daily recommended exhibitions

posted 27. Feb 2020

Mouthless. Dorota Gawęda, Eglė Kulbokaitė

01. Feb 202029. Mar 2020
opening: 31. Jan 2020 06:00 pm
Fri Art Kunsthalle Fribourg Mouthless. Dorota Gawęda, Eglė Kulbokaitė 01.02.2020 - 29.03.2020 Eröffnung 31.01.2020 18:00 - 19:30 im WallRiss Ab 18:30 im Fri Art Für ihre erste Schweizer Einzelausstellung verwandeln Eglė Kulbokaitė (*1987, Kaunas / Basel) und Dorota Gawęda (*1986, Lublin / Basel) die Kunsthalle in einen Empfangsort, der auf unsere aktuellsten Ängste reagiert. Sein Umfeld erhält die Gestalt einer in einzelne Teile zerlegten Fiktion, in der sich Theorie des Öko-Feminismus, urbane Legenden, Hexenprozesse, Bezüge zu geografischen Markierungspunkten und drohendes ökologisches Drama vermischen. Die Besucherin und der Besucher werden mit Projektionen, Klängen, Gerüchen, Lichteffekten, Objekten und Texten direkt angesprochen und angeregt. Erzählt werden Geschichten, die Fragen zur Aufteilung des Natürlichen und des Technologischen, des Archaischen und des Futuristischen, des Realen und seiner Mediatisierung aufwerfen. Der spekulative Aspekt der Fiktion, das "Als ob", untersucht unser Verhältnis zur Wahrheitsherstellung. Die Instabilität der Körper, die durch Krisen der Identität und der Ökologie gehen müssen, wird mit Verweisen auf populäre Genres wie Sci-Fi und Horror widergespiegelt. Das Projekt geht über die Mauern von Fri Art hinaus und schliesst eine Installation im WallRiss mit ein. Der Kunstraum wird den Künstlerinnen als Dreh- und Produktionsort dienen, von wo aus das Projekt sich in der Stadt verbreiten wird – als Gerücht und Duft, der sich in ganz Freiburg ausbreitet... WallRiss Varis 10-12 CH-1700 Fribourg info@wallriss.ch +41 79 604 31 85 Weg zum Fri Art von dem WallRiss aus: Nehmen Sie das Funiculaire neben Bushalt Saint-Pierre. Öffnungszeiten: Montag und Dienstag: auf Voranmeldung Mittwoch: 12 - 18 Uhr Donnerstag: 12 - 18 Uhr Freitag: 12 - 18 Uhr Samstag und Sonntag: 13 - 18 Uhr

artists & participants

Dorota Gaweda,  Egle Kulbokaite 
Fri Art Fribourg

Centre dart de Fribourg | Petites-Rames 22
CH-1701 Fribourg

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posted 26. Feb 2020

Organs. Iris Touliatou

16. Jan 202007. Mar 2020
opening: 16. Jan 2020 07:00 pm
Organs. Iris Touliatou 16.01.2020 - 07.03.2020 Exhibition Opening: Thu, Jan 16, 7 - 9 pm I At noon the Heart is most active, while the Liver is maximally active after midnight. Time in the body. The Heart moves the hands. The Spleen opens into the mouth and manifests on the lips. Functions in the body. Anger with the Liver, happiness with the Heart, thoughtfulness with the Heart and Spleen, sadness with the Heart and Lungs, fear with the Kidneys and the Heart, surprise with the Heart and the Gallbladder, and anxiety with the Heart and the Lungs. Sentiment in the body. Cells with limited life span: skin, nails, oocytes, blood cells. 10 or 70 organs you can live without. Headlines in the body. Organs: the fuel, the function, the movement, the daily rhythms of activity, their amount. Things paired. Things dried. Things absolutely needed. II They deal with time and love, as matter and forces that transform bodies, friendships, ideas, institutions, interests, objects and subjects. They become a landscape of metabolic activity – of an amount of light that enters a room, of an amount of energy that leaves a room, of a certain amount of intention, the minimum amount of meaningful gesture. They are physical traces of a desire, or an impulse, glimpses of locations and surroundings. They provide evidence of personal and material limitations. They are also records of affect, meditations, manifestos, emotional contours of life during increasingly precarious times. They are a set of conscious decisions manifested as a set of compulsions. They are self-generating, but also self-consuming. They create certain temperatures that dominate hormones and rational thinking. They suggest that careful attention to the tiny and the immediate can be a survival strategy. They are essays on forces, or their lack of, and on rejection. They function regardless of sickness and quitting. They are usual things. They are found. III The works are installed as ensembles of Kammermusik, one for each room of the gallery. On the ground floor, two grids of lights – fluorescent bulbs at the end of their useful lives, in square aluminium ceiling fixtures foraged from defunct offices in Athens. They light against each other. On the upper floor, a set of oscillating fans operates out of season. They reproduce the sound of key sets clinging, as one opens a door. On the walls, a series of portraits made in commercial photography studios in Athens. They are shown at the maximum size that was available in that moment. Energy is released in order to be made available for alternate endeavors. Molecules reconstitute elsewhere, otherwise. The works and other remnants from the space’s various past lives – nicotine-stained wood, holes on the floor, debris behind the walls – will remain on view from mid-January until March. Organs is Iris Touliatou’s first solo exhibition at Exile, Vienna. Recent solo exhibitions include Overnight, Radio Athènes, Athens, Greece (2019), Woman spinning, Palermo, Stuttgart, Germany (2019), and Some Seine, HYLE, Athens, Greece (2017). Selected group exhibitions include The Same River Twice: Contemporary Art in Athens, curated by Margot Norton and Natalie Bell, New Museum & Deste Foundation at the Benaki Museum, Athens, Greece (2019); Bright File (June), curated by Maya Tounta, Haus N Athen, Athens, Greece (2018); May the bridges I burn light the way, 5x5x5: Selected Projects, Manifesta 12, Palermo, Italy, with EXILE (2018); and We are not the number we think we are, BetonSalon-Villa Vassilieff, Paris (2018). She lives and works in Athens, Greece. IV CLUB MOSS Worse, right side, from right to left, from above downward, from 4 to 8pm; from heat or warm room, hot air, bed. Better, by motion, after midnight, from warm food and drink, on getting cold, from being uncovered. Pains come and go suddenly. Little things annoy, afraid to be alone. Hurried when eating. Cannot bear to see anything new. Cannot read what she writes. Sadness in morning on awaking. Shakes head without apparent cause. Twists face and mouth. Worse from 4 to 8pm. Sees only one-half of an object. Eyes half open during sleep. Dyspepsia due to farinaceous and fermentable food, cabbage, beans, etc. Aversion to bread, etc. Food tastes sour. Desire for sweet things. Eating ever so little creates fullness. Cannot eat oysters. Cannot lie on left side. Limbs go to sleep. Twitching and jerking. Starting in sleep. Dreams of accidents. This drug is inert until the spores are crushed. V THE WHITE OF THE EYES The PhD researcher from Spain, is in Singapore to study the eyes of orangutans in Borneo. I took a photograph of the photograph of the two pairs of eyes, hung above his desk in the Department of Biological Science at the National University of Singapore, 14 Science Drive 4. The white of our eyes is several times larger than those of other primates, which makes it much easier to see where the eyes, as opposed to the head, are pointed. Trying to explain this trait leads us into one of the deepest and most controversial topics in the modern study of human evolution: the evolution of cooperation. It was a close-up of a close-up of the eyes of females, pinned to the wall on the right side of his desk, in Singapore.
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posted 25. Feb 2020

Michael E. Smith

21. Feb 202019. Apr 2020
opening: 20. Feb 2020 07:00 pm
Michael E. Smith 21.02.2020 - 19.04.2020 Eröffnung: Donnerstag, 20. Februar 2020, 19 Uhr Michael E. Smith produziert Skulpturen, Installationen, Objekt-Collagen und Videos; er setzt zum Teilinteraktive Klanginstallationen ein und versteht den jeweiligen Ausstellungsraum als aktiven Dialogpartner bei der Entstehung der Ausstellung. Seine Installationen eröffnen einen Erfahrungsraum, der weit mehrals nur unseren Sehsinn anspricht. Er bezieht immaterielle Komponenten wie Licht, Geräusche undgewohnheitsmäßige Abläufe ein und zielt auf die Schärfung der Wahrnehmung insgesamt. Die Entwicklung neuer Arbeiten und Ausstellungen beginnt für gewöhnlich im Atelier, wo der Künstlerzunächst „Materialskizzen“ erstellt: Lose Arrangements, in denen er die Gegenstände hinsichtlich ihresPotentials als Bedeutungsträger testet. Erst während er die Werke im jeweiligen Ausstellungskontext installiert, finalisiert er sie, und viele Arbeiten nehmen überhaupt erst in dieser Phase konkrete Form an oder entstehen spontan. Seine Ausstellungen zeichnen sich durch den sparsamen Einsatz der Mittel unddas Wissen um die Ausdruckskraft formaler Beziehungen aus. Mit gezielt platzierten Werken baut er einen Spannungsbogen zwischen den Objekten, ihrem Umgebungsraum und seinen mitunter auchimmateriellen Interventionen auf. Die Konzentration auf wenige Objekte im Raum erzeugt den Eindruckvon Weite und Leere, die – als Metaphern für die Einsamkeit und das Ausgesetzsein des Menschenüberhaupt – den einzelnen Werken größere Bedeutung verleihen und zugleich integraler Teil der Arbeitenwerden. Smiths Umgang mit der gegebenen Architektur, dem Raum, in dem die Werke sich entfalten, verdientbesondere Beachtung. Die Werke sind wie Spuren: Sie verweisen auf die Präsenz eines bestimmtenMenschen an einem bestimmten Ort, wodurch eine Ausstellung zu einem phänomenologischen Ereignis– und einzigartig – wird. Mittels einfacher Eingriffe wie der Veränderung der üblichen Lichtverhältnissedurch Dimmen oder Entfernen von Lampen erzeugt der Künstler minimale Störungen im System desGewohnten. Subtile Interventionen, etwa das Entfernen von Türgriffen etwa, verändern Abläufe, Wege,Funktionen und führen zur Sensibilisierung sowohl der BesucherInnen als auch der vor Ort arbeitendenMenschen. Mitunter zeigt er Objekte in Bereichen, die nicht öffentlich zugänglich sind und denAusstellungsraum so zumindest gedanklich aufbrechen sowie Fragen nach Öffentlichkeit (Publikum) ebenso aufwerfen wie nach den Grenzen der Kunst und ihrer Institutionen. Die Skulpturen und Objekt-Collagen sind meist aus wenigen Elementen zusammengesetzt oder stehen manchmal überhaupt wie Ready-Mades für sich. Smith arbeitet mit vorgefundenen, gebrauchten,ausrangierten und teilweise kaputten Gegenständen des Alltagslebens wie beispielsweise Möbeln,Kleidungsstücken und Elektronikartikeln. Häufig kombiniert er diese Elemente mit organischenVersatzstücken, in erster Linie präparierten Tieren beziehungsweise Tierteilen und Knochen, auch menschlichen Ursprungs. Generell steht der menschliche Körper beziehungsweise seine Abwesenheit im Zentrum der Arbeiten. Präsenz und Absenz, Bewegung und Stillstand, Schwere und Leichtigkeitwechseln sich ab, ergänzen oder überlagern sich. In seinen skurrilen und bisweilen schockierenden Assemblagen erzeugt Smith zunächst einen düsteren,fast tragischen Grundton. Allerdings sind die Arbeiten voller Nuancen, die auch anderen Tönen Raumzugestehen. Kunst selbst ist eine komplexe Sprache: jedes Ding, jede Handlung, jeder Ort ist bereits mitGeschichten und Bedeutung aufgeladen. Das vom Künstler aufgeschlagene Beziehungsdreieck Mensch-Objekt-Natur wird von ihm auf sehr spezifische Weise beschrieben und in seiner Komplexität undRätselhaftigkeit anerkannt. Smith ist dabei ein scharfsinniger Humor zu eigen, der sich in ästhetischerSensibilität und formalem Witz niederschlägt, etwa wenn er einen Plastiksessel mit dem Schädelknocheneiner Meeresschildkröte verbindet, deren Formen frappierend ähnlich sind. Sein Ziel ist die Konzentration auf das Wesentliche, und seine Strategie ist Reduktion und größtmögliche Fokussierung.Smiths künstlerische Arbeit löst mitunter Assoziationen zu Umweltzerstörung und dem Verschwinden vonLebensräumen – von Menschen und Tieren – aus. Sie verweist auf politische und soziale Erfahrungen,ökologische Krisen, kapitalistisches Konsumverhalten und Ressourcenverschwendung sowie auf Gewalt,Tod und soziale Ungerechtigkeit. Prägend ist bis heute seine Herkunft aus Detroit, einer Stadt, dieprototypisch für den Niedergang der US-amerikanischen Industrie und der Arbeiterschicht ist, in der abergleichzeitig seit jeher eine vielfältige Musik- und Alternativkulturszene blüht. Für seine Ausstellung in der Secession, die das Grafische Kabinett im Obergeschoss und die Galerie im ersten Untergeschoss umfasst, entwickelt Smith neue Arbeiten, die an Ort und Stelle produziertbeziehungsweise arrangiert, assembliert und installiert werden. An dieser Stelle können daher noch keineAussagen über einzelne Werke oder gar die Ausstellung als Gesamtheit getroffen werden. Bekannt sindlediglich Materialien, die im Vorfeld auf Wunsch des Künstlers besorgt wurden oder die er mitbringt. Dazuzählen eine größere Anzahl gebrauchter Turbolüfter, die bei der Trockenlegung von Räumen undGebäuden durch Luftzirkulation die Leistungsfähigkeit der Trocknungsgeräte erhöhen, Gesteinsbrockenaus dem Steinbruch, ein menschlicher Schädelknochen aus der Mitte des 19. Jahrhunderts,Kaninchenfelle, ein gebrauchter Couchsessel, leere Gitarrenkoffer und getrocknete Kürbisse. Vielleicht lässt sich die Erfahrung von Smiths Arbeiten und Ausstellungen mit der in Brechts epischemTheater vergleichen. Darin ging es gerade nicht um die Katharsis durch die Kunst, Theater sollte ebennicht zu einer reinigenden und erlösenden Erfahrung führen, sondern die ZuschauerInnen aufrütteln, zu eigenständigem Denken führen und im echten Leben zum Handeln bewegen. Michael E. Smith, geboren 1977 in Detroit, lebt in Providence, Rhode Island, USA. Das Ausstellungsprogramm wird vom Vorstand der Secession zusammengestellt. Kuratorinnen: Jeanette Pacher, Bettina Spörr PS: Heute ist der 19. Februar 2020, ein Tag vor der Eröffnung. Tagsüber ist der Künstler vor Ort, umIdeen zu besprechen und einander abzustimmen. In der Nacht setzt für ihn die Phase eines hoch konzentrierten Arbeitens ein, während der er verschiedene Dinge ausprobiert: ein fortwährender Fluss des Hinzufügens und Wegnehmens, der ihn stetig näher an das von ihm erwünschte Resultat heranführt.Wenn dieser Prozess zu Ende ist, räumt er die Ergebnisse seiner nächtlichen Experimente weg, bevor dieMitarbeiterInnen ins Haus kommen. Wenige, doch überlegt platzierte Objekte sind in den Ausstellungs-räumen zu sehen. Der größere Teil der Ausstellung befindet sich in den Räumen im ersten Unter-geschoss, der Galerie: Alle Fenster- und Türverbauungen wurden auf Wunsch des Künstlers entfernt, dieDeckenbeleuchtung bleibt ausgeschaltet, nur der wetterabhängig mehr oder weniger schwache Scheindes Tageslichts aus den spärlichen Fensteröffnungen und Streulicht von der Beleuchtung derallgemeinen Räume dringt in die Ausstellung. Zwischen dem ersten und dem zweiten Raum befindet sicheine magnetgesicherte Brandschutztür, die der Künstler mit drei der fünfzehn angeschafften Turbo-Ventilatoren zum Erbeben bringt. Sie machen einen ziemlichen Lärm und erzeugen einen kühlen Wind,der durch die Galerieräume weht. Der Wirbelsturm am Anfang der Geschichte des Zauberersvon Ozstand hier Pate. Brotdosen, die auf halber Höhe an Türen und Heizkörpern „schweben“, wurdenscheinbar von diesem Wirbel erfasst und in der Bewegung eingefroren. Tausende Kürbisstängel formenein Symbol oder Logo, seltsam vertraut und doch schwer entzifferbar – es ist ein halbes Batman-Logo.Die Mitte verläuft genau entlang der Mittellinie im Terrazzoboden. Links davon steht eine Tür offen, die in einen weiteren Raum führt, der in dieser Form erst seit derRenovierung 2018 besteht und dessen Funktion zwischen Ausstellungs- und Veranstaltungsraum nachwie vor offen, also irgendwie in der Schwebe ist. Hier hat Smith einen auf zwei Seiten umlaufenden rotenSamtvorhang entfernt (die Hängevorrichtung verweist auf das, was jetzt fehlt), zwei Besprechungstische eingerichtet, einen Stapel Stühle, die im Bedarfsfall hier entnommen werden können, fein säuberlich aufeiner fahrbaren Holzplatte in der Ecke platziert. Ein Stuhl steht einsam im Raum, auch hier ist das Lichtausgeschaltet – beinahe –, nur zwei LED-Lichtbalken leuchten in der kühlsten der möglichen Farb-temperaturen. Überhaupt stand das Einrichten des Lichtsettings ganz am Anfang. Auch der Bereich vor der Galerie, wosich das Secessions-Architekturmodell und Schautafeln zur Geschichte des Hauses befinden, wurde voneinem warmen Ton in kaltes Weiß umprogrammiert, um das Kunstlicht mit dem von außen eindringenden Tageslicht in Einklang zu bringen. Eine in der Hälfte auseinandergeschnittene Lederjacke ist hierzwischen Wandpfeilern angenagelt, jeder schriftliche Verweis auf Smiths Ausstellung – normalerweisekündigt ein Namenszug an der Wand vor der Galerie diese an – fehlt. Im Grafischen Kabinett begegnet uns eine an die Bildsprache von Comics angelehnte Skulptur. Aus denAugenhöhlen eines Schädelknochens ragen zwei Flaschenkürbisse und erzeugen eben diesen Comic-Effekt: umgangssprachlich als „einem die Augen raushauen“ beschrieben. Die verwendeten Kürbisselegen zudem Zeugnis ab von Smiths Kollaborationen. Er engagierte einen Bauern dafür, die Stängel derKürbisernte eines gesamten Jahres abzuschneiden und zu trocknen. Der Stängel als Symbol derAbwesenheit eines Objekts — die Idee dazu kam Smith durch Zufall, als beim (Hallloween-)Kürbis einesseiner Kinder der Stängel abfiel. Auch die beiden Flaschenkürbisse mit ihren ungewöhnlich langenHälsen sind Spezial-Pflanzungen für den Künstler: Sie wurden hängend gezogen, um den Hals möglichstlang und dünn wachsen zu lassen. Mit diesen Kollaborationen verbindet Smith auf fast schonversöhnliche Weise Welten, die sonst wenig miteinander zu tun haben. Abschließend sei erwähnt: Das oben Beschriebene bleibt alles nur Spekulation. Morgen, zur Eröffnung,liegen die Dinge möglicherweise anders. Edition Michael E. Smith.2020 Format: 20,3 x 26,6 cm Konzept: Michael E. Smith Secession 2019 Vertrieb: Revolver Publishing € 18,– Für seine Einzelausstellung in der Secession hat Michael E. Smith 692 Katzenkalender gefertigt; jeder ist ein Unikat. Der Edition liegt ein Fotoarchiv zugrunde, das zur Entwicklung von Software und Algorithmenzur Bilderkennung dient. Ihr Umfang ergibt sich aus der Gesamtzahl von 9.000 Katzenfotos, die dieForscher ursprünglich von Image-Sharing-Plattformen und aus privaten Blogs zusammengesucht hatten.Jeder Fotokalender zeigt eine eigene Auswahl von 13 verschiedenen Katzen aus der Bilddatenbank,darunter niedliche Haustiere in Instagram-würdigen Aufnahmen, aber auch Tiere mit Augenkrankheiten und Exkrementen. Der Kalender für 2020 bezieht sich nicht nur auf das kommende Jahr und dieZeitrechnung nach Christi Geburt, sondern auch auf medizinische Sehtests: 20/20 steht für eine normaleFähigkeit, Konturen aus einer bestimmten Entfernung wahrzunehmen.
Wiener Secession

Friedrichstraße 12
A-1010 Vienna

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posted 24. Feb 2020

STURTEVANT ça va aller

12. Jan 202014. Mar 2020
opening: 12. Jan 2020 06:00 pm
STURTEVANTça va aller 12.01.2020 - 14.03.2020 Opening on January 12, 12PM - 6PM 43, rue de la Commune de Paris 93230 Romainville A resolute force from the moment she first appeared on the scene, Sturtevant was always stirring things up. If her repetitions of works by artist peers conceptually strike viewers like a brick thrown against the head, the recent videos are no less trouble. In these videos, short scenes of extreme examples from the realms of consumer and entertainment cultures, such as beauty, food, porn, and sports, are collaged and montaged to produce a noisy, restless state of agitation, confusion, and movement back and forth, without it ever being clear what started off this big brouhaha in the first place. Ranging from footage taped from television game shows and commercials in early examples, such as The Final Articulation of Origins (1999), The Greening of America (2000), and Shifting Mental Structures (Millionaire/Money) (2000), to filmed material like the variously animated plush toys in I Love Arlette (2002), Cut and Run Porn Productions (2006), and Cut and Run Porn Productions (Chick Things) (2006), all videos are fastidiously compiled, edited, and trimmed. Quick alternations between repetition and reversal, similarity and difference, real and fake, beginning and ending create a dizzying sequence of images that’s impossible to get one’s head around, not entirely unlike the unsettling experience of a Warhol signed “STURTEVANT”. Counting more than thirty items, the videos constitute a significant body of work, which debuted at Air de Paris in 1998 with an exhibition entitled “Ça va aller” that also lent its name to Sturtevant and collaborator L. Muzzey’s production company. While entailing a shift in form and medium that allowed time and movement, as well as sound and light, to enter into the work, by Sturtevant’s own account, the videos still dealt with similar concerns that preoccupied her in making the repetitions, but that became ever more urgent under conditions of cybernetics and the digital, namely “to push out the fault lines and the falsity of current thought structures, to display the impediments and brutality inherent in our obsessive desire for appearance and immediacy” (2004). Incoherent cuts and abrupt shifts within individual videos and across different ones when installed in the same space produce a perceptual play that, rather than reveal anything as to what lies behind the immediately available surfaces, raises more fundamental questions about the relation between appearance and reality. In the age of fake news and digital manipulation, works like The Greening of America and I Love Arlette could not be timelier, even with their conspicuously low-tech qualities of grainy images and puppet theatre. But what is darkly serious matter, rather than presented as stern warning or dry theory, in Sturtevant’s work still makes for excitingly good fun – what with the oinking, tail-swishing electronic toy piglet tumbling off a table-top in Cut and Run Porn Productions. With its life-affirming energy and humour, her work offers viewers a kind of solace even as it has them stare straight into the contemporary abyss. —Elisa Schaar * The artist began showing under the name “Sturtevant” in a group exhibition at the Betty Parsons Gallery in New York in 1960. She started making her own versions of the works of her contemporaries in 1964, using some of the most iconic artworks of her generation as a source and catalyst for the exploration of originality, authorship, and the interior structures of art. Beginning with her versions of works by Jasper Johns and Andy Warhol, Sturtevant initially turned the visual logic of Pop art back on itself, probing uncomfortably at the workings of art history in real time. Yet her chameleonlike embrace of other artists’ art has also led Sturtevant to be largely overlooked in the history of postwar American art. As a woman making versions of the work of mostly better-known male artists, she has passed almost unnoticed through the hierarchies of mid-century modernism and postmodernism, at once absent from these histories while nevertheless articulating their structures. Though her “repetitions” may appear to be simply mimetic exercises in protoappropriation, Sturtevant is better understood as an artist who adopted style as her medium and took the art of her time as a loose score to be enacted and reinterpreted. Far more than mere copies, her versions of Johns’s flags, Warhol’s flowers, and Joseph Beuys’s fat chair are studies in the action of art that expose aspects of its making, reception, circulation, and canonization. Working primarily in video during her last decade, Sturtevant extended her interest in simulation to the media environment, incorporating footage from Hollywood films, television, and advertising to make literal reference to larger considerations of politics, truth, and violence—concerns that animated her work from its inception. Sturtevant (1924, Lakewood, Ohio – 2014, Paris) was awarded the Golden Lion for lifetime achievement at the 54th Venice Biennale in 2011, and her pioneering work has been featured in numerous exhibitions, including at The Abertina Museum, Wien (2015); Hamburger Bahnhof Museum für Gegenwart, Berlin (2015); The Museum of Modern Art, New York (2014); Serpentine Galleries, London (2013); Kunsthalle, Zurich (2012); Moderna Museet, Stockholm (2012); Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (2010) and the Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main (2004 and 2014).

artist

Sturtevant 
Air de Paris

Komunuma | 43 rue de la Commune de Paris
93230 Romainville

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posted 23. Feb 2020

Sonja Gangl. I borrowed optimism from the past

01. Feb 202002. Apr 2020
opening: 31. Jan 2020 06:00 pm
Sonja Gangl. I borrowed optimism from the past Würdigungspreis des Landes Steiermark für bildende Kunst 01.02.2020 - 02.04.2020 Eröffnung: 31.01.2020, 18:00 Ed Foxtrott & Walter Slowfox / DJ Set Kuratorin: Jana Franze Katalog: Revolver Verlag, Berlin Das künstlerische Werk von Sonja Gangl zeugt von einer intensiven Auseinandersetzung mit unserer medialisierten Lebenswirklichkeit. Die Künstlerin macht unsere Welt zu ihrem Motiv und lässt dabei keine ihrer vielen Facetten außer Acht. Bekannt ist die österreichische Künstlerin vor allem für ihre herausragend naturalistischen Zeichnungen und die konsequente Hinterfragung dieses Mediums. Mit ihrer Einzelausstellung „I borrowed optimism from the past“ im Künstlerhaus, Halle für Kunst & Medien schlägt Gangl nun ein neues Kapitel in ihrem künstlerischen Schaffen auf und wendet sich mit einer umfassenden Neuproduktion der Abstraktion zu. Im Zentrum der Ausstellung steht der Werkzyklus „Supra-Linien“ (2019/20). Die in Vorbereitung des Projekts entstandenen 15 großformatigen Gemälde zeigen grafitfarbene Schraffuren unterschiedlicher Stärken auf weißem Grund. Ihre Kompositionen erscheinen zunächst zufällig. Bei näherer Betrachtung verkehrt sich dieser Eindruck jedoch in sein Gegenteil: Die gemalten Motive der Serie gehen auf Blei- und Farbstiftzeichnungen zurück, welche die Künstlerin während ihrer Arbeit an früheren naturalistischen Bildsujets anfertigte, um das Zeichenmaterial im Sinne des Ausprobierens der Stärke und Qualitäten der verwendeten Stifte zu präparieren – die von ihr so benannten „Supra-Linien“. Als künstlerisches Konzept überführt Gangl hier die Zeichnung in einem Transformationsprozess in das Medium der Malerei und eröffnet damit eine Art Zoom in die Struktur des Materials. Zugleich lehnen sich die „Supra-Linien“ an das kunsthistorische Vorbild des Abstrakten Expressionismus der späten 1940er bis frühen 1960er Jahre an und übertragen dessen politische Botschaft in die Gegenwart. Sie sind gekennzeichnet durch einen Gleichschritt mit ihren künstlerischen Ahnen, die den Folgen des 2. Weltkrieges und dem Exil in Übersee mit einer Konzentration auf monumentale Formate, einem starken Freiheitsdrang und einem emotional geleiteten Schaffensakt begegneten. Gangl borgt sich dabei nicht nur den Optimismus der nordamerikanischen Kunstrichtung aus, sondern auch die Bildformate von Künstler_innen wie zum Beispiel Lee Krasner, Barnett Newman und Mark Rothko. Jedes ihrer Gemälde steht so in direkter Referenz zu einem kunsthistorischen Meisterwerk und stellt immer wieder aufs Neue die Frage nach dem Zustand der Mitte des 20. Jahrhunderts erstrittenen Errungenschaften im künstlerischen, aber auch im gesellschaftlichen Feld. Im Schlaglicht der Show steht mit den „Supra-Linien“ auch einer der ein Bild konstruierenden geometrischen Grundfaktoren, die Linie. Diese Weiterführung eines Ortes (Punktes) bedeutet immer einen Weg, eine Richtung. Schon der Ausstellungstitel „I borrowed optimism from the past“ lässt vermuten, dass es Sonja Gangl ausgehend von der erläuterten Interpretation der Kunstgeschichte um den Weg durchs und die Sicht aufs Hier und Jetzt geht. Die Zeichnung und die ihr innewohnende Fokussierung und Reduktion auf das Detail und das Wesentliche verbindet seit Jahrhunderten die Kunst mit der Wissenschaft. Es ist also nicht verwunderlich, dass die künstlerische Aneignung der Realität der Zeichnerin Sonja Gangl einer Studie, einer Untersuchung, gar einer Sezierung gleichkommt. Dies ist auch bei Werken bemerkbar, die an sich gar keine Zeichnungen sind: Die Videoinstallation „Who´s Afraid of Flies, Flies and Flies“ (2018/2020) in der Apsis des Künstlerhauses zeigt die dreifache Projektion einer schwarz-weißen Nahaufnahme einer Fliege. In einem starken Hell-Dunkel-Kontrast offenbart sich das detailreiche Abbild des Insekts mit seinen fragilen Flügeln und Beinen. Die überlebensgroßen Körper vollziehen den Putzvorgang wie die mehrstimmige Choreografie eines Kanons: Die Fliegen setzen zu unterschiedlichen Zeitpunkten ein, putzen nie synchron, sind nie auf einer Linie, obwohl sie sich doch so gleichen. Sonja Gangls Werke fordern mit ihren konzeptuellen Methoden die Betrachter_innen dazu auf, genau hinzusehen und das bisher Unbeachtete in den Fokus zu nehmen, Gegensätzlichkeit zu erkennen, vielleicht auch um die Ecke zu denken und imaginäre Grenzen zu durchbrechen. Das durch den Bezug zur Historie entstandene Fluidum ihrer „Supra-Linien“ impliziert die Hinwendung zu Gefühl, Spontanität und dem unablässigen Vergrößern von Freiheitsräumen, ist aber ebenso als Plädoyer gegen die Einschränkung dieser bedeutenden Werte zu lesen. Gleichzeitig wird die Stubenfliege aus „I borrowed optimism from the past“ zum Symbol der Diversität auserkoren und fungiert damit als Verweis auf die unzählbaren Möglichkeiten und Perspektiven unserer Gegenwart, im Umkehrschluss aber auch auf die aktuellen Probleme und Aufgaben, die unser Sehen und damit auch unser Denken bestimmen. Die Vergangenheit im Rücken, könnten ihre Fluglinien die Fliege überall hintragen. In welche Richtung es in Zukunft genau geht, lässt Sonja Gangl bewusst offen. Sie jedenfalls fährt die optimistische Linie, die Supra-Linie. Das Ausstellungsprojekt „I borrowed optimism from the past“ wird im Nachklang des Würdigungspreises für Bildende Kunst des Landes Steiermark ausgerichtet. Die mit 10.000 Euro dotierte Auszeichnung wird alle drei Jahre einmalig an eine Künstlerin oder einen Künstler als Anerkennung eines ausgezeichneten künstlerischen Gesamtschaffens vergeben. Im Jahr 2018 ging diese Würdigung an Gangl, deren Œuvre von der Jury als herausragende zeichnerische Position der Gegenwart betont wurde. Im Rahmen der Ausstellung erscheint im Verlag revolver ein Katalog, der neben Werks- und Ausstellungsansichten Texte von Sandro Droschl (KM– Graz), Jana Franze (KM– Graz), Robert Geimer (Freie Universität Berlin), Elsy Lahner (Albertina Wien) und Robert Woelfl (freier Schriftsteller, Wien) beinhaltet. Zudem veröffentlicht das Online-Magazin des Hauses, das KM–Journal, neben weiterführenden Beiträgen ein Video-Interview mit der Künstlerin. Sonja Gangl (*1965 Graz, lebt in Wien) studierte an der Akademie der bildenden Künste Wien bei Markus Prachensky und an der Universität für angewandte Kunst Wien bei Ernst Caramelle. Sie ist seit 2003 Mitglied der Wiener Secession. Ihre Ausstellung „Dancing with the End“ (2013/14) war die erste Einzelpräsentation, die das Albertina Museum in Wien einer weiblichen Künstlerin widmete. Gangls Arbeit war darüber hinaus in zahlreichen Institutionen zu sehen und ist über die Grenzen Österreichs bekannt. Unter anderem zeigte sie Einzelausstellungen im Studio der Neuen Galerie Graz (1998), im Kunstverein Wolfsburg (1999, 2000), am Museum Moderner Kunst Kärnten (2016) und mehrfach im Atelier Contemporary in Graz (2009, 2014, 2019) und der Galerie Krobath in Wien (2015, 2018). Neben dem Würdigungspreis für Bildende Kunst des Landes Steiermark (2018) ist Sonja Gangl unter anderem mit dem Kunstförderungspreis für bildende Kunst der Stadt Wien (1992), dem Kunstförderungspreis der Stadt Graz (2002), dem Förderungspreis des Landes Steiermark für zeitgenössische bildende Kunst (2004), dem BAUHOLDING-STRABAG Art AWARD (2005), dem Kunstpreis der Stadt Graz (2008) und dem Preis der Stadt Wien für Bildende Kunst (2016) ausgezeichnet worden. * Rahmenprogramm 05.03.2020, 18:00 Elsy Lahner (Albertina Wien), Malerei als große Zeichnung, Vortrag 19.03.2020, 18:00 Peter Geimer (Freie Universität Berlin), Lob der Fliege. Begegnungen mit einem rätselhaften Insekt, Vortrag 02.04.2020, 18:00 Sonja Gangl, I borrowed optimism from the past, Katalogpräsentation

artist

Sonja Gangl 

curator

Jana Franze 
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posted 22. Feb 2020

ANNE-LISE COSTE. LA LA CUNT

22. Feb 202003. May 2020
ANNE-LISE COSTE. LA LA CUNT 22.02.2020 - 03.05.2020 Eröffnung: Freitag, 21.02.2020 19:00 Uhr Ganz gleich auf welche Techniken Anne-Lise Coste (*1973 in Marignane, lebt und arbeitet in Orthoux, FR) zurückgreift, ob auf Airbrush, Sprühfarbe, Pastell, Lack, Acryl, Tinte, Bleistift oder Öl, oftmals erinnern ihre Zeichnungen und Texte an Graffiti und an den urbanen Raum. Diese Kompositionen von einfachen und schematischen Formen und/oder Wörtern sind Teil der langen Geschichte der Art Brut, die mit Jean Dubuffet (1901-1985) anfängt und über Jean-Michel Basquiat (1960-1988) hin zu A. R. Penck (1939-2017) reicht. Mit spontaner Geste drückt Coste in ihren Arbeiten subjektive Stimmungen aus, gemischt mit unverbrauchten und scharfzüngigen Kommentaren zum aktuellem, aber auch vergangenem gesellschaftlichen und politischen Geschehen. Diese unmittelbare Bildsprache erschafft einen Katalog zeitgenössischer Ängste, in dem sich Kraft und Fragilität, Gewalt sowie Sinnlichkeit und ein poetischer Sinn mit Gesellschaftskritik vermischen. In Kooperation mit CRAC Occitanie in Sète * KALENDER MI, 19. FEBRUAR, 18:00 UHR: WORK IN PROGRESS mit Anne-Lise Coste. Für Mitglieder und Förderer des Kunstvereins. In englischer Sprache. FR, 21. FEBRUAR, 19:00 UHR: ERÖFFNUNG Begrüßung: Marion Edelhoff (Vorsitzende) Einführung: Oriane Durand (Künstlerische Leiterin) SA, 22. FEBRUAR, 12:00 UHR: KÜNSTLERINNENGESPRÄCH mit Anne-Lise Coste und Oriane Durand. In englischer Sprache. DO, 12. MÄRZ & DO, 2. APRIL 18:00 UHR: ÖFFENTLICHE FÜHRUNG DI, 14. APRIL, 19:00 UHR: VORTRAGSREIHE Topos der Fläche in Kooperation mit Prof. Tillmann Damrau vom Institut für Kunst und Materielle Kultur der TU Dortmund. Zu Gast: Tonio Kröner (Künstler / Kurator, Berlin) über „Painting 2.0“ DO, 30. APRIL, 19:00 UHR: AUSSTELLUNGSGESPRÄCH mit Ulrich Loock (Kurator, Berlin) und Rebekka Seubert

curator

Oriane Durand 
Dortmunder Kunstverein

Dortmunder Kunstverein | Park der Partnerstädte 2 / Brinkhoffstraße 2
44137 Dortmund

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posted 21. Feb 2020

Forensic Architecture: True to Scale

20. Feb 202027. Sep 2020
opening: 19. Feb 2020 06:00 pm
venue: FREEDOM TOWER, MUSEUM OF ART AND DESIGN AT MIAMI DADE COLLEGE Forensic Architecture: True to Scale 20.02.2020 - 27.09.2020 Opening reception on Wednesday, Feb. 19, from 6–9 p.m. MIAMI, Dec. 17, 2019 – Museum of Art and Design (MOAD) at Miami Dade College (MDC) presents Forensic Architecture: True to Scale, the first major U.S. survey of the research agency’s extraordinary work uncovering evidence of state and corporate violence around the world. The exhibition explores a new understanding of architecture, a new evidentiary aesthetic, and a new form of coalition activism. Forensic Architecture: True to Scale will be on view from Feb. 20 through Sept. 27, 2020. Comprising architects, software developers, filmmakers, journalists, lawyers, artists, and scientists, Forensic Architecture is a research agency that uses architectural software and an architectural sensibility to investigate human rights violations. Their work has been used as evidence in a variety of tribunals, parliamentary inquiries, United Nations assemblies, and publications. They consider exhibitions crucial forums in which to expose and contemplate their research, as well. Founded by director Eyal Weizman in 2010 and based out of Goldsmiths at the University of London, Forensic Architecture is also an emergent academic field that focuses on how evidence relating to the built environment enters legal and political processes. Forensic Architecture: True to Scale displays the evidence and explains the methodologies behind more than a dozen Forensic Architecture investigations. While providing an overview of how advanced techniques such as photogrammetry, audio analysis, augmented reality, 3D modeling, machine learning, and crowd sourcing support their findings, the exhibition considers the complex relationship between a material fact and its representation in the public realm. Amidst what Founding Director Weizman refers to as the “dark epistemology” of a post-truth media environment, their meticulously researched, carefully analyzed, and conscientiously presented evidence demonstrates that it is both possible and imperative to verify what is really happening in the world around us. Among other investigations, the exhibition will include all six videos of The Killing of Harith Augustus (2019), an investigation of the Chicago Police Department’s claim that a police shooting was a “split-second” decision. Each video examines what happened within a different timeframe, literally starting with the “split second,” followed by the seconds, minutes, hours, days, and years leading up to the fatal event. MOAD MDC will also debut Hebron: Testimonies of Violence (2018–20), the first Forensic Architecture investigation in which virtual reality (VR) is used to assist, record, and represent witness testimony. The investigation is co-produced by MOAD and advances an approach that will be practically and theoretically explored through the museum’s public programming. In addition to a panel discussion featuring experts on the architecture of border walls and refugee camps, MOAD will host a series of events that teach Forensic Architecture’s methodologies while laying the groundwork for an investigation of the alleged crimes occurring within a nearby child migrant detention center. Including a coalition of journalists, activists, architects, and MDC students, the series will bring critical attention to the humanitarian crisis at our borders and the architectural forms that evince devastating social policies. “This exhibition offers an opportunity to rethink the agency of design museums,” said Sophie Landres, MOAD’s Curator of Public Programs. “Forensic Architecture teaches us what tools are available to verify truth claims amidst our currently murky and disorienting media environment. They inspire us to take an active role in the pursuit of social justice.” Organized by MOAD, Forensic Architecture: True to Scale is curated by Sophie Landres. It is made possible by the support of the John S. and James L. Knight Foundation as part of its Immersive Technologies in the Arts initiative; the Miami-Dade County Department of Cultural Affairs and the Cultural Affairs Council, the Miami-Dade County Mayor and Board of County Commissioners; and the State of Florida, Department of State, Division of Cultural Affairs and the Florida Council on Arts and Culture. About Forensic Architecture Forensic Architecture was established in 2010 with the help of a European Research Council (ERC) grant given to Professor Eyal Weizman. The team began to engage in case work and investigations while developing their research culture through a series of seminars at the Centre for Research Architecture at Goldsmiths, University of London. Forensic Architecture develops, disseminates, and employs new techniques for evidence gathering and presentation in the service of human rights and environmental investigations, and in support of communities exposed to state violence and persecution. It presents its investigations in international courtrooms, parliamentary inquiries, and UN assemblies, as well as in citizens’ tribunals and truth commissions. Its work has also been presented in keynote lectures, seminars, publications and exhibitions in art and cultural institutions, including the Whitney Museum of American Art’s 2019 Biennial, the Philadelphia Museum of Art, the National Museum of Contemporary Art in Lisbon, and the Swiss Architecture Museum in Basel. About Museum of Art and Design at MDC Located in Miami’s National Historic Landmark Freedom Tower, the Museum of Art and Design (MOAD) at MDC offers groundbreaking exhibitions and programs that aim to foster a reimagined Miami. Exploring the challenges and opportunities we face locally and globally, MOAD convenes artists, designers, and thinkers to address the urgent questions of our time. As the flagship museum of Miami Dade College, MOAD strives to be a catalyst for action and a place that empowers people to remake their city. MOAD follows the College’s lead in operating across Miami with its Museum Without Boundaries initiative, which takes place in city neighborhoods and invites everyone to be a part of the conversation.

artists & participants

Forensic Architecture,  Eyal Weizman 
Miami Dade College Museum and Galleries, Miami

600 Biscayne Boulevard 3rd floor
FL 33132 Miami

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posted 20. Feb 2020

FLORAPHILIA. REVOLUTION OF PLANTS

07. Mar 202007. Jun 2020
opening: 06. Mar 2020 07:00 pm
FLORAPHILIA. REVOLUTION OF PLANTS Agency of Singular Investigations (Stanislav Shuripa, Anna Titova), Milena Bonilla, Magda Buczek, Igor and Ivan Buharov, Saddie Choua, Ines Doujak, Ruth Ewan, Dagna Jakubowska, Candice Lin, Cecylia Malik, Bianka Rolando, Beatriz Santiago Muñoz, Buket Sanati, Åsa Sonjasdotter 07.03.2020 - 07.06.2020 Eröffnung: 06.03.2020 19:00 Uhr In den letzten Jahren erfreut sich die Pflanzenzucht als Hobby erstaunlicher Beliebtheit. Auf Instagram wimmelt es von Fotos mit Interieurs aus sorgfältig arrangierten Topfpflanzen (Sukkulenten scheinen besonders gefragt zu sein), nahezu täglich erscheinen neue Blogs zur Pflanzenpflege und auch das Thema Urban Gardening greift immer mehr um sich. Was verbirgt sich hinter diesem gesteigerten Interesse an der domestizierten Natur? Theodor W. Adorno behauptet in seiner „Rede über Lyrik und Gesellschaft“, die Sakralisierung der Natur rühre daher, dass das Individuum angesichts der Entfremdung in einer kapitalistischen Gesellschaft nach einem Zufluchtsort suche. Hinzu kommt, dass das Ansehen der Natur zunimmt, wenn in Zeiten politischen Desasters Hoffnungen auf revolutionäre gesellschaftliche Veränderungen enttäuscht werden. Die Natur wird zu einem Bereich, in dem das entfremdete Individuum Linderung verspürt. Und obwohl er die Ursache für das schlechte psychische Befinden nicht aus der Welt schaffen kann, so wirkt der Kontakt mit der Flora doch beruhigend. Aber bleibt uns wirklich nur diese eine Vorstellung von der Natur als vollkommen entpolitisiertes Mittel zur Stimmungsverbesserung, als perfekt funktionierendes Konsumobjekt? Mitnichten. Die Ausstellung Floraphilia. Revolution der Pflanzen befreit die Welt der Pflanzen aus dem reaktionären Kontext von Einrichtungsmagazinen und Öko-Trends und beleuchtet ihr emanzipatorisches Potenzial für den gesellschaftlichen Wandel. Die Räume vom Zentrum für zeitgenössische Kunst Temporary Gallery verwandeln sich durch sie in ein anarchistisches Labor für die bevorstehende Revolution, die auf den Austausch zwischen den Arten baut. Pflanzen, die sonst unsere Regale und Fensterbänke zieren, werden zu Quellen der Inspiration für politisches Handeln. Was uns fasziniert, sind ihre Widerstandskraft, ihre Anpassungsfähigkeit und ihre Kommunikationsfähigkeiten, aber auch ihre Gleichgültigkeit gegenüber Staatsgrenzen. So bringt beispielsweise die kanadische Goldrute in uns ein Element des Ungehorsams zum Klingen, die Japanrose lehrt uns, im Einklang mit unserer Umgebung zu leben, und der Kalmus wird zum Symbol der Erneuerung und Reinigung. Pflanzen sind von Natur aus Gemeinschaftswesen – keine Individuen, die sich klar voneinander abgrenzen. Ihre Identität ist zutiefst pluralistisch: von Wurzeln als Quelle dezentraler Intelligenz bis hin zu Abhängigkeitsverhältnissen, die sie an andere Organismen binden. Wirkt das nicht wie ein Allheilmittel für den zeitgenössischen Individualismus? Daraus folgt das Infragestellen des gängigen Verständnisses von der Pflanze als mechanisches, nur auf einfache Reize reagierendes „Ding“: Die Pflanze verlässt die niedrigste Position in der Hierarchie der Spezies und wird in einer Vision grundlegender Kontinuität zwischen Menschen und Pflanzen als Wesen begriffen, das – dynamisch, atmend und wachsend – Intentionalität und sogar ein Gedächtnis besitzt. Die einzigartige Ausstellungsarchitektur verstärkt die rituellen, gemeinschaftlichen und wissenschaftlichen Fragen, die in den Kunstwerken verhandelt werden. Die altarähnlichen, mit Tüchern bedeckten Tische unterstreichen die Notwendigkeit, die Instrumentalisierung der Natur, die auf der Entzauberung der Realität beruht, hinter sich zu lassen: Ausgewählte religiöse oder schamanische Überzeugungen gehen Hand in Hand mit Entdeckungen der modernen Wissenschaft und zeigen, dass Pflanzen viel komplexere Organismen sind, als es gemeinhin scheint. Tische und Stühle laden die Besucher*innen zum Verweilen ein, dazu, die Werke zu betrachten, die Publikationen zu lesen und mit anderen Besucher*innen darüber zu sprechen. Auf diese Weise soll dem Ausstellungsraum eine andere Zeitlichkeit verliehen werden, die eher der sich langsam entwickelnden Pflanzenwelt und so gar nicht der üblichen Praxis des Ausstellungsbesuchs entspricht. So erinnert der Ausstellungsraum auch an den Versammlungsort einer geheimnisvollen Sekte, die das Beobachten und Untersuchen von Pflanzen als Beginn einer zukünftigen Revolution betrachtet. Auch eine Sonderausgabe des SURPLUS-Projekts wird es geben: Die Künstlerin Magda Buczek stöbert in Diskursen, Lifestyle-Trends und modernen Ökologien nach neuen semantischen Fetischen, die von der Welt der Pflanzen inspiriert sind. Ihre Slogans werden in einer limitierten Auflage von zehn Stück auf gebrauchte Kleidungsstücke gedruckt. Die Ausstellung knüpft an das Projekt „Floraphilia. Über die Verflechtungen von Pflanzenwelt, Botanik und Kolonialismus“ an, das in den Jahren 2018 bis 2019 von der Akademie der Künste der Welt in Köln realisiert und von der Kulturstiftung des Bundes gefördert wurde. Dessen Ziel war es, die sozialen und politischen Aspekte der Geschichte der Pflanzen, der Botanik und der botanischen Gärten, insbesondere die Vereinnahmung von Pflanzen im Laufe der Kolonialgeschichte, sowie deren ökonomischen, feministischen und migratorischen Kontext zu beleuchten. Das Projekt begann mit der Ausstellung “Floraphilia. Pflanzen als Archive”, dem Symposium „The botanical garden as a colonial site“ in der Akademie der Künste der Welt in Köln. Im Jahr 2019 wurde es mit Beteiligung internationaler Partnerinstitutionen an anderen Orten fortgesetzt; so gab es Veranstaltungen in Berlin (in Kooperation mit Savvy Contemporary), Aalst (vorbereitet vom CIAP Kunstverein und dem Netwerk Aalst) und London (im Rahmen des Forschungsschwerpunkts „Critical Ecologies“ am Goldsmiths, University of London). Die Ausstellung in der Temporary Gallery ist eine überarbeitete Version der Ausstellung “Floraphilia. Revolution of plants”, die während der Biennale Warschau 2019 stattgefunden hat. Die Ausstellung wird von einem öffentlichen Programm begleitet. Kuratorin der Ausstellung: Aneta Rostkowska Ausstellungsarchitektur: Mateusz Okoński
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posted 19. Feb 2020

Lauren Gault: C I T H R A

23. Jan 202022. Mar 2020
Lauren Gault: C I T H R A 23.01.2020 - 22.03.2020 Preview: 22 January 2020, 6:30 - 8:30pm Gasworks presents C I T H R A, the first solo exhibition in London by Lauren Gault, a Glasgow-based artist born in Belfast. Through her experimentation with unorthodox materials, techniques and manufacturing processes, Gault's work explores the transitions between different states of matter and non-human time scales, while also addressing the ethical and political implications of our everyday interactions with the environment. In her sculptures, materials as diverse as polished horn, blown glass, pumped air, light, water or agricultural milk powder are transformed by processes involving pressure, tension and release. Her work evokes intangible encounters between radically different materialities and opens up a space for objects to communicate and resonate with one another. Following her residency at Gasworks, which took place between April and June 2019, the artist continues her empirical research and studio-based experiments concerning material suspension and boundary dissolution. As a point of departure for her new body of work, Gault is researching on the writings of Irish-born female explorer, visionary inventor and self-educated scientist Martha Craig (born 1866), including the unpublished manuscripts and rare editions of her lectures on scientific questions such as teleportation and the aurora borealis. A distant relative of the artist, Martha Craig’s long-forgotten science-fiction novel, The Men of Mars (anonymously published in 1907 under a mysterious pen name, ‘Mithra’), as well as her pioneering ideas about physics will form the basis for Gault's exhibition, C I T H R A —its title an allusion to the early Zoroastrian word for 'seed', 'species', 'livestock' or 'prototype'. Lauren Gault's exhibition will later travel to The Tetley in Leeds.

artist

Lauren Gault 
Gasworks London

GASWORKS | 155 Vauxhall Street
SE11 5RH London

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posted 18. Feb 2020

Naufus Ramírez-Figueroa: Asymmetries

25. Jan 202010. May 2020
Naufus Ramírez-Figueroa: Asymmetries 25.01.2020 - 10.05.2020 Curator: Lauren Barnes Assistant Curator: Justine Kohleal Canadian-Guatemalan artist Naufus Ramírez-Figueroa works across media, using forms including sculpture and performance that draw on literature, Latin American history, folklore and childhood memories. Referring to traumatic or tragic events – in particular Guatemala’s civil war (1960–96), which forced Ramírez-Figueroa and his family to immigrate to Vancouver as refugees in the 1980s – his works are imbued with a playful, sometimes dream-like spirit. Varied objects in sculptural installations, and the artist’s own body in performance works, become tools to consider the constructions of identity, architecture and history. The exhibition will encompass works from the past decade that reveal the range of Ramírez-Figueroa’s preoccupations, from conspiracy theories to bird song and Guatemala’s architectural history. It will also include a newly commissioned work, which takes as its starting point the cacaxte, a ladder-like tool for carrying objects on one’s back common among indigenous populations of Latin America. In this new work, Ramírez-Figueroa reinvents the object to consider its associations with colonial oppression alongside its mythical significance. Naufus Ramírez-Figueroa (b. 1978 Guatemala City, Guatemala, lives and works in Guatemala) holds a BFA from Emily Carr University and an MFA from the School of the Art Institute of Chicago. He was a post-graduate researcher at Jan Van Eyck Academie in 2013. He has had solo exhibitions at institutions including New Museum, New York (2018); Haus Esters, Krefeld, Germany (2017); CAPC Bordeaux, France (2017); IICD, Amsterdam (2016); Gasworks Gallery, London, UK (2015); and Tate Modern, London, UK (2015). He has participated in various group exhibitions including the 57th Venice Biennale (2017); The Conundrum of Imagination at the Leopold Museum, Vienna (2017); Illy Present Future at the Castello di Rivoli Museum of Contemporary Art, Turin, Italy (2013); the 32nd Bienal de Sao Paulo (2016); the 10th Gwangju Biennale (2014); Home Works IV: A Forum on Cultural Practices at Masrah Al Madina Theatre, Beirut, Lebanon (2008); and the 53rd International Short Film Festival, Oberhausen, Germany (2007). Ramírez-Figueroa is a recipient of a Guggenheim fellowship, a Franklin Furnace award, an Akademie Schloss Solitude fellowship, the ARCO Comunidad de Madrid for young artists, the DAAD Berliner Künstlerprogramm and the 2017 Mies Van der Rohe Award.
The Power Plant, Toronto

THE POWER PLANT CONTEMPORARY ART GALLERY | 231 Queens Quay West
ON-M5J 2G8 Toronto

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posted 17. Feb 2020

Koo Jeong A

26. Jan 202023. Feb 2020
opening: 26. Jan 2020 06:00 pm
Koo Jeong A 26.01.2020 - 23.02.2020 Opening on Saturday, 26.01.2020 18:00 - 20:00 Eva Presenhuber is pleased to present an exhibition project with South Korean artist Koo Jeong A. The work of Koo Jeong A incorporates objects with the capacity for transformation, still and moving images, sound and scent. These disparate mediums are combined with elements such as wind, gravity, and site-specific reconfigurations and interventions into architectural space. By placing these varying mediums into delicate and meticulous tension, Koo Jeong A’s installations trigger a certain energy in their encounter, asking the viewer to engage in a cryptographic unraveling of each artwork. Often using commonplace matter in order to conjure alternative realities, Koo Jeong A traces a certain poetic within the nature of forms that permeate the universe. What underpins the artist’s transient approach to making is an interest in the minute details of our earthly environments and the cosmic constellations that simultaneously connect and expand them. Koo Jeong A traverses these details with a flexible and rational movement, where order and disorder, perception and memory, beauty and practicality are always oscillating. Koo Jeong A’s solo exhibition at Eva Presenhuber, New York brings together a new body of work comprising works on paper and animation with a series of watercolors made in 2008, each considering the delicate nuances of image-making, representation, and gesture. Twelve watercolors are presented in the first gallery, depicting a sequence of bodies, faces, and shapes rendered in vivid washes of color. These fragmented figures appear caught in fleeting acts of movement – an elongated stretch, a step or leap forward, or a squat down towards the ground – while in others their bodies appear static, but with mouths gaping wide, crudely smiling, or gazing outward at the viewer. Each of these images speaks to a quiet observation on the part of their maker; by isolating these everyday gestures, such that the subjects appear to levitate off the paper, Koo Jeong A highlights a certain fragility within their movement and expression – a momentary glimmer of energy caught on a two-dimensional plane. Acts of appearing and disappearing are also embedded within a series of works on paper made using phosphorescent pigment. Titled Seven Stars, each composition is scattered with differing numbers of these five-pointed formations, emanating their green luminosity out of a black background to create an illusory depth within each image. The grounded gestures of the body that are portrayed in the series of watercolors in the first gallery are here transformed into cosmological activities in the sky, where the ephemeral movement of a shooting star is held within a fragile network. These new works continue Koo Jeong A’s interest in the innate connectivity between earthly and universal matter, and how the energies of our bodies and those of the stars are not only aligned but intricately woven together. Seven Stars is presented within a specially conceived installation that alternates between moments of light and dark, physical and immaterial spaces. Displayed alongside these works is a new 3-minute-long animation titled exit, which simultaneously activates the gallery with its resonant light while allowing the luminescence of Koo Jeong A’s stars to materialize in the blackness between its loops. Out of a blue-sky backdrop emerges a cartoon figure, whose lurid pink, Medusa-like hair dominates the frame as its body appears to float and glide in a suspended state of free-fall around the flare of a blinding sun. Koo Jeong A’s contemporary reference to the Gorgon of Ancient Greece connects to acts of looking and being looked at, which permeate this entire exhibition through the subtle gestures of human and otherworldly entities. Locked in acts of stargazing, visitors are drawn into a hypnotic, mutable, and mystical environment constructed by the artist, entering into a space where bodies can levitate and minds can float. Koo Jeong A was born in 1967 in Seoul, Korea. Koo Jeong A was named ‘2016 Artist of the Year’ by the Korean Culturel Centre UK, celebrated with a solo exhibition in London in October 2016. Recent solo exhibitions and commissions include: ajeongkoo, Art Sonje Center, Seoul (2017); Enigma of Beginnings, Yuz Project Room at Yuz Museum, Shanghai (2016); Koo Jeong A x Wheelscape: Evertro, Everton Park, Liverpool (2015); Annual Journey, Pilar Corrias, London (2015); Oussser, Fondazione La Raia, Novi Ligure (2014); Koo Jeong A: 16:07, Kunsthalle, Düsseldorf (2012); OTRO, Centre international d’art et du paysageIle de Vassivière, Vassivière (2011); E opened his eyes he is now walking, CCA KITAKYUSHU Project Gallery, Kitakyushu (2011); Constellation Congress, DIA Art Foundation, Dia:Beacon, Beacon, The Dan Flavin Art Insitute, Bridgehampton, NY (2010); Koo Jeong A, Aspen Art Museum, Aspen, CO (2008); Flash Cube at Leeum, Samsung Museum of Art, Seoul (2007). Joseph Constable

artist

Koo Jeong-A 
Eva Presenhuber, New York

39 Great Jones Street
NY 10012 New York

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posted 16. Feb 2020

Sagmeister & Walsh: Beauty

15. Dec 201926. Apr 2020
Sagmeister & Walsh: Beauty 15. Dezember 2019 bis 26. April 2020 Was ist Schönheit und warum fühlen wir uns von ihr angezogen? Philosophie, Wissenschaft, Psychologie und nicht zuletzt Kunst und Gestaltung streiten seit der antiken Ästhetik kontrovers über das Wesen der Schönheit, ihre Wirkung auf die menschliche Wahrnehmung und unser daraus resultierendes Verhalten. Diesem Diskurs widmet sich das Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MKG) mit dem neuen Ausstellungsprojekt Beauty von Stefan Sagmeister, dem in New York lebenden Superstar des Grafikdesigns. Gemeinsam mit Jessica Walsh stellt Sagmeister ein ganz persönliches, und visuell beeindruckendes Plädoyer für die Lust am Schönen vor. Nahezu im gesamten 20. und 21. Jahrhundert war und ist Schönheit im Designdiskurs eher negativ besetzt. Diesem Ressentiment setzen Sagmeister und Walsh empirisch fundierte Argumente genauso wie subjektive Beobachtungen entgegen und machen Schönheit als einen zentralen, funktionalen Aspekt ansprechender Gestaltung erlebbar. Nach dem großen Erfolg seiner Happy Show nimmt Stefan Sagmeister die Besucher*innen nun mit spektakulären interaktiven und multimedialen Installationen mit auf eine sinnlich-vergnügliche Expedition in seinen Kosmos des Schönen. Eine Mischung aus eigens für die Ausstellung produzierten Installationen und Beispielen aus Produktdesign, Stadtplanung, Architektur und Grafikdesign animiert die Besucher*innen zum Sehen, Riechen und Fühlen. Unterstützt von Erkenntnissen aus der psychologischen Ästhetik vertreten Sagmeister & Walsh den Standpunkt, dass Schönheit mehr ist als eine rein oberflächliche Strategie: Sie beeinflusst unseren Alltag, stimuliert unsere Wahrnehmung und macht die Welt zu einem besseren Ort. Gegliedert in sechs Ausstellungsthemen – „Was ist Schönheit?“, „Die Geschichte der Schönheit“, „Im Auge des Betrachters“, „Schönheit erleben“ und „Transformierende Schönheit“ – entfachen rund 70 Objektgruppen einen ästhetischen Diskurs zur Schönheit als Paradigma für hochwertige Gestaltung. Den Abschluss der Ausstellung bildet ein von Sagmeister & Walsh kuratiertes „Schönheitsarchiv“ mit von ihnen als besonders schön bewerteten Exponaten aus der über 500.000 Werke umfassenden Sammlung des MKG. Das Best-of umfasst über 60 Objekte aller Gattungen aus verschiedenen Kulturen und Epochen, von der antiken Skulptur und Kunstkammer-Schätzen der Renaissance über Grafiken von Albrecht Dürer, Mode von Christian Dior, Spielzeug von Lyonel Feininger bis zu Fotografien, Möbeln oder einem Hightech-Rennrad. Das spektakuläre Haupttreppenhaus des MKG wird unter anderem mit einer imposanten Installation aus 216 „atmenden“ Kunststoff-Tüten des Künstlers Nils Völker bespielt und führt schon beim Betreten des Museums zur zentralen Frage: „Was ist Schönheit?“. Die von unzähligen Philosoph*innen und Wissenschaftler*innen diskutierte Frage, was Schönheit ausmacht, beantworten Sagmeister & Walsh mit Fakten: Schönes wirkt unmittelbar auf die Dopamin-Rezeptoren und auf das Empfinden, somit kann schöne Gestaltung als funktionell verstanden werden. Symmetrie definieren Sagmeister & Walsh als universelle Komponente des Schönheitsempfindens. Diese These untermauern sie mit mehreren Installationen: Unter anderem können Besucher*innen mit einer interaktiven App symmetrische Strukturen generieren und bedruckte Tragetaschen bestellen. Ein auf Großleinwand projizierter Vogelschwarm, der sich in seiner Dichte und Geschwindigkeit kontrollieren lässt, belegt, dass ausbalancierte Muster tendenziell bevorzugt werden. Schönheit ist seit jeher ein bestimmendes Moment für die Partner*innenwahl, die Reproduktion und die Evolution. Wir empfinden positive Emotionen, wenn wir Schönes sehen. Beispiele aus allen Epochen der Menschheitsgeschichte lassen im Ausstellungsbereich „Die Geschichte der Schönheit“ keinen Zweifel am Begehren nach Schönheit. Sexuell anziehend ist nicht nur physische Schönheit, sondern auch die Fähigkeit, schöne Dinge zu kreieren. Das war schon in der Frühgeschichte so: Für den symmetrischen Schliff von Steinäxten gab es keine Begründung, allerdings gewannen die Hersteller*innen dieser Werkzeuge mit ihrem Gefühl für symmetrische Gestaltung und mit feinmotorischem Können an Attraktivität. Auch die Ablehnung von Schönheit wird im Rahmen dieses Ausstellungsbereichs umfassend thematisiert. Das ästhetische Empfinden ist nach Sagmeister & Walsh weniger subjektiv als gemeinhin angenommen. In dem Ausstellungsbereich „Im Auge des Betrachters“ werden bemerkenswerte Ähnlichkeiten in verschiedenen Kulturen und Epochen aufgespürt. Wie universell das Schönheitsempfinden ist, verdeutlicht unter anderem die Visualisierung von Untersuchungen des Psychologen Chris McManus am University College London: 85 Prozent der Proband*innen können auf Anhieb ein Werk von Piet Mondrian von der leicht abgeänderten Fälschung unterscheiden. Einmal mehr laden Sagmeister & Walsh hier zur Interaktion ein: Die Eintrittskarte ist mit geprägten Münzen versehen, mit denen die Besucher*innen an verschiedenen Stationen über unterschiedliche Formen, Farben und Gerüche abstimmen können. Schönheit hat das Potenzial, die Welt zu verbessern, wie Sagmeister & Walsh im Ausstellungsbereich „Transformierende Schönheit“ deutlich machen. Unter anderem zeigt die Installation From Garbage to Functional Beauty, wie der unkonventionelle französische Designer Thierry Jeannot gemeinsam mit mexikanischen Müllsammler*innen einen wunderschönen Kronleuchter aus Plastikmüll schafft. Im Bereich „Schönheit erleben“ können die Gäste Schönheit mit allen Sinnen entdecken: Ein Sound-Raum zelebriert die Kombination aus einem analogen Plattenspieler, audiophilen Kopfhörern und einem besonders schönen Musikstück. Mit der Virtual Reality Station Tyranny of the Tool der Firma Unbound können Besucher*innen eigene dreidimensionale Skulpturen erschaffen. Philip Beesleys Installation Nebula Prototype: Liminal Architecture nimmt einen ganzen Raum ein und wird ergänzt von außergewöhnlichen Outfits der Modedesignerin Iris van Herpen. Der mit intensiven, blau-rosafarbenen Mustern überzogene Color Room wird regelmäßig mit einem speziellen Licht beleuchtet, das bestimmte Farbtöne grau erscheinen lässt und mit der Farbwahrnehmung spielt. Das Ergebnis: Farbigkeit wird als schöner empfunden. Publikation: Zur Ausstellung ist die Publikation Sagmeister & Walsh: Beauty. Schönheit als Schlüsselkonzept für die Gestaltung der Zukunft von Stefan Sagmeister und Jessica Walsh erschienen, Deutsch und Englisch, 284 Seiten mit 377 farbigen Abbildungen, Verlag Hermann Schmidt, Mainz 2018, um 39,80 Euro Sagmeister & Walsh: Beauty ist eine Ausstellung des MAK, Wien, und des Museum Angewandte Kunst, Frankfurt am Main. Die Ausstellung wurde kuratiert von Kathrin Pokorny-Nagel (MAK, Wien) und wird im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg von Dennis Conrad und Simon Klingler realisiert. Die Hamburger Station wird ermöglicht durch Mittel aus dem Ausstellungsfonds der Freien und Hansestadt Hamburg, der Hubertus Wald Stiftung und der Justus Brinckmann Gesellschaft.

artists & participants

Stefan Sagmeister,  Jessica Walsh 
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posted 15. Feb 2020

Lahore Biennale 2020

26. Jan 202029. Feb 2020
Lahore Biennale 2020 between the sun and the moon January 26–February 29, 2020 Local and international artists and curators, public figures and patrons gathered with art lovers over the weekend to open the second edition of the Lahore Biennale (LB02) on January 26, 2020. The inauguration ceremony took place amidst majestic surroundings in Hazuri Bagh, a garden in the city’s historic fort. Newly commissioned projects were unveiled alongside important works of contemporary art: Diana Al Hadid’s remarkable public sculpture in the gardens of Divan-e-Aam, inspired by the popular legend of Anarkali; installations by diaspora artists Hajra Waheed, Haroon Mirza and Khadim Ali and paintings by Ethiopian artists created in Lahore. In the Summer Palace, dozens of participating artists and curators visiting Pakistan for the first time mingled with the public as they viewed Wael Shawky’s Cabaret Crusades, exhibited alongside sculptures by Dagestan’s Taus Mackacheva. Chief guest Dr. Arif Alvi, the President of Pakistan, thanked Hoor Al Qasimi, President and Director of the Sharjah Art Foundation, for her efforts in curating the Biennale. “The world has to understand what the history of Lahore is,” explained Al Qasimi to journalists. A key objective of the Lahore Biennale, she added, is to illuminate the rich diversity of culture within the region whilst stimulating dialogue between nations and regions of the global South, not least South and West Asia. “I was very interested [in curating LB02],” said Al Qasimi, “because there is a long history between Pakistan and the UAE.” Several projects such as Reem Falaknaz’s exploration of popular pigeon racing highlight little known and forgotten ties of cultural and historical exchange. An influential figure and visionary within the world of contemporary art, Al Qasimi is known for having transformed Sharjah into an international art capital. “I have blind faith in her curatorial skills,” said Mia Eldib, Sotheby’s Middle East consultant on Contemporary Arab Art, on her first visit to Lahore, adding: “I am here because I know she will deliver a spectacular show.” Al Qasimi’s collaboration with the Lahore Biennale Foundation, overseen by its founder and driving force Qudsia Rahim, is thought to have genuinely transformative potential for the art scene in Pakistan. Art historian and LBF advisory board member Iftikhar Dadi reflected on its significance within the history of global art exhibitions, alongside Mohsin Hamid’s carefully calibrated reminder of art’s critical role in society, which added a sobering note of concern about the challenges faced by exponents of free expression. Titled between the sun and the moon, LB02 is a cultural event of unprecedented scale in Pakistan, bringing over 80 artists’ projects from all over the world to numerous sites in the city of Lahore. A centerpiece of the Biennale is an ambitious, immersive multimedia installation on Islamic cosmology at the PIA planetarium. Created by Berlin-based, Kazakhstan-born artist Almagul Menlibayeva, it is inspired by the astronomical discoveries made by Islamic astronomers in Samarkand. Site-specific performances by the Amsterdam-based sound artist German Popov and Russian artist Inna Artemova have added to its sublime effect, mesmerizing visitors on subsequent days with the help of classically trained local musicians. Other noteworthy performances included a stunning musical experiment by Haroon Mirza in Gaddafi Stadium’s Alhamra Amphitheatre. Veteran artists Rasheed Araeen and Anwar Saeed were honored with special awards. As the curatorial concept explains, the Biennale’s focus encompasses a search for sustainable ecology within the South, a search that involves revisiting our understanding of the cosmos itself. Commenting on this theme, Al Qasimi said: “For centuries, inhabitants of these regions oriented themselves with reference to the sun, the moon and the constellations. How do we reflect on our place within the universe today, at this junction of climate crisis and polarities between societies?”

curator

Hoor Al Qasimi 
Lahore Biennale

13B Block D, Block A New Muslim Town
54000 Lahore

Pakistanshow map
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posted 14. Feb 2020

In Real Life

16. Jan 202029. Mar 2020
In Real Life Jan 16 — Mar 29, 2020 The Museum of Contemporary Photography at Columbia College Chicago (MoCP) presents In Real Life from January 16 – March 29, 2020. As the powerful technology behind artificial intelligence grows more sophisticated, machines have developed the capacity to not only capture images but to “see” them as well. In Real Life is an exhibition seeking to examine the real-world impact of computer vision—from the murky ethics of data collection and surveillance to the racial and gender biases that abound in facial recognition technology.

Highlights from the exhibition include pieces by Stephanie Dinkins, whose work grapples with the intersection of artificial intelligence and race. In Conversations with Bina48 (2015), Dinkins converses with the social robot prototype Bina48, who responds to her questions about life, social equity, and racism. Her other piece on view which addresses similar concerns is Not the Only One (N’TOO) (2017), a voice-interactive chatbot that is equipped to converse about the black experience by telling the multigenerational story of the artist’s own family. Trevor Paglen’s Behold These Glorious Times! (2017) also explores the unsettling nature of machine learning, juxtaposing photos and videos that are used to train AI to “see” objects, people, gestures, and emotions. Other works in In Real Life examine how technology and surveillance increasingly inform our daily lives, particularly videos by artists Liam Young and Xu Bing. In Liam Young’s Where the City Can’t See (2016), workers in a fictionalized Chinese-controlled Detroit Economic Zone (DEZ) move through their dystopic city in a driverless taxi, searching for spaces beyond the surveilled city. In Xu Bing’s Dragonfly Eyes (2016), 10,000 hours of actual surveillance footage is woven together to tell a story that is voiced by actors, blurring the lines between fiction and perceived reality. In Real Life includes works by Stephanie Dinkins, Trevor Paglen, Leo Selvaggio, Maija Tammi, José Orlando Villatoro, Xu Bing, and Liam Young, and features photography, video, and mixed media installations. These seven artists explore the increasingly fraught relationship between humans and technology, with an emphasis on the social and aesthetic ramifications of machine “seeing.” With a charged underpinning of human biases, these pieces, many of which were generated through algorithmic technology, present a speculative near-future wherein the socio-political consequences of AI have already begun to compromise how we visualize the world—and our humanity. In Real Life is organized by MoCP executive director Natasha Egan. The MoCP will present a lecture by Stephanie Dinkins on February 13, 2020. This exhibition has received funding from the Efroymson Family Fund.

curator

Natasha Egan 
MoCP Chicago

Museum of Contemporary Photography / Columbia College Chicago | 600 S. Michigan Ave
IL-60605 Chicago

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posted 13. Feb 2020

PATRICK HUGHES "Geometry in Motion"

22. Jan 202007. Mar 2020
opening: 22. Jan 2020 06:30 pm
PATRICK HUGHES "Geometry in Motion" Paintings and Multiples Anlässlich des 80. Geburtstages des Künstlers 22.01.2020 – 07.03.2020 Zur Eröffnung am Mittwoch, den 22. Januar 2020 um 18.30 Uhr laden wir Sie und Ihre Freunde herzlich ein. Es spricht Prof. Dr. h.c. mult. Peter Weibel, ZKM Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe Der Künstler ist anwesend. "For the first thirty years of my career I was saying paradox is the thing, I was pushing a paradoxical kind of art, with contradictory images like the ouroboros and the solid rainbow, but when I started making a paradoxical and contradictory perspective, a reverse perspective, then I was no longer telling my viewers things but allowing them to experience contradictory perceptions and so letting the art watcher find out the magic for themselves." Patrick Hughes * Patrick Hughes „Geometry in Motion“ – Paintings and Multiples by Patrick Hughes Als Maler des Paradoxen hat sich der 1939 in Birmingham geborene englische Künstler Patrick Hughes einen internationalen Ruf erworben. Seine Arbeiten befinden sich in internationalen Sammlungen weltweit. Anlässlich seines 80. Geburtstages widmet die Galerie Boisserée ihm erneut eine Einzelausstellung. Sie umfasst 16 auf Holz gemalte Unikate der letzten Jahre sowie eine umfangreiche Sammlung seiner Multiples – darunter zahlreiche frühe und inzwischen vergriffene Arbeiten. Zur Ausstellung erscheint ein Katalog mit über 50 farbigen Abbildungen und einem Vorwort von Peter Weibel, dem Direktor des ZKM Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe. Wahrnehmung von Illusion und Wirklichkeit sowie optische Irritationen sind die zentralen Themen seiner Kunst. In illusionistischen Kompositionen konfrontiert er den Betrachter mit dem Spiel sich ständig verändernder Perspektiven. Die Mittel und Methoden erscheinen paradox – sind dabei dennoch von bestechender Konsequenz. Der perspektivische Blick war eine der wichtigen Errungenschaften der Renaissance und hatte größten Einfluss in der Geschichte der westlichen Kunst. Das perspektivische Bild ist heute allgegenwärtig. Seine Dominanz lässt jedoch vergessen, dass es keineswegs unser natürliches Sehen abbildet. In paradoxer Weise bildet das perspektivische Bild auf einer Fläche, die in der Natur gar nicht vorkommt, den dreidimensionalen Raum ab. Der perspektivische Raum im Bild wird nur im Blick und für den Blick erzeugt, denn es gibt ihn nur auf einer Fläche, die von Hause aus nicht Raum ist und nicht Raum hat. Patrick Hughes‘ dreidimensionale Bildobjekte sind „sich bewegende“ Bilder, die die umgekehrte Perspektive, die sogenannte reverspective, als gestalterisches Mittel einsetzen und durch sie eine neue Perspektive (einen neuen Blick) auf die Perspektive selbst werfen. Frontal und aus der Ferne betrachtet, vermitteln die Bildobjekte zunächst den Eindruck einer Fläche. Erst aus der Nähe betrachtet, erkennt man ihre Beschaffenheit. Die desorientierende Wirkung setzt ein, sobald der Betrachter seine Position leicht verändert. Der reliefartige Bildgrund verstärkt den Eindruck der Raumtiefe und das Gesehene scheint sich mit dem vorbeigehenden Betrachter zu bewegen. Die irritierende Wirkung erzielt Hughes, indem er mit dem Effekt der optischen Täuschung arbeitet. Die räumliche Situation wird falsch eingeschätzt. Es kommt zu Wahrnehmungsirritationen. Die bevorzugten Motive seiner Gemälde und Multiples sind Architekturansichten, wobei eine Vorliebe für Gemäldegalerien und Kombinationen von Türen und Landschaftsansichten zu erkennen ist. In Hughes‘ Werk dient die Tür ebenso als kunsthistorisches Motiv wie auch als Metapher für Erkenntnis. Die Gemäldegalerien erinnern an die Kunstkabinette früherer Zeiten. „[...], er aber entleert diese gewissermaßen, indem er sie nur mit Ikonen der modernen Kunst [...] ausstaffiert. Seine Wunderkammern stellen nicht die Welt, sondern die Kunst der Moderne aus.“1 „Alle Referenzen von Hughes – seien es kunsthistorische, von Renaissance bis Op-Art, seien es visuelle Paradoxien, von Piranesi zu Escher und Magritte, [...] dienen dem Ziel, Malerei als Erkenntnisprozess zu betreiben. Visuelles Vergnügen, retinale Reize, sinnliche Stimuli genügen Patrick Hughes so wenig wie Magritte und Duchamp. Wie seine Vorbilder Ucello und Vermeer belebt Patrick Hughes mit der Wissenschaft der Perspektive und insbesondere mit seiner von ihm entwickelten Darstellungsweise der sogenannten reverspective auch die Malerei als Wissenschaft. „Visual pleasure“ verbindet sich bei Hughes mit kognitiver Erkenntnis“. 2 Wissen ersetzt das Sehen nicht. Wir sehen die Täuschung auch dann noch, wenn wir sie bereits erkannt haben. Und selbst bei wiederholter Betrachtung sieht man sie immer wieder mit Erstaunen: die Irritation der Wahrnehmung. So zeigt sich denn, dass die Faszination am Ungewissen und der Irritation ungebrochen ist. Die Eröffnung findet am 22. Januar 2020 um 18:30 Uhr in Anwesenheit des Künstlers statt. Zur Ausstellung erscheint ein Katalog mit 105 Seiten, 53 farbigen Abbildungen und einem einführenden Text von Prof. Dr. h.c. mult. Peter Weibel, ZKM Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe. Für den Betrag von Euro 10 senden wir Ihnen den Katalog im Inland gerne zu. Der Katalog ist ebenfalls in der Galerie Boisserée erhältlich. Besondere Öffnungszeiten: K1-Galerien-Matinée Sonntag den 26. Januar 2020 von 11.00 bis 16.00 Die Galerie bleibt über Karneval vom 20. bis 25. Februar 2020 geschlossen.
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posted 12. Feb 2020

Tobias Spichtig. HI IS JUST ANOTHER WORD FOR HELLO

10. Jan 202014. Feb 2020
Tobias Spichtig. HI IS JUST ANOTHER WORD FOR HELLO 10.01.2020 – 14.02.2020 The show HI IS JUST ANOTHER WORD FOR HELLO—featuring a series of new paintings and a site-specific installation of disused electric appliances—expands on Spichtig’s ongoing fascination with environmental interventions, conceived as claustrophobic scenarios where the viewer feels like an intruder. Inspired by tattoos, typography and ornaments, Spichtig’s paintings investigate the duality of the sign, intended both as global and personal at the same time. The canvases— deriving from vinyl prints of appropriated images and iPhone shots heat pressed onto the surface and subsequently painted with oil—investigate the nature of the painting as the ultimate luxury: an image that will last forever. Spichtig’s works are often installed in spaces that he fills wall-to-wall with multiples of a single type of domestic consumer good—mattresses, kitchen tables, refrigerators, couches —so that the paintings themselves are partially blocked from the visitor’s view. In his exhibition at Spazio Maiocchi, the artist will incorporate a wall of second-hand air conditioners, a discarded commodity chosen for the immaterial, invisible quality of its task: transforming air and energy. A billboard commission in the courtyard of Spazio Maiocchi completes the exhibition. Caroline Busta
Spazio Maiocchi, Milan

Via Achille Maiocchi, 7
20129 Milan

Italyshow map
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posted 11. Feb 2020

BERTIEN VAN MANEN / BOOK STORIES

11. Jan 202007. Mar 2020
BERTIEN VAN MANEN / BOOK STORIES 11.01.2020 - 07.03.2020 Eröffnung am Freitag, den 10. Januar 2020, um 19 Uhr Bertien van Manen, eine Ikone der Dokumentarfotografie, wird in ihrer Heimatstadt Amsterdam im Frühjahr mit einer umfangreichen Retrospektive im Stedelijk Museum geehrt. Die Robert Morat Galerie freut sich sehr, diese große Museumspräsentation mit einer Übersichtsausstellung in Berlin unter dem Titel „Book Stories“ begleiten zu können. Die renommierte niederländische Fotografin Bertien van Manen (*1942, Den Haag) hat im Laufe ihrer langen Karriere immer wieder vor allem durch ihre Publikationen auf sich aufmerksam gemacht. Ihre beiden ersten Fotobücher, „One Hundred Summers, One Hundred Winters“ (De Verbeelding, Amsterdam,1994) und „East Wind, West Wind“ (De Verbeelding, Amsterdam, 2001), haben nicht nur ihren Ruf als kompromisslose Dokumentaristin und Fotokünstlerin begründet, sondern sind heute auch gesuchte und teuer bezahlte Sammlerstücke am Fotobuchmarkt. Zu großer internationaler Anerkennung führte das Buchprojekt „Give me your Image“ (Steidl, Göttingen, 2006) mit Einzelausstellungen unter anderem im Museum of Modern Art in New York, dem Museum für Gestaltung in Zürich, dem Fine Arts Museum in Boston oder dem Museum Ludwig in Budapest. Seit 2011 veröffentlicht van Manen ausschließlich mit MACK Books in London. Das erste Buch dort trug den Titel „Let’s sit down before we go“ (Mack Books, London, 2011), es folgte „Easter and Oak Trees“, (Mack Books, London, 2013), „Moonshine“ (Mack Books, London, 2014), „Beyond Maps and Atlases“ (Mack Books, London, 2016) und „I will be Wolf“ (Mack Books, London, 2017). Die Ausstellung umfasst Einzelbilder und Werkzusammenhänge aus sämtlichen publizierten Serien und will einen Überblick bieten über 25 Jahre fotografischen Schaffens und im Besonderen die einflussreiche Rolle Bertien van Manens als Fotobuch-Künstlerin unterstreichen.
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posted 10. Feb 2020

Matti Braun. Ku Lak

17. Jan 202022. Feb 2020
Matti Braun Ku Lak 17.01.2020 - 22.02.2020 Esther Schipper freut sich Ku Lak, die sechste Einzelausstellung von Matti Braun mit der Galerie anzukündigen. Die Ausstellung umfasst 16 Werke einer neuen Serie von Seidenarbeiten und etwa 25 neue Glasarbeiten, die auf drei vom Künstler entworfenen runden Tischen präsentiert werden. Matti Brauns Praxis ist geprägt von einer ständigen Verhandlung zwischen konkreten Bezügen und weitreichenden Verweisen, zwischen poetischer Vergänglichkeit und einer fast beunruhigenden sinnlichen Unmittelbarkeit. Sein Werk untersucht die unerwarteten, oft wenig bekannten Auswirkungen kulturübergreifender Dynamiken und macht Muster künstlerischer Migrationen und kultureller Verkennung sichtbar. Seit 2014 entwickelt Matti Braun Seidenarbeiten mit nahtlosen Farbabstufungen in leuchtenden Pastellfarben und später in kräftigen, tief gesättigten Farbkombinationen. Die neue Werkgruppe bildet einen Abschluss dieser Serie: Mit ihren Verläufen zwischen Hell- und Dunkelgrau kehrt Braun zu den selbstauferlegten Grenzen eines schwarz-weißen Farbschemas zurück, das in seinen frühen Batikarbeiten erforscht wurde, aber mit der fast üppig anmutenden Sinnlichkeit seiner jüngsten Serie auf geschmeidiger, fein gewobener Seide. Das Produktionsverfahren von Brauns Gemälden hat seine Wurzeln in der Erforschung und Aneignung traditioneller Techniken der Textilherstellung, vor allem solcher, die für religiöse oder rituelle Zwecke verwendet werden. Während seine früheren Patola- oder Batikserien Hinweise auf die ikonographischen Spuren ihrer Quellen enthielten, tun die neueren Gemälde dies nicht. Anfänglich auf Rohseide, enthielten diese Serien bunte Passagen oder kreisförmige Farbflächen, die an die Malerei der post-painterly Abstraktion denken ließen. Die nahtlosen Farbverläufe der späteren Seidenarbeiten, jetzt auf glatten, fein gewebten Seidenpaneelen, verwenden entweder eine sehr reduzierte oder eine ausgesprochen gesättigte Farbpalette. Gleichzeitig verweist die Graustufe dieser neuen Serie von Seidenarbeiten auch indirekt auf Brauns Interesse am Beton, den er immer wieder in einzelne Werke und auch in seine Ausstellungsarchitekturen integriert hat. Darüber hinaus können die grauen Modulationen an die Farbgebung von Schwarz-Weiß-Fotografien und Archivbildern erinnern, die in der Praxis des Künstlers eine wichtige Rolle spielen. Während das reduzierte Farbschema der Ausstellung die Spannung zwischen Serialität und Einzigartigkeit hervorhebt, verbirgt sich hinter der scheinbaren Leichtigkeit und formalen Einfachheit der Arbeiten ein Prozess, der ein hohes Maß an Kontrolle voraussetzt, aber dennoch unkontrollierbare Ergebnisse produziert. Auf diese Dichotomie verweist auch die neue Serie von Glasarbeiten. Die mundgeblasenen Glasobjekte, die in traditionellen Glashütten unter der Aufsicht des Künstlers hergestellt wurden, spielen mit ihrem hybriden Status als Skulptur und handwerklichem Produkt und mit der Spannung, die traditionell zwischen diesen beiden Produktionsbereichen - der Kunst und dem Handwerk - besteht. Die lichtdurchlässigen Glasobjekte erinnern an Augen, insbesondere an die hervorstehenden "Bug-eyes", die in populären Darstellungen der übertriebenen Physiognomie außerirdischer Wesen zu finden sind. Jede dieser Arbeiten wird durch spezifische Eigenschaften ihrer Materialität und Ausführung bestimmt, aber ihre endgültige Form, die exakten physikalischen Eigenschaften und ihre spezifische Farbe manifestieren sich erst vollständig, wenn das Glas ausreichend abgekühlt ist. Gleichzeitig greifen Matti Brauns Glasarbeiten auch auf ein dichtes Netz von Referenzen und Assoziationen zurück, das für die Praxis des Künstlers charakteristisch ist: Eine frühe Glasarbeit wurde in seiner Inszenierung seines Theaterstücks The Alien (basierend auf dem nicht realisierten Filmprojekt von Satyajit Ray, das Steven Spielbergs Film E.T. inspiriert haben soll) als Requisite verwendet. Auf der materiellen Ebene besteht Glas zudem letztlich aus Sand—einem weiteren wiederkehrenden Element in Brauns Ausstellungen—und es ist farbecht. Die Farbe eines tausende Jahre alten Glassplitters verblasst weder noch verfärbt sie sich. Auch die Farbe der Skulpturen von Matti Braun wird bis in ferne Zukunft erhalten bleiben und, vergleichbar mit zeitreisenden Besuchern, dort außerhalb der Kontrolle des Künstlers über ihr Schicksal und ihre Interpretation existieren. Die Projekte von Matti Braun sind oft um ein konkretes Beispiel der Aneignung herum konzipiert und gehen von einem weitgespannten Netz interdisziplinärer Assoziationen aus. Seine neue Monographie, die im Februar 2020 bei Snoeck erscheint, umfasst seine künstlerische Produktion der letzten zehn Jahre und ist paradigmatisch für diesen Ansatz. Ausgangspunkt der Publikation ist die Auseinandersetzung des Künstlers mit den vielfältigen Zusammenhängen des Werkes von Rabindranath Tagore, Vikram Sarabhai oder Satyajit Ray, und indischer und bengalischer Science Fiction. Die zugrunde liegende narrative Logik solcher Zusammenführungen historischer, kultureller und biographischer Bezüge dient nie zur Erklärung einzelner Kunstwerke, sondern zeigt vielmehr deren Polysemie auf. So geht es in Brauns Werk um die Unfähigkeit von Objekten die Bedeutung, die wir ihnen aufbürden zu transportieren - und um die Vielfalt der Interpretationen, mit der persönliche und kulturelle Erfahrungen unsere Wahrnehmung prägen. Seine Verweise sind nie illustrativ oder didaktisch, sondern machen die kulturelle Entwicklung eines Objekts und die Mechanismen einer gegenseitigen kulturellen Beeinflussung sichtbar. Matti Braun wurde 1968 in Berlin geboren. Er studierte an der Städelschule, Frankfurt und an der Kunsthochschule Braunschweig (HBK). Der Künstler lebt und arbeitet in Köln. 1994 wurde Braun mit dem Peter-Mertes-Preis des Bonner Kunstvereins und 2004 mit dem Förderpreis des Landes Nordrhein-Westfalen für Bildende Kunst ausgezeichnet. Zu den institutionellen Einzelausstellungen des Künstlers gehören: A Lost Future: Matti Braun, The Rubin Museum of Art, New York (2018-19); Lak Sol, Kunstverein Heilbronn, Heilbronn (2016); Gost Log, Arnolfini, Bristol (2012); Salo, Kunstverein Braunschweig, Braunschweig und La Galerie - Contemporary Art Center, Noisy-le-Sec (2010); Kola, Kunstmuseum Liechtenstein, Vaduz (2009); Özurfa, Museum Ludwig, Köln und Museion - Museum für moderne und zeitgenössische Kunst, Bozen (2008). Braun's Werk ist unter anderem in den folgenden Sammlungen vertreten: Sammlung zeitgenössischer Kunst der Bundesrepublik Deutschland, Berlin; Finnish National Gallery, Helsinki; Kunstmuseum Liechtenstein, Liechtenstein; Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen; Museion - Museum für moderne und zeitgenössische Kunst, Bozen.

artist

Matti Braun 
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posted 09. Feb 2020

Liebesgrüße aus Havanna. Zeitgenössische kubanische Kunst im internationalen Kontext

09. Feb 202014. Jun 2020
Liebesgrüße aus Havanna. Zeitgenössische kubanische Kunst im internationalen Kontext 09.02.2020 - 14.06.2020 Da das Bild von Kuba bis in die Gegenwart durch den Kalten Krieg geprägt ist, verweist der Titel Liebesgrüße aus Havanna auf den James-Bond-Klassiker Liebesgrüße aus Moskau, der 1963 kurz nach der Kuba-Krise im Oktober 1962 gedreht wurde. Der Fall der Berliner Mauer 1989 und der Zerfall der Sowjetunion 1991 sowie die Wende der Ostblockländer zum Kapitalismus hatten für den Karibikstaat enorme wirtschaftliche Folgen. Bedeutende Teile der in Kuba entstandenen Kunst beziehen sich daher auf die besondere Geschichte und Realität des Landes. Die Globalisierung hat nicht nur in der kubanischen Gesellschaft, sondern auch in der Kunst eine Öffnung für Themen und Perspektiven geschaffen, die man nicht als eindeutig »lokal« bezeichnen kann. Für einen vertiefenden Einblick in die komplexe und besondere Situation der Gegenwartskunst des Karibikstaates beleuchtet die Ausstellung aktuelle Entwicklungen. Die Ausstellung Liebesgrüße aus Havanna. Zeitgenössische kubanische Kunst im internationalen Kontext entsteht in Zusammenarbeit von Dr. Beate Kemfert, Sammler Robert Funcke und dem Künstler und Kritiker Tonel (Antonio Eligio Fernández). Es werden sowohl Leihgaben der Sammlung Funcke als auch neue Werke von Künstlerinnen und Künstlern aus Kuba gezeigt. Publikation: Zur Ausstellung erscheint eine Publikation im Verlag Hartmann Books Stuttgart. Kurator*innen: Dr. Beate Kemfert, Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen Rüsselsheim mit Tonel (Antonio Eligio Fernández), Künstler und Kritiker, und Robert Funcke, Sammler Künstler*innen der Ausstellung: Juan Carlos Alom, Iván Capote, Yoan Capote, Los Carpinteros, Marco Castillo, Ariamna Contino, Susana Pilar Delahante Matienzo, Humberto Díaz, Felipe Dulzaides, Ricardo G. Elías, Adrián Fernández, Adonis Flores, Alex Hernández Dueñas, Glenda León, Ernesto Oroza, Marta María Pérez Bravo, Carlos Quintana und Tonel.
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posted 08. Feb 2020

Dhaka Art Summit 2020

07. Feb 202015. Feb 2020
Dhaka Art Summit 2020 07.02.2020 - 15.02.2020 Seismic Movements: Dhaka Art Summit 2020 February 7–15, 2020 50 million years ago the Eurasian and the Indian plates collided and created the Himalayas which rise north of the delta of Bangladesh and span across South Asia from Afghanistan to Myanmar as a geographic marker. Inspired by a geological reading of the word “summit” as the top of a mountain, and Seismic Movements: Dhaka Art Summit 2020 looks at movements generated by energy released from pressure—geologically, socially and politically. While Bangladesh has no mountains within its borders, DAS has risen from this delta as a movement over the past eight years as its collaborators and community grow and maintain their engagement with the platform. More than just an exhibition, DAS is a platform to catalyse a rich context for research and artistic production in the future by empowering artists and the public through its exhibitions, education, and public programmes. This will be a summit of humanist potential rising above geopolitical boundaries. Just as seismic movements don’t adhere to a singular timeframe or scale and can build up slowly or erupt in an instant, the event plays with time in non-linear ways and builds on layers of ideas and collaborations born in its previous four editions. “I propose the planet to overwrite the globe,” writes Gayatri Spivak. Elaborating on this notion, artist Shuddhabatra Sengupta of Raqs Media Collective speaks of the word “planet” as an allusion to the past, present, and future of the wandering star we struggle upon. In this sense, DAS is expanding its geographic and temporal scope to consider Bangladesh from a planetary perspective, looking at the world from the immediate and near to the unfathomably far, destabilising the human by shifting the time scales. Significantly, both Spivak and Sengupta have participated in previous editions of DAS. Samdani Art Foundation Artistic Director Diana Campbell Betancourt returns as the Chief Curator of DAS 2020, thinking collectively with leading curators, artists, and academics: “Inspired by the 1414 gift of a giraffe by the Sultan of Bengal to Emperor Yongle of China, I hope this summit will widen its view to look at historical layers of connectivity across Asia, Africa and the Indian Ocean, becoming a platform where former colonial subjects can come together without a western intermediary to imagine new futures from Dhaka inspired by similar utopian movements of the past. The word “summit” calls to mind the physical signs of plate tectonics, and ideas of Pangea and existences far beyond the span of a human lifetime or even the cumulative history of mankind. How can we as artists, curators, writers, art’s many supporters and publics come together to make a constellation of seismic shifts toward a better world outside of the myopic individual interest that is threatening our existence on this planet?” Free to the public and ticketless, DAS brings together over 300,000 people to discuss ideas for alternative futures and more informed histories outside of national frameworks through the arts. While DAS began as a South Asian art platform, given tightening borders in the region, the idea of the region as one is untenable today and insufficient to understand the complex context of Bangladesh, especially from the perspective of climate change. DAS 2020 connects widely across the global south based on shared struggles rather than current geopolitical definitions. The title of DAS is inspired by art historian Dr Zahia Rahmani’s The Seismography of Struggles, a sound and visual inventory of non-European critical and cultural journals produced in the wake of revolutionary movements at the end of the 18th century up to the watershed year of 1989. A seismography of human and non-human struggles grounded in Bangladesh and spanning past, present, and speculative futures will comprise the immersive exhibition curated by Diana Campbell Betancourt linking together ideas found across the Summit’s varied programs and collaborations. As in the past, portions of the exhibition will be co-commissioned and co-curated with international partners, and DAS is delighted to be partnering again with Artspace, Sydney and further partners will be announced in September 2019. Returning to DAS 2020, The Otolith Group curates a film programme spanning nine days entitled To welcome the end of the world as we know it. The recurrent task of the Black Feminist Critic and the Black Feminist Poet, according to philosopher Denise Ferreira da Silva, is to work towards “the end of the world produced by the tools of reason.” Working towards the end of a certain kind of world, which is decolonization, requires the emancipation of “the category of Blackness from the scientific and historical ways of knowing that produced it in the first place.” Emancipated from narratives of science and history, Blackness “wonders about another praxis” as it “wanders in the World’ guided by the “ethical mandate of opening up other ways of knowing and doing.” Inspired by Ferreira da Silva’s Feminist Poethics of Blackness, To welcome the end of the world as we know it assembles wandering sounds and wondering images that open up other ways of knowing and doing. A Cinema that imagines politics released from the grip of universal reason. A Cinema that imagines a World that precedes space and time but which operates in space and time. The art scene of Bangladesh thrives on the energy and infrastructure built by artist-led initiatives who have developed networks and spaces to support their practice in the absence of centrally funded institutions and a local market for contemporary art. The Samdani Art Foundation supports many of these dynamic organisations through its Samdani Artist Led Initiatives Forum and grant programme. Working collaboratively with Kathryn Weir (Cosmopolis, Centre Pompidou Paris), Gudskul (Jakarta), a public learning space established by ruangrupa, Serrum and Grafis Huru Hara (Jakarta), Para Site (Hong Kong), and RAW Material Company (Dakar), the Samdani Art Foundation will expand this platform at DAS, bringing together over thirty collectives from Bangladesh and Bangladesh and across Australia, Asia, Africa, Central and South America, and Oceania. The resulting platform is a confluence of exhibition programming and workshops between and across the collectives and the public on how to build and sustain grassroots institutions in contexts with little existing local infrastructure and how to work collaboratively. The entire second floor of the Bangladesh Shilpakala Academy, in Gudskul’s words, will transform into a “learning space established to practice an expanded understanding of collective values, such as equality, sharing, solidarity, friendship and togetherness.” Parallel but connected to this platform, Bangladeshi writer Mustafa Zaman will curate a historical exhibition entitled Nobody Told Me There'd be Days Like These exploring the vibrant work of art, architecture, film, literature, and theatre collectives active in Bangladesh around the 1980s years of Martial Law. Diana Campbell Betancourt will curate with advisors Sean Anderson (Assistant Curator, Department of Architecture and Design, Museum of Modern Art New York) and Nurur Khan (Architect and Director, Muzharul Islam Archive) an exhibition that engages the vision of contemporary artists to allow for new readings of Bangladeshi modernist architect Muzharul Islam’s (1923-2012) work and the movements he catalyzed. A research initiative supported by the Getty Foundation in collaboration with Cornell University’s Institute for Comparative Modernities and the Asia Art Archive, Connecting Modern Art Histories in and across Africa, South and Southeast Asia, ensures visiting curators learn from established and emerging scholars in the region and bridges the growing gap between exhibition-making and academia. The team for this initiative is led by Dr Iftikhar Dadi (Associate Professor of History of Art and Director of the South Asia Programme, Cornell University) with a guest faculty of Dr Elizabeth Giorgis (Director of Gebre Kristos Deta Center, Addis Ababa University), Dr Simon Soon (Senior Lecturer, Visual Art Department, University of Malaysia), Dr Ming Tiampo (Professor of Art History, Carleton University), Dr Salah Hassan (Professor of African and African Diaspora Art History and Visual Culture, Cornell University), and Dr Sanjukta Sunderason (Art History and South Asian Studies Lecturer, University of Leiden) with support from organisers Amara Antilla (Curator, Solomon R Guggenheim Museum) and Diana Campbell Betancourt (Artistic Director, DAS), and the Asia Art Archive team led by John Tain (Head of Research, AAA) and his team of researchers, Dr Sneha Ragavan, Dr Chuong-Dai Vo and Michelle Wong. Conceptualized by the UC Berkeley South Asia Art Initiative and the Subir & Malini Chowdhury Center for Bangladesh Studies, Indian Ocean Imaginaries as World History, returns to the Indian Ocean Littoral, in the past and in the present, to recover modes of being in the world that exceed Westernism’s conceptual projections. The interdisciplinary and intermedial program is led by historian Dr Munis D. Faruqui (Associate Professor, Sarah Kailath Chair of Indian Studies, and Director of the Institute for South Asia Studies), art historians Dr Atreyee Gupta (Assistant Professor of Global Modern Art, South and Southeast Asian Art) and Dr Sugata Ray (Associate Professor, South and Southeast Asian Art), artist Asma Kazmi (Assistant Professor, Department of Art Practice), and political scientist Dr Sanchita Saxena (Director, Subir and Malini Chowdhury Center for Bangladesh Studies). The program will unfold in close collaboration with artists, activists, and art and architecture historians in Bangladesh. Bishwajit Goswami, a visual artist and educator in the Faculty of Fine Arts, University of Dhaka, will curate an intergenerational exhibition speaking to transfers of knowledge across students and teachers in Bangladesh, including pioneering artist educators such as Rashid Choudhury and Zainul Abedin. In partnership with the Goethe Institut Bangladesh, the Samdani Art Award will be curated by Philippe Pirotte (Rector, Art History and Culture Education Department, Stäedelschule) and the 12 short listed artists will be commissioned to make new work for the exhibition. The 2020 Short List includes: Ariful Kabir, Ashfika Rahman, Faiham Ebna Sharif, Habiba Nowrose, Najmun Nahar Keya, Palash Bhattacharjee, Promoti Hossain, Soma Surovi Jannat, Sounak Das, Sumana Akter, Tahia Farhin Haque, and Zihan Karim. The winner of the prize will receive a funded residency at the Delfina Foundation in London, and will be selected by an jury chaired by Aaron Cezar (Director, Delfina Foundation) with Adrián Villar Rojas (artist), Carolyn Christov-Bakargiev (Director, Castello di Rivoli), Julie Mehretu (artist), and Sunjung Kim (President, Gwangju Bienniale Foundation). Sristi Binash (Bangla for “create and destroy”) is an international, cross-cultural and cross-disciplinary research project aimed at developing new tools and methodologies for creating culturally rooted, ecologically sustainable, and socially responsible exhibition displays. The project is funded by Pro-Helvetia Swiss Arts Council, and led by the Swiss design research practice common-interest in collaboration with DAS. Its team is comprised of Shawon Akand (freelance artist and researcher, Bangladesh), Huraera Jabeen (architect, PhD, Brac University), Prem Krishnamurthy (exhibition maker, Wkshps), Khan Md. Mobinul (engineer, Dhaka Art Summit), Nina Paim (design researcher, common-interest), Ashfika Rahman (freelance artist, Bangladesh), Asifur Rahman (architect, Dhaka Art Summit), Dries Rodet (architect, Truwant+Rodet) and Inteza Shariar (freelance architect, Bangladesh).
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