daily recommended exhibitions

posted 15. Aug 2020

Guests: Artists and Craftspeople

26. Feb 202018. Oct 2020
Guests: Artists and Craftspeople February 26 - October 18, 2020 Istanbul Modern’s International Artist Residency Program, launched in October 2018 with the support of the Istanbul Development Agency (ISTKA), brings together ten artists from different regions of the world to collaborate with local craftspeople in Istanbul. Invited to rethink and experience Turkey's cultural values with a contemporary attitude, the artists researched various crafts in Istanbul and created new works in the workshops of, and in collaboration with, craftspeople of their choice. These works will be exhibited for the first time in the "Guests: Artists and Craftspeople" exhibition. In addition to these new works, the exhibition will portray the artists’ processes of research and production in Istanbul and their sources of inspiration and interaction in the city. It will also provide information about the artisans who took part in the project. The exhibition focuses on the experience gained by guest artists during their collaboration with craftspeople who represent some of the most important crafts in the production culture of Istanbul over the centuries, and thus also scrutinizes the permeability between art and crafts. The works in the exhibition address the relationship between craft, as in the manufacturing of a product in order to satisfy a need through skill of hand and talent, and art, as in the input of the artist producing his/her original idea as a means to add value to life. Additionally, the exhibition includes objects and historical artifacts borrowed from the Istanbul Metropolitan Municipality (IBB) Directorate of Libraries and Museums collection and the Military Museum at Harbiye; they are examples of crafts that inspired the artists while producing their works and a testimony to the rich craft heritage of Istanbul. Also on display are videos documenting the processes of research and production of each artist and craftspeople. The guests of the International Artist Residency Program studied different crafts: Rodrigo Hernández focused on paper marbling, Outi Pieski on block printing, Servet Koçyiğit on embroidery and quilt making, Benji Boyadgian and Wael Shawky worked with metal masters, and Rana Begum experimented with new production techniques at a metal spinning workshop. The creative projects proposed by the artists with the skill, technical and material know-how of the master craftspeople became part of an extended production experience. The exhibition catalogue, prepared in Turkish and English, includes curatorial text describing the conceptual framework of the exhibition as well as an article by the project consultant, architect and academic Aslı Kıyak İngin about the crafts neighborhoods and production culture in Istanbul. The catalogue also includes texts, photographs and images related to the artists in the exhibition. Artists: Faig Ahmed, Rana Begum, Benji Boyadgian, Rodrigo Hernández, Servet Koçyiğit, Outi Pieski, Randi & Katrine, Wael Shawky and Jorinde Voigt. Curators: Öykü Özsoy and Ümit Mesci Artist assistant: Melodi Gülbaba
ISTANBUL MODERN

Meclis-i Mebusan Cad. Liman Sahasi Antrepo No:4 Karakoy
Istanbul

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posted 14. Aug 2020

BIENNALE GHERDËINA VII

08. Aug 202019. Oct 2020
opening: 27. Jun 2020
**Neue Laufzeit: 8. August bis 19. Oktober 2020 ** BIENNALE GHERDËINA VII Ortisei (St. Ulrich in Groeden, Dolomiten) (27.06.2020 - 09.2020) opening: 27.06.2020 Mit: Agnieszka Brzeżańska, Brave New Alps, Carlos Bunga, Pavel Büchler, Josef Dabernig, Aron Demetz, Habima Fuchs, Henrik Håkansson, Petrit Halilaj and Alvaro Urbano, Ingrid Hora, Paolo Icaro, Hans Josephsohn, Lang/Baumann, Tonico Lemos Auad, Kris Lemsalu, Sharon Lockhart, Myfanwy MacLeod, Antje Majewski (with Paweł Althamer, Agnieszka Brzeżańska, Alioune Diouf, Cecilia Edefalk, Paweł Freisler, Gregor Prugger), Marcello Maloberti, Franz Josef Noflaner, Paulina Ołowska, Pakui Hardware, Maria Papadimitriou, Nicolas Party, Stefan Rinck, Hermann Josef Runggaldier, Marinella Senatore, Paloma Varga Weisz. Kurator: Adam Budak Es freut uns, darauf hinzuweisen, dass die Biennale Gherdëina von 27. Juni bis Mitte September 2020 zum 7. Mal nach St. Ulrich zurückkehrt. Die Biennale Gherdëina ist 2008 als Parallelveranstaltung zur Manifesta 7 entstanden und hat sich seitdem kontinuierlich weiterentwickelt. 2020 findet die zweijährliche Kunstinitiative zum 7. Mal in Gröden statt. 2020 haben die Organisatoren das dritte Mal den renommierten Kurator Adam Budak zur inhaltlichen Erarbeitung der Biennale berufen. Nach „from here to eternity“ 2016 und „writing the mountains“ 2018 beschließt Adam Budak mit diesem letzten Kapitel seine Kuratoren-Trilogie. Die Biennale Gherdëina VII wird sich unter dem Titel „dictionary of worldmaking“ auf die Bedeutung von politischen Gesten im Sinn eines aktiven Einwirkens auf das Weltgeschehen konzentrieren und ihr Augenmerk auf die dynamische Kraft und Widerstandsfähigkeit von Menschen als Natur- und Kulturwesen legen. Auch für diese Ausgabe der Ausstellung werden rund 20 renommierte internationale und lokale Künstlerinnen und Künstler dazu eingeladen, sich mit der Region, der Landschaft, der Kultur, der Geschichte und der Bevölkerung sowie dem öffentlichen Raum auseinanderzusetzen. Neu hinzu kommt 2020 die künstlerische Vertiefung und Aufarbeitung von sozialen und gesellschaftspolitischen Themen. Ein erster Lokalaugenschein hat Ende 2019 mit dem Kurator Adam Budak und den Künstlerinnen und Künstlern Antje Majewski, Ingrid Hora, Lang&Baumann (Daniel Lang und Sabine Baumann), Maria Papadimitrou, Marinella Senatrice und Olivier Guesselé-Garai stattgefunden. Beim zweiten Lokalaugenschein Ende Jänner 2020 werden Agniesyka Bryeyanska, Habima Fuchs, Henrik Håkansson, Josef Dabernig, Marcello Maloberti, Myfanwy Macleod und Pavel Buchler anwesend sein. Eine erste Begegnung mit dem Kurator sowie mit einigen Künstlerinnen und Künstlern ist bereits am Freitag, 24. Jänner um 19 Uhr in der Galleria Doris Ghetta (Pontives 8, Lajen) möglich: Adam Budak (Kurator Biennale Gherdëina und Chefkurator der Nationalgalerie Prag), Josef Dabernig (Künstler und Filmemacher), Walter Moroder (Bildhauer, St. Ulrich) und Julia Frank (Künstlerin) diskutieren im Gespräch unter der Moderation von Sabine Gamper zum Thema „Identifikation und Beziehung“. Unterstützt und finanziert wird die Biennale Gherdëina von der Autonomen Region Trentino-Südtirol, der Autonome Provinz Bozen, den Gemeinden Grödens, dem Tourismusverein St. Ulrich, der Gemeinde St. Ulrich, der Stiftung Südtiroler Sparkasse sowie von privaten Unternehmen und von den Freunden der Biennale Gherdëina.

curator

Adam Budak 
Biennale Gherdeina, Ortisei / St. Ulrich

Pedestrian Precinct | Rezia Street, 2-59
39046 Ortisei / St. Ulrich

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posted 13. Aug 2020

Christo et Jeanne-Claude. Paris !

01. Jul 202019. Oct 2020
Christo et Jeanne-Claude. Paris ! 01.07.2020 - 19.10.2020 curated by Sophie Duplaix As of 1975, Christo and Jeanne-Claude developed the idea of wrapping the Pont-Neuf in Paris in a golden sandstone-coloured polyamide canvas, which would cover the sides and the vaults of the bridge's twelve arches, the parapets, the edges and the footpaths (the public could walk on the canvas), its 44 lamps and the vertical walls of the central island of the western end of Île de la Cité and the Esplanade du Vert-Galant. The major exhibition devoted to Christo and Jeanne Claude retraces the story of this project, from 1975 to 1985, and looks back at their Parisian period, between 1958 and 1964, before the wrapping of the Arc de Triomphe in 2021.

curator

Sophie Duplaix 
Centre Pompidou, Paris

MUSÉE NATIONAL D'ART MODERNE - CENTRE GEORGE POMPIDOU | Place Georges-Pompidou
F-75004 Paris

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posted 12. Aug 2020

BAKELIT. Die Sammlung Georg Kargl

15. Jul 202026. Oct 2020
BAKELIT. Die Sammlung Georg Kargl Mi, 15.07.2020–Mo, 26.10.2020 MAK – Museum für angewandte Kunst Erstmals beschäftigt sich das MAK in einer Sonderausstellung mit einem historischen Kunststoff und seiner Rolle im Design und in der Kulturgeschichte. Anlass dazu bietet die Präsentation ausgewählter Stücke aus der Bakelit-Sammlung des Wiener Galeristen Georg Kargl (1955–2018), der dem MAK eng verbunden war. Kargl war nicht nur ein bedeutender Protagonist der Wiener und internationalen Kunstszene sowie Experte der Wiener Moderne im Bereich der angewandten Kunst, sondern auch ein großer Kenner und leidenschaftlicher Sammler von Bakelit. Der erste echte Kunststoff der Geschichte trägt den Namen seines Erfinders: Der belgische Chemiker Leo Hendrik Baekeland (1863–1944) hatte in den USA an der Entwicklung eines kostengünstigen Isolationsmaterials für die Elektroindustrie als Ersatz für bis dahin eingesetzte Naturmaterialien wie Schellack und Zelluloid geforscht. Ab 1899 beginnt Baekeland mit der Arbeit, 1907 konnte er sein Ersatzprodukt auf Basis des Kohlenwasserstoffproduktes Phenol patentieren und den vollsynthetischen Kunststoff „Bakelit“ nennen. Ab seiner Markteinführung im Jahr 1920 wurde Bakelit aufgrund seines Härtegrades und seiner Hitze- und Säurebeständigkeit zum Material der Stunde für die Technik und Elektroindustrie im Zeitalter der Konsumgesellschaft und industriellen Massenproduktion, dem „Machine Age“. Erst später wurde es auch wegen seiner ästhetischen Qualitäten geschätzt, bedeutende Designer nutzten die Produkttechnologie in ihren Entwürfen für Massenprodukte im neuen „Streamline Design“. Rund 300 Objekte aus formgepresstem Bakelit-Komposit geben einen Überblick über die Einsatzmöglichkeiten des Materials. Die strenge Ästhetik dieser Objekte resultiert aus der intrinsischen Beziehung zwischen erwarteter Funktion, technologischen Eigenschaften und Möglichkeiten des Materials sowie den verfügbaren Verfahren. In einem eigens für die Ausstellung entworfenen Display des Künstlers Mladen Bizumic werden die Objekte in 14 Sachgruppen präsentiert. Begleitende Texte, erarbeitet vom kuratorischen Team, erörtern die Geschichte eines Materials, das als erster Kunststoff die Produktion des frühen 20. Jahrhunderts revolutionierte und maßgebliche gesellschaftliche Bedeutung entfaltete. Als Dokumente der Ästhetik der ersten Phase der Vollmechanisierung der modernen Gesellschaft haben Bakelit-Objekte einen unbestrittenen Stellenwert in der Designgeschichte. Die weitere Entwicklung von Kunststoffen wurde von sich wandelnden wirtschaftlichen Überlegungen bestimmt und zunehmend von ökologischen Fragestellungen beeinflusst. Heute erfüllt Bakelit als weder abbau- noch recycelbares Vollsynthetik-Material nur noch eine Nischenfunktion. Wie damals befinden wir uns auch heute an der Schwelle eines neuen Produktionszeitalters. Die Bakelit-Sammlung von Georg Kargl regt zur grundsätzlichen Reflexion über neue Materialien und ihre Bedeutung für die gesellschaftliche Entwicklung in einer Zeit des Umbruchs an. Kuratorisches Team: Rainald Franz, Gerson Lessa Künstlerische Ausstellungsgestaltung: Mladen Bizumic Technische Koordination: Itai Margula Dank an Inés Lombardi
MAK Wien

MAK | Stubenring 5
A-1010 Vienna

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posted 11. Aug 2020

Daniel Buren a Bergamo

09. Jul 202001. Nov 2020
**09.07.2020 — 01.11.2020** Location: PALAZZO DELLA RAGIONE, SALA DELLE CAPRIATE Piazza Vecchia, 5 24129 Bergamo Daniel Buren a Bergamo a project by GAMeC curated by Lorenzo Giusti For safety reasons, no inauguration is foreseen. The exhibition is on view from July 9 – November 1, 2020

artist

Daniel Buren 

curator

Lorenzo Giusti 
GAMeC Bergamo

Via San Tomaso, 53
24121 Bergamo

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posted 10. Aug 2020

MAGIA NATURALIS

26. Jun 202028. Aug 2020
MAGIA NATURALIS by Boyan Manchev and Vesselina Sarieva Phase I Bignia Wehrli, Marta Djourina, L Texts: Boyan Manchev, Vesselina Sarieva June 26 – August 28, 2020 Opening: June 26, 2020, 17:00 – 20:00, SARIEV gallery, Plovdiv SARIEV gallery, Plovdiv is pleased to present Magia Naturalis – an ambience of artworks, texts, situations. Magia Naturalis will take place as an exhibition in the gallery space at Otets Paisiy Str. in Plovdiv between June 26 and August 28, 2020. The parallel dimension of Magia Naturalis will present a series of philosophical and poetic interventions that will expand its experimental and investigative stakes. Its first phase will take place as a philosophical laboratory on www.boyanmanchev.net/blog, starting on June 26, 2020, 20:20. Is nature an artist? Is creation peculiar to stars, metals, fire? What does the stone imagine? What does the cloud want? Moving away from poeticising that has been divested of its creative power, Magia Naturalis will take on these questions, in all seriousness and on the level of their eccentricity, in order to elevate them to an experimental dimension: a dimension of the possibility of (creative) subjectivity beyond the bounds of the human. Magia Naturalis will therefore open up an experimental space of reflection where simulated possibilities of the unimaginable (forthcoming) nature and the unimaginable (forthcoming) art will be investigated. It is not a question about nature conceived as an ungraspable origin duly furnished as a museum herbarium – it is about nature as an ever forthcoming unimaginable force, as an art of what is yet to come. The concept of magia naturalis, natural magic, has been developed by Renaissance humanists and expresses the heretic notion of creative acts produced by natural forces and of nature itself as a creator. This concept is at the very heart of alchemy and astrology, while giving impetus to the development of natural sciences. The magical power of nature: uncanny figures, unimaginable forces, non-human desires. Magia Naturalis, a meeting ground of complicities, coincidences and clashes, explores nature as force by way of fantastic philosophical acts and unexpected transformations of artistic media. It operates not so much with objects, acts or relations, as with a scope of intensities where ephemeral constellations and stark powerful lines flash forth. In this respect, the exhibition raises the question of cooperation: the agents, the subjects, the forces. The forces that animate concepts and (art)works. Natural magic: an experimental possibility for creative intervention into the space-time coordinates of a singular system of relations, which sustains it on the level of a delicate, yet intensive meta-stability. Phase I of Magia Naturalis will be presenting artworks by Bignia Wehrli, Marta Djourina and L, sharing the space of Boyan Manchev’s philosophical laboratory, along with a poem in progress by Vesselina Sarieva. The works exhibited will act both autonomously and heteronomously: as autonomous agents, yet also as symptomsin a process of multifold stimulation of the reflexive domain of creation along the line of experiment and investigation. The common space of this encounter is founded on the shared desire for transformation of forms and the invention of new forms; of new techniques for their emergence. Suspended in time, it is a space that looks forward to the future: a trace of light of a matter yet to be. Boyan Manchev and Vesselina Sarieva

artists & participants

Marta Djourina,  L ,  Bignia Wehrli 
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posted 09. Aug 2020

The Absence of Mark Manders

04. Feb 202023. Aug 2020
Artist Portrait: Mark Manders The Absence of Mark Manders 04/02/2020 – 23/08/2020 Opening: in the presence of the artist, Sunday 2 February – starts at 3pm, free admission The Bonnefanten is starting off the new year with the extensive retrospective The Absence of Mark Manders. It is already five years since the last solo exhibition by Mark Manders (Volkel, 1968) on Dutch soil. This new retrospective shows how Manders’ exceptional oeuvre is continually developing organically: from revisions of older work up to his latest creations. The exhibition therefore forms both a retrospective of Manders’ work and a new step in his artistic process. Self-portrait as a building All the work created by Manders is part of a large self-portrait: the ‘Self-portrait as a building’, his magnum opus on which he has been working since 1986. The self-portrait is added to and revised over the years. The public sees a snapshot of this oeuvre, which is continually in motion. When Manders has made a work, he leaves it behind in his ‘building’, thus forging an unbreakable bond between artist and artwork. The rooms in The Absence of Mark Manders can be regarded as the rooms of his building. The works have been ‘left behind’ by the artist in three different zones. First, the visitor enters The living room, then The museum, and finally The studio. According to Manders, all the works are interchangeable and can be put into a different context: ‘like words in a sentence can also be used in different combinations’. In the exhibition, you walk through Manders’ self-portrait. At the place where he ‘has thought and acted’. This brings the viewer very close to the artist. In The Absence of Mark Manders, it seems as if the artist has walked out of his ‘building’ for a moment. His work is presented in an intimate and dynamic way, and the exhibition focuses on the artistic process, which plays a central role in Manders’ oeuvre. Attention is also paid to the often paradoxical nature of Manders’ work: his relationship to time, in which he searches for a balance between movement and timelessness, and his relationship to language, in which he walks the borderline between precision and universality. Mark Manders has been regarded as one of the most important Dutch artists for years already and his work is well represented in the Bonnefanten’s collection. In 2013, Manders had a big international breakthrough when he represented the Netherlands at the Venice Biennale with, for example, the iconic work Mind Study, which was acquired by the Bonnefanten after the biennale. One of his most recent projects was shown in Central Park, New York, in 2019. Manders created the four-metre-high statue Tilted Head at the request of the Public Art Fund, the foundation that commissions renowned artists to create works for the public space in New York. His work is now included in the collections of more than 50 international museums, such as the Museum of Modern Art in New York, Moderna Museet in Stockholm, and the Museum of Contemporary Art in Tokyo. Publication The exhibition is accompanied by an artist’s book published by ROMA, entitled Composition with Yellow Verticals. Later on, an exhibition catalogue will also be published entitled The Absence of Mark Manders, which will be available from the museum shop and online.

artist

Mark Manders 
Bonnefantenmuseum, Maastricht

Avenue Céramique 250
NL-6201 BS Maastricht

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posted 08. Aug 2020

Mary-Audrey Ramirez. Into A Graveyard From Anywhere

20. Jul 202023. Aug 2020
**20.07.2020 - 23.08.2020** MARY-AUDREY RAMIREZ INTO A GRAVEYARD FROM ANYWHERE 20. Juni bis 23. August 2020 Überlebensgroß genähte, gebändigte wilde Kreaturen belagern die installativen Inszenierungen von Mary-Audrey Ramirez (*1990 in Luxemburg). Gemeinsam mit textilen Zeichnungen und Objekten erzeugen sie eine fantastische Welt voller popkultureller Zitate: Filme wie Star Wars (seit 1977), Serien wie Stranger Things (seit 2016) und Videospiele wie Tomb Raider (1996-2018) beeinflussen als Teil des kollektiven Bildergedächtnisses mehr oder minder subtil unsere Sicht auf Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft sowie auf Gesellschaftsstrukturen und Geschlechterverhältnisse. Als ebensolches Aggregat unterschiedlichster Inspirations-quellen bewaffnet uns INTO A GRAVEYARD FROM ANYWHERE gleich zu Beginn mit einer übergroßen Labrys, die uns imaginär durch ein zugleich irdisches sowie außerirdisches Geschehen begleitet: Eine Ansammlung aus der Erde unter ihnen erwachsener, wie hypnotisiert auf einen Bildschirm starrender Kreaturen. Ein Bildschirm im Mobiltelefonformat, der durch einen computergenerierten, unendlich wirbelnden Strudel in die Tiefen einer digitalen Bildwelt zieht. Ein geflüchtetes, wie mit schwarzem Latex übergossenes Geschöpf, das wie erstarrt im Raum steht. Ein mit gesenktem Kopf zugleich unterwürfiges, aber auch angriffslustiges fremdartiges Wesen, das den Weg versperrt. Eine schwarze, schleimähnliche Spur, die von dessen Schwanz zu einem an einem Netz aus Stahlketten fixierten Organismus führt. Absturz, Landung, archäologische Ausgrabungsstätte? Eine Schar rosafarbener, zyklopischer Geschöpfe, die jenes tentakelartige Gebilde forsch erklimmen, die Spur auf dem Boden inspizieren, sich aufgeregt verstreuen. Und eine mit farbigen Fäden durchstochene Leinwand, auf der ungestüme Ameisenwesen einer vor einem strudelartigen Portal wachenden weiblichen Figur blutige Körperteile darbieten. Mary-Audrey Ramirez schafft mit ihrer eigens für den Dortmunder Kunstverein entstandenen Installation eine Momentaufnahme einer unwirklichen und rätselhaften Szenerie, die uns trotz oder gerade wegen ihrer Fülle an Fremdartigkeiten fasziniert: Die Kreaturen sind wild und gebändigt, devot und dominant, unheimlich und niedlich. Die glatten, weichen Stoffe scheinen wie hartes Plastik oder Wachs zu schmelzen und die spiegelnden, holografischen Flächen seltsam digital – so als würde man aus einem schrägen Winkel auf einen Bildschirm blicken und sich das Bild vor unseren Augen immer wieder verändern. Die Grenzen zwischen Realität und Fiktion zerfließen. Haben wir unsere Gedanken noch unter Kontrolle? Alles scheint in Metamorphose, im Übergang von einem Zustand zum folgenden, von einer Welt in die andere, von einer Deutung zur nächsten. So entstehen auch Ramirez‘ textile Zeichnungen, von denen auch eine in der Ausstellung zu sehen ist, in Anlehnung an die von den Surrealisten zum Ausdruck des Unbewussten angewandte Methode der écriture automatique (automatisches Schreiben) sowie an die Décalcomanie (Abklatschtechnik) Max Ernsts. Bei ihrer Fertigung wechselt die Künstlerin von der aktiven, gestaltenden in die passive, ausführende Rolle und überlässt der Quiltmaschine das Nähen bzw. das Zeichnen. Mit farbigen Fäden ausgerüstet, rattert sie in Geradstich über ein Stoffstück, das von Ramirez intuitiv bewegt wird. Es entsteht eine Skizze aus gestisch anmutenden Linien, ein Wirrwarr, aus dem Muster, Objekte sowie Figuren auftauchen und aus denen anschließend, von Ramirez akzentuiert und erweitert, traumähnliche Bilder voller Symbole und narrativer Ebenen erwachen. Mary-Audrey Ramirez gibt Geschichten Gestalt. Im digitalen Raum geboren bzw. von ihm inspiriert, fragen ihre Arbeiten danach, wie sich Virtuelles in Physisches übersetzen lässt und offenbaren das Scheitern beim Transfer der künstlerischen Medien: Das perfekte, glatte, auf Bildschirmen zum Leben Erweckte, schleicht sich als eindeutig Handgemachtes in unsere Gegenwart. Die immer mehr miteinander vermischten Sphären beflügeln sich, weisen sich aber auch immer wieder gegenseitig in die Schranken. So veranschaulichen Ramirez‘ Installationen und die sie belagernden Kreaturen, die digitalen Parallelwelten als Stellvertreter sowie Surrogate unserer Sehnsüchte, Bedürfnisse und Träume, aber auch Ängste und Befürchtungen. Sie können als Menetekel der Auswirkungen der technischen Revolution auf die conditio humana gelesen werden, zeugen aber stets gleichwohl von der Faszination, Lust und Freude am Eskapismus. An eben jenem inspirierenden Eskapismus, den nur die Kunst – ganz gleich in welchem Medium – zu schaffen im Stande ist. Kuratiert von Linda Schröer * Zur Ausstellung wurde von pirate_sheep ein „Face-Filter“ kreiert, 
der auf der Instagram-Seite des Dortmunder Kunstvereins abrufbar ist: 
https://www.instagram.com/dortmunderkunstverein

curator

Linda Schröer 
Dortmunder Kunstverein

Dortmunder Kunstverein | Park der Partnerstädte 2 / Brinkhoffstraße 2
44137 Dortmund

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posted 07. Aug 2020

Edith Dekyndt - The Black, The White, The Blue

15. Feb 202030. Aug 2020
**From 15 February to 30 August 2020** Edith Dekyndt The Black, The White, The Blue (February 15–May 3, 2020) At Le Grand Café, Edith Dekyndt revisits her installation The Black, The White, The Blue, recently created for the Kunsthaus Hamburg. Her project responds to port operations in Hamburg as in Saint-Nazaire, evoking the international freight trade and in particular the containers of used consumer goods sent from Europe towards the world's most fragile regions. In the exhibition, Edith Dekyndt symbolically assembles this waste into spatial arrangements that make apparent the interrelation of human beings, the material world and the natural elements. Her minimalist and sensitive visual language magnifies the silent energies of the transformative processes at work. The dissolution, alteration and crystallisation of objects and materials establish an atmosphere that conveys both brutality and fragility. Biography Born in 1960, lives and works in Brussels (Belgium) and Berlin (Germany) Recent solo shows: 2019, The Black, The White, The Blue, Finkenwerder Art Prize, Kunsthaus Hamburg They Shoot Horses, Hamburger Kunsthalle, Hamburg The Lariat, VNH Gallery, Paris, France 2018, The Ninth Wave, Beaufort, Monument to King Albert 1st, Nieuwpoort, Belgium 2017, Blind Objects, Carl Freedman Gallery, London, UK 2016, Ombre indigène, Wiels, Brussels

artist

Edith Dekyndt 
Le Grand Café, Saint-Nazaire

Place des Quatre z'horloges
F 44 600 Saint-Nazaire

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posted 06. Aug 2020

NEUSPRÉCH

03. Jul 202013. Dec 2020
**ab 3. Juli ** NEUSPRÉCH Eine Ausstellung im Zentrum für Künstlerpublikationen 03.07.2020 - 13.12.2020 Wir freuen uns, dass NEUSPRÉCH ab 3. Juli im Zentrum für Künstlerpublikationen zu sehen sein wird. Die von den Künstlern Oliver Ross und Simon Starke in Kooperation mit Bettina Brach kuratierte Ausstellung sollte im April starten. Coronabedingt wurde sie verschoben. Vorab möchten wir in Newslettern und auf der Ausstellungs-Seite regelmäßige Einblicke in die Hintergründe des Projekts geben und die zwölf beteiligten Künstler*innen vorstellen. Heute der dritte Beitrag: Gunter Reski. Gunter Reski (*1963) ist schreibender Maler. Eigentümlich deformierte Wörter und Sentenzen, die überall in seinen Bildern herumgeistern, sind zeitweise fast zu seinem Markenzeichen geworden – jedenfalls gibt es nichts Vergleichbares. Alles an seinen Bildgeschichten steht irgendwie unter Druck. Gelegentlich wird der Bildraum auch gesprengt und in fraktalen Gebilden und Schreibformen in Mal- oder Collageform auf die Wand gebracht oder gar als meterlange Erzählungsbildtapeten raumgreifend installiert. Seine Schreibmalkonstellationen scheinen Zugang zu einer Fülle oder Überfüllung von Empfindungen und Ideen aus dem Alltag gefunden zu haben, die sich nur im Malakt ereignen können. Gunter Reski versteht sich dezidiert als Maler, schreibt allerdings auch jede Menge brillante Kritiken und Kolumnen und kuratiert Ausstellungen. (Oliver Ross/Simon Starke). Gunter Reski studierte von 1986 bis 1992 Freie Kunst an der Hochschule für bildende Künste Hamburg, bei KP Brehmer und Gotthard Graubner. Seine Arbeiten waren in zahlreichen Ausstellungen zu sehen, so z.B. in den Einzelpräsentationen Doktor Morgen, neue Sorgen borgen im Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen in Düsseldorf (2013), Organwanderung jetzt in der Galerie Nagel Draxler in Köln (2018) und Temporäre Haut in der Galerie Karin Guenther in Hamburg (2019). Außerdem kuratierte er Projekte und Ausstellungen. Seit 2013 ist er Professor für Malerei an der Hochschule für Gestaltung Offenbach. Zuvor lehrte er in Hamburg, Oslo und Berlin. Gunter Reski erhielt unter anderem das Stipendium der Barkenhoff Stiftung Worpswede (1997), das Arbeitsstipendium Stiftung Kunstfonds (2011) und den Edwin-Scharff-Preis in Hamburg (2013). Für zahlreiche Kataloge verfasste er Beiträge, seine Texte erschienen zudem in Texte zur Kunst und vielen weiteren Zeitschriften und Publikationen, veröffentlicht auch auf seiner Internetseite. Gunter Reski lebt in Berin. Künstler*innen der Ausstellung: Armin Chodzinski (mit einem Vortragsraum und neuen Lehrfilmen) Hans-Christian Dany (mit einer Vortrags-Einlassung zu NEUSPRÉCH) reproducts (mit filmisch-hypnotisch-poetischen Farbtherapien) Gunter Reski (mit einem halb geschriebenen, halb gemalten Wand-Journal) Oliver Ross (mit einem Kunst-Beichtstuhl) Ingrid Scherr und Peter Lynen (mit einer gemeinsamen Raum-Installation) Aleen Solari (mit einer schlecht beleuchteten Wand-Boden-Situation) Simon Starke (mit einer illustrationsbestückten Lehrtafelabfolge) Andrea Tippel (mit ihrer tapezierten Andrealismus-Bibliothek) Jan Voss (mit einer ortsbezogenen Ein- und Auslassung) Annette Wehrmann (mit einem bisher unveröffentlichten Zeichnungskonvolut)
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posted 05. Aug 2020

Zheng Bo. The Soft and Weak Are Companions of Life

18. Jun 202029. Aug 2020
Zheng Bo The Soft and Weak Are Companions of Life 18.06.2020–29.08.2020 Kunsthalle Lissabon presents The Soft and Weak Are Companions of Life 柔弱者生之徒, the first solo show in Portugal by Hong Kong-based Zheng Bo. The exhibition opens to the public from June 18 to August 29, 2020. Due to COVID-19's safety measures, there will not be an opening event. Historically, in most of Western principles, values, and rights, the human species always occupies the main role. Marginalizing the natural element has led us today to have a low awareness and respect for life forms other than humans and animals. Nowadays a lot of people simply don’t know which kind of plants surround their houses and characterize their cities, and most of the time, empathy with ecological issues doesn’t always correspond to a real knowledge of them, creating just a fake awareness and physical distance from what really lives around us. Zheng Bo tries to reduce this distance going beyond a simple conceptual approach to the knowledge of plants. Pushing the idea of intimacy, the artist gives us an example of a possible heightened relationship between men and vegetal world, overturning, in the meantime the anthropocentric vision we have of nature. But the ferns represent also the neglected and the queer in a standardized nature-culture, pointing, in this way, to the urgent need to expand our notions of interspecies relations, communities, and counterpublics. A new series of drawings titled Drawing Life opens the show at Kunsthalle Lissabon. Zheng Bo has been walking on Lantau Island - where he lives in Hong Kong - and making a drawing of local plants every day since late spring this year. He notes the names of the plants that he could recognize, but since there are always more plants to draw and identify the text on each drawing always ends with "etc." This is the first time he exhibits a selection of these drawings. With Pteridophilia 1-4 (deriving from the Greek pterid- “fern” and -philia “love”) Zheng Bo films young men making close contact with various kinds of ferns in a Taiwan forest. Men establish emotional and physical relationships with the plants: they lick, wrap, stroke, bite, ingest, and fuck them, showing us an infinite number of possibilities of vegetal-human intimacies. Zheng reflects on our current moral outlook questioning our ethical quandary. Where does human exploitation of plants start and where does it end? Why is it “natural” to eat plants but “unnatural” to make love to them? The Soft and Weak Are Companions of Life 柔弱者生之徒 is a sentence from Chapter 76 of Dao De Jing, the Daoist text written in the 4th century BC. Dao De Jing is written in Classical Chinese, which poses a number of challenges to complete comprehension. As Daoist scholar Holmes Welch observes, the written language "has no active or passive, no singular or plural, no case, no person, no tense, no mood.” So, the entire text is open to a huge range of interpretations. In this vast horizon of alternatives, Zheng Bo, with his videos, his taxonomies, and his philosophy gives us the possibility to rethink the entire human system of categorizations of knowledge about nature. Zheng Bo’s invitation is to combine all the elements we have available around us, trying to find all the different combinations out of them, optimizing all the potentialities belonging to plants and humans, in order to acquire the best from each one and generate new harmonies. Zheng Bo (Beijing, 1974) in a Hong Kong based artist. His practice has been concerned with ecology, participatory projects, marginalized communities, and gender themes in order to reflect on our cosmology. He has worked with a number of art spaces in Asia and Europe, most recently ICA at NYU Shanghai, @KCUA in Kyoto, Asia Art Archive in Hong Kong, Parco Arte Vivente in Torino, TheCube Project Space in Taipei, and Villa Vassilieff in Paris. His works have been included in the performance program of the 58th Venice Biennale, Manifesta 12, the 11th Taipei Biennial, and the 11th Shanghai Biennial. The Kunsthalle Lissabon is kindly supported by República Portuguesa / DGArtes, Coleção Maria e Armando Cabral.

artist

Zheng Bo 
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posted 04. Aug 2020

12th Mercosul Biennial 2020

16. Apr 202031. Aug 2020
**April 16–August 31, 2020 ** * **12th Mercosul Biennial 2020** (09.04.2020 - 05.07.2020) Andrea Giunta appointed chief curator of Biennial 12 Three months of world-wide isolation have gone by. Museums are closed, as well as biennials and fairs. The Mercosur Biennial, which has been held in Porto Alegre, Brazil, for over 20 years, should have started its 12th edition—Feminine(s): visualities, actions and affections—on April 16, but we have not been able to install it in the exhibition spaces. Our first concern was to know how our team and the artists were. We asked them to send us a video from wherever they were. After just a few days, we found ourselves with 54 testimonials of affection, connecting 70 artists from more than 20 countries and four continents. We then thought to do an on-line Biennial. We did it because we asked ourselves: is the world we knew back in March the world we want to return to? What do we do "in the meantime"? For two months we organized the exhibition—or experience—with all its videos and photographs on the Biennial website. At this time, art shows its relevance so we can all think and reflect together. We started an Educational Program for which 1,400 educators applied. Today, the Biennial thrives thanks to on-line classes that reach thousands of students in Brazil. We have created specific programs to energize the corridors of this art experience, building meeting spaces between artists, curators, the public and educators. The voices of black women were participating in first person on these actions, taking their perspective as the conceptual axis for the creation of labs and activities. “An exhibition is a tornado.” “An exhibition is not just what we see.” These were some of the sentences we utter when we think of works of art in a physical space. With the works available on-line, we now know that the Biennial is what we had to do to stay active and close together "in the meantime." What we have experienced in these months has an impact on our lives, on our thoughts, and on our bodies. Our future in art will probably not look like our past. We dreamed about installing this Biennial in a physical space, but sanitary measures will regulate our wish. No art program can put human lives at risk. Given the world’s standstill, we chose to think about this critical present. We do not believe things will go back to "normal" after the pandemic. The Mercosur Biennial invites you to visit its website to find out more about its artists and their works, as well as watch the cell phone recordings they shot from where they were during this pandemic. We hope to meet you in the city of Porto Alegre, with the works and the artists. Meanwhile, we share with you what we have done in these three months, and we invite you to discover the on-line version of the 12th Biennial. Biennial 12 Artists: Alejandra Dorado, Aline Motta, Ana Gallardo, Ana Lira invites Marta Supernova, Ola Elhassan and Suelen Mesmo, Arpilleras MMDH, Brígida Baltar, Carmela Gross, Carole Condé & Karl Beverigde, Cecilia Vicuña, Chiachio & Giannone, Claudia Paim, COCO, Cristina Schiavi, Dana Whabira, Daniela Ortiz, Eliana Otta, Elina Chauvet, Élle de Bernardini, Eneida Sanches, Esther Ferrer, Eugênia Vargas, Fátima Pecci, Geta Bratescu, Gladys Kalichini, Gonzalo Elvira, Grete Stern, Guerrilla Girls, Gwladys Gambie, Helô Sanvoy, Janaína Barros, Janet Toro, Jessica Kairé, Joiri Minaya, Jota Mombaça, Judy Chicago, Juliana dos Santos, Juliana Góngora, Juliana Vidal, Julieta Hanono, Kan Xuan, Kimiko Yoshida, La Vaughn Belle, Lídia Lisboa, Liliana Porter e Ana Tiscornia, Liuska Astete Salazar, Lorraine O'Grady, Lucia Laguna, Lungiswa Gqunta, Marcela Astorga, Maruch Sántiz Gómez, Mirella Maria, Mónica Mayer, Mujeres Públicas, Musa Michelle Mattiuzzi, Natalia Iguiñiz, Nosotras Proponemos, Nury Gonzalez, Pau Delgado Iglesias, Paz Errazuriz, Pedro Lemebel, Priscila Rezende, Rahima Gambo, Renata Felinto, Rosana Paulino, Sandra de Berduccy, Santarosa Barreto, Sebastián Calfuqueo, Vera Chaves Barcellos, Zorka Wollny.
Mercosul Biennial Porto Alegre

Rua dos Andradas, 1234
90020-008 Porto Alegre

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posted 03. Aug 2020

a changing ratio | rosemarie castoro and liz deschenes

10. Jul 202022. Aug 2020
a changing ratio | rosemarie castoro and liz deschenes 10 Juli - 22 August 2020 a changing ratio präsentiert ein generationenübergreifendes, weibliches Duo-Statement zur Post-Minimal Art mit den zwei US-amerikanischen Künstlerinnen Rosemarie Castoro und Liz Deschenes. Der Dialog dieser beiden weiblichen Positionen stellt eine erweiterte Perspektive der Post-Minimal Art vor, die als Ergänzung zu ihren Protagonisten seit den 1960er Jahren gesehen werden kann und zum ersten Mal im deutschsprachigen Raum gezeigt wird. Die Werke von Rosemarie Castoro und Liz Deschenes vereinen eine formale wie inhaltliche Auseinandersetzung mit medialen Grenzen und eine auf zeitliche Prozesse ausgelegte Arbeitsweise, die in der Tradition der Minimal Art stehen, aber auch darüber hinaus einen freien Umgang mit Materialität veranschaulichen. Die Beschäftigung mit medienspezifischen Eigenschaften, deren Übertragung in andere Gattungen sowie die Überwindung eines traditionellen Medienbegriffs werden besonders deutlich in den raumgreifenden Werken. Die Ausstellung zeigt, wie sich das Schaffen beider Künstlerinnen ausgehend von ihren Anfängen im Bereich der monochromen Malerei in ein experimentelles, medienübergreifendes Feld einer prozesshaften Arbeitsweise und später ins Räumliche und hin zu einer den Körper miteinbeziehenden Reflexion öffnet. Besuchen Sie auch unseren Viewing Room für einen Einblick in das vielschichte Œuvre von Liz Deschenes und Rosemarie Castoro über die Werke der Ausstellung hinaus. Die Ausstellung findet in Kollaboration mit Galerie Thaddaeus Ropac London • Paris • Salzburg und Unterstützung von Miguel Abreu Gallery New York statt.

artists & participants

Rosemarie Castoro,  Liz Deschenes 
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posted 02. Aug 2020

Verena Dengler. Die Galeristin und der schöne Antikapitalist auf der Gothic G’stettn

03. Jul 202006. Sep 2020
opening: 02. Jul 2020
**03.07.2020 – 06.09.2020** Verena Dengler. Die Galeristin und der schöne Antikapitalist auf der Gothic G’stettn (Corona Srezessionsession Dengvid-20 :) ) Verena Denglers Installationen, Objekte, Bilder, Zeichnungen, Texte, Videos (und vieles mehr) sind anspielungsreich, pointiert, bisweilen unglaublich witzig und mitunter gewollt schrill. Die aufmerksame Beobachtung der Kunstwelt, ihrer Mechanismen und historisch gewachsenen Bedingungen sowie die eigenen Verflechtungen darin sind häufig Thema der Arbeiten, die darauf kritisch und zugleich humorvoll reflektieren. Denglers Werk ist konzeptuell, medial offen, wandlungsfähig und experimentierfreudig und entsteht nur bedingt in ihrem Künstlerinnenatelier/„Arbeiterpalast“. Der Selbstinszenierung durchaus nicht abgeneigt, mit einem Hang zu Exzentrik, Esoterik und Parodie bedient sie sich dafür einer Vielzahl von Möglichkeiten. Die Bandbreite ihrer Interessen spiegelt sich in zahlreichen Betätigungsfeldern wider. Als „Jackie of all Trades“ oder „Hanna-Dampf-in-allen-Gassen“ hat sie sich in ihrer gleichnamigen Ausstellung in der Kunsthalle Bern (2017) als facettenreiche Künstlerin, Künstler-Kuratorin und Autorin vorgestellt. Damit noch nicht genug: Sie schreibt für diverse Medien höchst lesenswerte Kunst- und Kulturkritiken. Die in ihren Arbeiten häufig verhandelte Schnittstelle zwischen Alltagskultur, bildender und darstellender Kunst wird in jüngster Zeit in der Mitgestaltung von Bühnenbild- und Kostümentwürfen für Theaterproduktionen, beispielsweise am Berliner Ensemble 2018–2019, weiter aufgelöst. Kollaborationen und kollektives Arbeiten in unterschiedlichen Kontexten zieht sich durch Denglers Werk und ist Ausdruck einer spezifischen, möglicherweise politisch geprägten Haltung. Ihr Coming-of-Age im sozialdemokratisch geprägten Wien hat sie in mehreren Arbeiten – nicht zuletzt in ihren gern in Lesungen auszugsweise vorgetragenen Jugend-Tagebüchern – thematisiert. Für ihre Einzelausstellung im geschichtsträchtigen Hauptraum der Secession schafft Dengler neue Arbeiten, die sich auch mit Fragen der Ökonomisierung künstlerischen Schaffens, Authentizität und Autorschaft auseinandersetzen und eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart schlagen, dabei aber die sich immer schneller drehende Spirale der Selbstinszenierung und Aufmerksamkeitsgenerierung in den sozialen Medien nicht unberücksichtigt lassen. Verena Dengler, geboren 1981 in Wien, lebt und arbeitet in Wien.

curator

Bettina Spörr 
Wiener Secession

Friedrichstraße 12
A-1010 Vienna

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posted 01. Aug 2020

MANIFESTE. Zeichen setzen & STREET GALLERY.

04. Jul 202003. Sep 2020
opening: 04. Jul 2020 05:00 pm
MANIFESTE. Zeichen setzen & STREET GALLERY. Verstehen, Verbünden, Verbreiten. Ona B., Renate Kordon, RISOGRAD, Josef Fürpaß, Klaus Dieter Zimmer, Keyvan Paydar, Julian Rosefeldt im kunstGarten und in der Street Gallery Eröffnung: Kunsthistorikerin Dr.in Edith Risse Ein Gespenst geht um in Europa“ – mit diesem Satz des berühmtesten aller Manifeste, des „Kommunistischen Manifestes“ beginnt ein Reigen, bei dem sich bildende und performative Künstler, Architekten, Musiker, Literaten und Filmemacher ein Stelldichein geben. Es sind Texte, mitunter auch Inszenierungen, die den Mut haben, bei aller Unvernunft das ganz Andere zu denken. Angesichts einer Welt, deren eigenzerstörerisches Potenzial beständig wächst, verdienen Manifeste als Aufstand gegen das Gewohnte ein besonderes Interesse. Unabhängig davon, ob sie für die Erhaltung der Natur oder die totale Mobilität, ob sie für den funktionalen Zweckbau oder die Herrschaft des Schimmels, ob sie für die totale wirtschaftliche Freiheit des Einzelnen oder die Vergesellschaftung allen Besitzes eintreten. Oder gar für die Abschaffung des Manifests … In West und Ost haben populistische Bewegungen, die parlamentarischer Demokratie und europäischer Integration skeptisch gegenüberstehen, an Zulauf gewonnen. Es droht eine neue Welle des Nationalismus. … Étienne François fordert in „1918–2018: Ein Manifest“ auf, Zeichen zu setzen für Menschenrechte und Meinungsfreiheit, für Rechtstaatlichkeit und Einhaltung des Völkerrechtes. „Wir haben die Gestaltung der Zukunft in unseren Händen“, betont der Historiker. „Nutzen wir die Chance aus!“ Es geht um die Bedeutung des Friedens für Europa und die Welt. Der erste Anlauf, diesen Werten nach 1918 weltweit Gestalt zu geben, scheiterte. Mit der Gründung der Vereinten Nationen und der Verabschiedung der Allgemeinen Erklärung der Menschenrechte wurde nach 1945 ein zweiter Versuch unternommen. In Europa kam dies aber zunächst nur der westlichen Hälfte zugute. Wenn wir uns nach der COVID 19-Krise umsehen, sollte ein neuer Blickfokus entstehen. Was bedeutet Wirtschaft wirklich? Müssen sinnlose Dinge, die Ressourcen verbrauchen und vielen Menschen ein sklavenartiges Dasein verschaffen, zuhauf produziert werden? Wäre es nicht an der Zeit, die Menschen mit einem Grundeinkommen auszustatten und ihre Energie sinnvoll nützen oder entsprechende Zusatzentlohnungen gewähren für wesentliche Aufgaben: Egal ob für Müllentsorgung, Versorgung, Bildung, Kunst oder Politik im Sinn der Menschenrechte? Wie würde sich die Natur erholen, wie könnte das Zusammenleben dadurch friedlich werden, wenn eine grundsätzliche Gerechtigkeit Platz griffe? Und nun kommt die Kunst zu Wort und Bild. Ernst und humorvoll. Künstler*innen manifestieren immer! Seien es ihr ästhetisches Verständnis, sei es die Wahl ihrer Medien, ihres Materials, sei es ihr Blick auf die Welt, ihr gesellschaftliches Verständnis, ihr Mitweltbewusstsein, die sie dem Gegenüber vorstellen, preisgeben und damit zu kritischer Auseinandersetzung auffordern. Wenn ihr ein Bild betrachtet, denkt nie daran, was die Malerei – wie alle Dinge dieser Welt – sein soll oder was viele möchten, daß sie sei. Die Malerei kann alles sein. Sie kann ein Sonnenfleck sein mitten in einem Windstoß. Sie kann eine Gewitterwolke sein. Sie kann der Schritt eines Menschen auf dem Weg ins Leben sein. Oder ein Aufstampfen mit dem Fuß – weshalb nicht? , um zu sagen: Basta – Jetzt ist´s aber genug! Sie kann ein saner Morgenhauch voller Hoffnungen sein oder ein scharfer Luzug aus einem Gefängnis. Sie kann die Blutflecken einer Wunde sein oder der Gesang eines ganzen Volkes unter blauem oder gelbem Himmel. Die Malerei kann sein, was wir selbst sind: das Heute, das Jetzt und das Immer. Eine Einladung zum Spielen, eine Einladung, aufmerksam hinzuschauen…, eine Einladung zum Denken.“ Aus: „Die Praxis der Kunst“, Kap.7: „Sehen lernen – ein Spiel“, von Antoni Tàpies (1976; Erker-Verlag, CH-St. Gallen) * ONA B. zählt zu den wichtigsten Vertreterinnen feministischer Kunst in Österreich. Ihr bevorzugtes Ausdrucksmittel ist die Farbe Rot. ONA B. (*1957 in Wien) studierte an der Universität für angewandte Kunst in Wien. Die transmediale Künstlerin macht Installationen, Musik, Filme, Konzepte, ist Malerin und Mitglied der Künstlergruppe DIE DAMEN (Evelyne Egerer, Birgit Jürgenssen (gest. 2003), Ingeborg Strobl und seit 1993 Lawrence Weiner). ONA B. / FACE 2 FACE – KUB 2020 27.03 „face 2 face“ – „Von Angesicht zu Angesicht“„FACE 2 FACE“ 2020 (Video ONA B.+ beo project, Musik Robert Michael Weiss) ca 10 min In Erinnerung an meine Performance „EYES OPENING“ 1978 Inmitten meiner roten Malerei sitze ich an einem roten gemalten Tisch und ich bin fokussiert auf mein Gegenüber: die Camera. Nur meine blonden Haare und mein Gesicht stechen sehr hell aus diesem Gesamtbild heraus. Langsame Gesten sind die Sprache. Die Hände spielen eine große Rolle. Ich habe lange rote Satinhandschuhe an. “Nicht sehen”, “Nicht hören”, “Nicht sprechen” sind Elemente dieser Kommunikation. Das Repertoire an Gesten spiegelt sich in der Musik. Die Timeline der Gesten erzeugt die musikalische Partitur. “Second Sight – DAS ZWEITE GESICHT”, 2020 [Video ONA B. + beo projekt; music/sound Robert Michael Weiss] ca. 14 min. Unter Verwendung der Wachsobjekte / Mund Stellungen “ROTE LIPPEN” ONA B., 1979 Ich verbinde mich mit mir und meinen Transformationen: Das jüngere Ich von ONA B. verbindet sich mit dem älteren Ich von ONA B. Ich betrachte meine Randzonen, also betrachte ich meine Vergan-genheit aus einer neuen Perspektive – ich schaue genauer hin, um mich wieder zu erkennen und meine früheren Arbeiten in meine aktuelle Kunst zu integrieren. Die Wachsobjekte zeigen verschie-dene Positionen meines Mundes. Sie zeigen Traurigkeit, Freude, Ärger, Sinnlichkeit, sie zeigen meine Komplexität. Zum Zeitpunkt ihres Entstehens waren sie Zeichen einer Haltung gegen Stereotypen, denen Frauen ausgesetzt waren. Das Überlagern von Teilen meines jungen Gesichts aus Wachs aus dem Jahr 2020 ist heute so, als würde ich meine Ideen als junge Künstlerin mit meinem heutigen Wesen vereinen. Sehnsüchte nach der Zukunft aus der Vergangenheit vermischen sich mit der Rea-lität der Gegenwart. „Das Zweite Gesicht“ ist ein Begriff für das Geschenk des Hellsehens, für die Fähigkeit, die Zukunft vorauszusehen. Ich habe meinen Weg vorausgesehen, ich habe an meinen Ideen festgehalten und sie ausgearbeitet. Darüber hinaus kommt die Idee einer Totenmaske auf – paradoxerweise verkörpert durch das junge Gesicht, was mehrere Ebenen eröffnet. Das Motiv „Der Tod und das Mädchen“ wo der personifizierte Tod als Verführer oder Liebhaber einer jungen Frau auftritt, schwingt sowohl schaurig als auch erotisch mit. Hier repräsentiert die junge Frau den Tod, die ältere das Leben, hier liebt sich die Frau. In der Vorstellung liebt das junge Ich sein Ideal, das eines Tages sein älteres Gegenstück sein wird und umgekehrt: Die ältere Person liebt den Mut und die Ausdauer ihres jungen Selbst. Sie verführen sich gegenseitig zur Einheit. * ONA B. FACE 2 FACE: EYES OPENING 2020, Filmstill Wegen Einreiseproblemen verschoben auf 2021: Pao Kitsch (Mexiko, 1982) ist eine in Berlin lebende Künstlerin. Sie studierte Bildende Kunst an der École Nationale Superieure de Beaux Arts in Lyon (Frankreich) und schloss ihr Bachelor-Studium an der Nationalen Schule für Malerei, Skulptur und Druckgrafik „La Esmeralda“ (Mexiko-Stadt) ab. In 2018 präsentierte sie „Failure of Utopia?“ als Arbeit für ihr M.A.-Abschluss an der Weißensee Kunsthochschule Berlin. In ihrer künstlerischen Praxis untersucht sie die Themen Kindheitserinnerungen, Natur sowie Menschen- und Tierrechte * Renate Kordon studierte Architektur und Grafik in Graz und Wien, machte ein Meisterjahr bei Maria Lassnig. Ihre künstlerischen Schwerpunkte sind Trickfilm, Zeichnung, Installation, Kunst im öffentlichen Raum und Filmräume. Nach mehreren Stipendienaufenthalten in Paris, Rom und Kanada unterrichtete sie „City Scape Drawing“ in Detroit und „Labor Animation“ in Linz. Von 2007 bis 2010 war sie Co-Kuratorin und Co-Organisatorin von Asifakeil TrickfilmKunstraum im MQ Wien und gründete 2010 das Institut für ZEITverschiebung in Graz. In ihren Zeichnungen und Trickfilmen, Installationen und Skulpturen, Filmräumen und Kunst im öffentlichen Raum führt sie Dimensionen ad absurdum, stellt Sehgewohnheiten in Frage und weiß humorvoll kritisch Linien zu ziehen. Das künstlerische Werk von Renate Kordon umfasst ein polymorphes, mit Stilbegriffen kaum fassbares Spektrum von Techniken und Medien. Es reicht von der Zeichnung, von satirischen Comics und psychogrammatischen Bild- und Objektserien über Trickfilme bis zu Interventionen im öffentlichen Raum. Die Werkmonografie „Lebenslinien“ bietet erstmals eine Synopsis des über mehrere Jahrzehnte entwickelten Oeuvres – stets geprägt von Konflikten des Rationalen/Objektiven mit dem Surrealen/Subjektiven, des Materiellen mit dem Spirituellen, von der Verschiebung vordergründiger Realität in alternative Wirklichkeiten geistig-seelischer Zustände. Das Buch thematisiert in spezifischer Form inhaltliche Zusammenhänge und Verwandtschaften und präsentiert viele erstmals publizierte Zeichnungen, Comics, Storyboards, Arbeitsmodelle und Fotodokumente. Ein bisher verstreut rezipiertes Oeuvre, das im experimentellen Trickfilm und im Bereich der Rauminstallation zur internationalen Avantgarde zählt, erfährt so die gesamtheitliche Darstellung und Positionierung. d Positionierung. * RISOGRAD Verstehen, Verbünden, Verbreiten Automat gefüllt mit drei verschiedenen Drucksorten 2019 Ein ehemaliger Kondom-Automat wurde vom Grazer Kollektiv Risograd neu befüllt: drei verschiedene Pakete beinhalten eine Chronologie, eine Manifest-Sammlung und ein Aktivismus-Paket, die eine feministische Gesellschaftskritik üben. Dabei stehen die Miniatur-Druckwerke unter den Schlagwörtern VERSTEHEN | VERBÜNDEN | VERBREITEN für feministisches Wissen, Solidarität und Austausch. Unter VERSTEHEN findet sich eine Chronologie mit einer Auswahl von feministischen/frauen*rechtsspezifischen Aktivitäten, Fortschritten und Kämpfen in Österreich, die vom 19. Jahrhundert bis heute reicht. Historische Abbildungen ergänzen diese längst fällig gewesene feministische Österreich-Chronologie im Taschenformat. Die Manifest-Sammlung VERBÜNDEN ist ein Publikation, die Grundsatzerklärungen, öffentliche Briefe und Statements feministischer Gruppen und Einzelpersonen versammelt. Sie zeigen die Bandbreite der feministischen Bewegung, ihrer Forderungen und der verschiedenen Sphären, in denen Manifeste wirken. Das VERBREITEN-Aktivismus-Paket enthält Sticker und Buttons mit Schlagwörtern, die zum feministischen Widerstand aufrufen. In einer kleinen Packungsbeilage werden die gleich simplen wie mehrdeutigen Wörter kontextualisiert, je nach Umfeld kann sich jedoch Intensität und Bedeutung der Sticker verändern. Wie funktioniert der Automat? Drei Mal 1 Euro-Münzen mit Schwung einwerfen und am Bolzen ziehen! Das Kollektiv RISOGRAD wurde 2017 gegründet und hat seine Basis in Schaumbad — Freies Atelierhaus Graz. RISOGRAD: Feministische Manifestsammlung * Josef Fürpaß Geboren 1960, lebt als Buchgestalter, Zeichner, Maler & Bandoneonist in Graz und St. Katharein an der Laming/Österreich. Er ist Gründungsmitglied des Vereins DruckZeug, war 2012 bis 2014 Betreiber & Programmgestalter der Keplerkoje in Graz, er widmet sich inhaltlich und formal den gestalterischen Möglichkeiten an der Schnittstelle der Bereiche Typografie, Buchdruck, (Druck-)Grafik, Malerei & Literatur. Seit 2011 Lehrbeauftragter an der Meisterschule für Kunst & Gestaltung an der Ortweinschule in Graz. * Keyvan Paydar (*1984 in Teheran), Lebt und arbeitet als freischaffender Künstler und Kurator in Graz. In Phantom Limbs (Phantomschmerzen), der Arbeit von Keyvan Paydar, entsprießt das Leben neu. Organisch bunte Plastiken als Prothesen für amputierte Gliedmaßen der geplagten, oft verstümmelten Natur, deren Phantomschmerzen uns als Täter oder Opfer gleichermaßen quälen, erblühen auf harzblutenden Narben. Es sind Phantome, die sich wie der unsichtbare Atem der Natur im Frühling als Knospen in Form farbiger Blasen manifestieren. PHANTOM LIMBS Mein Freund, der Baum von ​Keyvan Paydar (*1984 in Teheran). Er lebt und arbeitet als freischaffender Künstler und Kurator in Graz. * Klaus Dieter Zimmer geb. in Bergneustadt / D. lebt u. arbeitet in Graz. Das Diplom Mag. art. erhielt er nach dem Studium der Malerei und Graphik an derAkademie der bildenden Künste, Wien. Preise und Stipendien führten den Künstler und Lehrer an zahlreiche verschiedene Universitäten und Schulen, seine Arbeiten wurden international ausgestellt und befinden sich auch im Besitz von musealen Sammlungen. Seit vielen Jahren beschäftige ich mich intensiv mit der Zeichnung und anderen Ausdrucksformen in der Zeichnung. Im Hauptthema liegen vordergründig naturbezogene Motive, die aufgelöst werden von Phänomen der Freizeitkultur, wie z.B. von Samplings, Collagen und Logos aus Outdoor Reportagen. Meine Arbeiten auf Papier sind also nicht in der Natur, sondern nach der Natur entstanden. Aus einer Informationskultur heraus. Eine Ausnahme machen semi-dokumentarische Kurzfilme, die direkt vor Ort, also in der Natur entstehen. In weiterer Folge beschäftige ich mit den tektonischen Plattenverschiebungen, die auch in der Zeichnung und Collage, aber hauptsächlich in skulpturalen Objekten umgesetzt werden. Die Materialität dieser Objekte besteht aus Glas, Lack und Stahl. Ein weiterer künstlerischer Aspekt in meinem zeichnerischen Schaffen bildet der „Wetzelsdorfer Schreibraum“, ein Ort, ein Raum, in dem gezeichnet, dokumentiert und geschrieben wird. Die Texte zu „switch the nature“ und „die Reise zum Plabutsch“, die in einem demnächst erscheinenden Buch veröffentlicht werden, haben hier begonnen und nehmen ihren Verlauf, bis diese Fiktionen, die sich mit Landschaft im weitläufigsten Sinne beschäftigen, vollendet beschrieben werden. „Hat sich Klaus D. Zimmer zwischen 2015 bis 2017 thematisch primär mit dem Spannungsfeld von Natur und Freizeitkultur befasst und hier einen oft gestisch-expressiven Zeichenduktus mit dem Medium der Collage kombiniert, sind seine neuen Zeichnungen stärker dem stillen Beobachten und sensibilisierten Gestus der Naturerscheinungen gewidmet. ‚Bäume, die erzählen‘, sagt er etwa zu einer Reihe dieser mittelformatigen Papierarbeiten, zu denen auch seine mit Tree-somes überbetitelten Blätter zählen, deren pflanzliche ProtagonistInnen feminine oder maskuline Charaktere anzunehmen scheinen. Um seine anthropomorphen Natur- Beobachtungen zu verdeutlichen, gibt er diesen Zeichnungen Titel wie Achselhaarbaum, Women‘s Tree, Wimpernbaum, Wings, Mann-Baum, Frau-Baum, Baum frisst Baum oder auch „literarische“ wie etwa Die Hürde – ich habe noch nie mit einem Baum geschlafen. Klaus D. Zimmer erzählt Geschichten – in seinen Zeichnungen wie auch in seinen Texten. Fiktion, Realität und Fantasie liegen hier stets dicht beisammen, expressis verbis etwa in der mit Kugelschreiber beschriebenen und spiegelverkehrt montierten Collage Gezeichnete Wahrheiten sind gezeichnete Unwahrheiten aus dem Jahr 2018. Zugleich geraten hier und neuerdings die Skizze, die Gedankenskizze, oft nur lapidar gefertigt, manchmal aber auch mit offenkundiger Hingebung zum Gegenstand detaillierter ausgeführt, zum Hauptprodukt in Zimmers zeichnerischem Schaffen. Dem gegenüber beruhen seine skulpturalen Arbeiten oft auf historischen Recherchen. Die aus Beton und Aluminium gefertigten Fleur Skulpturen etwa gehen auf seine Beschäftigung mit der Entwicklung des Stahlbetons zurück. Um 1824 hatte der englische Maurer Joseph Aspdin ein neues Bindemittel aus gebranntem Ton und Kalk gefunden, das er Portlandzement nannte. Durch Mischen mit Sand und Wasser entstand daraus Beton, der aber nur für Fundamente geeignet war. Erst der französische Gärtner Joseph Monier goss um 1867 in Pflanzenkübel, die er als Verschalungsformen verwendete, Beton, die er mit Eisenstangen bestückte. So entstand der Eisenbeton (Stahlbeton), bei dem die abgehende Zugfestigkeit von Eisen (Stahl) übernommen wird. 2017 ersetzte Klaus Dieter Zimmer den Stahl durch Aluminium, nicht aber um aus dieser Materialkombination neuartige Trägerkonstruktionen zu bauen, sondern formal reduzierte Skulpturen, die mit seinen Zeichnungen hervorragend korrespondieren, wie dies seither schon mehrmals – etwa im Kunsthaus muerz – zu sehen war.“ (Lucas Gehrmann) * Julian Rosefeldt (* 1965 in München) ist ein deutscher Filmkünstler und Regisseuran der „Schnittstelle zwischen narrativem Film und komplexer Filminstallation“. Sie zeigt Cate Blanchett, die in 13 verschiedenen Rollen verschiedenste Manifeste vorträgt. Die Produktion mit einer Drehzeit von zwölf Tagen begann im Dezember 2014 in Berlin. Die Erstausstellung fand vom 9. Dezember 2015 bis zum 14. März 2016 im Australian Centre for the Moving Image statt.Manifesto vereint Zitate aus verschiedenen Künstlermanifesten unterschiedlichster Art aus unterschiedlichen Zeitabschnitten des 20. Jahrhunderts mit Gegenwartsszenarien. Die einzelnen Manifeste, wie z. B. Fluxus, Dada oder Dogma werden von 13 verschiedenen Figuren vorgestellt: Ein Obdachloser, eine Punkerin, eine Kranarbeiterin aus der Unterschicht in einer Müllhalde, eine Brokerin, eine Theaterchoreografin, eine Societylady bei ihrer Vernissagerede, eine Wissenschaftlerin, eine Witwe auf der Beerdigung, eine Oberschichtsmutter mit ihrer Familie beim Abendessen, eine Fernsehnachrichtensprecherin und gleichzeitig eine Reporterin, eine Puppenmacherin und eine Lehrerin (Dogma). Alle gesprochenen Monologe – die einzigen gesprochenen Worte – bestehen aus verschiedenen künstlerischen Manifesten, die in den letzten etwa 150 Jahren veröffentlicht wurden. Ob Schullehrer oder Obdachloser – die dreizehn von Blanchett verkörperten Figuren greifen Manifeste von Claes Oldenburg, Yvonne Rainer, Kasimir Malewitsch, André Breton, Elaine Sturtevant, Sol LeWitt und Jim Jarmusch auf.. Eine lineare Filmversion des Materials mit 94 Minuten hatte am 26. Januar 2017 auf dem Sundance Film Festival 2017 Premiere.

curator

Irmi Horn 
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posted 31. Jul 2020

EQUALLY NOT NOTHING. JOSEF DABERNIG

04. Jul 202019. Sep 2020
opening: 03. Jul 2020 06:30 pm
EQUALLY NOT NOTHING. JOSEF DABERNIG Eröffnung: 3. 7. 2020, 18.30 Uhr Zur Ausstellung spricht: David Komary Ausstellungsdauer: 04.07.2020 – 08.08.2020 und 03.09.2020 – 19.09.2020 Öffnungszeiten: Mi – Sa: 10.00 – 17.00 Uhr

curator

David Komary 
Galerie Stadtpark, Krems

GALERIE STADTPARK | Wichnerstraße
3500 Krems an der Donau

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posted 30. Jul 2020

Ana Torfs. The Magician & the Surgeon

12. Mar 202001. Nov 2020
**12 March 2020 — 01 November 2020** Ana Torfs. The Magician & the Surgeon You can (re)discover the work of Ana Torfs again on both Thursday (10-14h) and Sunday afternoon (14-18h). Your visit is free and only possible by registering via the ticketing link. Twenty years after her first solo exhibition in Brussels, in the antechambers of the Centre for Fine Arts, the Belgian visual artist Ana Torfs is coming back with new works, including Sideshow. In this installation, a series of figures appear and disappear in an abstract decor with multi-coloured light. Figures without faces, such as a geisha, the invisible man, bird people and an illusionist with huge hands. In the images, filmed with stop-motion technique and featuring various performers, the artist's old predilections are portrayed: theatre, silent film, puppet theatre, butoh, circus, masquerade and cabaret. Ana Torfs (°1963) has lived and worked in Brussels for more than 30 years. She has had previous solo exhibitions, including at the Pori Art Museum, Finland (2017), the Calouste Gulbenkian Museum, Lisbon (2016), WIELS, Brussels (2014) and the K21-Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf (2010). She has also participated in major international group exhibitions such as Power of Language, Museum der Moderne, Salzburg (2018), Reading Cinema, Finding Words, Art after Marcel Broodthaers, National Museum of Modern Art, Tokyo (2014) and many biennials. She is currently preparing a solo exhibition in MUAC, Mexico City. ​​​​​​​

artist

Ana Torfs 
BOZAR Centre for Fine Arts, Brussels

BOZAR | 23 Ravensteinstraat
B-1000 Brussels

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posted 29. Jul 2020

Jack Whitten. Transitional Space

06. Jul 202031. Jul 2020
venue: Hauser & Wirth New York, 69th Street Jack Whitten. Transitional Space A Drawing Survey 06.07.2020 - 31.07.2020 In order to share a safe and positive experience, we ask that you book a timed reservation to visit this exhibition at Hauser & Wirth New York, 69th Street. Please visit our location page to plan your visit. Hauser & Wirth is pleased to present the first major survey of Jack Whitten’s works on paper, spanning the artist’s six decade career. Jack Whitten (1939 – 2018) made it his mission to disrupt the discipline of art history through experiments with material, process, and technique. He effectively constructed a bridge between gestural abstraction and process art, constantly working toward a nuanced language of painting that employs deeply personal expression. Whitten was also a prolific and powerful draughtsman. The unique body of works on view at Hauser & Wirth testifies to the immensity of his commitment to drawing as a means to make manifest his ideas and advance his methods. ‘Jack Whitten. Transitional Space. A Drawing Survey.’ spotlights the artist’s playfulness and improvisational skill in searching for his own special visual language. Paper was more than an effective medium for Whitten; for him, working on paper was akin to scientific research. With an aesthetic hypothesis in mind, he worked tirelessly on paper to both subvert and elevate the history of art and how best to represent the many layers of information packed inside his imagination. Drawing was an integral part of Whitten’s artistic and technical maturation. His analysis of the properties of different mediums engaged materials as diverse as watercolor, toner, cuttlefish ink, homemade walnut ink, and endless variety of Japanese and specialty papers. The trial-and-error of Whitten’s methodology can be felt through the multiple versions and renditions he created of particular works, many of which served as preliminary studies for subsequent paintings and monumental series.

artist

Jack Whitten 
Hauser & Wirth New York

32 East 69th Street
NY 10021 New York

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posted 28. Jul 2020

Cutoff. Tony Cragg – Tatsuo Miyajima – Bettina Pousttchi – William Tucker

26. Jun 202001. Aug 2020
Cutoff. Tony Cragg – Tatsuo Miyajima – Bettina Pousttchi – William Tucker 26 June – 01 August 2020 Die Buchmann Galerie freut sich die Ausstellung Cutoff anzukündigen. Der Begriff Cutoff wird im Englischen vielseitig verwendet und meint etwa den Punkt an dem etwas stoppt, kann aber auch für eine räumliche Beschreibung verwendet werden, wenn etwa von der Abkürzung eines Wegs gesprochen wird, um schneller an ein Ziel zu gelangen. In der Analytischen Chemie wiederum bezeichnet Cutoff einen Toleranzwert von Drogen und Medikamenten. Er legt fest, ab wann ein Testergebnis positiv bzw. negativ zu bewerten ist. Und dann meint der Begriff ganz einfach nur, dass etwas abgeschnitten wird. Interessanterweise können alle Bedeutungen auch auf die Bildhauerei übertragen werden und auf das bildhauerische und künstlerischen Schaffen. Wo liegt der Punkt, wo ein künstlerischer Prozess endet, wie kann ein künstlerischer Vorgang verdichtet oder verkürzt werden und wo wird einer Form etwas hinzugefügt, ausgelassen oder abgeschnitten. Die zwei Wandarbeiten, Cat's Cradle IV, 2020 und Porte VI, 2020, von William Tucker bestehen aus tiefen 6 cm breiten schwarzen Rillen die in die Wand geschnitten sind und ein negatives Relief ausbilden. Die Arbeiten beziehen sich auf Skulpturen aus den frühen 1970er Jahren, die Tucker aus Metallstäben geschweisst hat. Die Mural Engravings übersetzen wesentliche Aspekte dieser frühen Skulpturen in einer Art Schattenwurf auf die Wand als skulpturalen Negativraum. Als räumliches Gegenstück zu Tucker zeigt sich Bettina Pousttchi’s Wandrelief Framework. Ausgangspunkt der Arbeit sind Fotografien der Künstlerin von Fachwerkhäusern, die sie digital bearbeitet hat. Ähnlich einem 3D Print wurden die Fotodateien aus Ton geschnitten und in ein keramisches Modul übersetzt. Als ornamentale Komposition entsteht eine Dynamik im Raum zu der Chris Dercon im Gespräch mit der Künstlerin bemerkt: „Ich denke, dass Du viel weiter gehst und über das Ornament nicht nur als eine Form von Lebendigkeit, sondern auch als eine Form von Belebung nachdenkst.” (*) Framework verbindet die Architektursprache des europäischen Kulturraums mit der des Nahen Ostens. Dieser Verschränkung der Perspektiven liegt ein transnationaler Gedanke zugrunde, der zentral ist für das Werk der Künstlerin und auch in der aktuellen Ausstellung von Bettina Pousttchi in der Berlinischen Galerie (bis zum 17. August) zu sehen ist. Die serielle, nichthierarchische Anordnung beinahe identischer Module erinnert an Carl Andre oder Donald Judd, ruft zudem aber eine Vielzahl kultureller, historischer und autobiografischer Assoziationen hervor. Reich an Assoziationen ist auch die neue Wandarbeit von Tatsuo Miyajima, Counter Object - 000, eine riesige Ziffer aus farbigem Spiegelglas. Jeden Tag wird eine neue Ziffer nach dem Zufallsprinzip installiert. Der Spiegel ist hochsymbolisch. Er lässt uns erkennen, dass wir in der Erscheinung der Wirklichkeit nur uns selbst spiegeln. Wir sehen die Gesetze der Natur nur durch unsere aktuellen wissenschaftlichen Modelle. Miyajima führt uns die Begrenztheit dieses Systems vor Augen: es gibt nur 9 Ziffern, um eine unendlich große, nicht greifbare Wirklichkeit einzufangen. Was wir erkennen, ist nur ein kleiner zeitlicher Ausschnitt. Ausschnitt oder Schnitt ist auch bei der gelben Skulptur Parts of Life von Tony Cragg ein wesentlicher Kern der Arbeit. Sie gehört zu der zentralen Werkgruppe Early Forms, mit der sich der Künstler seit den späten 1980er Jahren immer wieder beschäftigt und stets weiter entwickelt. Aufgangspunkt ist die Verkettung unterschiedlicher Gefässformen. Das Ineinander von gewundenen und gedrehten Formen, von Rundungen, Wülsten und Einbuchtungen, versinnbildlicht das Wachstum von Lebensformen als Gestaltungsprinzip der Natur. Den ausgebuchteten Formen setzt Tony Cragg hier die radikale Klarheit der geometrischen Form entgegen, indem er die Skulptur zu einem Würfel beschneidet. Die so freigelegte Innenform erinnert nun plötzlich an Sedimentablagerungen in der Natur und schafft einen Bogen von den utilitären Gefässen zu einem mathematischen Verständnis der Natur. (*) Chris Dercon im Gespräch mit Bettina Pousttchi, in The City, Hg. Susanne Pfleger, Städtische Galerie Wolfsburg und Jeremy Strick, Nasher Sculpture Center Dallas, Ostfildern, 2015
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posted 27. Jul 2020

TOM SIMPSON "Well grubbed, Old Mole!"

26. Jun 202028. Aug 2020
opening: 26. Jun 2020 07:00 pm
SEITENGALERIE TOM SIMPSON "Well grubbed, Old Mole!" Opening Fr 26.06.2020 19 Uhr / 7 p.m.

artist

Tom Simpson 
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