daily recommended exhibitions

posted 26. Jul 2021

Ralf Brög. KURVEN EIER BLASEN

05. Jun 202121. Aug 2021
VERLÄNGERT BIS 21. AUGUST (05.06.2021 - 31.07.2021) **Ralf Brög. KURVEN EIER BLASEN** Die dem Ausstellungstitel innewohnende Ambivalenz ist symptomatisch für Brög´s Arbeiten. Einfach und klar treten uns drei Begriffe entgegen von denen wir intuitiv zu wissen glauben was Sie benennen. Jedoch der erste Ansatz gedanklicher Nachverfolgung lässt uns die labyrinthische Ausbreitung der vielfältigen Pfade erahnen, die uns zur weiteren Erkundung angeboten werden. Die Ausstellung vereint ausschließlich neue Arbeiten und Werkgruppen. Wie wir es von früheren Ausstellungen Brögs kennen, werden Themen und Motive in vielfältigen Formaten und Medien durchgespielt. Wir begegnen Skulpturen, Zeichnungen, Bildern (Bildräumen), die sich auf verschiedenen Ebenen wechselseitig beeinflussen. Kurven - In der Mathematik ist eine Kurve ein eindimensionales Objekt und kann jeden beliebigen Verlauf annehmen. Ob die Kurve in der zweidimensionalen Ebene liegt („ebene Kurve“) oder in einem höherdimensionalen Raum (siehe Raumkurve), ist in diesem begrifflichen Zusammenhang unerheblich. Eier - Mit 15 Zentimetern Durchmesser und einem Gewicht von 1.500 Gramm haben afrikanische Sträuße die absolut gesehen größten Eier der Welt, für die man zum Weichkochen über eine Stunde benötigt. Blasen - Eine Blase ist ein gasförmiger Körper innerhalb einer Flüssigkeit. Er ist von dieser durch eine in sich geschlossene Phasengrenzfläche getrennt. Befinden sich Blase und Flüssigkeit in Ruhe zueinander, so ist die Blase kugelförmig.

artist

Ralf Brög 
Petra Rinck Galerie, Düsseldorf

PETRA RINCK GALERIE | Birkenstrasse 45
40233 Dusseldorf

Germanyshow map
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posted 25. Jul 2021

Runo Lagomarsino. The Square Between the Walls

12. Jun 202129. Aug 2021
12.06.2021 - 29.08.2021 **Runo Lagomarsino. The Square Between the Walls** Runo Lagomarsino, was born in Lund, Sweden in 1977 and studied at the Malmö Art Academy. After sharing his time between Brazil and Sweden for some years, he now lives and works in Malmö. The Square Between the Walls, Lagomarsino’s solo exhibition at Lunds konsthall, brings together a group of recent and older works with two new commissions dwelling on his own family’s history. The artist‘s family fled the military regime in Argentina and settled in Lund in the late 1970s. His father found employment with Åkerlund & Rausing (now A&R Carton), where the presses worked around the clock to print cardboard for different sorts of packaging. Two new commissions, Mad Toy and Home Waits for No One (both 2021), are inspired by Lagomarsino’s memories of visits to this factory with his father. They are shown together with a number of other recently produced works. Visitors to the exhibition also have the unique opportunity to see one of the artist’s earliest works, A Song of Bola de Nieve (1997), a humorous piece in which he sings and simultaneously translates a song from Spanish into Swedish. Lagomarsino works in a variety of media but often creates installations that combine ready-made objects, sculptural elements, photography and film, as well as occasional performance-based or interactive elements. He enlists the autobiographical to comment on social and political issues that affect all of us. He allows private memories to challenge collective ones, reminding us how intricately history—even its overlooked facts—is embedded in the present. His practice relies on the subversive and utterly precise use of language and symbols, and especially their implications for institutions, which is meant to empower viewers and encourage them to reflect on possible, probable and desirable futures. As part of his exhibition, Lagomarsino has invited Malmö-based Bélgica Castro Fuentes to show a selection of her arpilleras, narrative textile images sustaining a legacy of commentary and resistance through patchwork and embroidery that goes back to the self-organised women’s resistance groups during the military dictatorship in Chile in the 1970s and ’80s. The catalogue contains two specially commissioned texts: an essay by Chilean art writer and curator María Berríos, putting Lagomarsino’s (and Castro Fuentes’s) work into a broader historical and cultural context of exile, and Retrovisor (Rearview) by Argentine writer Alan Pauls. The latter is a literary reflection on Lagomarsino’s two newest works and their relationship to El juguete rabioso (“The Mad Toy”), a novel that another Argentine writer, Roberto Arlt, published in 1926. Runo Lagomarsino’s work has been extensively shown in Sweden and internationally amongst other places at Moderna Museet, Stockholm; Malmö Konstmuseum; Malmö Konsthall; LACMA, Los Angeles; Kunsthal Charlottenborg, Copenhagen; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Guggenheim Museum, New York; M HKA, Antwerp; and Dallas Museum of Art, Texas, as well as in the Venice and São Paulo biennials. We thank the artist and all the other collaboration partners for this exhibition, including the lenders—Francesca Minini, Milano; Galerie Nordenhake, Stockholm; Nils Stærk, Copenhagen, and Mendes Wood DM, São Paulo—and, especially, AR Packaging Systems AB and Lund Water Front Packaging District in Lund, who helped produce the two newly commissioned works.
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posted 24. Jul 2021

Craving for Humanity - The world of Barthélémy Toguo

07. Apr 202105. Dec 2021
07.04.2021 - 05.12.2021 Craving for Humanity - The world of Barthélémy Toguo Free rein at the Fondation Dapper: Cameroonian artist Barthélémy Toguo. Sensitive, socially-aware art that explores the failed workings of today’s world so as to critique them, drawing on African cultures. From watercolours of suffering bodies, sometimes strewn with nails, to monumental installations asking questions about our planet’s future, the angle of intimate and collective experiences is used by the Fondation Dapper to explore the works of Barthélémy Toguo in a monograph coordinated by the foundation’s director, Christiane Falgayrettes-Leveau. Following an original theme, some of the artist’s works are compared with pieces of old African art. Barthélémy Toguo (born 1967) is a central, pioneering figure in the international art world. He lives and works between Cameroon and France. Through his creations, he seeks to raise social wareness. Driven by the need to create in order to make statements, he designs works that respond directly to the upheavals of today’s world (wars, abuse of power, immigration, famine and dangers). Using a range of techniques—from drawing, watercolour and sculpture to photography, performance and installation art— Barthélémy Toguo uses a range of techniques to ask us questions about our humanity. An exhibition organised by the Fondation Dapper, curated by Christiane Falgayrettes-Leveau
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posted 23. Jul 2021

Baltic Triennial 14: The Endless Frontier

04. Jun 202115. Aug 2021
Baltic Triennial 14: The Endless Frontier June 4–August 15, 2021 Curators: Valentinas Klimašauskas & João Laia Architecture: Isora x Lozuraityte studio (Petras Išora and Ona Lozuraitytė) Design: Nerijus Rimkus Project Manager: Julija Fomina Participating artists: Jüri Arrak (Estonia), Tekla Aslanishvili (Georgia), Zuzanna Czebatul (Germany/Poland), Juta Čeičytė (Lithuania), Anna Daučíková (Czechia/Slovakia), Aleksandra Domanović (Serbia), Harun Farocki (Germany) and Andrei Ujica (Romania), Uli Golub (Ukraine), Edvinas Green (Lithuania), Henrikas Gulbinas (Lithuania), Flaka Haliti (Kosovo/Germany), Roman Himey-Yarema Malashchuk (Ukraine), Klára Hosnedlová (Czechia), Monika Janulevičiūtė & Antanas Lučiūnas (Lithuania), Milda Januševičiūtė & Miša Skalskis (Lithuania), Agnė Jokšė (Lithuania), Krõõt Juurak (Estonia) & Alex Bailey (UK), Dóra Maurer (Hungary), Flo Kasearu (Estonia), Zsófia Keresztes (Hungary), Jiri Kovanda (Czechia), Vojtěch Kovařík (Czechia), Tomasz Kowalski (Poland), Edward Krasiński (Poland), Žygimantas Kudirka (Lithuania) & Felicita (Poland/UK), Dasha Kuznetsova (Russia), Danutė Kvietkevičiūtė (Lithuania), Sasha Litvintseva (Russia), Natalia LL (Poland), George Mačiūnas (Lithuania), Rachel McIntosh (US/Finland), Ania Nowak (Poland/Germany), Markéta Othová (Czechia), Jaakko Pallasvuo (Finland), Agnieszka Polska (Poland), Nada Prlja (Bosnia and Herzegovina/North Macedonia), Anni Puolakka (Finland), Karol Radziszewski (Poland), Marija Teresė Rožanskaitė (Lithuania), Adam Rzepecki (Poland), Kirill Savchenkov (Russia), Sergey Shabohin (Belarus), Jura Shust (Belarus), Janek Simon (Poland), Martina Smutná (Czechia), Virgilijus Šonta (Lithuania), Anastasija Sosunova (Lithuania), Mladen Stilinović (Croatia), Viktor Timofeev (Latvia/USA), Dominika Trapp (Hungary), Goran Trbuljak (Croatia), Evita Vasiljeva (Latvia), Mona Vatamanu & Florin Tudor (Romania), Austėja Vilkaitytė (Lithuania), Stephen Webb (US/Finland), Jonas Zagorskas & Žilvinas Dobilas (Lithuania), Artur Žmijewski (Poland), and others. Partners: Autarkia, Atletika, Editorial, Lithuanian Artists’ Association, Swallow, Tech Arts in partnership with Rupert The 14th edition of the Baltic Triennial (BT14) is set with the conviction that in a paradoxical time of fragmented integration, addressing the local is, simultaneously, to question the global. Consequently, and for the first time since it was established in 1979, BT14 focuses on the geopolitical territory of Central and Eastern Europe and includes historical as well as contemporary artistic practices. The BT14’s take on the region engages with its composite constitution, highlighting transnational connections. The inclusion of some artists from locations such as the Balkans, the Caucasus or Finland, underlines Central and Eastern Europe’s porous boundaries as well as its belonging to a global and multilayered network of systems. Regularly experiencing abrupt shifts, Central and Eastern Europe is a key crossroad for social issues related to ideology, ecology and economy. The region’s gravitational pull is further highlighted by the introduction or anticipation of numerous tensions, which later also emerged elsewhere such as disinformation, man-made industrial disasters, nativist nationalism, or the oppression of non-normative identities. The BT14 connects the rich artist-led Vilnius scene. As the organising institution, the Contemporary Art Centre (CAC) invited the project spaces Atletika, Autarkija, Editorial, Rupert, and Swallow to join as partners. Each platform will autonomously develop a project while including some of the artists presented at the CAC’s exhibition. Another ally, the Lithuanian Artists’ Association, shared their spaces and archive, which holds key documents about the early iterations of the Baltic Triennial. In collaboration with international partners Kim? Contemporary Art Centre (Riga, Latvia), the Estonian Centre for Contemporary Art (Tallinn, Estonia), and Mousse Publishing, the CAC, Vilnius will also produce a reader with launch events planned in cities including Berlin, Riga, Timișoara, Vilnius, and Warsaw during autumn and winter 2021/2022. BT14’s architecture project by Isora x Lozuraityte studio proposes a radical reshaping of the CAC’s iconic city-centre building, rechoreographing its spaces through a number of interventions which place ecological sustainability at its core and uncover the layered history of the site. Together, the voices grounding BT14 map Central and Eastern Europe as a kaleidoscopic, queer space-time of a strange realism whose extraordinary polyphonic juxtapositions echo the complexity of the world at large. Supported by: Lithuanian Council for Culture, the Baltic Culture Fund, Frame Contemporary Art Finland, Goethe-Institut Litauen
Baltic Triennial Vilnius, Tallinn, Riga

Contemporary Art Centre (CAC) | Vokieciu 2
LT-01130 Vilnius

Lithuaniashow map
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posted 22. Jul 2021

Radically Naive

07. May 202110. Oct 2021
Radically Naive / Naively Radical May 7–October 10, 2021 Radically Naive / Naively Radical captures the state of mind foisted on us by the present era. An era in which we seem to be drifting from tipping point to tipping point: 9/11 and the so-called War on Terror, the Arab Spring, the alt-right, #MeToo, the migration crisis, Trump, #BLM, the constant threat of climate change...is COVID-19 the final nail in the coffin? Do we now submit to the sea of polarisation? Or do we stand strong against the tide of cynicism? In an open exhibition without any imposed thesis, Radically Naive / Naively Radical seeks to positively reevaluate the notion of naivety: doing over analysing, making over designing. It is a search for institutional meaning, for the (im)material character of art, for cultural uniqueness and artistic autonomy. Participating artists: Thomas Bellinck, Ben Benaouisse, Seyni Awa Camara, Saddie Choua, Helga Davis & Anouk De Clercq, Vesna Faassen & Lukas Verdijk, Iman Issa, Léonard Pongo, Egon Van Herreweghe, Gert Verhoeven, Katarina Zdjelar Curated by Joachim Naudts.

curator

Joachim Naudts 
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posted 21. Jul 2021

Picasso & Les Femmes d’Alger

07. May 202108. Aug 2021
Picasso & Les Femmes d’Alger Picasso & Les Femmes d’Alger Eine Sonderausstellung der Nationalgalerie – Staatliche Museen zu Berlin geplant von 7. Mai – 8. August 2021 Pablo Picassos Spätwerk beginnt 1954 mit „Les Femmes d’Alger“, einer seiner wichtigsten und außergewöhnlichsten Werkserien. Erstmals seit 65 Jahren zeigt das Museum Berggruen in Deutschland den Großteil der weltweit verstreuten Ölgemälde. Der malerische Zyklus steht für einen veränderten Blick auf Malerei und ist in seiner künstlerischen Variation einzigartig in Picassos Gesamtwerk. Inspiriert von Eugène Delacroixʼ berühmter Darstellung „Die Frauen von Algier“ (1834/1849), die er im Louvre studiert hatte, widmet sich Picasso der großen Idee der malerischen Variation in völlig neuen Dimensionen: In drei Wintermonaten 1954-55 entstehen 15 Ölgemälde, sowie über 100 Zeichnungen und Druckgrafiken, in denen er die Anordnung von Delacroix‘ Figuren bis zur anatomischen Überdehnung variiert. Die Darstellungen sind zum Teil farbintensiv und weichkurvig, andere erinnern mit scharfen Kanten in Grautönen an seine kubistische Phase. Der Reichtum an Variationen und die vielfältigen Anspielungen auf die Kunstgeschichte macht die Serie zu einem der größten Manifeste auf die Möglichkeiten von Malerei. Seit Jahren zeigt die Nationalgalerie im Museum Berggruen als einziges öffentliches Museum in Europa dauerhaft ein Werk der Serie: Die zwölfte Version (kurz „Version L“ genannt) bildet den Ausgangspunkt der Ausstellung, die mit über der Hälfte der Ölgemälde einen signifikanten Teil der berühmten Serie aus US-amerikanischen Museen und internationalen Privatsammlungen nach Berlin bringt. Papierarbeiten aus dem Musée Picasso Paris begleiten die Entwicklungsschritte zwischen den Ölgemälden. Leihgaben aus dem Louvre und dem Musée Fabre in Montpellier präsentieren Picassos Inspirationen. Zeitgenössische Werke, u. a. von Künstler*innen aus Algerien, setzen das Thema der „Femmes d’Alger“ bis in die Gegenwart fort. Zur Ausstellung erscheint eine dreisprachige (DE/EN/FR, 192 Seiten) Publikation im Hirmer Verlag mit Wiederabdrücken von Texten des US-amerikanischen Kunsthistorikers Leo Steinberg (1920-2011) und der alge-rischen Schriftstellerin Assia Djebar (1936-2015).
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posted 20. Jul 2021

sonsbeek20—24

02. Jul 202119. Aug 2021
July 2–August 29, 2021 **sonsbeek20—24 force times distance ⏤ on labour and its sonic ecologies** (April 10–June 21, 2021) artistic director: Bonaventure Soh Bejeng Ndikung general director: Steven van Teeseling co-curators: Antonia Alampi, Amal Alhaag, Zippora Elders, Aude Christel Mbga, Vincent van Velsen New opening dates This edition of sonsbeek aims at stretching and decelerating the traditional format of large-scale art exhibitions. Shifting this format has become more important than ever before, in order to achieve a long-term, reciprocal and dedicated relation between artists, institutions, place and audiences. Since its postponement was announced last year, sonsbeek20→24 has been working on various platforms like exhibitions, discursive programs, residencies, publishing and radio. These platforms will be explored throughout its time frame by engaging audiences and contributors in a shared journey with main partners Museum Arnhem and ArtEZ University of the Arts, as well as other institutions in the city of Arnhem. The exhibition that will open on April 10, 2021 will be the next step in this process of ripening and fermentation of Force Times Distance – On Labour and its Sonic Ecologies. New collaborations with Stedelijk Museum and Centraal Museum At Stedelijk Museum, works by Dutch painter and composer Sedje Hémon (1923–2011); artist and designer Imran Mir (1950–2014) from Pakistan; and Afro-Brazilian painter, poet, essayist, playwright and politician Abdias do Nascimento (1914–2011) will be shown. Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, artistic director of sonsbeek20→24, states: “In the curatorial framework of sonsbeek20→24: On Labour and its Sonic Ecologies, we chose to listen carefully to the screeches as much as the whispers emanating from those spaces, and responding with the works, the voices, the beings and presences of three historical artistic positions: Sedje Hémon, Abdias Do Nascimento and Imran Mir. All three artists navigated the waters of abstraction, expanded the shutters of modernism, reconfigured as well as liberated minimalism from the claws of the Western invention myth and significations, as well as situated the notion of conceptualism within other and wider geographies and cultures. We do think that the Stedelijk Museum offers an appropriate institutional, artistic and historical framing within which notions of modernism can be questioned and pluralized.” Centraal Museum in Utrecht will be partnering with sonsbeek20→24 in a continued collaboration format of interventions and presentations connected to the museum’s collection, which expands from visual art of the middle ages to contemporary work, including important collections of applied arts and fashion. "Over the years, artists of sonsbeek20→24 will be invited to engage with the collection of The Netherland's oldest civic museum. One of the challenges of our time is the re-reading of collections and archives. What stories do collections tell about their own limits, about the history of labour, about who narrates and who is narrated about? This rich collection will be our food for thought for the next years," Ndikung states further. From Arnhem, and Beyond The exhibition is supported by a lively public programme, that kicked off online in June in the form of an Editorial Room, which began to unpack the central themes of the curatorial framework by way of essays, performance, mixtapes, films and radio broadcasting. In addition, sonsbeek has set out a further conversation with the public in the form of two conjunctions organized in collaboration with Dutch Art Institute (DAI), in Tunis and at Radio Kootwijk on the Veluwe. In 2021, this programme unfolds into a more extended conversation, connecting the themes to local labour histories by working together with communities, artists and entrepreneurs to expand sights, sounds and experiences of sonsbeek20→24. With the new partnerships sonsbeek20→24 expands its original format that traditionally focused on presenting works in Arnhem’s Park Sonsbeek. In 2021, the 15th century Eusebius Church, an iconic landmark and important point of gathering for Arnhem citizens throughout the centuries—most notably in its ruins shortly after World War II—will host a large number of works in which the relation between ritual and labour is explored. At the centrally located Collectie De Groen several artists will present immersive works that evolve around notorious projects of human and natural extraction all over the globe. At Rozet, sonsbeek’s archive will be shown, a recent undertaking to enhance the sustainability of the historically significant art event. The investigation and manifestation of reflections on labour and its sonic ecologies will continue with a large number of pavilions and installations through the parks of Sonsbeek and Zypendaal, Buitenplaats Koningsweg in collaboration with Machinery of Me and Atelier Freiraum, via De Hoge Veluwe National Park stretching all the way to the renowned sculpture garden of Kröller-Müller Museum. There, three monumental sculptures will be installed that both challenge and meaningfully expand the overly present western positions in form, choice of materials and crafts, as well as conceptual approach. Participants of sonsbeek20→24 Leo Asemota, Julieta Aranda, Sam Auinger, Black Archives, Cheick Diallo, Ndidi Dike, Justine Gaga, Ellen Gallagher, Antonio Jose Guzman, Louis Henderson and João Polido, Kudzanai-Violet Hwami, Yinka Ilori, Anne Duk-Hee Jordan, Mae-Ling Lokko and Gustavo Crembil, Ibrahim Mahama, Oscar Murillo, Hira Nabi, Olu Oguibe, Wendelien van Oldenborgh, Laure Prouvost, Raumlabor, Willem de Rooij, Nader Mohamed Saadallah, Mithu Sen, Farkhondeh Shahroudi, Libita Sibungu, Buhlebezwe Siwani, Jennifer Tee, Sunette L. Viljoen, Omer Wasim, Werker Collective, as well as historical positions like stanley brouwn, Sedje Hémon, Imran Mir, and Abdias do Nascimento. Abigail Collins, Alaa Abu Asad, Family Connection (Quinsy Gario & family), Em’kal Eyongakpa, Heimprofi (Krista Burger), Anneke Ingwersen, InDifferent (Elmar Noteboom & Community), Iheb Guermazi, Amal Khalaf, Susanne Khalil Yusef, Robin D.G. Kelley, Richard Kofi, Thokozani Mhlambi, Alia Mossallam, Farida Nabibaks, Beya Othmani, Charlotte Rooijackers, Marinella Senatore, Ali Tnani, The Saida Manoubia Musical Troupe of Najoua Balti, Tito Valery, Saas-Fee Summer Institute of Art (with, a.o. Christopher Cox, Ananya Jahanara Kabir, Ulrich Krieger, Cecile Malaspina, Kamila Metwaly, Nástio Mosquito, Warren Neidich, Anri Sala and Greg Tate) constitute sonsbeek20→24 public, radio and educational programmes. Force Times Distance—On Labour and its Sonic Ecologies The concept which was a starting point for artistic director Bonaventure Soh Bejeng Ndikung and his team of co-curators: Antonia Alampi, Amal Alhaag, Zippora Elders, Aude Mgba, Vincent van Velsen carries the title Force Times Distance – On Labour and its Sonic Ecologies. Based on labour and sonicity, the project engages in processes of story-telling from here and a yonder. Stories of paid and unpaid labour, forced and voluntary labour, physical and mental labour, skilled and unskilled labour, productive and unproductive labour, while centering around the worker’s humanism. Stories told through a wide spectrum of sonic renderings. With its ears on the ground, sonsbeek20→24 will listen to local and global shifts in sociopolitics, economy, health, arts, as well as science and technology, while being cognisant of the repercussions of these shifts on class, gender, identity, race, migration and otherwise.
SONSBEEK Arnhem

Stichting Sonsbeek Internationaal, Bovenbeekstraat 21
6811 CV Arnhem

Netherlandsshow map
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posted 19. Jul 2021

JAMES LEE BYARS: THE MILKY WAY AND THE STAR MAN

21. May 202120. Aug 2021
JAMES LEE BYARS: THE MILKY WAY AND THE STAR MAN 21 May - 20 August 2021 James Lee Byars: The Milky Way and The Star Man opens 21 May at Michael Werner Gallery in London and will remain on view through 20 August 2021. Gallery hours are Tuesday through Saturday, 10AM to 6PM. For more information, please contact the gallery at press@michaelwerner.com, visit www.michaelwerner.com, or contact Carrie Rees, Rees & Co. at carrie@reesandco.com. Follow the gallery on Instagram, Twitter, Facebook and Wechat.
Michael Werner Gallery, London MAYFAIR

22 Upper Brook Street
W1K 7PZ London

United Kingdom of Great Britain and Northern Irelandshow map
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posted 18. Jul 2021

DAMIEN HIRST

10. May 202110. Oct 2021
DAMIEN HIRST curated by Anna Coliva and Mario Codognato 10 May to 10 October 2021 An impressive group of works from Hirst’s series Treasures from the Wreck of the Unbelievable will be exhibited throughout the museum alongside the ancient masterpieces. From colossal to very small sculptures, all made of precious materials such as bronze, Carrara marble and splendid malachite, will be displayed alongside his Colour Space paintings amongst the permanent collection. The vision combines contemporary art with that of the past, prompting us to reconsider their respective statuses and create new boundaries.

artist

Damien Hirst 
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posted 17. Jul 2021

8. SOCLE DU MONDE BIENNALE 2021

12. Jun 202131. Oct 2021
opening: 24. Apr 2020 06:00 am
12.06.2021– 31. 10.2021 ** 8. SOCLE DU MONDE BIENNALE 2021** "WELCOME BACK MY FRIENDS TO THE SHOW THAT NEVER ENDS" (April 24th – August 27th, 2020) The Socle du Monde Biennale 2020 “Welcome Back My Friends to The Show That Never Ends” bridges past, present and future by fostering an exchange between different generations of international artists. The city of Herning, three museums and a former high school are transformed into a showplace for seven unique stages, connecting historical Arte Povera works with younger and emergent positions. With architectural interventions, playful objects and installations, thought-provoking images and sound, Socle du Monde invites visitors to participate in a festival-like experience where real and artistic life melts, where geographic and artistic boundaries are blurred and where old and new friends meet. El Anatsui, Giovanni Anselmo, Arad Arefe, Kirsten Astrup & Maria Bordorff, Alighiero Boetti, Mauro Bonacina, Ry David Bradley, Pier Paolo Calzolari, Ahmet Civelek, Sven Dalsgaard, Herman de Vries, Marcin Dudek, Luciano Fabro, Antony Gormley, Kari Anne Helleberg Bahri, Jannis Kounellis, Charles LeDray, Marisa Merz, Mario Merz, Klaus Munch, Rasmus Myrup, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Jaume Plensa, Emilio Prini, Maria Roosen, Lauren Seiden, Kimsooja, Kristian Touborg, Spencer Tunick, Gilberto Zorio
Socle du Monde Biennale, Herning °

Heart - Herning Museum of Contemporary Art, Birk Centerpark 8
7400 Herning

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posted 16. Jul 2021

Gerhard Richter

26. Mar 202125. Jul 2021
**26.03.2021 - 25.07.2021** **Gerhard Richter** Die umfassende Landschaftsausstellung Mit rund 130 Werken umfasst die Ausstellung sämtliche von Richter zum Thema Landschaft verwendeten Medien von Malerei, Zeichnung, Druckgrafik und Fotografie bis hin zu Plastiken und Künstlerbüchern. Vertraute und neue Einblicke Mit Gerhard Richter wird im Kunsthaus Zürich einer der bedeutendsten zeitgenössischen deutschen Künstler gefeiert. Es ist die erste Einzelausstellung im Kunsthaus und sie widmet sich einer zentralen Bildgattung seines Schaffens, der Landschaftsmalerei. Zu sehen sind 130 Arbeiten, die meisten davon erstmals in der Schweiz oder nach Jahrzehnten wieder öffentlich, wie das «Stadtbild PX» (1968), spektakuläre «Seestücke» aus Berlin und Bilbao und das energiegeladene «Dschungelbild» (1971) aus Privatbesitz. Neben 80 Gemälden werden Zeichnungen, Fotocollagen, übermalte Fotografien, Druckgrafiken und Künstlerbücher präsentiert. Auf 1200 Quadratmetern durchlaufen die Besucherinnen und Besucher Richters Schaffensprozess von 1957 bis 2018. Landschaften aus zweiter Hand Von Anbeginn sieht Richter die Landschaft durch das mechanische Reproduktionsmedium der Fotografie. Überwiegend eigene Fotos bilden den Fundus für diese Bilder. Der Künstler stellt somit im Prinzip keine Landschaften, sondern Fotografien von Landschaften dar. Die spezifisch fotografische Ästhetik von Ausschnitt, Bildaufbau und Farbigkeit bleibt deutlich sichtbar, wie etwa in dem Ölgemälde «Waldhaus» (2004) mit Blick auf das Angestelltenhaus des berühmten Hotels in Sils Maria. Damit beginnt seine kritische Reflexion der verlorenen Möglichkeiten der Malerei. Landschaften in der Abstraktion Vor allem in den 1960er- und 1970er-Jahren entstanden stark abstrahierte Gebirgs-, Park- und Stadtbilder, die die Möglichkeiten einer ursprünglich fotografisch basierten Abstraktion malerisch noch weiter ausloten. Diese Werke changieren zwischen abbildhaft dargestellten Landschaftsmotiven und einer selbstreferenziellen Farbmaterialität in breiten Pinselstrichen. Bei diesem dualistischen Prinzip geht es nicht um eine klassische Abstraktion im Sinne einer Autonomisierung der Form, sondern vielmehr um die Frage, wie weit man – ausgehend von fotografischen Vorlagen – die Verselbständigung der Form treiben kann. Das zweiteilige, 250 x 680 cm messende Werk «St. Gallen» (1989) ist in der Abstraktion so weit gediehen, dass selbst Einheimische keine topografischen oder architektonischen Merkmale ihrer Stadt wiedererkennen. Landschaften als fiktionale Konstrukte In den 1970er- und 1990er-Jahren produzierte Richter auch Landschaften in Form fiktionaler Konstrukte. Anhand von Ölgemälden, Druckgrafiken, Fotocollagen und einem dreidimensionalen Objekt stellt er Landschaften und monumentale Räume dar, die es in der Wirklichkeit nicht geben kann. Meeres-, Berg- und Wolkenbilder wurden motivisch so zusammengesetzt, dass sie aufgrund ihrer Grösse oder Anordnung jede reale Erfahrung übersteigen. Übermalte Landschaften Ungegenständliche Übermalungen mit Ölfarben entstehen ab 1965, wobei so vielfältige, immer auch physisch geprägte Techniken wie das Abklatschen, Abschaben, Aufspachteln und Überrakeln zum Einsatz kommen. Durch die Fotografie einer Landschaft wird abbildhaft ein gegenständliches Motiv vermittelt, während gleichzeitig eine abstrakte Farbmaterie auf der Fläche appliziert wird. Diese zwei Wirklichkeitsebenen – auch mit Titeln ohne Ortsangabe wie bei «10.Apr.2015» (2015) – erscheinen als eine ineinander verzahnte Einheit, sie gehen hier eine enge, spannungsreiche und zugleich subtile Verbindung ein. « Solche Werke zeigen meine 'Sehnsucht', sie sind ein 'Traum nach klassischer Ordnung und heiler Welt.' » — Gerhard Richter, 1981 Landschaft in unruhigen Zeiten Unsere Bewunderung für Landschaften und ihre ästhetische Qualität steigt zu Beginn der Industrialisierung im 19. Jahrhundert. Und ihre Wertschätzung wächst mit deren Verwüstung durch Kriege und ökologische Katastrophen. Die Evokation eines starken Gefühls ist der Kunst- und der Landschaftsbetrachtung gemein. Das Jahr 2021 steht noch im Zeichen der Corona-Krise, deren spürbarste Konsequenzen auf persönlicher Ebene das Physical Distancing sowie die starken Mobilitätseinschränkungen sind. Die Programmierung der Ausstellung in dieser Zeit ist ein Hoffnungsschimmer. Ein Besuch im Kunsthaus Zürich macht deutlich, wie wertvoll sinnliche Erfahrungen im gemeinschaftlichen Rezeptionsvorgang sind, vor allem dann, wenn sie zu Projektionsflächen von Sehnsucht werden, wie im Falle von Gerhard Richters Landschaften. In Zusammenarbeit mit dem Bank Austria Kunstforum Wien. Kuratoren: Hubertus Butin (Berlin) und Cathérine Hug (Kunsthaus Zürich)
Kunsthaus Zürich

Heimplatz 1
CH-8024 Zurich

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posted 15. Jul 2021

Chiara Fumai. Poems I will never release 2007–2017

08. May 202103. Oct 2021
08.05.2021 - 03.10.2021 Chiara Fumai. Poems I will never release 2007–2017 A project produced by Centro per l'arte contemporanea Luigi Pecci and Centre d'Art Contemporain Genève In collaboration with La Casa Encendida - Madrid, La Loge - Brussels and The Church of Chiara Fumai Three years after her untimely death, the Luigi Pecci Centre for Contemporary Art in Prato is dedicating to Chiara Fumai the retrospective exhibition Poems I Will Never Release, curated by Milovan Farronato and Francesco Urbano Ragazzi in collaboration with Cristiana Perrella. The exhibition is part of a wide-ranging project that brings together several European institutions with the aim of revisiting the artist's work, preserving her legacy and passing it on to a wide audience. Presented at the end of 2020 at the Centre d'Art Contemporain Genève, the exhibition - after the Centro Pecci - will travel for the next two years to La Loge in Brussels and to the Casa Encendida in Madrid, deepening the investigation on a creative personality who has markedly developed the languages of performance and feminist aesthetics in the 21st century. Poems I Will Never Release brings together a very complete body of work, which translates into material form the elusive performances that Chiara Fumai has programmatically excluded from a documentation process. Rejecting a sort of latent prejudice linked to her being a female artist, Chiara Fumai has adopted a vocabulary of threat, revolt, vandalism, violence and boredom to trigger uncomfortable situations and shape collages, environments and actions to promote her ideals of anarchic feminism.

artist

Chiara Fumai 
Centro Pecci, Prato

Centro Pecci, | Viale della Repubblica 277
I-59100 Prato

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posted 14. Jul 2021

Yinka Shonibare CBE. End of Empire

22. May 202103. Oct 2021
Museum der Moderne, Mönchsberg * Yinka Shonibare CBE. End of Empire 22.05.2021 - 03.10.2021 Kurator_innen: Thorsten Sadowsky, Marijana Schneider Der britisch-nigerianische Künstler Yinka Shonibare CBE (1962 London, UK), gehört zu den bedeutendsten und vielseitigsten Künstlern Großbritanniens. Er untersucht in seinen Werken das Erbe des westlichen Kolonialismus, das bis in die Gegenwart Spuren hinterlassen hat. Bekannt geworden ist er mit seinen Installationen mit kopflosen lebensgroßen Figuren in historischen Kostümen, die aus bunten Batikstoffen geschneidert sind. Der Künstler sieht sich in der Rolle eines „postkolonialen Hybriden“, der mit einer subversiven künstlerischen Strategie bevorzugt Episoden aus der europäischen Kunst und Geschichte des 18. und 19. Jahrhunderts aufgreift und zu tragikomischen Szenen menschlichen Tuns ausgestaltet. In seinem multimedialen Gesamtwerk untersucht Shonibare die Konstruktionen von Rasse, Klasse sowie nationaler und kultureller Identitäten anhand der historischen Wechselbeziehungen zwischen Afrika und Europa. Die retrospektive Ausstellung versammelt rund 60 Arbeiten der letzten 30 Jahre. Zur Ausstellung erscheint ein umfassender Katalog.
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posted 13. Jul 2021

Mariechen Danz . Clouded in Veins

02. May 202129. Aug 2021
Mariechen Danz . Clouded in Veins Kunstausstellung der Ruhrfestspiele 2021 2. Mai bis 29. August 2021 2021 blickt die Kunstausstellung der Ruhrfestspiele auf eine mehr als siebzigjährige Geschichte zurück und lädt mit Mariechen Danz die bislang jüngste Bildende Künstlerin zur Festspielausstellung ein. Danz’ Arbeit nimmt Kommunikation und Wissenstransfer als Ausgangspunkt und stellt dabei den Körper in das Zentrum ihrer prozessbasierten Praxis. Mit ihren Skulpturen, Zeichnungen, Kostümen und Performances untersucht sie die Ausdrucksmöglichkeiten aber auch die Begrenztheit der Sprache, die Lesbarkeit von Zeichen und deren hierarchische Systeme. Immer wieder kreist ihr künstlerischer Diskurs um die Subjektivität allen menschlichen Verstehens, und setzt Empathie und Neugier an die Stelle eindimensionaler Erklärungsmodelle. Mit dekolonialen Ansätzen rüttelt Mariechen Danz an eurozentrischen Geschichtsbildern und Wertvorstellungen und bringt jene Schubladen wieder durcheinander, mit Hilfe derer wir unsere Welt maßgebend ordnen und beherrschen. So verflüchtigen sich feste Grenzziehungen und weichen einem dauernden Lernprozess. Für die Kunsthalle Recklinghausen entwirft Mariechen Danz Räume, in denen sie ihre Arbeiten bühnenhaft inszeniert und gleichzeitig die Architektur des Hauses verwandelt und öffnet. Das Publikum wird aktiv einbezogen. Danz’ Anstiftung zu Kommunikation und Dialog erscheint angesichts populistischer Machtstrategien und zu verschwinden drohender gesellschaftlicher Empathie höchst aktuell. Mariechen Danz wurde 1980 in Dublin, Irland geboren. Sie studierte an der Universität der Künste in Berlin, an der Gerrit Rietveld Academie, Amsterdam, und am California Institute of the Arts. Ihre Arbeiten wurden u. a. auf den Biennalen von Venedig und Istanbul, im Haus der Kunst, München, im MAK – Museum für angewandte Kunst, Wien, im Centre Pompidou, Paris, im Kunsthaus Bregenz und im New Museum, New York gezeigt. Heute lebt und arbeitet Mariechen Danz in Berlin.
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posted 12. Jul 2021

TONE FINK - von allem das beste

19. Jun 202121. Aug 2021
TONE FINK - von allem das beste VERNISSAGE am Samstag, 19. Juni um 18:00. zur Eröffnung spricht Roman Grabner, Bruseum Graz Ausstellung bis 21. August 2021. Mo – Sa 10 – 18 Uhr, So nach Vereinbarung. 0664 2645975 TONE FINK Geboren am 1. Januar 1944 in Schwarzenberg, Vorarlberg, Österreich. Studium an der Akademie der Bildenden Künste (bei Prof. Weiler und Melcher) in Wien. Tone Fink kritzelt und klebt, er schneidet und spachtelt, er schichtet und schleift und schreibt was dazu, er zerkratzt, zerreißt, durchlöchert das Papier, er bastelt und baut Objekte und tritt damit auf und wird dabei gefilmt und gestaltet selber Filme. Und schließlich macht er auch noch etwas erstaunlich Konventionelles: er zeichnet und malt. Und gibt zuweilen als Lehrer weiter, was er tut. Ein Satz von Joseph Beys ist ihm wichtig: „Kunst=mensch=kreativität=freiheit.“ Und weiter: Kunst sei „Revolte“, „Aufruhr“, „Anarchie“ zitiert Tone Fink große Künstler des 20. Jahrhunderts. Und daran hält er sich. Der Künstler hat kindsköpfische Züge. Und nur, weil er Kunst besonders ernst nimmt, tut er so, als nehme er sie nicht besonders ernst. Aber das täuscht. Zum Schluss: Tone Fink war mit seinen Arbeiten in Peking, Kairo, Berlin, Tokio, Prag undsoweiter. (Textauszug Dr. Peter Huemer)

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Tone Fink 
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posted 11. Jul 2021

Light and Language

28. Mar 202110. Oct 2021
Light and Language March 28–October 10, 2021 Lismore Castle Arts is delighted to announce Light and Language, featuring Nancy Holt with A.K. Burns, Matthew Day Jackson, Dennis McNulty, Charlotte Moth, and Katie Paterson. Nancy Holt (1938–2014) was a member of the earth, land, and conceptual art movements. A pioneer of site-specific installation and the moving image, she expanded the places where art could be found and embraced the new media of her time. Across five decades she asked questions about how we might understand our place in the world, investigating perception, systems, and place through experiments with light and language. Holt’s work continues to vibrate with artists working today. Light and Language invites A.K. Burns, Matthew Day Jackson, Dennis McNulty, Charlotte Moth, and Katie Paterson to explore ideas of light and language alongside Nancy Holt at Lismore Castle Arts. This is the first time Holt’s work has been seen with 21st century artists drawing from her legacies. The selection of artworks by Holt span 1966 through to 1982 and range from concrete poetry, to photographic experiments with light and shadow, works relating to her iconic earthwork Sun Tunnels (1973–76), and her 1974 video collaborations with Richard Serra, Boomerang and Match Match Their Courage. At the center is Holt’s room-sized installation Electrical System (1982), presented for the first time in more than three decades. One of Holt’s innovative System Works, this network of more than 70 light bulbs connected to a network of arching conduit expanding out from Lismore Castle’s power system makes the facts of the working building perceivable. Holt describes how her Systems Works expose “fragments of vast hidden systems” showing how they are “part of open-ended systems, part of the world.” Within the castle grounds and Lismore town are Holt’s Locators which she noted were “literally seeing devices” simultaneously focusing, extending, and showing the limits of vision. Holt was attentive to language as a system structuring perception and understanding of place, and her interest in light focused on the built environment as well as earthly and celestial landscapes. The five artists joining her at Lismore Castle likewise open questions about perception. Each artist has chosen works that resonate with their fascinations for Holt’s ideas and artworks. Matthew Day Jackson’s (b. 1974, USA) Commissioned Family Photo (2013) comprises 82 photographs of the artist and his family taken with a camera designed to record explosions and shockwaves from the extreme light of nuclear detonations. A.K. Burns (b. 1975, USA) presents an evocative film of a total solar eclipse, shot on 16mm in an open field in Nebraska in 2017. Projected on a large angled screen, the scale amplifies the residue of heavy film grain and entanglement of astronomical phenomena, technology, and representation. In the castle grounds Burns’ sculpture The Dispossessed (2018) stand face-to-face, a pair of objects made from mangled and painted chain-link fencing used to mark site boundaries. Dennis McNulty (b. 1970, Ireland), Charlotte Moth (b. 1978, England) and Katie Paterson (b. 1981, Scotland) respond to the unique architecture of Lismore Castle through their interests in light and language. McNulty’s audiowork Boundary Conditions (2021) maps a network of streets around his home in Dublin, structuring space through verbal description. In the galleries a sculpture extends the power system to spell out lyrics from Bruce Springsteen’s 1982 Atlantic City. On the castle grounds a disc sculpture, Moth’s Blue reflecting the greens (2021) hugs a moss covered boundary wall to project sunlight, while in the gallery Millefleur (Lismore) (2021) fills a circular tower with hundreds of paper leaves. Paterson’s Ideas thread their way through the gallery: short sentences alluding to potential artworks, each involving light. In the gardens, a billboard of Inside this desert lies the tiniest grain of sand (2010) points to Paterson’s interest in scale and technology. Light and Language is curated by Lisa Le Feuvre, inaugural Executive Director of Holt/Smithson Foundation. The exhibition is kindly supported by the Arts Council, Henry Moore Foundation, and Waterford City & County Council.
Lismore Castle Arts

St. Carthage Hall
Lismore

United Kingdom of Great Britain and Northern Irelandshow map
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posted 10. Jul 2021

And if I devoted my life to one of its feathers?

15. May 202126. Sep 2021
And if I devoted my life to one of its feathers? A joint exhibition of Kunsthalle Wien and Wiener Festwochen 15/5–26/9 2021 KünstlerInnen: Babi Badalov, Denilson Baniwa, XIXA Bartolina, Patricia Belli, Amoako Boafo, Anna Boguiguian, Victoria Cabezas, Giuseppe Campuzano, Manuel Chavajay, Chto Delat, Rosa Elena Curruchich, Vlasta Delimar, Annalee Davis, Jim Denomie, María Galindo, Nilbar Güreş, Sheroanawe Hakihiiwe, Hiwa K, Germain Machuca, Daniela Ortiz, Prabhakar Pachpute, Amanda Piña, (Olindo Silvano) Reeshinjabe, Sandra Salazar, Shõyan (Roldan Pinedo) Sheca, SPIT! (Sodomite, Inverts, Perverts Together!) (Carlos Maria Romero, Carlos Motta & John Arthur Peetz), Sophie Utikal, Cecilia Vicuña, Castiel Vitorino Brasileiro, Anna Witt, Santiago Yahuarcani, Zapantera Negra, … Kurator: Miguel A. López Eine gemeinsame Ausstellung der Kunsthalle Wien und der Wiener Festwochen „And if I devoted my life to one of its feathers?”, schreibt die chilenische Dichterin und Aktivistin Cecilia Vicuña 1971 in ihrem Gedicht Precarious. Mit dieser Frage, die das gemeinsame Projekt der Kunsthalle Wien und der Wiener Festwochen als Titel wählt, setzt Vicuña Heilung und Wertschätzung gegen anthropozentrisches und heteropatriarchales Begehren, lässt ästhetische und geistige Bande zwischen menschlichen und nichtmenschlichen Wesen und Welten wiederaufleben. Diesen Forderungen nachkommend, reflektiert die von Miguel A. López kuratierte Ausstellung Logiken der Ausbeutung, den rasenden Rohstoffabbau und die Umweltzerstörung als koloniales Erbe. Sie erzählt von indigenen Kämpfen ums kollektive Überleben und feiert solidarische Begegnungen im Widerstand gegen Frauenfeindlichkeit, imperialistische Gewalt und staatliche Unterdrückung. Einige Beiträge reagieren ausdrücklich auf die COVID-19-Pandemie, nicht nur als Gesundheitskrise, sondern als eine der ökologischen und sozialen Gerechtigkeit. And if I devoted my life to one of its feathers? verbindet Werke von über 35 Künstler*innen aus aller Welt, um in Wien ein einzigartiges Gespräch über Macht, Selbstbestimmung, das Selbstbild und die Rückeroberung vielfältiger Lebensentwürfe zu initiieren.
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posted 09. Jul 2021

Todd Gray / MATRIX 186

04. Mar 202118. Jul 2021
Todd Gray / MATRIX 186 March 4 – July 18, 2021 Todd Gray’s photographic assemblages explore the history and enduring impact of European colonialism, slavery, and the African diaspora. A personal subject for the artist, his family has been unable to trace its lineage beyond three generations due to the legacy of slavery. To create new work, Gray mines his extensive archive of photographs created over decades of travel, then selects and juxtaposes images of African subjects and sublime landscapes, formally-designed European gardens, and dazzling Hubble Space Telescope constellations. Framed individually in different styles of thrift-store frames, new frames, and old museum frames, the artist layers and stacks the images in dynamic overlapping compositions of two to or more photographs. Breaking all the rules of formal presentation, Gray conceals and pairs imagery to take us on a complex journey about identity through Africa, Europe, and the cosmos, and through time and space. For his MATRIX project, Gray embraces the experimental nature of MATRIX program to expand his practice with his most ambitious work to date: a fourteen-part work exceeding thirty feet in length. The scale and imagery will envelop the viewer in a historical, cultural, and spiritual experience that directly connects with the renewed contemporary discourse to face past and present transgressions. Four recent multi-part works will accompany the monumental work in Gray’s MATRIX project.

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posted 08. Jul 2021

Kemang Wa Lehulere. Bring Back Lost Love

20. Apr 202115. Aug 2021
20.04.2021 - 15.08.2021 **Kemang Wa Lehulere. Bring Back Lost Love** Göteborgs Konsthall is proud to present the first Scandinavian solo exhibition of South African artist Kemang Wa Lehulere, one of the most recognized artists of his generation. The exhibition Bring Back Lost Love features new sculptural works, installations and drawings. Kemang Wa Lehulere explores the relationship between personal and collective histories, and how South Africa’s violent past continues to haunt the present. Using found and repurposed materials, chalk, personal memories and texts, his poetic and layered works speak of suppression, unfulfilled dreams and voices that have been silenced or erased from official historiography. In Bring Back Lost Love, Wa Lehulere excavate histories, both existing and imaginative, informative and fantastical. The show’s title is taken from a term that can be seen on posters around the inner-city centers of South Africa. Here, Sangomas—South African traditional healers—offer their services in matters such as “solving money problems,” “help with employment,” “increase virility,” “clearing debt,” and “help with luck”. While the title alludes to intimacy between two people, it can also be interpreted as a macro expression for Wa Lehulere’s interest in archeology and the idea of mining history and unearthing lost narratives, objects and poetry. As such the call to “bring back lost love” speaks to a desire to rupture the present and acknowledge that something has been lost or is missing—not least the relationship to the ancestral land that black South Africans lost as the notorious Natives Land Act saw the systematic expulsion of black South Africans from fertile to arid lands. Employing a call and response strategy—synonymous with jazz—where a soloist “calls” for a “response” from their ensemble creating a rhythm and melody, Wa Lehulere presents a new body of drawings in collaboration with his aunt Sophia Lehulere. The drawings evoke the legacy of the late artist Gladys Mgudlandlu whose colorful landscape paintings speaks to the history of forced removals. Another central theme in the exhibition is movement, and the limitations there of, migration and freedom. Wa Lehulere uses vintage leather suitcases, some handed down, some sourced from antique markets, in combination with crutches and other assemblages made from broken down school desks. These elements are found throughout the artist’s oeuvre—in early examples, some suitcases are guarded by porcelain dogs whose guardianship evokes an unsettling association with the oppressive monitoring and surveillance of travelers of all kinds. The suitcase, a potent signifier, evokes the fate of various historical figures, such as the German philosopher Walter Benjamin, who on September 26, 1940 was refused entry into Spain and later the same night committed suicide. Locked in his famous black leather briefcase was an important manuscript that was never found. Equally, the crutched suitcases speak to the many South Africans who were forced into exile like the South African writer Nat Nakasa who left South Africa on an exit permit, relinquishing his citizenship and died in New York City on July 14, 1965 as a self-proclaimed “Native of Nowhere.” Gaping suitcases are paired with these crutches—both objects intertwined and animated far beyond their original uses allowing for other possibilities. Offering alternative endings for old and new stories alike. Kemang Wa Luhulere Kemang Wa Lehulere was born in 1984 in Cape Town, South Africa, where he lives and works. He is perceived as one of the most important representatives of a new generation of South African artists who is developing new artistic perspectives and narrative modes, as well as new forms of political action. In several works he has created a dialogue with the historic legacy of black South African musicians, authors and artists such as Gladys Mgudlandlu, Ernest Mancoba and journalist Nat Nakasa, in order to prevent their work and lives to sink into oblivion. Kemang Wa Lehulere was a co-founder, in 2006, of Gugulective, an artist-led collective based in Cape Town, and is a founding member of the Center for Historical Reenactments in Johannesburg. He was jointly awarded the 15th Baloise Art Prize at Art Basel in 2013 and is the winner of the 2015 Standard Bank South Africa, Young Artist Award. Recent exhibitions include the 58th Venice Biennale (2019); the 14th Sharjah Biennale (2019); 11th Mercosul Biennial (2018); Performa 17, New York (2017); and at Fondation Louis Vuitton (2017).
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posted 07. Jul 2021

Xianwei Zhu – In a Landscape

03. Jul 202128. Aug 2021
opening: 03. Jul 2021 11:00 am
3. Juli bis 28. August 2021 Eröffnung: 03. Juli 2021, von 11 bis 19 Uhr **Xianwei Zhu – In a Landscape** Zur Eröffnung der Ausstellung Xianwei Zhu In a Landscape laden wir Sie und Ihre Freunde am Samstag, 3. Juli 2021, von 11 bis 19 Uhr sowie am Sonntag, 4. Juli 2021, von 11 bis 17 Uhr sehr herzlich in die Stuttgarter Galerie ein. Im Rahmen der Eröffnung entsteht ein Video, das auf Instagram, Facebook und Youtube zu sehen sein wird. Der Künstler wird anwesend sein. Fließende Berge ... wie schön aus heiterer Ferne Glänzt einem das herrliche Bild Der Landschaft ... (Friedrich Hölderlin, Der Spaziergang) Er ist gern mit dem Tuschkasten unterwegs, hat das Donautal zeichnend erwandert und den Hohentwiel als Motiv ins Visier genommen – oder war es doch ein Fluss und ein Berg in China? Oder Erinnerung? Das Schaffen von Xian- wei Zhu ist ein Prozess der Selbstverortung. Geboren in Qingdao, China, beschwört der Maler, der sein Kunststudium sowohl in seinem Heimatland als auch in Stuttgart absolviert hat, die klassischen Zeiten herauf, um seine beiden verbindlichen Kulturräume zu erkunden und abzusichern. Es geht um Heimat in einer globalisierten Realität. Xianwei Zhu hat sich dem Gefühl des allseits Unbe- hausten zunächst figurativ entzogen. Von einem teils witzigen, teils skurrilen Kindchenmotiv aus, das dem Staunen über eine fremde Welt Ausdruck verlieh, gerieten die Protagonisten zunehmend erwachsener, wenn auch weniger hero- isch als satirisch, sei es im Kostüm eines Kaisers oder eines einsamen Wanderers über dem Nebelmeer. Von dort war der Schritt nicht weit zur Landschaftsmalerei, die das Werk Xianweis mittlerweile prägt. Was angesichts der postromantischen Spurensuche und Beschäftigung mit der Zen-Philosophie als Weltflucht gedeutet werden könnte, ist in Wahrheit der komplexe Versuch, in die Wesensstruktur des unerschütterlichen ostasiatischen Denkens und der vielberufenen romantischen Seele zugleich vorzudringen. Dass er beides vereint, ist die Stärke seiner Malerei, die eben nicht rückwärtsgewandt ist, sondern mit den verinnerlichten Bildern früherer Epochen eine nachmoderne Perspektive einnimmt. Dem asiatischen Betrachter kommen traditionelle Naturbilder in den Sinn, der mitteleuropäische Betrachter denkt an Caspar David Friedrich – beides ist räumlich wie zeitlich weit auseinander. Das spielt aber kaum eine Rolle, verinnerlicht man, dass es bei aller Erkennbarkeit um die Aneignung eines geistigen Raums geht. Ein Aphorismus Friedrichs ist berühmt geworden für das romantische Selbstverständnis: »Der Maler soll nicht bloß malen, was er vor sich sieht, sondern auch was er in sich sieht. Sieht er aber nichts in sich, so unterlasse er auch zu malen, was er vor sich sieht.« Was sich ihm allerdings im Kopf auftat, war schon imposant, um nicht zu sagen: erhaben. Dem Erzromantiker konnte die Diskussion Kants und Schillers kaum entgangen sein, wenn er selbst vom »Gefühl für das Erhabene in der Natur« schreibt: »Aber das Schönste und das Höchste und das Ergreifendste darzustel- len, wäre doch wohl die Aufgabe eines wahren Malers.« Ausdrücklich hat er dabei weder »himmelhohe Berge« noch »endlose Abgründe« vor Augen. Wegen des dem Maler abverlangten introvertierten Blicks reizt ihn gerade das Un-Sicht- bare. »Wenn eine Gegend sich im Nebel hüllt, erscheint sie größer, erhabener und erhöht die Einbildungskraft und spannt die Erwartung: gleich einem verschleier- ten Mädchen. Auge und Phantasie fühlen sich im allgemeinen mehr von der duf- tigen Ferne angezogen als von dem, (was) so nah und klar vor Augen liegt.« Xianwei Zhu bewegt sich völlig frei im Nirgendwo zwischen Schwäbischer Alb und Hsiao-Hsing, gerade aus der Warte Asiens ist ihm die sinnerfüllte Leere ver- traut. Georg Wilhelm Friedrich Hegel, ein Zeitgenosse Caspar David Friedrichs, hat sich damit beschäftigt und eine Art negative Theologie im besten Sinne ent- wickelt, die der Romantiker letztlich auch hat, lässt er seinen Gott doch nur in und durch die inwändig gefühlte Natur in Erscheinung treten. Hegel deutet die Philo- sophie Ostasiens als »Religion des Insichseins«. Über Hegel, Schopenhauer und Heidegger haben sich die buddhistischen Werte der Leere, des Niemand und des Nichts in unsere westliche Gegenwart eingenistet. Xianwei Zhu wird in der Lektü- re heimisch, weiß freilich, dass es ein Gedankenspiel bleibt. Malerisch führt er die romantisch empfundene, aber substanzlose Landschaft vor. Die flüchtigen Pinsel- spuren deuten nur an, erinnern an die »Acht Ansichten von Hsiao-Hsing« des Zen-Malers Yü Chien: Berg und Fluss, Himmel und Erde gehen ineinander über, werden eins. Nach der Lehre des japanischen Gelehrten Dôgen gerät alles ins Fließen – sinnlicher wohl als das westliche ›panta rhei‹ (»Alles fließt«): Seine blau- en Berge »wandern«, es ist die Rede vom »fließenden Berg«. Man muss sich die Malerei Xianwei Zhus unter einem solchen, eben nicht nur metaphorischen, sondern gelebten Bild Dôgens vorstellen: »Die Berge schweben über den Wolken und wandern durch den Himmel. Die Gipfel des Wassers sind die Berge; das Wandern der Berge, aufwärts und abwärts, geschieht ständig auf dem Wasser.« Die Gemäl- de entwickeln sich, oftmals in Leserichtung, der Blick strömt auf kulminierende Höhenzüge zu oder von Baumgruppen in die Weite usw. Es geht jedoch darum, sich frei von Zuordnungen zu machen, den Berg zum Fluss werden zu lassen und letztlich zur Weisheit. Xianwei Zhu erinnert an das »wang ji«, das Vergessen, dank dem man überhaupt erst dahin gelangt, wo man hin will: »In a Landscape«. Dieser Ausstellungstitel ist einem Musikstück von John Cage aus dem Jahr 1948 entlehnt, das wahlweise für Harfe oder Klavier gedacht war. Wie beiläufig sollte die Musik »den Geist nüchtern und ruhig machen, um ihn so für göttliche Einflüs- se empfänglich zu machen«. Martin Heidegger beleuchtete eine Zen-Anekdote: Ein Zen-Novize sieht vor sich Berge und Wasser; in einer inneren Schau zweifelt er als fortgeschrittener Schüler daran, dass Berge Berge und Seen Seen sind; erst als Erleuchteter sieht er wieder Berge und Gewässer. Xianwei Zhu hat die Dichtung des zen-buddhistischen Tang-Dichters und Ein- siedlers Han-Shan vor den Bildern der deutschen Romantik hinterfragt, und er hat diese mit der ostasiatischen Tuschemalerei konfrontiert. »Die Leute fragen nach dem Hanshan-Weg – / Hanshan? Kein Pfad führt euch dorthin! / Hier schmilzt das Eis auch spät im Sommer nicht, / Im Nebel steigt die Sonne blass wie der Mond...«. Darüber hinaus strebte er danach, sowohl die asiatische Denkwelt wie den romantischen Geist durch die Brille Martin Heideggers zu sehen bzw. neu zu erfinden. Das Ergebnis macht sich im Werk des Pendlers zwischen den Welten bemerkbar, die das nachhaltig Fremde im gegenwärtigen Heimatempfinden genauso thematisieren, wie sie das Utopische einer konkreten Verheimatung her- ausstreichen. In seinem jüngsten Werk sucht Xianwei Zhu einen bildlichen Aus- druck für die absolute Sprache Friedrich Hölderlins, der seine schwäbische Heimat derart hellenisierte, dass der Leser sich in einer erträumten Ferne wiederfindet. In dem Gedicht »Der Spaziergang« – es ist mehr ein Wandern – schreibt er: »Ihr Wälder schön an der Seite, / Am grünen Abhang gemalt, / Wo ich umher mich leite, / Durch süße Ruhe bezahlt / Für jeden Stachel im Herzen, / Wenn dunkel mir ist der Sinn, / Denn Kunst und Sinnen hat Schmerzen / Gekostet von Anbeginn. / Ihr lieblichen Bilder im Tale, / Zum Beispiel Gärten und Baum, / Und dann der Steg der schmale, / Der Bach zu sehen kaum, / Wie schön aus heiterer Ferne / Glänzt einem das herrliche Bild / Der Landschaft, die ich gerne / Besuch' in Witterung mild. / Die Gottheit freundlich geleitet / Uns erstlich mit Blau, / Hernach mit Wolken bereitet, / Gebildet wölbig und grau, / Mit sengenden Blitzen und Rollen / Des Donners, mit Reiz des Gefilds, / Mit Schönheit, die gequollen / Vom Quell ursprünglichen Bilds.« Hölderlin vermittelt ein modernes Naturgefühl, welches das Innerste des Ichs nach außen kehrt und die Zerrissenheit seiner/unsrer Zeit vor Augen führt. Xianwei Zhu versucht jedoch Hölderlins Lyrik mit dem eigenen Kos- mos zu vergegenwärtigen. Die teilweise winzigen, fast entschwindenden Figuren gleichen Boten aus der Vergangenheit, zeugen aber auch von der existenziellen Nichtigkeit im Ganzen der bedrohten Natur. Die romantisch-pantheistische Welt und das Nichts des Zen verklären sich zur Einheit einer »gemalten Philosophie«, wie Peter O. Chotjewitz über das Werk des chinesisch-deutschen Malers schrieb. Zeit- und raumlos macht sich Xianwei Zhu auf die Suche nach sich selbst und nach seiner zuweilen doppelt irrlichternden Welt, um sich der Leere letztlich mit einer Gelassenheit, ja Heiterkeit zu nähern. Günter Baumann

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