that have to be processed through painting. He manages to reconcile all of the above within the picture. What emerges is a contemporary aesthetic in which nothing is static, nothing is certain or definite. A virtual space in which the present meets the past, the manual meets the digital and so-called "high culture" meets the all-absorbing mainstream. Everything seems possible. The grids, which are sometimes more or sometimes less pronounced in works such as Small Whirpool Productions, Kleiner Vandalismus Spaß, Gang Break or Casino Ästhetik, locate all these phenomena in one and the same pictorial space - on the two-dimensional surface of the canvas. And so, the works are composed of numerous layers and levels. Expansive, powerful bands of colour are overlaid with seemingly spontaneous line structures and lattice grids. Silhouettes of palm trees, lightning bolts and lettering appear at the edge or in the centre of the picture and the targets are only recognisable as implied phrases that give the picture support or direction. The painting is always identified as such by the emphasis on the edges. It is obviously aware of its own nature and the conditions of its existence. The neon colours that accentuate the edges electrify the paintings from the outside, as they do in Red Bull Sunset, and embed them irrevocably in our feverish, never-resting contemporary media-sphere. The manner of painting appears spontaneous, even emotional, but again appearances are deceptive. These works emerge from intuitive drawings which Strassburger projects onto the canvases using a beamer. Through digital reproduction, the painter distances himself from them, so to speak, only to re-appropriate them on the canvas in the next step. There are distinct limits to this appropriation, however, because the projection ultimately determines the finished picture, which is meticulously copied and painted so that it is irrevocably inscribed in the painting. Henning Strassburger calculates our present time in all its media-influenced aspects and with all its phenomena and makes us feel our own entanglement as viewers. Hannah Eckstein Curator, Kunstverein Friedrichshafen
Sies + Höke, Düsseldorf

Poststr. 2 / Poststr. 3
40213 Dusseldorf

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posted 23. Mar 2021

Heike Kati Barath. Sei bereit

09. Mar 202109. Apr 2021
**spring & walk** \#welcomeback #muckultur Sa. 20.3. bis So. 21.3.2021 Passend zum Frühlingsanfang -auch bei Schnee und Regen- laden 19 Münchner Ausstellungsräume am kommenden Wochenende 20. und 21. März 2021 zu einem Kunst-/Kulturspaziergang durch die Stadt ein. Mit Maske und ausreichend Abstand werden Kunst und Kultur vor Ort wieder für Besucher erlebbar. Anbei finden Sie das Logo, das vor Ort auch als Aufkleber für die Besucher*innen verfügbar ist, sowie die Liste der teilnehmenden Institutionen. * **Heike Kati Barath. Sei bereit** 09.03.2021 - 09.04.2021 ‚Sei bereit‘ betitelt die Berliner Malerin Heike Kati Barath ihre Einzelausstellung im Münchner DG Kunstraum. Die Besucher*innen werden von einer Rauminstallation aus überlebensgroßen, androgynen Figuren empfangen, die sich ihnen wehrhaft in den Weg stellen. Heike Kati Barath entwickelt ihre Werke aus einem ernstgemeinten malerischen Blick heraus und schafft einprägsame Motive. Ihr durchdringendes Interesse an der Figur und dem menschlichen Wesen verleiht ihrer Malerei Lebendigkeit. Baraths „Mädchen“ sind, trotz der simplifizierenden Art der Darstellung, ein nicht leicht zu durchschauendes Gegenüber. Frei nach dem Motto des Philosophen Georges Didi-Huberman „Was wir sehen, blickt uns an“ entsteht eine wechselseitige Beziehung zwischen den Figuren und ihrem Gegenüber. Die sichtbaren Seelenregungen der Gestalten können unterschiedlich interpretiert werden. Sie stehend fragend, manchmal provozierend oder von kindlicher Unschuld gekennzeichnet im Raum. Die Rückseiten der „Mädchen“ lassen Weiteres entdecken, einer schwarzen Kehrseite gleich. Hier sind die Motive teilweise nur als schwarze Pinselzeichnungen ausgeführt oder tiefschwarze, rotierende Scheiben. Ein Hasendämon, ähnlich Frank aus dem Film ‚Donnie Darko‘, treibt uns an weiterzugehen. Die Gruppe der Mädchen taucht in der Ausstellung noch ein zweites Mal auf: Nun sitzt sie auf einem langen Holzsteg und blickt auf ein vom Sonnenuntergang pink gefärbtes Gewässer. Zwei der Jugendlichen drehen sich um und fixieren die Besucher*innen, als ob ihr Eintreten in den Ausstellungsraum sie gestört hätte. Das zu Sehende ist auch die Spur von etwas Abwesendem. Sichtbares und Unsichtbares sind aufeinander bezogen, in einer Dialektik der Wahrnehmung und Vorstellung. Der immersive Charakter der malerischen Installation wird durch die Klangkomposition ‚Stoßzonen‘ (2020) von Kilian Schwoon verstärkt. Die Zusammenarbeit mit dem Komponisten ist ein Experiment, das in der Münchner Ausstellung zum ersten Mal erlebbar wird. Die Idee, Malerei mit Sound zu verbinden, entwickelte Heike Kati Barath während ihrer Arbeit am künstlerischen Animationsfilm, der ebenfalls erstmalig als Bestandteil einer Ausstellung gezeigt wird. Baraths jüngsten Arbeiten beziehen immer wieder das Motiv des Mobiltelefons mit ein, so auch bei den großformatigen Kohlezeichnungen von Mensch und Menschin, die fast lebensgroß mit kreisrunden aufgerissenen Augen in die Leere starren. Das Handy jeweils in der linken Hand, schauen sie an uns vorbei in die Unendlichkeit. Der Gesichtsausdruck der beiden nackten Figuren generiert die unterschiedlichsten assoziativen Bilder, wie z.B. an eine erfolgreich durchgeführte Hypnose. Haupt- und Barthaar sind von beträchtlicher Länge, vielleicht um die Scham bald im Haarmantel einhüllen zu können. Dass Malerei sich nicht auf zwei Dimensionen erstrecken muss, wird in der Ausstellungsarchitektur der Künstlerin erfahrbar. Ein Parcour aus Bildern skandiert den Ausstellungsraum. Die durch Holzgerüste getragenen Bilder lassen auf den Rückseiten je ein weiteres Motiv entdecken, einer schwarzen Kehrseite gleich. Holzverschläge, die sich als Trompe-l’œil entpuppen, lassen Fiktion und Realität verschmelzen: Neben einem Bild, das durch die Luft schwebende Bretter zeigt, werden die gleichen gemalten Bretter zur konkreten Architektur im Raum, zur Hütte oder zur Verkleidung eines Pfeilers. Selbst die Protagonisten auf den Bildern greifen in den Raum: So gibt es Bilder von Köpfen, deren Nasen sich aus der Leinwand bis zu einer Pinocchio-artigen Länge strecken und damit die dritte Dimension erobern. Die Faszination der Arbeiten von Heike Kati Barath liegt in ihrer Ambivalenz. Formal schweben die Figuren vor einem farbigen Hintergrund, die Modellierung ihrer Körper ist nicht sehr ausgeprägt, doch treten sie plastisch und dadurch lebendig aus der Leinwand hervor. Ihre Gesichter blicken uns herausfordernd an, sie locken uns, mit ihnen in Kontakt zu treten, und doch weisen sie uns ab. Sie sind wie das Spiegelbild des Narziss, unglaublich anziehend, aber unerreichbar. Zur Ausstellung erscheint ein Katalog mit Textbeiträgen von Prof. Dr. Bernhart Schwenk und Benita Meißner. Die Künstlerin hat zur Ausstellung eine neue Siebdruckarbeit erstellt, die über den DG Kunstraum erhältlich ist. Aufgrund der aktuellen Lage bitten wir Sie, sich vor dem Besuch unserer Ausstellung und der Veranstaltungen über die Art der Durchführung und die Öffnungszeiten auf unserer Website zu informieren. Wir passen unser Programm den Regelungen an und halten sie gerne über unsere Homepage, Facebook, Instagram und unseren Newsletter auf dem Laufenden. **Programm** spring & walk \#welcomeback #muckultur Passend zum Frühlingsanfang laden wir zusammen mit Münchner Galerien, Museen und Theatern am Wochenende vom 20. bis 21. März 2021 zu einem Kunst-/Kulturspaziergang durch die Stadt ein. Mit Maske, ausreichend Abstand und zwei Tagen Zeit werden Kunst und Kultur vor Ort wieder erlebbar. Begib Dich auf Entdeckertour und sei dabei, wir sind’s auch. Samstag, 20.3.2021 Sonntag, 21.3.2021 jeweils von 11 bis 18 Uhr

curator

Benita Meißner 
DG Kunstraum, München

DG Deutsche Gesellschaft für christliche Kunst e.V. | Finkenstraße 4
80333 Munich

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posted 22. Mar 2021

Lucas Blalock. Florida, 1989

27. Feb 202110. Apr 2021
**27.02.2021 - 10.04.2021** ALL-DAY OPENING ON FRIDAY, FEBRUARY 26, 11 AM TO 8 PM Lucas Blalock. Florida, 1989 Eva Presenhuber is pleased to present Florida, 1989, an exhibition of new works by the American artist Lucas Blalock. Florida, 1989 is Blalock’s second solo exhibition with Eva Presenhuber and features photography and sculpture. Lucas Blalock was ten in 1989, when his thumb was crushed beyond repair in a freak accident on Disney World’s “Pirates of the Caribbean” ride and surgically replaced with his big toe. The procedure was somewhat experimental—only a handful of similar operations had been attempted at the time—but it pretty much went off without a hitch, in a utilitarian sense. He exited the surgery one toe short of an even ten, but Blalock was able to maintain nearly normal use of his hand, thanks to his novel cut-and-paste digit. This was the outcome that he and his parents had hoped for when he was loaded into the medical helicopter that whisked him to the hospital, drenched in blood and near catatonic with shock. But, as you might imagine, the psychic and physiological aftermath from the event has been ongoing. Some of this fallout was jarring, disruptive, paradigm-shifting: the trauma triggered an early transition into puberty, and all memories from his childhood before the accident vanished as if they had been sucked into a black hole, never to be recovered. Some of it was more subtle, pushed down just below the threshold of Blalock’s newly adolescent consciousness where it simmered quietly, cooking down a sense of nameless dread into a worldview. There is no aspect of Blalock’s work that was not shaped by this personal tragedy. You can see it in the wonky way he deploys Photoshop to cobble together strange and disturbing new objects and monstrously remixed portraits, in the work’s gnawing sense of disquiet, in the way that he transforms dime store tchotchkes designed to project sunny, childlike optimism into objects of menace. This exhibition marks the first time that Blalock has attempted to grapple with this event directly, or at least as directly as one might expect from an artist whose work is as elusive and allusive as his. The show’s scene is set with a collection of works that exude a sense that we are navigating a shoddily constructed fantasyland. In The Floridian (Urodisny), a sun-drenched wooden tabletop supports a notecard scrawled with childish waveforms resting beneath a sail-shaped piece of pointed metal on which an undulating flamingo-pink object is skewered, evoking Florida’s sun and sand with a slapdash economy of means. Similarly, in Pool Music, Blalock has festooned an empty swimming pool tucked behind a middle-of-the-road Art Deco hotel with a scattered collection of Photoshopped musical notes, a gesture that radiates cloying, insincere good cheer. On the flip side are works like Perforated Landing I, a creepy, dilapidated stairwell punctured with peepholes that look out onto patchwork of colorful materials, suggesting that we are being given a peek behind the scenes of a world of artifice, where things are much darker than they appear on the outside. Interspersed with this scenery are nods toward the unseemly realities of the body—its frailties, its unruliness, its horror—that have been commonplace in Blalock’s work for years, return here freighted with additional psychic weight. His three kinetic sculptures, dubbed “Film-Objects” due to their comically impoverished resemblance to proto-cinematic 19th-century zoetropes, which often depicted human or animal bodies in dynamic, eye-catching motion, ironically point to the body in a state of torpor or death. In other works, objects serve as stand-ins for states of psychosexual distress, like the limp, uncooked hotdog in Single Father, the hirsute medical brace in Hairy Armature, and the sickeningly slick-surfaced, vulva-like object in Rubber Dog Toy Insides, multigraph, a chew toy in the shape of a hotdog that has been cut open and turned inside out, photographed using another popular piece of 19th-century optical trickery. Redolent of the universally relatable shock of puberty, these works suggest that the loss of his appendage became queasily linked to the body’s more natural upheavals. The show is also populated by a bizarre cast of animal familiars and ghostly entities. These kinds of characters have popped up in Blalock’s work before, but they are similarly inflected with new flavors of meaning in the context of this exhibition’s autobiographical turn. For instance, creatures like the disturbingly bulbous-tongued tiger in Blep, or the cartoonishly phallic squirrel in Squirrel, multigraph, seem like they could be members of a troupe like the dwarfs in Snow White and the Seven Dwarfs (1937), if they hailed from a bizzaro Disney universe where libidinal forces were allowed to run wild, rather than remain repressed. Relatedly, the pink, amorphous specters lounging on their loungers in Florida, 1989 are almost cute, until their hollow eyes force the realization that they have been dialed in from some nightmare corner of Blalock’s unconscious, where there’s always trouble in paradise. Animated Dad Shirt, a grotesquely puffed up button down with mangled, club-like arms that has taken on a life of its own, gets further to the heart of this nagging feeling of uneasiness, whose persistence seems to have been the accident’s lasting legacy. Here the archetypal Father—protector, sense maker, authority figure—is revealed to be nothing more than a stuffed shirt, just as the saccharine promises of everlasting happiness and stability spun by the likes of Disney and woven into the fabric of the American Dream were, in a bloody instant, revealed to Blalock to be fraudulent. In the place of these broken fantasies, we are left with the question: just who exactly is in charge here, anyway? Lucas Blalock was born in 1978 in Asheville, NC, US, and lives and works in New York, NY, US. Blalock participated in New Visions, the inaugural edition of The Henie Onstad Triennial for Photography and New Media, Henie Onstad Kunstsenter, Høvikodden, NO (2020); and Whitney Biennial 2019, Whitney Museum of American Art, New York, NY, US (2019). Current and recent solo exhibitions include Lucas Blalock in T-E-L-E-P-H-O-N-E, Abroms-Engel Institute for the Visual Arts, University of Alabama at Birmingham, Birmingham, AL, US (2021); …or, Or, Museum Kurhaus Kleve, Kleve, DE (2019 – 2020); and An Enormous Oar, Institute of Contemporary Art, Los Angeles, CA, US (2019). Blalock’s work is included in the collections of the Whitney Museum of American Art, New York, NY, US; the Solomon R. Guggenheim Museum, New York, NY, US; The Metropolitan Museum of Art, New York, NY, US; The Museum of Modern Art, New York, NY, US; the Hammer Museum, Los Angeles, CA, US; and the Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, CA, US. Chris Wiley

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Lucas Blalock 
Eva Presenhuber, New York

39 Great Jones Street
NY 10012 New York

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posted 21. Mar 2021

SALON REAL / VIRTUAL 6# Salon: Sofie Muller | Movement of the heart

21. Mar 202105. Apr 2021
SALON REAL / VIRTUAL 6# Salon: Sofie Muller | Movement of the heart 21.03.2021 – 05.04.2021 Eröffnung: Sonntag, 21.3., 11 – 15 Uhr [**VIRTUAL 3D GALLERY**](https://artspaces.kunstmatrix.com/en/exhibition/4090317/salon-real-virtual-6-sofie-muller-movement-of-the-heart) Sofie Muller präsentiert Movement of the heart, ein internationales Projekt, das eine neue Serie von Bronzeskulpturen vorstellt. Auferlegte Gefangenschaft kann Gefühle von Angst und Bedrängnis verursachen. Um diese Gefühle zu bekämpfen, entwickelte Muller ihr eigenes Ritual und sammelte im Frühjahr gekeimte Zwiebeln. Auf diese Zwiebeln schrieb oder schnitzte sie Bemerkungen. Sie umhüllte diese mit Ton oder Wachs und formte daraus Herzen. Die entstandenen Herzensformen wurden dann in Bronze gegossen. Im Sommer setzte Muller dieses Projekt während einer Künstlerresidenz im Palazzo Monti in Brescia fort. Dort nutzte sie die Gelegenheit, um Leonardo Da Vincis anatomische Skizzen und seine Theorien über das menschliche Herz ausgiebig zu studieren. 500 Jahre später tritt nun Sofie Müller demütig in Da Vincis Fußstapfen und führt ihre eigenen Forschungsergebnisse zum Herzen durch. Das Ergebnis ist eine neue Serie von 150 Bronzeherzen. Jedes Herz ist ein Unikat. 10 Galerien von Mexiko bis Neuseeland, von Frankreich bis Österreich werden diese neue Serie der Herzen zeitgleich am 21. März 2021, dem Frühlingsbeginn, präsentieren. Dieser Tag markiert den Beginn des Frühlings in Europa - eine Zeit, in der neues Leben gefeiert wird - und der ideale Moment, um nach einem Jahr des Kampfes gegen Covid-19 eine positive Botschaft auszusenden. Wir werden 5 Herzen sowohl im Salon Real als auch im Salon Virtual präsentieren. Die Pandemie hat das Umweltbewusstsein auf der ganzen Welt geschärft. Aus diesem Grund hat Sofie Muller entschieden sich für die Wiederaufforstung der Wälder stark zu machen, indem sie die Non-Profit-Organisation "one tree planted" unterstützt. Pro verkauftem Bronze-Herz wird ein Teil des Erlöses an diese Organisation gespendet, und mit jedem verkauften Herzen werden ca. 50 neue Bäume gepflanzt. We needlessly pollute the fair bosom of our mother earth, rip out her trees to feed our short sighted greed, turning our fertile earth into a sterile desert. Dalai Lama, The Sheltering Tree of Interdependence, 1993 teilnehmende Galerien: Geukens & De Vil (Antwerpen/Knokke, Belgien), Fox Jensen (Sidney/Auckland), Proyectos Monclova (Mexiko-Stadt, Mexiko),Tardino6 (Bakoe, Aserbaidschan), Michaela Stock (Wien, Österreich), Galerie Maskara (Mumbai, Indien), PalazzoMonti (Brescia, Italien), Gallerie Italienne (Paris, Frankreich), Martin Kudlek, (Köln deutschland), Galeria Biala (Lublin, Polen).

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Sofie Muller 
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